RESENHA: "A TRICK OF THE TAIL" DE GENESIS (1976)

«Há um anjo ao sol / livre para voltar para casa»é o que Phil Collins canta no final da instrumental "Los Endos". Quase como uma despedida de Peter Gabriel , que havia decidido sair da banda. Isto também marcou, de certa forma, um novo começo na história do Gênesis. Aquele cujo primeiro capítulo começa com este álbum,Truque da cauda que o Genesis gravou no final de 1975 nos estúdios Trident em Londres. O álbum foi produzido pela própria banda com a colaboração de David Hentschel . Homem com quem continuaram trabalhando até 1980, com o álbum Duke . 

Fundo do álbum

Desde que se soube que a banda estava em busca de um novo vocalista, passaram a receber fitas de todo o mundo. Assim, enquanto Genesis trabalhava em A Trick of the Tail , duas ou três pessoas por dia faziam testes em paralelo. Phil era quem normalmente ensinava as melodias vocais aos candidatos, e foi então que, porTony Bancos Mike RutherfordeSteve Hackett ,Começou a ficar claro que Collins estava muito melhor. Mas… ele era o baterista! Ou não foi só isso?

O momento decisivo ocorreu durante os ensaios da música “Squonk”. Todos aqueles que tentaram interpretá-lo fizeram um trabalho muito inadequado às expectativas do grupo. Foi nesse momento que Phil cantou, e o grupo percebeu que o vocalista que procuravam estava em suas próprias fileiras. Afinal, a voz de Collins sempre esteve quase subliminarmente nos álbuns do Genesis até então, tendo uma simbiose especial com a voz de Gabriel, soando como "doubletracking". Um exemplo disso está em “A Câmara das 32 Portas” ( The Lamb Lies Down on Broadway ) é um bom exemplo. E, claro, há as músicas que ele cantou, como “For Absent Friends” de Nursery Cryme e “More Fool Me” de Selling England by the Pound .

Tony afirmou que trabalhar em A Trick of the Tail foi uma lufada de ar fresco para o Genesis. Algo totalmente diferente da atmosfera um tanto rarefeita que existia quando The Lamb Lies Down on Broadway foi gravado . Por outro lado, é um álbum que surpreendeu muitos daqueles que pensavam que, com a saída de Gabriel, o Genesis ia ficar sem ideias, pois consideravam que Peter foi praticamente quem moldou a banda. Isso está completamente descartado com este álbum, possivelmente um dos melhores do grupo. Houve até críticos que acharam o Gênesis muito denso, até sombrio. Nesse contexto, A Trick of the Tail foi como deixar entrar uma luz necessária no Gênesis.

 

As músicas de A Trick of the Tail

Com A Trick of the Tail, Genesis entrega um álbum que não tem pontos baixos. O início incendiárioDançar em um vulcãoprova que Gênesis é a soma de suas partes. Sua parte inicial, assim como a de "Squonk", foi criada por Collins, Banks e Rutherford, já que Hackett estava em processo de gravação de seu primeiro álbum solo, "Voyage of the Acolyte". Isto deu-lhes confiança para continuar, apesar da importante saída de Pedro. A música foi composta, em sua maior parte, no primeiro dia de estúdio. Banks notou que soava lindo e tinha o groove do som do Genesis.

Com este início, eles apagaram de uma só vez todas as dúvidas dos torcedores, levando-os ao próximo nível. A faixa soa tão precisa e com um som tão grandioso, que poderíamos dizer que é o início mais intenso de qualquer álbum do Genesis (sem desmerecer "Watcher of the Skies", "The Musical Box" ou "The Lamb... "). É aqui que se combina o equilíbrio perfeito entre a sonoridade mais clássica da banda e o olhar para o futuro, criando toda a atmosfera que rodeava a música de meados dos anos setenta com a vanguarda e o jazz fusion.

Uma das mais belas composições de Hackett está presente com Entangled , com aquele solo final no sintetizador Arp Pro de Banks , que lhe confere um toque de catedral e algo sublime. O sintetizador que Tony usou tinha um teclado sensível ao toque, então pressionar uma tecla com força suficiente produzia um vibrato penetrante, com uma bela nota alta que soava como um coro celestial. Essa música é tão linda que, aliás, Tony Banks já disse que é sua música favorita do álbum. A música em sua forma original não tinha refrão e faltava aquele “algo” que a tornasse a maravilha que se tornou. Cativante e misterioso em partes iguais. 

A continuação desta maravilha sonora é o que dissemos ter sido decisivo na escolha de Collins como novo vocalista:Squonk. O tema é baseado na história de uma criatura mítica chamada justamente de “Squonk”, que supostamente vive nas florestas da Pensilvânia, nos Estados Unidos. Esta criatura é caracterizada por se dissolver em lágrimas quando capturada.

A bateria desta peça foi descoberta por Rutherford e Banks quando, enquanto dirigiam pela Alemanha, ouviram no rádio uma música que chamou a atenção, principalmente pela bateria. Só depois de um tempo eles perceberam que era a música "Kashmir" do Led Zeppelin e tentaram fazer a bateria soar assim em "Squonk". Assim, conseguiram ter aquela sensação lenta e profunda que “Kashmir” tinha, e que mais tarde funcionou perfeitamente ao vivo. Embora teríamos que esperar a chegada de Chester Thompson para podermos ouvir aquele som específico, já que Bill Bruford, na turnê A Trick of the Tail , não tinha interesse em soar como qualquer outra pessoa. 

Um dos momentos mais bonitos do álbum está presente com o trabalho melódico de Mad Man Moon . O início melancólico que Banks imprime na sua performance evolui para uma melodia quase cinematográfica, como uma peça de teatro, um sentimento que percorre todo o álbum. Subdividida em pequenas partes, a música surge-nos como uma viagem em diferentes actos que atravessa múltiplos sentimentos. Segundo Banks, é um tema com um lado feminino, cuja filosofia reside na necessidade de equilibrar os contrastes do mundo: o que é bom para uns, pode ser o contrário para outros. É uma das músicas que o Genesis nunca tocou ao vivo.

O álbum se completa com o quase cômico Robbery, Assault and Battery . Embora sua inspiração não venha de algo muito feliz, já que, no calor da saída de Gabriel e com dúvidas sobre a continuidade do Gênesis, seus integrantes começaram a escrever suas próprias coisas, caso o grupo acabasse. Tony começou a escrever intensamente e, entre as melodias que criou, está esta música, com uma parte central instrumental que poderia caber perfeitamente em "The Lamb...". Liricamente tem um certo humor negro, narrando as aventuras de um ladrão que é pego em flagrante, atirando em seu captor apenas para acabar perseguido e preso pela polícia. Collins, usando uma voz particular, nos diverte com a história que se desenvolve com conotações palhaçadas. A banda gravou um vídeo promocional para a música, dirigido por Bruce Gowers, o mesmo cara que filmou o vídeo de “Bohemian Rhapsody”.

Ripples , com os delicados violões de 12 cordas tocados por Hackett e Rutherford, criam a atmosfera perfeita para a doce voz de Collins. Uma música que tem uma seção intermediária com guitarras etéreas de Steve, acompanhada por instrumentação hipnótica.

A essência dos Beatles está presente em Genesis com a música A Trick of the Tail . Sua letra conta a história de uma besta mitológica com chifres que aparece em uma cidade moderna, longe de sua casa, e como é capturada e apresentada em um show, onde é maltratada. Um grupo de pessoas liberta a fera e dá-lhe coragem para voltar para casa, quando de repente vê uma espiral dourada e a fera desaparece. Isto poderia ser interpretado como uma crítica social ao racismo e à exploração.

Musicalmente, a melodia do piano vem das sessões do álbum Foxtrot , que Banks trouxe de volta, pois vibrava de certa forma com a característica do álbum que estavam criando. Um tema simples e direto, sem outra intenção que não seja entreter e ter um momento brilhante.

Se o início do álbum é incendiário, o final com Los Endos é um terremoto sonoro. A fusão do jazz e os ritmos latinos são palpáveis, e seu som lembra a grande banda Weather Report . O mellotron que se ouve no início da música veio de uma faixa que não chegou à edição final do álbum, chamada "It's Yourself". Foi por sugestão de Collins que parte daquela melodia foi aproveitada, para acelerá-la e transformá-la naquele groove jazz-rock com nuances latinas. A liberdade que Phil sentiu ao tocar bateria nesta música pode ser ouvida em sua performance enérgica, acompanhada por um baixo sugestivo de Mike. Da mesma forma, Collins se inspirou em "Promise of a Fisherman", do álbum Borboletta de Santana , para uma busca melódica e experimental que já havia começado com Brand X.

 

A turnê de divulgação do álbum em 1976 foi um desafio, já que Phil Collins se tornou, sem querer, o vocalista da banda. Um dos maiores temores que ele tinha era que, acostumado com sua posição atrás da bateria, o som desabasse, como uma torre de cartas. Felizmente isso não aconteceu, já que tiveram o professor Bill Bruford . Apesar de seu conhecido hábito de não tocar a mesma coisa duas vezes, Bruford deu a Collins confiança suficiente para ser o mestre de cerimônia.

Outra coisa era como as pessoas iriam receber este novo Gênesis. Uma versão do grupo que, assim como uma peça, passou de um arco visual poderoso (com a teatralidade natural de Peter) para um com elementos mais abertos e diretos, mas sem perder a essência. No final das contas, Phil conseguiria isso com espadas, tornando-se o vocalista mais lembrado e amado pelos fãs do grupo. Uma que, com o tempo, não só cresceria, mas também se tornaria muito mais diversificada, estabelecendo o Genesis como uma das bandas obrigatórias da música popular em todo o mundo.

«LÏAN» (2016): A ESTREIA DE RÏCÏNN, O ALTER EGO DE LAURE LE PRUNENEC

 Depois de anos trabalhando junto com o compositor Gautier Serre em Igorrr e Corpo-Mente , refletindo seu enorme talento vocal, bem como em Öxxö Xööx e Ele Ypsis , finalmente Laure Le Prunenec , sob o nome de Rïcïnn , embarcou em 2016 para trabalhar em seu primeiro álbum solo: Lïan.

Se pensarmos em todas as suas contribuições nos projectos acima mencionados, era de esperar que mais cedo ou mais tarde a senhora da vanguarda francesa mostrasse o seu lado mais íntimo e pessoal, podendo assim assumir o controlo total da composição. Uma mente tão aberta à experimentação, não só musical, mas também estética e visual em cada performance, alguém que até criou a sua própria linguagem para se expressar com mais liberdade, acabou por dar origem a Rïcïnn: o seu alter ego, o seu próprio espírito .

Publicadas a 16 de junho de 2016 pela editora Blood Music , as dez composições que compõem esta estreia mostram uma clara linha barroca, o gosto evidente pelo gótico e influências de artistas como Diamanda Galas ou Chelsea Wolfe . Com Rïcïnn , Laure move-se com total liberdade num trabalho lírico-operístico com a teatralidade que o caracteriza, e é envolta em arranjos orquestrais com inevitáveis ​​guitarras distorcidas, bem como numa muito cuidada edição e mistura sonora.

O resultado? Um salto no vazio, com uma banda sonora de fantasia para a nossa imaginação.

A porta de entrada para esse universo é Uma , primeira faixa do disco que abre com um trabalho vocal riquíssimo, no melhor estilo Lisa Gerrard . Rïcïnn destrói o seu próprio espírito e mostra-se tal como é, num mundo onírico e fantasioso, por vezes frio e desolado. Segue-se o aparecimento de uma orquestra de cordas que, musicalmente falando, nos remete calmamente a alguma melodia com ar de Clint Mansell . Num ritmo lento mas firme, o trabalho de toda a banda marca presença. A execução e o denso som da bateria, os arranjos barrocos em jogo com a voz e as texturas que Laure maneja com a sua enorme extensão vocal, revelam-nos gradualmente o seu próprio mundo.

Carregado de bateria e dando efeito cinematográfico, segue o breve Onde , praticamente como uma transição para Orchid , com ritmo e melodias mais claras. Sïen Lïan cria uma atmosfera onírica com a introdução do acordeão de Marie Leclerc , e Laure dando lugar às cordas que apresentam um belo leitmotiv com alguns andamentos irregulares, abrindo caminho a todos os instrumentos.

Little Bird começa com um belo e calmo arpejo de guitarra de Laurent Lunoi entrelaçado com a orquestração do grupo e o trabalho vocal que sustenta todo o álbum. O uso do cravo está presente, muito sutil, mas posteriormente fica mais evidente na peça seguinte, Orfeu . 

Em Drima , com todos os rumos possíveis, Laure segue livremente seu próprio rumo. Destaca-se o pequeno arranjo de baixo de Antony Miranda . Porém, sendo tão breve, nos deixa com pouco prazer. Assim entram as cordas e a bateria, e segue Lumna , com um início embalador, como uma caixa musical, acrescido de alguns efeitos da própria mixagem. Esta peça conduz então, mais uma vez, ao cravo e a algumas seções breves e bastante carregadas. Como prelúdio ao final surge Ohm , uma peça poderosa mas introspectiva, com um pseudo rufar de guerra na bateria, para depois concluir com Laid in Earth , um excelente trabalho quase operístico e muito melódico.

Concluindo, esta estreia abriu o leque de Rïcïnn , deixando as portas abertas para um universo em plena exploração, sendo continuada pelo seu segundo álbum Nereid (2020). Lïan finalmente firmou a figura de Le Prunenec como líder e compositor, revelando um artista de grande potencial, que busca sempre ir um pouco mais longe.

Rïcïnn – Lïan (2016)

Laure Le Prunenec – Vocais, composição, piano
Laurent Lunoir (Oxxo Xoox) – Guitarra e backing vocals
Vincent Beaufort – Bateria
Antony Miranda – Baixo
Marie Leclerc – Acordeão
Guillaume Pruvost – Violoncelo

Arranjo e mixagem (Ele Ypsis) – Stelian Derenne 
Masterização – Simon Capony
Programação – Aymeric Thomas
Arte da capa – Svarta Photography

3 de novembro de 1967: The Hollies lança o single "Dear Eloise"

 3 de novembro de 1967: The Hollies lança o single "Dear Eloise"

Crítica Sofia Kourtesis: “Madres”

 

Crítica

Sofia Kourtesis

 : "Madres"

Ano: 2023

Selo: Ninja Tune

Gênero: Eletrônica, House

Para quem gosta de: DJ Koze e Kelly Lee Owens

Ouça: Si Te Portas Bonito e Estación Esperanza

Uma celebração à vida. Assim pode ser definido o primeiro trabalho de estúdio da cantora, compositora e produtora peruana Sofia Kourtesis, Madres (Ninja Tune). Concebido em um processo de dor, durante o período em que a mãe da artista passou por um tratamento experimental para se tratar de um câncer, o registro parte desse momento de forte vulnerabilidade emocional, porém, vai além de um único tema. “É sobre minha mãe, a mãe dela, minhas irmãs que são mães, meus irmãos que são mães e todas as pessoas LGBTQIA+ que são mães em suas comunidades“, revelou Kourtesis, no texto que acompanha o material.

Vem justamente desse intenso cruzamento de informações, angústias e conquistas pessoais o estímulo para a montagem de um repertório marcado pela riqueza dos elementos. São composições que apontam para as pistas, como uma extensão natural daquilo a produtora havia incorporado em registros como o EP Fresia Magdalena (2021), porém, partindo de uma abordagem ainda mais sensível e detalhista. Exemplo disso pode ser percebido na autointitulada canção de abertura. Enquanto os versos funcionam como um doce convite ao regresso (“Venha, criança, você que está aí, volte para casa“), camadas de sintetizadores, batidas e texturas ocasionais ampliam os horizontes do álbum que encanta pelo uso de pequenas sobreposições.

É como se Kourtesis partilhasse do mesmo refinamento estético de artistas como DJ Koze e Four Tet, porém, utilizando da própria relação com a cultura latina de forma a favorecer a entrega de um material marcado pelo aspecto radiante. Já conhecida do público, Estación Esperanza funciona como uma boa representação desse resultado. Completa pela participação de Manu Chao, a canção destaca a completa versatilidade da produtora. São pouco mais de cinco minutos em que cantos de pássaros exóticos, captações de campo, uso picotado de vozes e elementos percussivos parecem pensados de forma a estimular os sentidos do ouvinte.

Esse mesma pluralidade de elementos, diferentes andamentos rítmicos e costuras instrumentais acaba se refletindo durante toda a execução do material. Na verdade, é possível passar horas dentro de cada canção a fim de perceber todas as nuances e uso de pequenas acréscimos que marcam o trabalho. Em Si Te Portas Bonito, por exemplo, são vozes que ora servem de base, ora detalham o aspecto lírico da canção. Já em Vajkoczy, inspirada pelo médico Peter Vajkoczy, que operou a mãe da artista, chama a atenção a forma como microambientações e texturas sintéticas ampliam consideravelmente os limites da composição.

Tudo é desenvolvido de forma tão meticulosa e diversa que é praticamente impossível prever qualquer movimento de Kourtesis. O resultado desse processo está na entrega de faixas que começam pequenas, porém, delicadamente conduzem o ouvinte para um mundo mágico, como na transcendental How Music Makes You Feel Better. Mais do que garantir possíveis respostas ou mesmo estabelecer a formação de um repertório padrão, a artista peruana parece interessada em brincar com as possibilidades. Canções que mudam de direção a todo momento, proposta que torna a audição de Madres naturalmente fascinante.

Claro que esse esforço de Kourtesis em testar os limites da própria criação tem seus riscos. Músicas como Moving Houses, por exemplo, se afastam tanto do restante do material que é difícil estabelecer qualquer relação com o ouvinte. É como se Madres assumisse a função de apresentar e ao mesmo tempo ampliar o campo de atuação da produtora. Um corajoso exercício criativo que se conecta diretamente ao período de forte instabilidade experienciado pela peruana nos últimos anos, como se da relação com a morte vivida ao lado da mãe, a artista encontrasse uma delicada fonte de inspiração e estímulo para seguir em frente.

3 de novembro de 1966: The Easybeats lança seu terceiro e último álbum de estúdio "Volume 3"

 

3 de novembro de 1966: The Easybeats lança seu terceiro e último álbum de estúdio "Volume 3"

Feliz aniversário, NICK SIMPER! (3 de novembro de 1945) Baixista do primeiro rock 'n' roll britânico Johnny Kidd & The Pirates

 Feliz aniversário, NICK SIMPER!

(3 de novembro de 1945)

Baixista do primeiro rock 'n' roll britânico Johnny Kidd & The Pirates, sobreviveu ao acidente de carro de 1966 que matou Johnny Kidd, saiu do The Pirates em 1968 para co-fundar o hard rock Deep Purple, demitido em 1969 e seguiu carreira solo e fundou/ liderou o hard rock Warhorse, Flying Fox e Fandango

Agnaldo Timóteo - Os Brutos Também Amam (1972)

 

MUSICA&SOM

Agnaldo Timóteo - Os Brutos Também Amam (1972).

(álbum originalmente lançado em LP Odeon MOFB 3722, 1972).

Produção de Milton Miranda.

Direcção Musical de Lindolfo Gaya.

Género: MPB

“Os Brutos Também Amam” é o quarto álbum (de 1972), inserido no primeiro volume (num total de 6), de uma box deste cantor. 

O álbum foi uma encomenda feita à dupla Roberto e Erasmo. Agnaldo queria uma canção com esse título e, simultaneamente, que esse fosse o nome do seu disco. Intuição mais que acertada, uma vez que o disco e a música foram um sucesso arrebatador naquele ano de 1972. Até hoje, Agnaldo não pode deixar de cantar nos seus espectáculos essa balada daquela dupla que já lhe havia dado “Deixe-me Outro Dia, Menos Hoje” (1968) e “Meu Grito” (1967), esta última só de Roberto Carlos.

Outros destaques neste disco são “Se Eu Pudesse” (inédita de Antônio Marcos e Mário Marcos), “Velho Realejo” (valsa de Custódio Mesquita, imortalizada por Sílvio Caldas em 1940), e “Fala Amorosamente” (versão de “Speak Softly Love”, tema do filme “The Godfather/O Padrinho), além de “Sempre…Sempre”, versão de um sucesso italiano que se tornou na faixa preferida de Agnaldo neste álbum.

Review: Gov’t Mule – Bring on the Music (2019)

 

O Gov’t Mule é uma banda de palco. É nos shows que toda a força do quarteto formado por Warren Haynes (vocal e guitarra), Danny Louis (teclado), Jorgen Carlsson (baixo) e Matt Abts (bateria) se revela em toda a sua plenitude. É em frente ao público que a mágica da banda acontece. Não à toa, a turma de Warren Haynes possui diversos álbuns ao vivo antológicos no currículo como os obrigatórios Live at the Roseland Ballroom (1996), Live ... With a Little Help From Our Friends (1999) e The Deepest End (2003).

Essa lista ganha uma adição de respeito com Bring on the Music: Live at the Capitol Theatre, lançado em agosto de 2019. O material foi disponibilizado no Brasil pela Hellion Records em um super box com 2 CDs e 2 DVDs, sendo que o vídeo traz uma seleção de músicas diferente da presente no material em áudio. Ao todo são 39 faixas passeiam por uma ordem não cronológica através da carreira do Gov’t Mule. Entre elas, três covers (algo que é uma tradição na trajetória da banda): “Dark Was the Night, Cold Was the Ground” de Blind Willie Johnson, “Sin’s a Good Man’s Brother” do Grand Funk Railroad e “Come Back” do Pearl Jam. Todas elas, evidentemente, releituras impregnadas com a personalidade fortíssima do Gov’t Mule.

Para quem não conhece a banda, um breve histórico: o Gov’t Mule foi formado em 1994 como um projeto paralelo do vocalista e guitarrista Warren Haynes e do baixista Allen Woody. Ambos tocavam na Allman Brothers Band na época. Matt Abts veio da Dickey Betts Band, grupo do também guitarrista da ABB, Dickey Betts. O primeiro disco, auto intitulado, foi lançado em 1995 e logo colocou os holofotes sobre o trio, que acabou se transformando na banda principal dos músicos. Woody faleceu de forma repentina em 2000 após um ataque cardíaco fulminante, enquanto Haynes permaneceu dividindo o seu tempo com a Allman Brothers até o final do lendário combo liderado por Gregg Allman, em 2014. Com uma longa discografia (11 álbuns de estúdio e mais vários registros ao vivo), o Gov’t Mule é um dos principais nomes do rock clássico norte-americano, uma jam band aclamada e protagonista de shows antológicos ao longo dos anos.

Warren Haynes é o comandante de tudo isso. Guitarrista dono de um feeling desconcertante e uma técnica única, também é um vocalista excelente e um intérprete espetacular. O Gov’t Mule gira ao seu redor, com o trio Louis, Carlsson e Abts caminhando no mesmo nível. É uma banda que transborda musicalidade, com performances fortíssimas e um repertório amplo e repleto de canções de cair o queixo. Ao vivo isso fica ainda mais evidente. O quarteto entrega versões indubitavelmente melhores que as originais de estúdio, que são devidamente amplificadas por doses generosas de feeling e improvisação em cima de um palco.

Entre as faixas estão preferidas dos fãs como a linda “Beautiful Broken”, o reggae rock “Time to Confess”, o arregaço jazz rock que é “Thorazine Shuffle”, o peso de “Blind Man in the Dark” e muito mais, totalizando um tempo superior a cinco horas de músicas somando os dois CDs e os dois DVDs. E, como bônus, temos o clipe de “Soulshine”, a canção mais conhecida do grupo e uma das músicas mais belas dos anos 1990, cujo impacto foi tanto que acabou entrando inclusive no repertório da Allman Brothers Band.

Pra fechar, uma informação: esse é só o terceiro álbum do Gov’t Mule a ganhar uma edição nacional. Saíram por aqui apenas a estreia de 1995 e o último disco de estúdio, Revolution Come ... Revolution Go (também lançado pela Hellion). Ou seja: é uma oportunidade única de ter um item pra lá de excelente de uma das melhores bandas das últimas duas décadas na sua coleção.

Review: Gary Clark Jr. – This Land (2019)

 

Desde que Blak and Blu foi lançado mundialmente pela Warner Bros. Records em 2012, o nome do norte-americano Gary Clark Jr. tornou-se logo um entre os maiores do blues nesta última década, e não foi por menos: sua adição fenomenal de elementos de rock, pop, soul, R&B e hip-hop foi simplesmente muito bem feita e virou uma referência de como um ritmo tradicional pode se modernizar sem necessariamente perder sua essência. O álbum de estúdio seguinte, The Story of Sonny Boy Slim, lançado em 2015, conseguiu a proeza de aperfeiçoar o a fórmula em uma verdadeira viagem em grande estilo por todos os gêneros abordados antes, e após quatro anos ele nos traz mais um registro que cimenta sua posição como um dos grandes nomes de sua geração: This Land.

Abrindo com a faixa que dá nome ao álbum, Gary nos apresenta logo de cara uma das canções mais sérias e marcantes de sua carreira, com uma letra que denuncia as tensões raciais ainda presentes nos Estados Unidos e que voltaram a se elevar após a eleição de Donald Trump, contando com uma ponte e um refrão que apesar de facilmente cantaroláveis carregam um fortíssimo tom irônico. O clima se ameniza um pouco na faixa seguinte, “What About Us”, que carrega um tom mais voltado para o hard rock e que casa perfeitamente uma letra que questiona mudanças e conflito de gerações.

“I Got My Eyes on You (Lock and Loaded)” é a primeira balada do álbum e apresenta uma excelente mistura de blues com um toque moderno bem próximo do soul, com um forte apelo radiofônico e um inspirado solo de guitarra. “I Walk Alone” segue uma linha um pouco similar como balada, voltando um pouco mais para o terreno do rock e guiada principalmente pelo excelente trabalho conjunto da guitarra e da voz, esta em tons de falsete. Em “Feelin’ Like a Million” há uma interessante mistura com o reggae que dá um dos tons mais descontraídos e interessantes do álbum, um clima que continua um pouco na faixa seguinte, “Gotta Get Into Something”, que inclusive começa lembrando, entre todas as canções, “Symptom of the Universe” do Black Sabbath, antes de mudar o direcionamento para um número fortemente influenciado pelo rock and roll clássico e o punk rock, num tom bem divertido. A descontração permanece em “Got to Get Up”, onde a influência de hip-hop aparece temperada por metais bem encaixados.

Se aproveitando do clima deixado pelas faixas anteriores, “Feed the Babies” se aproxima novamente do soul e traz mais uma vez o uso da voz em falsete, com um som e uma letra que retomam um tom mais sério e evocam bastante a temática de consciência social eternizada por Marvin Gaye. Essa proximidade do trabalho de Gary Clark Jr. com grandes nomes do soul e do R&B prossegue com um dos seus mais finos exemplos na canção seguinte, a belíssima e romântica “Pearl Cadillac”, a principal balada do álbum e que poderia facilmente se passar por uma faixa inédita de Prince – tanto a guitarra quanto os vocais de Gary aqui evocam bastante alguns dos momentos mais inspirados do gênio de Minneapolis.

“When I’m Gone” traz de volta o clima mais descontraído, ainda em território mais romântico e bem próximo do som mainstream dos anos 1960, com um refrão que é difícil de tirar da cabeça. Na sequência, “The Guitar Man” segue uma linha parecida, desta vez com alguns elementos mais modernos como o uso de efeitos vocais, o que certamente auxilia no clima meio contrastante de “retrô encontra o moderno” proporcionado pela canção, clima esse que sofre uma mudança brusca com a pesada “Low Down Rolling Stone”, onde Gary se volta totalmente para as raízes do blues narrando o dilema do fim de uma relação. Ainda nesse território familiar do blues tradicional rola um breve encontro com o country na curta “The Governor”.

“Don’t Wait Til Tomorrow” é mais uma das baladas do álbum, e das boas, onde voltamos para um clima mais R&B moderno e bem radiofônico, contando com um daqueles refrães contagiantes e carregada por uma melodia vocal impecável. Por último, a melancólica “Dirty Dishes Blues” é mais um número 100% fiel à velha escola do blues, um encerramento bem digno para um álbum que trabalha num vai e vem de emoções e ritmos. Algumas edições ainda contam com as faixas bônus “Highway 71”, que é basicamente uma versão instrumental de “Feelin’ Like a Million”, e “Did Dat”, um número soul/R&B contemporâneo de ar mais relaxante.

This Land, além de atestar mais uma vez o talento de Gary Clark Jr. em mesclar estilos diferentes (mas nem tão distantes assim), também nos proporciona um encontro de elementos clássicos com ares contemporâneos e prova que eles podem caminhar lado a lado e, quando o fazem, nos proporcionam excelentes experiências musicais.

Review: Nightwish – Decades: Live in Buenos Aires (2019)

 

Decades: Live in Buenos Aires é o sexto álbum ao vivo do Nightwish e está sendo lançado no Brasil pela Voice Music com distribuição da Shinigami Records em duas versões: CD duplo digipack ou duplo acrílico, com 21 faixas gravadas na capital argentina em 2018. Este é o terceiro registro ao vivo com a vocalista Floor Jansen à frente da banda, completando o trio formado por Showtime, Storytime (2013) e Vehicle of Spirit (2016). Você pode pensar: três live albums em seis anos, por que comprar esse novo?

Bem, posso dar alguns motivos. Enquanto o disco de 2013 teve o seu tracklist focado no excelente Imaginaerum (2011) e foi o primeiro álbum da banda a contar com Floor nos vocais, o registro de 2016 eternizou a tour de Endless Forms Most Beautiful com um tracklist que privilegiou as canções do disco de 2015. Além disso, o novo trabalho conta com uma seleção de faixas que traz diversas canções mais obscuras do Nightwish e algumas que não eram tocadas há anos, além de mostrar claramente que Floor Jansen está muito, mas muito mesmo, mais à vontade na banda do que nos dois álbuns anteriores – que são ótimos, diga-se de passagem.

O fato é que o Nightwish possui atualmente uma formação que é a melhor de sua história. A adição do multi-instrumentista Troy  Donockley possibilitou a eliminação da maioria das backtracks utilizadas em Showtime, Storytime e Vehicle of Spirit, tornando o som da banda finlandesa mais orgânico e vivo. Isso é reconhecido pelo próprio grupo, tanto que Decades: Live in Buenos Aires abre com Troy sozinho no palco introduzindo o show com a linda melodia instrumental de “Swanheart” e tem outro momento de brilho intenso ao assumir os vocais de “The Carpenter”. Tuomas Holopainen, um dos melhores compositores do metal contemporâneo, mostra a força do seu talento através da profundidade e qualidade do repertório de sua banda, como fica claro no setlist. Emppu Vuorinen ganha destaque com a sua guitarra ficando mais evidente, ao contrário dos anos recentes, onde ela pareceu soterrada pela parede de teclados e demais instrumentos. Isso dá um aspecto mais pesado e agressivo ao som do Nightwish. E o baixista Marco Hietala intensifica essa característica tanto pela forma de tocar o seu instrumento quanto, principalmente, pelas suas intervenções vocais. Dono de um timbre personalíssimo e intérprete de mão cheia, Hietala é um dos alicerces da sonoridade da banda. Na bateria temos Kai Hahto, músico finlandês com passagens por bandas como Wintersun e Swallon the Sun, substituto de Jukka Nevalainen desde 2014 – Jukka se afastou da banda para tratar um sério problema de insônia -, um músico técnico e com uma mão pesada nos tambores.

E existe o fator Floor Jansen. A vocalista holandesa é, na minha opinião, a voz perfeita para o Nightwish. Ela não emula o reino operístico e clássico da excepcional Tarja Turunen e nem tenta soar pop e doce como Anette Olzon. Floor imprime a sua própria característica à banda, com versatilidade para entregar momentos mais pop em faixas como “Élan”, agressividade para tornar músicas como “Slaying the Dreamer” ainda mais pesadas e próximas do metal, e talento e técnica para cantar composições que exigem variações incríveis e momentos operísticos como “The Greatest Show of Earth” e “Ghost Love Score”. Floor, muito mais solta na banda depois de seis anos, coloca a sua personalidade própria em canções favoritas dos fãs como “End of All Hope”, “Come Cover Me” e “Gethsemane”, além de cantar trechos outrora criados por Tarja de outra forma, o que demonstra a confiança que ganhou com o passar dos anos ao lado do grupo.

O legal de Decades: Live in Buenos Aires é que ele é o registro da turnê Decades, que comemorou os vinte anos de carreira do Nightwish. A banda celebrou a data com uma retrospectiva de sua trajetória, trazendo canções de todos os seus oito álbuns e incluindo faixas que há muito tempo estavam fora do tracklist como “10th Man Down”, “Gethsemane”, “Sacrament of Wilderness”, “Deep Silent Complete”, “Dead Boy’s Poem”, “The Kinslayer” e “Devil & The Deep Dark Ocean”, entre outras, dando nova vida à músicas que estavam distantes da realidade recente do grupo mas que possuem qualidade para serem executadas em todos os shows. E tudo isso com um apuro técnico e uma exatidão na performance que impressionam, além dos vocais muito acima da média tanto de Floor Jansen quanto de Marco Hietala. Isso sem falar na participação sempre estrondosa do público argentino, apaixonado e que faz toda a diferença.

Em um tracklist sólido e eficiente – aliás, Tuomas tem um talento quase sobrenatural para compor melodias e refrãos fortes e cativantes, o que torna o show uma sucessão de grandes momentos -, o destaque vai para a dupla que encerra o disco, as impressionantes “The Greatest Show on Earth” e “Ghost Love Score”. Essas duas são, na minha opinião, as duas melhores músicas da carreira do Nightwish. Enquanto a primeira narra a evolução, presença e transformação que a humanidade impôs ao planeta em um épico de mais de 15 minutos de duração (uma  releitura ao vivo mais curta que a versão original de estúdio, que conta com 24 minutos e teve as narrações do biólogo Richard Dawkins suprimidas) e cheio de mudanças de dinâmica, climas e ritmos que levam a um final absolutamente emocionante, “Ghost Love Score” é a canção chave de Floor no Nightwish. Lançada originalmente em Once (2004), ganhou uma nova dimensão depois da chegada da vocalista à banda. A forma como ela canta essa canção é algo surreal, um veículo para toda a sua técnica e feeling, culminando também em um final de cair o queixo.

O Nightwish é daquelas bandas únicas dentro do metal. Maior nome do metal sinfônico, construiu um universo musical único e original, que ganhou novos contornos com a efetivação do atual line-up. É algo incrível de se ouvir e sem igual de se assistir, com doses maciças de emoção que vêm das melodias muito bem construídas e dos arranjos milimetricamente elaborados. Decades: Live in Buenos Aires dá novo fôlego às faixas mais antigas e mostra o quanto elas seguem funcionando de maneira perfeita, ao mesmo tempo em que mostra a banda fazendo as músicas mais recentes pulsarem e soarem de forma diferente, como se estivessem vivas e em infinito desenvolvimento.

Um álbum ao vivo espetacular de uma banda espetacular.