formada em 1978 em Crawley, West Sussex. Ao longo de inúmeras mudanças na formação desde a formação da banda, o guitarrista, vocalista principal e compositor Robert Smith permaneceu o único membro constante.
O álbum de estreia da banda, Three Imaginary Boys (1979), junto com vários singles iniciais, colocou a banda nos movimentos pós-punk e new wave que surgiram no Reino Unido. Começando com seu segundo álbum, Seventeen Seconds(1980), a banda adotou um estilo novo, cada vez mais sombrio e atormentado, que, junto com o visual de palco de Smith, teve forte influência no gênero emergente do rock gótico, bem como na subcultura que eventualmente se formou em torno do gênero. Após o lançamento do quarto álbum da banda, Pornography (1982),
Smith introduziu uma maior sensibilidade pop na música da banda, e eles posteriormente obtiveram sucesso mundial. Sua compilação de singles Standing on a Beach (1986) vendeu quatro milhões de cópias em todo o mundo em 1989, e eles atingiram seu pico comercial com os álbuns Disintegration (1989) e Wish (1992). The Cure lançou 13 álbuns de estúdio, dois EPs, mais de 30 singles e vendeu mais de 30 milhões de álbuns em todo o mundo. Seu álbum mais recente, 4:13 Dream, foi lançado em 2008. The Cure foi introduzido no Hall da Fama do Rock and Roll em 2019.
O Hall da Fama do Rock and Roll escolheu o The Cure para indução em sua classe de 2019. Embora o The Cure fosse elegível para o Hall da Fama desde 2004, eles foram indicados apenas uma vez anteriormente, em 2012.
O formal A cerimônia de posse foi realizada em 29 de março de 2019 no Barclays Center em Brooklyn, Nova York.
Os membros nomeados pelo Rock Hall para indução como parte da banda são Bamonte, Cooper, Dempsey, Gabrels, Gallup, O'Donnell, Smith, Thompson, Tolhurst e Williams.
Gabrels inicialmente não foi incluído na indução, mas foi adicionado em fevereiro de 2019. Na cerimônia do Hall of Fame em 29 de março de 2019, o Cure foi empossado por Trent Reznor e executou cinco canções.
Flor de Loto é uma banda consagrada no metal latino-americano, com 8 álbuns em seu currículo, a presença de um produtor internacional e interações com figuras muito importantes do metal, apresentou com isso seu último álbum, Lines of Nasca, um álbum que, desde a sua imagem, mostra o quão representativo e importante é o lugar onde flui a música desta banda andina de rock/metal progressivo. Preferem o inglês nas suas canções, embora também tenham tido canções em espanhol, nesta ocasião as 6 canções e 1 cover que apresentam neste álbum são em inglês, destacando a voz icónica da Rapsódia, Fabio Lione, no primeiro e tema do penúltimo álbum. A capa é uma bela fotomontagem do lugar mítico de Machu Pichu, as linhas de Nazca, geoglifos do deserto de Nazca incluindo um zodíaco,
Império de vidro (06:20): Uma música enérgica para iniciar o álbum, a cavalgada do power metal e uma quena carregando a melodia principal movem um hino que neste álbum voltam a mostrar, mas em versão melhorada, junto com Fabio Leão. Esta música está em espanhol em seu quarto álbum Imperio de Cristal. A letra fala de uma reflexão sobre o quão difuso pode se tornar o olhar para a vida e a vontade de mudar esse cenário, um convite para empreender.
Animal (03:52): mais uma música épica e muito enérgica onde a bateria não para de carregar as baterias para se movimentar, os teclados soam como um acompanhamento perfeito e se destacam em um arpejo bem eletrônico, um solo de quena virtuoso e melódico para seguir em frente para um solo de guitarra que segue o caminho de ligar tudo o que você está fazendo, para que você se solte daquele animal.
Slave to your soul (feat. Doogie White) (04:58): um início tranquilo com a voz do renomado colaborador de tantos artistas do rock. Uma canção de amor em busca de paz interior, que explode aos 1:46 com uma guitarra cativante e um riff de quena. A música daqui em diante é muito impetuosa, buscando sempre a conhecida progressão harmônica mas carregada de energia andina.
Medo de atirar em estranhos (cover do Iron Maiden) (06:50): uma ótima versão onde a quena se casa nas melodias e solos dessa grande música do Iron Maiden. A guerra ainda é um problema, onde as soluções surgem devido à tecnologia que a impulsiona, é uma pena que não tenhamos aprendido que o impulso bélico apenas destrói e portanto ninguém está isento do seu mal.
Linhas de Nasca (05:26): um instrumental que demonstra toda a história deste patrimônio mundial. Nos últimos anos, as linhas de Nazca têm sofrido com idiotas que acreditam que podem conduzir os seus veículos por ali. Este tema varia em intensidades e passagens de lentidão e velocidade.
Regression (feat. Fabio Lione) (04:34): heavy metal e quena é o que destaca musicalmente essa música, melodias e pedal duplo, a voz de Fabio faz um cruzamento cultural que apresenta uma banda muito orgulhosa do som de sua terra. Num formato clássico de heavy metal ele nos conta as coisas que nos vêm à mente do delírio.
Até o final (09:50): Esta última peça do álbum nos apresenta o progressivo que a banda mantém, uma letra de elogio à melhoria, muita melodia, acompanhamentos do ar. O grupo varia nas diferentes possibilidades que a harmonização dá para depois acalmar todo esse percurso, e assim preparar um retorno ao andante, em progressões simples.
Os amantes do power, do heavy e do folk rock gostariam de experimentar este álbum, altamente recomendado para incluir numa playlist para motivar algum treino ou uma viagem. O uso da quena é fundamental nas melodias e fica claramente demonstrado no cover que elas possuem. Sinto que este álbum não mostra muito progressivo, apenas como ingrediente e em algumas músicas e aqui pode ser abordado o tema do que é progressivo na música. Isso é muito heavy e folk metal, mas de ótima qualidade e melhor que nossos vizinhos no Peru.
[ eMolecule ] é o mais recente projeto musical de Simon Collins, filho de Phil Collins, e Kelly Nordstrom , ambos renascidos das cinzas do Sound of Contact, banda que conseguiu publicar apenas um álbum de estúdio em 2013: “Dimensionaut”.
Com Collins na bateria e voz, Nordstrom na guitarra e ambos na produção, “The Architect” - publicado em 10 de fevereiro de 2023 - é o primeiro trabalho que nos apresentam sob o nome eMolecule ; dando-nos também uma afirmação da sonoridade em que a dupla se firma além de suas influências e projetos anteriores. “The Architect” é um álbum que em todo o caso e nas suas características mais amplas é influenciado por uma sonoridade semelhante à do último trabalho a solo de Simon : “Becoming Human” (2020), vestindo-se com uma fusão progressiva e industrial que se cruza com elementos de estilo stoner rock pesado.
The Architect” consiste em 11 músicas e duração total de 1 hora e 9 minutos, sendo o homônimo da banda, “ eMolecule ”, a carta de capa do álbum. Nisso embarcamos em alguns minutos iniciais com muita energia e riffs pesados e depois nos transportamos para um som um pouco mais harmonioso e atmosférico, fazendo uma conversa entre aquela gravadora que me leva aos aspectos pesados de Porcupine Tree , Tool ou Wheel , as vozes processadas com um efeito de reverberação que fazem uma referência divertida à música de Simon : “Thoughts Become Matter” (2020), e aos samplers quase industriais de How To Destroy Angels.
O agora homônimo do álbum, “ The Architect ”, é, de certa forma, como uma continuidade daquela referência a Porcupine Tree ou Steven Wilson, e talvez agora dando acenos especificamente ao álbum “To The Bone” de Wilson (2017), mas com toques dos arranjos industriais de Skold em seu álbum “Anomia” (2011) *
“ Prison Planet ” é uma faixa com um visual mais melancólico e introspectivo, com uma estrutura de tonalidade “slow-tempo” mas com um poder processado industrialmente e direto na cara; mid-tempo, algumas lindas baterias aparecendo “I Don't Care Anymore!” de Phil Collins (1982) acompanhado de um vaivém de arranjos melódicos de guitarra . A melodia do piano que surge depois disso comporta-se como uma trégua desse poder e depois o reincorpora por mais um minuto.
“ Mastermind ”, embora continue a incorporar aquele poder que caracteriza o álbum, é inicialmente vestido com uma roupa um pouco mais “nü-metal” ao estilo do Linkin Park ou do P.OD.,um tanto industrial e processado, mas com vocais sutilmente rap. Nos aspectos estruturais e talvez mais próximos do que caracteriza o progressivo, a música é uma daquelas que poderia ser dividida em momentos ou partes, sendo neste caso dois momentos principais: o primeiro é aquela peça de nü-metal que depois é interrompida por um interlúdio que refere-se a arranjos de violino e cria um diálogo com uma voz principal. Esse interlúdio logo abre o que seria a segunda parte da faixa, que se revela com riffs e melodias que me fazem pensar em “The Beautiful People” de Marilyn Manson (1996) e depois em “Strange Machines.” de The Gathering ( 1995 ) como possíveis influências diretas .
“ Dosed ”* aparece como um outtake imaginário de “Mer de Noms” de A Perfect Circle (2000) no seu melhor, e até piscando para os gritos em “fry” de Maynard James Keenan, dando destaque também àquelas características densas do stoner rock .
E como se estivéssemos perante um interlúdio e início do lado B do álbum, “ The Turn ” com um pequeno silêncio introdutório de alguns segundos envolve-nos numa espécie de “estudo de piano” ou sonata de piano que aos poucos vai ganhando confiança, que Ao mesmo tempo, sugere que se trata de uma pausa ou prelúdio para nos transportar para alguns riffs industriais “pesados” que indicam uma marcha constante e um tempo fundido a alguns samplers vocais de um suposto monólogo de filme que parece ficção científica. *
“Awaken ” mostra-nos a viragem mais íntima de Simon Collins , de tal forma que poderíamos estar perante uma música completamente acapella e ainda assim seria uma peça cheia de sentimentalismo, melancolia e tristeza; às vezes, talvez devido a certas semelhanças na voz, fazendo-me sentir que estou realmente ouvindo uma balada comum de Phil Collins ou Genesis em sua época entre 1986 e 1992. *
“ Beyond Belief ” e “ The Universal ” são faixas que são introduzidas completamente impregnadas de nuances eletrônicas e industriais, como se fossem até remixes de Trent Reznor que contrastam com a distorção do vocoder de músicas como “In The Air Tonight”, novamente, de Phil Collins (1981); Já "The Universal" exibe uma estética vocal semelhante à violência de Filter e um solo de guitarra distante e pequeno que dá um aspecto mais atmosférico .
“ My You” agarra-se mais uma vez àquela melancolia de “Awaken”, revelando uma carta de amor e um perfil particularmente íntimo e comovente que me torna inevitável ligá-lo às músicas lentas do último trabalho de Devin Townsend: Lightwork (2022 ) . O último solo de guitarra de Nordstrom aqui está vestido com aquela atmosfera progressiva clássica de músicas como “Firth of Fifth” do Genesis (1973), “Lavender” do Marillion (1985) ou “Burden” do Opeth (2008) que inexplicavelmente fazem você voar alto e perder-se no espaço e no tempo. *
Com notas tristes de um piano nos rendemos a “ Moment of Truth ”, que assim como “Mastermind” também é sobre uma música que se divide em dois momentos principais: o primeiro sendo uma introspecção que mostra uma voz decepcionada em diálogo com batida e tensão que vai e vem na cor do piano e às vezes como mistura e união de todos os instrumentos numa linearidade melódica; O segundo momento é reformado através de um sampler tipo telejornal que abre alguns riffs mais técnicos e djent que nos acompanham por apenas um minuto , fechando a música e “The Architect” na íntegra.
"The Architect" é um álbum que, mesmo tendo trajetórias diferentes de cada um de seus integrantes, sendo o primeiro como eMolecule , aborda tecnicamente uma gravadora sonora com a qual a dupla não havia trabalhado antes, e portanto essas ligações não podem ser feitas exceto para outros trabalhos de outros artistas, por isso embora do aspecto vocal e dos arranjos industriais o álbum possa ser visto como uma continuidade do trabalho solo anterior de Collins, com “ The Architect "Parece-me pertinente construir ideias a partir de citações a outros músicos ou peças musicais específicas que, naquela espontaneidade ao tocar, vêm à mente.
“The Architect” é um álbum com muita força e energia, progressivo, denso e industrial, mas também com subtilezas de uma linguagem mais intimista e sentimental que proporcionam uma pausa e descanso como os espaços “em branco” deixados num desenho.
Marianne Faithfull é uma cantora e ex-atriz de 76 anos que se aproxima rapidamente e Negative Capability é o 21º álbum de estúdio de sua carreira de 57 anos…
Ela nunca foi convencional, ela gravou e lançou dois álbuns de estreia – um esforço 'pop' a pedido de sua gravadora e um folk definido como sua própria vocação. Como uma jovem com voz açucarada, ela teve sucesso comercial em meados dos anos 60, mas também ganhou notoriedade através do relacionamento com Mick Jagger e da dependência de álcool e heroína. Reemergindo como uma cantora rouca e encharcada de uísque no final dos anos 70, ela manteve uma produção regular desde então e é muito singular em sua identidade musical.
Feito com muitos colaboradores de longa data, incluindo Nick Cave e Ed Harcourt, a própria Faithful descreve este como seu “álbum mais honesto”. A abertura “Misunderstanding” é duramente autobiográfica, é triste, solitária e queixosa. Ela não é a cantora mais técnica, mas sabe cantar e sua voz combina muito com sua musa. Seu apelo estará entre aqueles que apreciam artistas como Nick Cave, que aparece na abertura, e co-escreveu e canta na segunda faixa “The Gypsy Faerie Queen”. A música é mais folk do que a de Cave, mas é piegas em medidas iguais.
O hit de 1965 “As Tears Go By” faz sua terceira aparição no canhão gravado de Faithfull como a faixa três, e é uma leitura delicada e com um toque de arrependimento, sua voz como está agora tornando-a uma proposta bem diferente da primeira versão. É também uma performance vocal poderosa, encharcada de caráter, mais do que encharcada de uísque. “In My Own Particular Way” é um apelo ao amor e à admissão de estar pronto para o amor, finalmente, 'Eu sei que não sou jovem e estou danificada, mas ainda sou bonita, gentil e engraçada' ela implora. “Born to Live” é uma faixa de voz e teclado, evocando meados do século XX cabaré europeu do século XIX, que é uma pedra de toque importante para este álbum, como tem sido repetidamente ao longo das obras gravadas de Faithfull. É bem pesado, provavelmente deveria se chamar “Nascido para Viver e Nascido para Morrer” e contém o dístico 'Não me faça chorar, saiba o que devo fazer, Ore por uma boa morte, uma para mim, uma para você'.
“Witches Song” é outra revisitação de uma época anterior. É alegremente folk e plácido, quase fantasmagórico. É um grande momento em um histórico forte. “It's All Over Now, Baby Blue” de Dylan é apresentada de forma semelhante, com uma batida fúnebre subjacente, mas ainda reconhecível como a música icônica que é e também contém outro grande vocal. “They Come at Night” é uma co-autoria com Mark Lanegan e aborda as consequências dos ataques de Paris em 2015 e nasceu da teoria de Hal Wilner de que a cada 70 anos os nazistas revivem de uma forma ou de outra. Não é fácil ouvir: 'Aqueles que sobreviveram naquela noite ainda estão completamente traumatizados, Mas as outras almas azaradas, baleadas como cães entre os olhos'. Musicalmente, a música é tão agourenta quanto a letra, é forte e inabalável. O álbum encerra com “Don't Go” e “No Moon in Paris”, duas co-escritas com Ed Harcourt.
É preciso dizer que Marianne Faithful continua sendo um gosto adquirido, mas quem gosta de arte ao ouvir música encontrará muito interesse aqui. Eu gostaria de visitar alguns de seus álbuns anteriores com certeza depois de ouvir isso, e em “They Come At Night” encontrei uma das minhas faixas absolutas de 2018.
Nástio Mosquito desvenda “GESTURE IV”, mais um tema a alinhar na contagem decrescente estabelecida para a edição de “0” – o seu terceiro álbum de originais.
Mantendo a produção e escrita de Nástio Mosquito, NDU, e Anders Filipsen, neste “GESTURE IV” deparamo-nos novamente com o sax incendiário de João Cabrita, e as inefáveis vozes das Patrícias, numa sinuosa e ondulante viagem de onze minutos e meio.
“A chuva molha…” anuncia Nástio, em Inglês, ao princípio deste Ato IV. Seguem-se quatro “movimentos” musicais distintos nesta viagem do Ato IV, com travessias variadas que nos transportam numa autêntica e visceral celebração dos sentidos.
“0” será o terceiro e mais recente passo na busca incessante de Nástio Mosquito para a edificação de ferramentas de autorreconhecimento humano, podendo definir-se como uma autêntica viagem em direção à alegria da reinvenção. “0” fechará, deste modo, a trilogia “Empowerment of a Generation”, iniciada em 2014 com “Se Eu Fosse Angolano”, a que a segunda parte, “Gatuno Eimigrante e Pai de Família”, deu continuidade em 2016.
Cardi B está de regresso e pronta para encerrar as festividades de Verão, em grande, com a nova colaboração “Bongos“, com Megan Thee Stallion. “Bongos” foi editado via Atlantic Records e vem acompanhado por um vívido e colorido vídeo realizado por Tanu Muino.
O cenário para o vídeo é o oasis de Cardi B, com a dupla rodeada por bailarinas deslumbrantes. “Bongos” estreou globalmente na MTV, MTV Live, MTVU, MTV Biggest Pop, YO! MTV, BET Jams, e BET Hip Hop, assim como nos billboard’s da Paramount em Times Square, Nova Iorque.
O single chega em paralelo com o anúncio histórico de 12 nomeações para os BET Hip-Hop Awards.
Antes de “Bongos“, Cardi B e Megan Thee Stallion lançaram o hit viral “WAP”.
DOJA CAT acaba de lançar a sua nova faixa “Demons”, que vem acompanhada de um novo e arrojado vídeo, filmado em Los Angeles, Califórnia, e realizado por Christian Breslauer (SZA/Chris Brown) e DOJA CAT.
O vídeo conta com uma participação especial da atriz vencedora do Emmy, Christina Ricci (“A Família Addams” / “Wednesday”, da Netflix).
Referência da música independente dos últimos anos, enquanto guitarrista e voz dos The xx, Romy estreia-se agora a solo com “Mid Air.”
Disco que celebra a música de dança e a capacidade de salvação da pista de dança, “Mid Air” fala de amor, relacionamentos, luto, identidade, sexualidade e é uma carta de amor declarada aos clubes queer, locais em que a britânica encontrou uma comunidade e uma conexão.
O álbum “De Sombra a Sombra” conta e explora, de forma mais ou menos literal, todas as sombras de Milhanas, um disco que acompanha cronologicamente a sua vida e os seus lamentos.
Após o lançamento do álbum, em maio deste ano, a artista de vinte e um anos decidiu “que não poderia existir somente o lado negro da história e achei que a melhor forma de celebrar as minhas sombras seria cantá-las ao lado de artistas que, mesmo sem que soubessem, as aclararam”. Surge assim o lado acústico das canções do disco em que cada convidado traz o seu brilho e cunho numa versão emotiva e surpreendente.
O ponto de partida é já no próximo dia 15 de setembro, com o lançamento do primeiro tema nos canais da artista, um conteúdo semanal até ao final do projecto. António Zambujo, Luísa Sobral, AGIR e Salvador Sobral são alguns dos convidados que, em dueto, acompanham Milhanas, em vídeos intimistas com a assinatura de Sebastião Ferreira.
