Um álbum divertido e emocionante. Este título é uma reminiscência dos primeiros trabalhos de Stewart Copeland como Klark Kent e contém algumas ideias desenvolvidas de seu trabalho solo anterior, bem como de suas composições de videogame. Os outros músicos ajudam a concretizar as ideias, tornando a música mais envolvente. As letras carregam a marca do senso de humor de Stewart Copeland, mas os backing vocals adicionam personalidade às músicas, tornando-as ainda interessantes após a primeira audição e a piada acabada. A musicalidade é estelar, mas não ofusca o conteúdo das próprias canções, uma tarefa tipicamente difícil para os supergrupos realizarem. Um álbum divertido, mostrando como é divertido fazer música interessante com músicos que querem apenas incluir o ouvinte em toda a diversão que tiveram ao fazê-la.
Hallelujah the Hills surgiu das cinzas de Boston lamentou o falecido Stairs . Quando o Stairs entrou em colapso no final de 2005, o vocalista/compositor Ryan Walsh e o baterista Eric Meyer anunciaram a formação de sua nova banda. Com o nome da comédia cult de Adolphus Mekas de 1963, Hallelujah the Hills estabeleceu uma formação inicial de Walsh e Meyer , David Bentley (violoncelo, guitarra), Joe Marrett (baixo) e Matt Brown (sintetizador, samples, guitarra, melódica). O trompetista Brian Rutledge juntou-se alguns meses depois, e Elio DeLuca substituiu Brown nos teclados no início de 2007. Incorporando elementos do power pop lo-fi do Guided by Voices , a música de banda marcial do Neutral Milk Hotel e os gorjeios fora de forma de David Byrne , os shows ao vivo do Hallelujah the Hills rapidamente ganharam elogios do The Boston Phoenix e Salon. com. Essa democracia em ruínas pode ser ouvida no álbum de estreia da banda, Collective Psychosis Begone , lançado pela Misra Records em junho de 2007.
Eu gosto de pop. Sempre gostei e sempre irei curtir. Acredito que não é o gênero musical que determina a qualidade de uma música ou de um artista. Tem muita coisa ótima na música pop e muito material péssimo no rock e no metal. Vejo a música de duas maneiras: a boa e a ruim. Rótulos são importantes, mas apenas nos guiam nesse oceano de infinitas possibilidades.
Dua Lipa é uma cantora londrina que lançou em 2020 o seu segundo disco, Future Nostalgia. Ele é o sucessor da estreia batizada apenas com o nome da vocalista, e que chegou às lojas em 2017. Future Nostalgia vem com onze faixas em pouco mais de 37 minutos, e é excelente. Não à toa foi aclamado pela crítica mundo afora, com notas beirando o máximo em diversos sites e revistas. Aqui não vai ser diferente.
Musicalmente, o que temos é um trabalho que traz elementos de gêneros como disco music, dance pop e synth pop, além de influências de house, new wave e R&B. O resultado é um som invariavelmente dançante, cujas bases instrumentais vêm sempre carregadas de muito balanço e groove. Como acontece com diversas cantoras pop, a melodia das canções vem quase sempre das linhas vocais de Dua Lipa, e aqui tudo muda de figura. Criativa e com um tom de voz grave e extremamente agradável, a inglesa mostra que tem tudo para voar alto como um dos maiores nomes do pop nos próximos anos.
O tracklist de Future Nostalgia é repleto de hits já consolidados e potenciais como “Don’t Start Now”, “Cool”, “Physical”, “Levitating”, “Hallucinate”, “Love Again” e “Break My Heart”, em uma sonoridade agradável e que destoa da pasteurização produzida em massa no pop atual, onde os timbres similares do pro tools e outros softwares fazem todas as vozes parecerem iguais. Pelo contrário: a voz de Dua Lipa é calorosa, quente, viva e pulsante, com interpretações também cheias de personalidade.
De tempos em tempos encontramos o cobiçado pop perfeito pelo caminho. Em 2020 ele atende pelo nome de Dua Lipa.
Assim como você, eu também não consigo acompanhar tudo que é lançado. São discos e discos e mais discos, e fica impossível ouvir tudo que chega ao mercado, ainda mais quando é preciso equilibrar a produção do site com a sua atividade profissional. Essa é uma das razões que faz com que eu abra um sorriso toda vez que recebo uma remessa com CDs enviados por uma gravadora, pois sei que ao ouvir cada um daqueles discos com atenção e escrever sobre eles para os leitores da Collectors Room entrarei em contato com algumas bandas que provavelmente não chegariam aos meus ouvidos se o site não existisse.
É o provável caso do Overlloud. O quinteto paraibano foi formado em Campina Grande no ano de 2011 e em 2019 lançou o seu disco de estreia. Splendor Solis saiu pela Hellion Records e caiu como uma luva em meus ouvidos. Um dos pontos para essa simetria é a enorme influência de Iron Maiden presente na sonoridade do Overlloud, e como também tenho o Maiden como uma das referências centrais do meu universo musical, tudo fica mais fácil.
Splendor Solis traz oito composições próprias que mostram uma banda madura e pronta para cair no gosto dos fãs país afora. A excelente produção deixou o material ainda mais forte, e é um ponto que merece destaque. Musicalmente, como já dito, o Overlloud caminha no universo do Iron Maiden e faz isso com extrema competência. O trabalho de guitarras é ótimo, tanto nas bases quanto nas harmonias e solos. O vocal de Tiago Galdino possui um registro bastante semelhante ao de Bruce Dickinson, e esse é outro ponto de elogio.
Você pode até pensar “Tá, mas então a banda é um clone do Maiden?”, mas o Overlloud passa longe disso. As influências são claríssimas, mas o quinteto soa atual e contemporâneo, como que pegando a sonoridade que consagrou a banda inglesa nos anos 1980 e atualizando-a para o tempo em que vivemos. Vale lembrar que a própria turma de Steve Harris se distancia cada vez mais dessa pegada mais “clássica”, caminhando a passos largos por um novo contexto sonoro que tem como um dos elementos principais o rock progressivo, algo que o Overlloud passa longe.
Entre as músicas gostei muito de “Buildings on Fire”, “Widowmaker”, “Abyss of the Void” e “Search for the Light”.
Pouso suaveé exatamente o que diz que é. Imagine-se caindo de uma grande altura, mas em vez de acelerar com a gravidade, você de alguma forma diminui a velocidade - a ponto de ficar quase suspenso no ar - antes de chegar a um final suave. Isso é exatamente o que o álbum retrata; uma obra que a princípio soa ansiosa e frenética, antes de se encontrar progressivamente encerrada em seu próprio devaneio. Há também muitas metáforas efêmeras que encapsulam o mesmo sentimento que o álbum busca - atingir aquela primeira boa alta no clube, o final de um longo dia gratificante, olhar para fora do avião no momento em que você vai acima das nuvens ... entre muito mais. Por mais temporária ou permanente que seja, é na busca e conquista do ideal que o álbum foca, em seus altos e baixos, em seu físico e intangível. É exatamente como você imaginaria que fosse: soa sonhador e etéreo, embora da mesma forma não seja tão inundado a ponto de você não conseguir discernir nada. Polly Mackey e sua equipe trataram o álbum com tanto amor que permite que todas as suas influências e aspectos respirem sem ajuda - ele imediatamente atinge você com o quão brilhante é, e certamente garantirá retorno após retorno para cada uma de suas complexidades. desvendado.
The sonic details on this album are incredible - from production to sound manipulation, it is surely one of 2023's high points. With an album like this, falling into the pitfalls of "too much reverb" and melody death is all too easy in search of a dreamy atmosphere, but this vaults over them. The opener, "A Place to Lie", is one track that best exemplifies it. That ominous synth from the first second isn't actually a synth, but a nylon guitar put through pedal after pedal, morphed from layer between layer, which gives it the distinct sound it has. All the little electronic details build up from that - a sweeping synth carrying the chord progression along joins at first, before more synth lines carrying their own melodies are added minute by minute. Every percussion choice in this song is fantastic as well and that is testament to Marika Hackman . Eles começam nesse ritmo rápido e agitado e, junto com a melodia crescente, trabalham até essa liberação frenética e catártica. Mesmo em todo o caos, existem todos esses detalhes minúsculos e polidos que aceleram a música o tempo todo, levando a uma recompensa incrível.
Há uma clara influência club e rave em todo o álbum - "Close to the Clouds" é contundente desde o início - tem toques de witch house, com suas teclas brilhantes e linha de baixo esmurrada. "Real Life" continua essa sensação, no que é uma abordagem fantástica do tech house. Levada à tona por esta linha de sintetizador arrebatadora antes de voar alto com seu refrão final, "Real Life" encapsula o drama de alcançar uma alta transitória, como um amor inatingível, antes de ser rapidamente derrubado quando o fogo se extingue e a realidade entra em ação. "Heaven Hanging Low" relembra os aspectos de bateria e baixo de "A Place to Lie", começando suave antes de estourar em um dos momentos frenéticos do álbum em geral. Ben Howard
Além dos momentos inspirados no clube, também estão algumas faixas fantásticas: , é uma faixa que sobe em uma mistura pop-shoegaze de sonho completa depois de carregar com sua combinação de teclas tipo transe e guitarras elétricas. "Out There" é muito para absorver, com sua eletrônica contrastando entre suave e duro ao mesmo tempo, pois demonstra efetivamente uma anedota que está se tornando cada vez mais prevalente: alguns dos jovens de hoje passam a vida desiludidos e presos no hedonismo, e a luta para sair do círculo vicioso. Muitas das faixas do álbum também envolvem downtempo e R&B alternativo: "Waves" é uma das melhores a esse respeito, uma faixa muito mais lenta e groovy - o afrodisíaco do álbum - que é definitivamente bem-vinda após a energia do soco triplo que precede isto. "Too Bright" encerra o álbum de uma forma trip hop,
Embora Soft Landing persiga o significado do ideal, Mackey está ciente do terreno acidentado envolvido em alcançá-lo. O álbum no fundo é confessional. Ela mesma viu o consolo na felicidade transitória que se apresenta como o ideal - amor, drogas, sair, dar tudo - e através do álbum, reflete sobre tudo isso. Essa luta é metaforizada através do corpo humano e muito do seu movimento: “escorregar pelas paredes, pés fora do chão”, ela canta na primeira faixa. "Pull me back in", ela canta em "Real Life". Ambos conseguem demonstrar o bem e o mal ao mesmo tempo; o desejo, a alegria, a ganância, o desamparo. Ela pode estar levitando no espaço e presa entre quatro paredes.
Pode ser difícil ser feliz e ainda mais difícil alcançá-lo, embora não importa quão curto ou longo seja, ele está muito presente e vivo. Este álbum encapsula isso perfeitamente - a música vive no momento e é profunda no pensamento e pode soar tanto serena quanto ameaçadora. Soft Landing é uma declaração sincera e ambiciosa nesse sentido, e estou apenas grato que a música a reforça totalmente pela devida diligência que recebeu. É um trabalho completamente sólido, executando toda a variedade de tropos eletrônicos e indie incrivelmente bem, mantendo-se coerente e no caminho certo o tempo todo. Foi um prazer ouvir isso, e vou ouvi-lo por muitos dias.
ANOHNI é um talento geracional, e seu novo álbum My Back Was A Bridge For You To Cross parece o ponto culminante de sua carreira de 25 anos. Ela se reúne depois de mais de uma década com a banda de longa data The Johnsons, e assim a paleta sonora remonta aos lançamentos pop de câmara dos anos 2000. No entanto, a influência de seu álbum solo eletrônico Hopelessness é sentida através da presença das construções instrumentais maximalistas em “Scapegoat” e “Rest”, bem como a chicotada de “Go Ahead”, que vira imediatamente à esquerda com sua ousadia, estrutura experimental.
A performance vocal de ANOHNI é camaleônica e também se baseia em todo o seu trabalho anterior. Em “Sliver Of Ice” ela faz o papel de uma tímida cantora lounge, e então uma mera canção depois em “Can't” ela chora como uma banshee, evocando urgência dentro do ouvinte através de sua performance dolorosa. Essa urgência é multiplicada pelo conteúdo lírico de My Back Was A Bridge , que transborda sadismo e masoquismo em igual medida. ANOHNI se dirige a familiares mortos, canta da perspectiva de seus amigos mortos e lamenta nosso planeta moribundo, tudo entrelaçado com imagens literais e metafóricas de violência, articulações doloridas e ossos quebrados.
Por mais sombrio que pareça, o tom geral do álbum é confrontador em vez de sombrio, e em vez de apenas inspirar desesperança, ele funciona como um chamado às armas. Um exemplo é o riff maciço que irrompe no último minuto de “Scapegoat” como um raio de sol através de uma tempestade – é um momento épico e inspirador que liberta você do ataque de temas sombrios, mesmo que apenas por um momento.
E então, no momento final do álbum, ANOHNI nos deixa com a mensagem “For me / You be free for me” . Ela permitiu que o ouvinte sentisse a dor que ela sente, mas, no final das contas, nos concede permissão para romper essa emoção e avançar com mudanças progressivas para nós mesmos e para o nosso planeta.
Madonna com a sua Madame X Tour cativou o público esgotando audiências em todo o mundo com a sua intimidade incomparável. Essa experiência rara e inesquecível foi documentada em Madame X, um filme conceptual e banda sonora digital em 2021. Neste verão, a banda sonora fará a sua estreia no formato físico, mais concretamente em vinil, numa edição limitada deluxe de 3 LPs que inclui duas faixas bónus inéditas.
Disponível em 22 de setembro, “Madame X: Music From The Theatre Xperience” apresenta 22 apresentações ao vivo de músicas que abrangem eras notavelmente diferentes da carreira de Madonna, incluindo o seu nono álbum Nº 1, “Madame X”. A edição em triplo LP apresenta apresentações ao vivo exclusivas de “Crave” (com a participação de Swae Lee) e “Sodade”, duas músicas que não constam do alinhamento da banda sonora digital.
“Madame X: Music From The Theatre Xperience” foi gravado em janeiro de 2020 no Coliseu dos Recreios de Lisboa, durante a Madame X Tour. Desde a Virgin Tour de 1985 que Madonna não se apresentava ao vivo em espaços mais pequenos.
Os Talking Heads uniram forças com o realizador Jonathan Demme para o inovador filme-concerto “Stop Making Sense”. Para comemorar o 40.º aniversário dos concertos filmados Stop Making Sense, uma versão 4K recém-restaurada do filme regressará aos cinemas com a A24.
Igualmente vai ser lançada a 18 de Agosto uma versão deluxe da banda sonora que inclui, pela primeira vez, a totalidade do concerto “Stop Making Sense”.
A banda sonora inclue todas as canções do filme, incluindo duas inéditas – “Cities” e “Big Business / I Zimbra.” A edição limitada em vinil inclui um livro com 28 páginas com fotos inéditas e notas pelos quatro membros de banda –Tina Weymouth, David Byrne, Chris Frantz e Jerry Harrison
Já está disponível uma versão ao vivo inédita de “Cities.” Só foi incluída na edição original do filme Stop Making Sense em VHS/DVD, em 1999, mas agora é o primeiro single dos Talking Heads em mais de 30 anos.
A ideia de “Stop Making Sense” surgiu quando Jonathan Demme assistiu a um concerto dos Talking Heads durante a digressão “Speaking in Tongues”, em 1983. O realizador propôs à banda transformarem o concerto num filme, eles aceitaram e cooperaram nos meses seguintes para finalizarem os detalhes. Para produzir Stop Making Sense, Demme filmou três concertos no Pantages Theater em Hollywood, em dezembro de 1983.
O filme oferece uma retrospetiva da banda até essa altura, com canções dos seus seis álbuns de estúdio. O concerto corre metodicamente, abrindo com Byrne a interpretar “Psycho Killer” a solo com uma máquina de ritmos. Depois de cada canção, surge um novo membro da banda, até Byrne, Weymouth, Frantz e Harrison estarem todos juntos em palco. O grupo vai aumentando durante o concerto, com a chegada dos membros da banda reunida para a digressão: o teclista Bernie Worrell, o percussionista Steve Scales, guitarrista Alex Weir e as cantoras Lynn Mabry e Ednah Holt.
A banda interpreta 18 canções, incluindo o seu mais recente single na altura, “Burning Down The House.” No verão, a canção ouviu-se muito na radio e na MTV, e foi o primeiro Top 10 da banda na América. Mas um dos grandes momentos do filme é outra canção de “Speaking in Tongues”.Byrne interpreta “Girlfriend Is Better” com o seu icónico fato demasiado grande, inspirado nos trajos do teatro tradicional japonês – e a capa do álbum mostra-o assim vestido.
“Stop Making Sense” centra-se na música dos Talking Heads mas inclui algumas canções gravadas à margem da banda: “Genius Of Love” pelos Tom Tom Club, e “What A Day That Was” e “Big Business,” do álbum “The Catherine Wheel”, lançado por Byrne a solo em 1981.
Apenas três meses depois de ter lançado o tema “Attention”, a norte-americana Doja Cat regressa com o single “Paint The Town Red”.
O single vem acompanhado pelo vídeo realizado pela cantora e Nina McNeely, num cenário no qual a artista seduz e dança com a morte. O vídeo é baseado em pinturas feitas pela própria Doja Cat.
Adamo Canta em Português ( EP A Voz do Dono/V.C. - 7 LEG 6051, 1967). Edição portuguesa.
Faixas / Tracks: Eu Amo (J'aime) / Cai a Neve (Tombe La Neige) / Uma Recordação (Une Mèche de Cheveux) / Ela (Elle) Orquestra dirigida por Oscar Saintal
Letra do tema: Uma recordação (Une mèche de cheveux)
Passa o tempo e ao passar Com razão, sem razão Há-de sempre apagar Qualquer recordação Poderá suceder Tudo pode ter um fim Mas não posso esquecer O que foste p’ra mim
Anjo louro que eu vi E não voltas, talvez O que é feito de ti Quero ver-te outra vez!... Solitário fiquei Porque sonhei de mais Mas eu não encontrei Como tu ninguém mais!...
Eu bem sei que onde estou Guardo um sonho que foi meu Pequena réstia de sol Dum cabelo que foi teu… E um passado que acabou Eu fechei numa só mão Pois tudo a vida me levou Menos esta recordação!...
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