ALBUM DE ROCK PROGRESSIVO

 

Nota Roja - Nota Roja (1982)

 E desse espaço apresentamos o Nota Roja, um grupo que eu pessoalmente não conhecia e que conseguiu gravar um single, autointitulado e muito respeitável álbum e não parava de trazer teimosia ao blog. Aqui está outro dos bons expoentes escondidos do nosso melhor rock latino-americano, que como dizem em "Viagem ao Espaço...": "Uma obra-prima da nossa música que infelizmente nunca será reeditada" que agora revive graças a estes espaços onde o Cabezón faz uma viagem espacial e visceral, mas sempre com boa música.

Artista: Nota Roja
Álbum: Nota Roja
Ano: 1982
Gênero: Rock progressivo
Nacionalidade: México


Concordemos que o grupo é absolutamente desconhecido por estas terras, e não creio que me engane se disser, sem ter certas informações, que praticamente ninguém deveria colocá-los em seu México natal. Além disso, é um álbum muito interessante, com momentos muito bons, embora infelizmente com produção fraca. 

Nota Roja foi um lançamento mais rock do On'ta anterior, é digamos a coisa mais rock que eles fizeram, embora seja difícil definir os gêneros em alguns álbuns, numa entrevista que Jesús Echevarria fez com ele, ele mesmo garantiu que apesar dos nomes “canção nova” e aqui “rock progressivo”, nunca se definiram como um gênero definido, e trabalharam muito mais com música folk do que com rock. Uma pequena opinião.

Miguel

Comentário que teve resposta do nosso amigo Carlos:

Embora eu imagine que o comentário de Echevarría tenha sido mais sobre o seu projeto mais “conhecido”, o grupo On'ta onde se tratava definitivamente de um gênero de fusão ou, como outros o definem, limiar, ou seja, na fronteira entre o folclórico e o rock. Falo mais detalhadamente sobre suas influências na publicação que fiz de seu primeiro álbum “Tenho que falar com você”.
Aqui no Nota Roja a abordagem é definitivamente mais rock sem perder as influências de outros estilos. E esta abordagem é apoiada pelos outros membros deste projecto, por exemplo Enrique Quezadas, que participava nessa altura no projecto totalmente progressista da MCC. 

Carlos

Mas para além dos comentários, nada me impede de recomendar este álbum desconhecido de um grupo que a história oficial deixou de lado, mas nós, teimosos e viscerais viajantes espaciais, não vamos deixá-los perderem-se na névoa do esquecimento, pelo menos no nosso espaço.

A história da música mexicana está repleta de injustiças, ainda mais no rock. A marginalização que o gênero sofreu depois de Avándaro, devido à proibição ou, na sua falta, à regulamentação para a divulgação deste e de outros gêneros que não foram vistos com bons olhos pelo governo, condenou muitas músicas que hoje são desconhecidas da maioria dos mexicanos. Aqui está um álbum, de estreia e de despedida, de um grupo com um estilo único, que normalmente gosto de definir como ‘progressivo simplificado’. Formada pela magnífica dupla de Jorge Jufresa e Jesús Echevarría, do grande grupo On'ta , acompanhada por Enrique Quezadas, integrante do MCC , Arturo Quezadas e Francisco Sauza, além de uma longa lista de convidados, para alcançar uma produção bastante ambiciosa em o sentido musical, embora os estúdios de gravação da época possam não estar à altura, principalmente nos poucos espaços que existiam para esta música.
As letras de Nota Roja são especialmente notáveis, com um estilo altamente poético. Todas as suas canções bem poderiam passar por poesia que, exceto um texto de Rodrigo Morales e outro de Marisela Bracho, foram escritas por Jesús Echevarría e Jorge Jufresa. Da mesma forma, seus autores alternam criteriosamente a interpretação dos temas, num tandem que me lembra o de Gary Brooker e Matthew Fisher do Procol Harum, um com estilo mais efusivo e outro mais tranquilo, conforme o tema o exigir.

Embora tenha gostado muito do álbum, só o ouvi algumas vezes e por isso não vou escrever sobre ele. Mas em substituição às minhas palavras temos um excelente comentário de Carlos M. que nos pinta completamente este grande trabalho dos melhores do nosso querido México.

Assim começa "Apenas azul", como uma balada de piano que repentinamente decanta para um estilo de bolero com violões, de modo que à medida que a interpretação ganha força, a instrumentação volta a variar, voltando ao piano e depois a um arranjo de cordas que é finalmente acompanhado por todo o grupo no clímax da música. Como qualquer trabalho de qualidade, as letras se prestam à interpretação; Este esboça imagens oníricas de uma mulher com quem existe um relacionamento não explícito. A atuação de Echevarría é mais do que marcante, com uma voz que domina os seus recursos e, juntamente com a música, no curto período da canção, nos leva a uma catarse emocional.
Abaixo está uma de suas maiores canções, "El pastel", que com muito bom humor nos conta a história que tantos de nós vivemos de um amor frustrado ou não correspondido. E quem não sofreu esses reveses na busca por um ‘amor impossível’? A música acentua brilhantemente o ar cômico de suas letras com esse estilo Dixieland, foxtrot ou Charleston, com um arranjo de instrumentos de sopro, além de uma flauta que dá a melodia principal, o piano e a guitarra elétrica limpa e dedilhada.
“The Mirrors” é uma música regida por arpejos de piano, que à medida que avança o seu desenvolvimento são acompanhados pelos demais instrumentos. Sua letra, novamente com imagens oníricas, só que agora mais orientadas para a fantasia, parece inspirada na obra de Lewis Carroll, que embora francamente eu não esteja diretamente familiarizado com o romance, me traz à mente "Through the Looking Glass and What Alice Found lá". Que novamente, como qualquer trabalho artístico, este pode ser interpretado de acordo com as experiências de cada pessoa.
A canção que mais se aproxima do 'progressivo convencional' apesar de sua brevidade, "Homenaje a tu anguish", tem mais indícios de ter tido sua gênese como poema e depois ser musicada. Aqui eles ampliam um pouco mais seu início para mostrar suas habilidades técnicas como músicos, principalmente com o sintetizador moog e o violino, além de tocarem ritmos pouco convencionais. Tudo isso sem deixar de lado o objetivo da música.
“La azafata venusina” já nos apresenta a voz mais profunda e calorosa de Jorge Jufresa numa balada espacial autenticamente fantástica. Possivelmente nascido com a ideia de que as mulheres são de Vênus, Jorge nos dá uma interpretação linda e muito emocionante. Tema com música muito apropriada com aquela atmosfera dada pelo sintetizador, o violino e a flauta como numa viagem pelo cosmos, com algumas mudanças de ritmo durante as pontes musicais que juntamente com a música parecem anunciar algum choque durante a nossa viagem. Lá acho que ouço o grande Mario Rivas (MCC) nos corais.
Em “Mud Night” eles exploram efetivamente temas mais arriscados como o lado da libido e do amor sexual. A alternância de vozes é excelente, pelo refrão enigmático da música que contrasta com a outra parte da letra e claro com as vozes na interpretação de cada uma. A flauta parece dirigir a melodia de fundo, enquanto o piano continua a fornecer a base para suas estruturas lúdicas.
Mais uma vez no estilo Dixieland ou foxtrot, "Casi no he muerte" começa, e depois se descobre como uma balada jazzística na voz de Jufresa acompanhada de piano e contrabaixo, além de bateria tocada com vassouras. A música se destaca por essa integração de estilos e por sua instrumentação composta principalmente por instrumentos de sopro, como tuba, oboé e fagote que enfatizam determinadas passagens. Um tema de plena saudade da mulher amada.
Em “O Camião” dão-nos uma imagem do ambiente nos transportes públicos, uma breve reflexão ou digressão existencialista, daquelas que se tem quando se viaja num camião, analisando as suas condições, com música bastante adequada a esta temática citadina. Eles agora optam por uma abordagem ao blues rock ou ao hard rock, mas sem perder em nada o estilo, pois não param de brincar com a dinâmica de sua música nem diminuem a inteligência de suas letras, agora cortesia de Marisela Bracho.
Para finalizar a música "Qué lamentável", texto de Rodrigo Morales, no estilo de um poema musicado com uma primeira parte cantada e uma parte final recitada. A música agora é construída sobre frases de sintetizador hipnóticas e constantes para grande parte da faixa, sobre as quais outras melodias são construídas; Eles até tocam um pouco com alguma percussão que dá um ar filho à música.
Um álbum excepcional, embora difícil de digerir, pelo que uma única audição pode não ter grande efeito em quem o ouve. É um daqueles álbuns que você tem que ouvir várias vezes para sentir o gosto e quanto mais você ouve, mais detalhes você encontra nele e mais ele cresce em você. Bastante peculiar no estilo porque, como mencionei, é progressivo, mas sem tanto virtuosismo de lanterna, então as músicas são mais curtas. Mas os demais elementos que definem o gênero estão presentes aqui. Além das letras, que sempre foram um grande detalhe nos grupos progressivos nacionais (e de rock em geral), que muitas vezes as deixavam de fora ou simplesmente preferiam omiti-las.
Uma obra-prima da nossa música que infelizmente nunca será reeditada. E enquanto noutros países os grandes clássicos do rock desfrutam de constantes reedições que tornam a sua obra um pouco mais acessível às novas gerações, no nosso país continuamos a carecer de interesse na divulgação das grandes obras musicais que os nossos artistas criaram. Algo que infelizmente não deixará de ser enquanto o México continuar a ter um nível educativo e cultural deplorável, que no final, por mais conspiratório que possa parecer, é o que é melhor para os nossos governos. Então, foram materiais como este que nos moveram a criar este espaço, a tentar equilibrar uma escala que de outra forma não seria calibrada.

Lista de Temas:
1. Apenas azul
2. El pastel
3. Los espejos
4. Homenaje a tu angustia
5. La azafata venusina
6. Noche de barro
7. Casi no he muerto
8. El camión
9. Homenaje a tu angustia


Lineup:
- Jesús Echevarría / violino, violão, piano, guitarra elétrica, voz
- Jorge Jufresa / guitarra e voz
- Enrique Quezadas / piano, sintetizadores, voz, guitarra elétrica e acústica
- Arturo Quezadas / flauta, voz, sintetizador, piano
- Francisco Sauza / contrabaixo elétrico, contrabaixo, coros
Músicos convidados:
Eduardo Orozco: Guitarra acústica e colaboração em "Homenaje a tu anguish".
Carlos Tovar: Bateria e percussão.
Humberto Álvarez: Sintetizador em "Noche de Barro".
Jose Luis Quezadas: Guitarra elétrica em "El Camión".
Clicerio Villagómez: Saxofone Tenor e Clarinete.
Humberto Flores "Fakir": Trompete e trombone.
Kinka Jincheva: Violino.
Dragomir Zakhariev: Viola.
Valentin Morkov: Violoncelo.
Vasil Dochev: Contrabaixo.
Robert Ingliss: Oboé.
Lazar Stoychev: Fagote.
Gilbert Stamler: Tuba.
Mário Rivas: Coros.
Rosalinda Reynoso: Coros.

ALBUM DE ROCK PROGRESSIVO

 

Tryo - Suramérica (2023)

 Com duração próxima de 60 minutos e composta por 9 músicas que desenvolvem o conceito de uma viagem pela história em homenagem aos antepassados ​​e aos povos originários (do Chile e da América do Sul), convidando o ouvinte à busca de identidade e raízes, à evolução espiritual e consciência universal, e onde mais uma vez caminhamos livremente e sem preconceitos pelo jazz, pelo folclore, pelo heavy rock, pela música progressiva, clássica, pelo formato da canção e pelos ritmos e sons pré-colombianos, estes dois últimos elementos estilísticos, mais presentes do que nunca em " Suramerica”, seu sétimo álbum de estúdio é motivo para celebrar a boa música e por isso começamos a semana com ela. Maravilhoso!

Artista: Tryo Álbum: América do Sul Ano: 2023 Gênero: Rock Progressivo, Ethno Prog, World Music Duração: 50:38 Referência: Discogs Nacionalidade: Chile

Aqui temos nada mais e nada menos do que quase uma hora de música de alta qualidade. O álbum conta com a participação dos três músicos originais da banda: Ismael Cortez (guitarra, violão e voz), Félix Carbone (bateria e percussão) e Francisco Cortez (baixo elétrico, violoncelo, trompe, trutruca e voz), além de dois novos membros –Felipe Baldrich (percussão e voz) e Pablo Martínez (teclados, sintetizadores e programação), e quatro artistas convidados: Ernesto Holman (baixo fretless), Cecilia Cortez (piano), Gonzalo Cortés (quena e charango) e Ignacio Carvajal (voz ). E para apresentar o álbum quem melhor que o nosso eterno comentador involuntário... aqui ficam as suas palavras.

Hoje temos a ocasião muito especial de apresentar o novo álbum do veterano e sempre criativo conjunto chileno TRYO, que se intitula “Suramerica” e foi publicado nas redes virtuais no início deste mês de agosto, prevendo-se uma posterior publicação física em final do referido mês. Há algo muito peculiar neste álbum, já que o grupo tem funcionado como um quinteto com a formação dos eternos Ismael Cortez A. [guitarras elétricas, acústicas e vocais], Francisco Cortez A. [baixos elétricos, violoncelos acústicos e elétricos, trompe, trutruca e voz] e Félix Carbone K. [bateria, Mallet Kat, tumbadoras, djembe, gongo, chocalhos e shaker] em coalizão com Pablo Martínez R. [teclados, sintetizadores e programação] e Felipe Baldrich M. [Mallet Kat, Tambor indiano, bumbo, cascahuillas e voz]. Mais precisamente, o TRYO se projeta para uma nova etapa como quarteto com a inclusão do percussionista Baldrich, discípulo de Carbone, para substituí-lo após sua mudança para França, e além disso, verifica-se que o tecladista Martínez também veio a esculpir o esquema de grupo; mas, com Carbone ainda presente na gestação deste álbum, o grupo funcionou efetivamente como um quinteto. Além disso, há colaboradores que fazem contribuições pontuais ao longo deste novo álbum: Ernesto Holman G. (baixo elétrico fretless), Cecilia Cortez A. (piano), Gonzalo Cortés M. (quena e charango) e Ignacio Carvajal G. (voz) . Nos últimos tempos, o coletivo TRYO tem-se mantido ocupado: além de realizar uma extensa digressão para comemorar os seus 35 anos de existência, realizou um projeto musical acompanhado por um conjunto orquestral (reunido no álbum “Intersección” de 2022), e ainda teve o luxo de abrir para a lendária banda francesa MAGMA em sua recente turnê pelos palcos chilenos. Além disso, o grupo já está preparado para brilhar no Festival Crescendo 2023. E agora chega este álbum conceptual que continua no caminho do apelo à consciência em torno da nossa problemática forma de viver na Mãe Natureza que se reflectiu no álbum anterior “Orbits ”(de 2016) para focar em um aspecto mais específico: o contato com o ambiente imediato através do legado espiritual dos ancestrais que guiaram a sabedoria dos povos originários. Quase tudo o que soa em “Suramerica” foi gravado no Estudio del Sur, no dia 15 de outubro de 2021, pelo engenheiro de som Claudio Ramírez E. com o assistente Daniel Ruiz Q. A gravação das faixas adicionais e a edição ocorreram no Estúdio Las Gaviotas, durante o ano de 2022, a cargo de Ismael Cortez A. Já no ano de 2023, aconteceram as tarefas de mixagem e masterização: as primeiras ficaram a cargo de Claudio Ramírez E., enquanto as segundas foram realizadas por Doug Wingert em no estúdio Binary Audio Media em Los Angeles (Califórnia, EUA), com a ajuda de Juan Pablo Velasco. A arte visual é de Samuel Araya C.,
A peça homônima, que contém as seções 'The Call' e 'The Origins', inicia de uma forma bastante significativa. Na verdade, 'Suramerica' possui um vigor ardente que, após um prelúdio etéreo tocado pelos ventos andinos, emerge com forte musculatura sobre um groove jazz-rock que se desenvolve com swings variados: estes são manuseados com graciosa facilidade. O bloco instrumental está localizado em algum lugar entre RUSH e JEFF BECK. O caráter evocativo da letra é bem capitalizado pelo contorno armado comunitariamente pela guitarra e pelos teclados. 'Canoeros Celestes' continua então com a missão de transportar os traços da peça de abertura para uma instância de maior sofisticação, sendo que a engenharia rítmica se articula com maior complexidade progressiva. Há, de fato, um senhorio mais pronunciado no soco rock desta peça, que se beneficia muito do solo de órgão que surge em algum momento durante o intervalo. 'Nómades' é a peça mais longa do álbum, com cerca de 7 ¾ minutos de duração: contém três seções, as mesmas que recebem os respectivos títulos de 'Conexão Espiritual', 'Ritual Xamânico' e 'Cruzando El Umbral'. Sua introdução de quena e charango possui uma aura mística de charme andino, expandindo-se em nuances etéreas envolventes antes que o violoncelo entre para esculpir para abrir a porta para o corpo central, que estabelece uma viagem deslumbrante de fusão progressiva baseada em cadências e atmosferas. Folclore crioulo. Quando os solos de guitarra emergem, eles assumem as tonalidades evocativas inicialmente desenhadas pelos ventos andinos. Posteriormente, os músculos da rocha aumentam para potencializar as vibrações majestosas da peça. Definitivamente, temos aqui um apogeu decisivo do repertório. Quando chega a vez de 'Orillas', o conjunto propõe-se criar uma atmosfera contemplativa ao mesmo tempo que continua a aplicar a esplêndida logística sonora que tem vindo a traçar e a amadurecer na sequência das duas peças anteriores. Em termos gerais, um calor revitalizante é sentido no núcleo expressivo desta música.
Com o surgimento da dupla 'La Huida' e 'Danza Rebelde', duas canções bastante ambiciosas em seus próprios termos, o pessoal do TRYO nos dá quase 14 ¾ minutos de glória musical persistente.* A primeira dessas canções mencionadas é reativada e remodela os grooves predominantes nas duas primeiras músicas do álbum para infundi-las com uma coragem refrescante. A tríade rítmica carrega sobre os ombros as cadências das seções mais agressivas, enquanto o interlúdio se concentra em sinais atmosféricos crepusculares que entrelaçam a energia do introspectivo com uma delicada calma flutuante. Há confluências com as bandas sertanejas ERGO SUM e ESTIGMA. Por seu lado, 'Danza Rebelde' reflecte aquela que é talvez a indicação mais directa dos sinais mais majestosos do bloco sonoro do grupo. A vitalidade da peça concentra-se principalmente nas agitações e excitações tribais que sustentam a exibição de prodigalidade absorvente que está incorporada no desenvolvimento temático. Os ventos e tambores andinos completam completamente o caminho sonoro em andamento. Quando um híbrido de URIAH HEEP e YES chegou para perpetrar um exercício inspirado de rock progressivo com poderosas conotações sul-americanas? Talvez nunca, mas é para isso que serve o TRYO agora, para preencher esse vazio conjectural. Dois novos excelentes zênites do álbum. 'The Union' é uma peça serena para piano solo cujas nuances impressionistas parecem retratar a noite melancólica que surge após vários festivais de luz (especialmente os exibidos nas duas peças anteriores). 'Elements' serve para o colectivo reforçar vários dos recursos sonoros utilizados nas passagens mais extrovertidas das peças anteriores, conseguindo criar novos recursos de elaborado lirismo progressivo com raízes folclóricas estilizadas. Este é um tema bastante marcante, não há dúvidas sobre isso. 'Transcender' encerra o repertório com uma peculiar reprise das árias telúricas que compunham a passagem do prólogo da peça homônima, que recebem impulso comemorativo com a inclusão de uma urdidura adicional de escalas de guitarra e ágeis ornamentos percussivos. Esses últimos momentos parecem genuinamente massivos sem serem bombásticos: uma bela conclusão para um repertório impressionante.
Fica aqui a grande contribuição de “Suramerica” para a produção do rock artístico no ano de 2023 da cena latino-americana para o mundo inteiro. O renovado coletivo TRYO tem mostrado as novas medalhas da sua luta constante para se renovar ao longo do tempo e em qualquer circunstância. Este álbum é uma imensa joia cujos 50 minutos e meio de espaço enriquecem ao milionésimo grau os múltiplos tesouros guardados pelo palácio polivalente da música progressiva sul-americana. Quão impressionante é esta série de canções progressivas chilenas!
*Ambos consistem em seções com títulos autônomos. 'The Escape' contém 'Clashes of Two Worlds' e 'Refuge in the Inner Cavern', enquanto 'Rebel Dance' consiste em 'Facing Destiny', 'The Struggle' e 'The Victorious Outcome'.

César Inca

E claro, o melhor é que você mesmo ouça para começar por aqui...

Das profundezas do Chile surge um álbum que funde os sons ancestrais do imaginário nacional com a força do progressivo contemporâneo. TRYO mergulha você em uma odisséia musical única, explorando as raízes da 'América do Sul' enquanto desafia os limites da criatividade. Convidamos você a descobrir este material extraordinário.

É admirável o que Tryo conseguiu em mais de 35 anos de carreira, com um catálogo que desde os anos 90 deixou a sua marca de alcance astronómico e um estilo que nunca deixa de surpreender. Reduzindo a análise à última década, Órbitas (2016) marcou um marco em todos os sentidos, a começar pelo uso inédito das vozes como parte de uma linha expressiva 100% instrumental até então. E também pela veia espiritual do seu conceito, onde o nosso ser interior se conecta com a grandeza da Abóbada Celestial. Tudo isto refletido num pacote musical e sonoro que ousa com alegria dar o passo onde poucos ousam.
Com tamanho precedente, e abrindo caminho com a compilação “Antología Eléctrica” (2017) e seu trabalho cover com Ensamble de stringes, já podíamos ter uma ideia do que estava por vir no novíssimo “Suramerica”, um LP que, nas palavras dos seus criadores, marca uma ligação fundamental com o seu antecessor, ao mesmo tempo que se move e se impõe de forma autónoma. E o que Órbitas aborda de forma etérea e ampla, a América do Sul leva para uma experiência mais concreta. É uma viagem ao Sul do Mundo, com foco na procura da identidade e no caminho para a sabedoria ancestral, reflectida numa obra musical de hierarquia cósmica. A viagem do herói levada ao último canto do Globo, com o presente e o tempo dos antepassados ​​geminados num só propósito.
As músicas de “Suramerica”
Desde o início com a faixa-título, mergulhamos no mundo da lenda e, ao mesmo tempo, os pensamentos sobre a história histórica se manifestam em uma composição que parece imponente para terminar em uma peça com um melodia evocativa e refrão angustiante. Duas sensações conflitantes, um sentimento em relação à terra tomada aos nossos antepassados ​​pela mão invasora.
Em meio à dúvida e ao horror de uma América do Sul que grita com o assalto estrangeiro, “Canoeros Celestes” aparece como o farol da viagem. Indo ao nível musical, a contribuição de Pablo Martinez nos teclados é soberba, pois as suas pinceladas sonoras coroam o imponente templo do Tryo por volta de 2023. O que em nada lhe tira a potência, mas até o amplifica com a mestria necessária.
A quena e o charango que chegam para depois acompanhar o violoncelo de Francisco Cortez, dão lugar aos (quase) instrumentais “Nómades”. Exceto pelo refrão em forma de mantra, é uma peça que permite apreciar a ambição artística de Tryo, com um som pesado que o teclado de Pablo Martinez usa como pivô para expandir seu limiar em meio a um ritual introspectivo. Como cereja no topo do bolo, bastam ao solo de Ismael Cortez algumas notas e um vibrato único para dar à música a intensidade que a viagem pelos mistérios da nossa terra exige. Eletrizante e, acima de tudo, cru.
O sentimento revelador de “Orillas” pode ser tão fascinante musicalmente quanto desconcertante na ideia de expressão. Como é chocante ver como a sacralidade da América do Sul é despojada pela ganância assassina, pela reação convulsiva que a indignação contra o continente provoca diante dos nossos olhos... Tryo certamente exibe um de seus comportamentos mais espetaculares com seu estilo cinematográfico. O que deveria ser a música, e ainda mais nestes tempos; evocar e lembrar imagens. E essa música pode ser vista, Tryo aplica-a de uma forma extraordinária.
O riff ameaçador da linhagem carmesim com que “La Huida” emula o choque de mundos é tão maravilhoso quanto perturbador em seu objetivo. De longe, a polpa do álbum em toda a sua plenitude, onde do calor do confronto vamos ao refúgio na caverna pessoal, para finalmente regressar à secção inicial mas num plano de transformação. Se Tryo reduz a intensidade, o faz para desenhar passagens internas e refletir na música os pensamentos que nos cercam em meio a uma catástrofe.
A arrogância Jaivesco de “Danza Rebelde” forma uma Declaração de Princípios sem quaisquer aditivos ou termos rebuscados. O sentimento de luta e resistência interior emerge num corte tão enérgico quanto revitalizante para quem sabe o que cada indivíduo tem pela frente: o destino. E muito brilhante quando o propósito da luta é genuíno.
Aqui paramos um pouco para fazer um parêntese focado na obra de Félix Carbone, e não apenas em sua monumental exibição na bateria e afins. Quem assistiu aos shows recentes do Tryo (incluindo a abertura do supremo Magma há alguns meses) fica emocionado com a energia que Felipe Baldrich traz para a banda, dono de um soco que nos deixa de joelhos. Como a própria banda nos contou em entrevista ao ProgJazz no ano passado, Baldrich fez parte de todo um processo anterior à saída de Carbone, então sua entrada foi além da substituição de um membro histórico. De alguma forma, podemos afirmar que Félix Carbone fez o seu trabalho na América do Sul pensando no que estava por vir e hoje o Tryo está à altura de tudo: um grupo humano e musical que, com 35 anos de estrada, permanece em estado de graça e confiança.
O piano de Cecilia Cortéz em “La Unión” (escrita pelo próprio Félix Carbone), evoca tanto a redenção após o cataclismo como o (longo) regresso a casa. Uma pausa necessária para retomar o caminho pelo último troço e aumentar o BPM, como acontece em “Elementos”, sem dúvida o clímax de um trabalho brilhante até ao último groove.
O chute com riff furioso, passando para um corte acelerado e rico em texturas, nos deixa com os pés no chão na reta final do álbum. Assim, a emoção pela aprendizagem obtida durante a viagem é incontida, assim como o seu refrão de estilo tribal com os elementos adquirindo forma concreta através de puro engenho e vontade. A passagem mais rock e vulcânica do álbum, com mil coisas acontecendo em quase seis minutos de música de nível superlativo. “Ainda estamos aqui, sempre, sempre”, sussurram-nos os antigos habitantes da terra desde os tempos da lenda, como sinal do equilíbrio obtido antes de dar o passo transcendental em direção ao próximo nível de consciência.
Para fechar a viagem pela América do Sul, “Transcender” é a peça ideal no final de um ciclo e antes de renová-lo. É a representação musical da cosmovisão indígena, com o baixo fretless do maestro Ernesto Holman acompanhado de trutruca, bombo legüero e djembe para prestar homenagem aos nossos antepassados ​​antes de iniciar uma nova etapa.
A viagem como forma de fazer e pensar
Onde outros a veem como um gesto chauvinista ou uma avalanche de elogios a uma pessoa consagrada, para nós é um dever referir-nos ao calibre que bandas como Tryo têm e projetam no Chile. Originários de Valparaíso (assim como Los Jaivas, maior instituição do rock chileno, comemoram neste mês de agosto seis décadas de carreira), os irmãos Ismael e Francisco Cortez Aguilera souberam levar a bandeira da música progressiva em nível local desde o início em dos anos 80, para hoje dar rosto e ombro a qualquer potência mundial. É uma obrigação realçar isso, e ainda mais neste momento, onde a promoção na Europa e noutras latitudes como protagonista de festivais de renome já é uma constante há mais de 20 anos. Como podemos não nos sentir orgulhosos. Como não nos vangloriarmos de tantas maestrias e engenhosidade que, em vez da fórmula segura ou da pirotecnia clínica, se investem na exploração da fronteira final, ao mesmo tempo que o prazer da aventura reforça a mística de um grupo que tem algo a dizer após a jornada interna.
Outro ponto a comemorar é a forma como a paleta sonora se expande sem perder um pouco de sua integridade. Tal como o todo-poderoso Rush durante o seu ciclo oitenta, a presença de teclados e sintetizadores não diminui em nada a crueza que distingue a assinatura de Tryo, mas antes leva-a a lugares desconhecidos e fascinantes. Se você tem um músico como Pablo Martinez, capaz de transitar entre o clássico e o transgressor com a fluidez típica dos mestres, é porque há algo maior que a convenção em seu propósito.
Com um vasto catálogo discográfico que estabelece uma identidade (como devem soar os bons discos, e ainda mais nestes tempos de produção genérica), Suramérica, o disco, surpreende desde o início, é digerido e apreciado como a mais requintada iguaria e, Mais importante ainda, reafirma a validade de um estilo que molda o seu próprio canal de expressão em cada produção. De Valparaíso a todo o Chile, daqui à América do Sul e ao resto do Globo, é um prazer ver Tryo abraçando as viagens como uma forma de fazer e pensar sobre as coisas antes de comunicá-las através do que importa.

Korgull Miranding

Às vezes, a música transcende as fronteiras do tempo e do espaço para nos conectar com o nosso passado e despertar um profundo sentido de identidade. Em seu novo álbum, evocativamente intitulado ‘South America’, TRYO nos convida a uma jornada sonora que vai além de melodias e letras. Esta obra não é apenas um simples compêndio de canções; É uma busca espiritual, uma homenagem aos antepassados ​​e uma exploração da riqueza cultural de uma região que guarda segredos ancestrais.
Os cinco membros do TRYO, liderados pelos irmãos Ismael e Francisco Cortez, conseguiram catalisar uma simbiose musical que transcende os limites convencionais. Os seus instrumentos entrelaçam-se como os fios de uma tapeçaria antiga, criando uma experiência auditiva tão rica em texturas como em emoções. Ismael Cortez, com sua voz emotiva e violões elétricos e acústicos, tece uma narrativa que oscila entre o etéreo e o visceral, conectando o passado com o presente.
É assim que “Suramerica”, a canção homônima que dá início a esta jornada, é um turbilhão de sons e emoções que capta a própria essência do continente. O conjunto de sopros andino nos chama do alto, enquanto, por sua vez, as guitarras e os teclados traçam um caminho que nos leva a explorar a vastidão da terra e a alma de seu povo. O groove jazz-rock que impulsiona a música é como um rio caudaloso que nos leva com seu poder, lembrando-nos que estamos enfrentando algo maior do que nós mesmos.
A viagem continua com a música “Canoeros Celestes”, peça que acaba por ser uma amálgama de elementos entre a terra e o céu. Os teclados e sintetizadores comandados por Pablo Martínez acrescentam um toque de misticismo, como se estivéssemos contemplando as estrelas do alto de uma montanha sagrada. É neste ponto que TRYO define com maestria a sua intenção, lembrando-nos que a música é uma linguagem que transcende as palavras e se conecta diretamente ao coração.
“Nómades” convida-nos a mergulhar numa aventura em que instrumentos nativos como a quena e o charango servem de guia num olhar introspectivo, enquanto o violoncelo de Francisco Cortez se junta à dança, criando um diálogo entre o antigo e o contemporâneo. É como se as almas dos ancestrais fizessem contato através dos instrumentos, revelando segredos e conhecimentos que transcendem o tempo. Somos convidados a testemunhar a fusão de instrumentos indígenas e elétricos que acaba por canalizar um sentimento de unidade entre o humano e o divino.
Por sua vez, o contemplativo “Orillas” nos mergulha na dualidade do sagrado e do profano. Começando com uma sensação emocional de calma, logo começa a ficar sombrio, acompanhado pelo aparecimento de medo e invasão. É um lembrete de que as costas podem ser locais de paz e de conflito, e que as nossas ações podem mudar o seu significado. A música desenvolve-se com tensão crescente, como uma história em si, e a música torna-se o narrador que nos guia através das emoções.
A viagem musical chega ao fim com “Transcender”, canção que tem como convidado o talentoso baixista nacional Ernesto Holman e cuja obra evoca um sentimento de esperança, renovação e comunhão com a pacha mama. Os sons da natureza nos conectam com a terra, enquanto o baixo fretless e os instrumentos nativos constroem uma atmosfera de ressurgimento. É uma despedida que nos deixa com sentimento de gratidão pela jornada que percorremos com a TRYO.
América do Sul: O grito progressista nacional
'Suramerica' finalmente acaba por ser mais do que um álbum, acaba por ser um testemunho da capacidade da música de transcender o tempo, o espaço e as diferenças culturais. A TRYO foi encarregada de criar um monumento sonoro dedicado à identidade ancestral, fundindo elementos indígenas com o poder do progressismo contemporâneo. Cada música é um capítulo deste épico musical, um convite para explorarmos nossas próprias origens e nos conectarmos com algo maior que nós mesmos.
Em suma, 'South America' é uma viagem épica que irá mergulhar você nas profundezas da identidade ancestral e deixá-lo maravilhado com a vastidão de sua beleza sonora. TRYO criou uma experiência musical que perdurará no tempo e que sem dúvida ressoará nas profundezas do seu ser. Um álbum absolutamente essencial para os amantes do rock progressivo.

AlvaRock

Lista de faixas:
01. South America
02. Celestial Canoeists
03. Nomads
04. Shores
05. The Escape
06. Rebel Dance
07. The Union
08. Elements
09. Transcend

Lineup:
- Ismael Cortez / Guitarra Elétrica e Acústica, Voz
- Francisco Cortez / Baixo, Violoncelo, Trompe, Trutruca, Voz
- Félix Carbone / Bateria, Mallet Kat, Tumbadoras, Djembe, Gong, Crótalos, Shaker
- Pablo Martínez / Teclados, Sintetizadores, Programação
- Felipe Baldrich / Mallet Kat, Tambor Indiano, Bombo Legüero , Cascahuillas, Voice

Músicos convidados :
- Ernesto Holman / Bass Fretless
- Cecilia Cortez / Piano
- Gonzalo Cortés / Quena, Charango
- Ignacio Carvajal / Voice

******DADOS TÉCNICOS*******
Artista: Tryo
Álbum: América do Sul
Ano: 2023
Gravadora: Mylodon Records
Catálogo: MRM130
País: Chile
Lançamento: 2023
Faixas: 9

ROCK ART

 

The National – I Am Easy To Find (2018)

I Am Easy To Find será, provavelmente, o disco em que os National mais arriscam, com sucesso, em que mais saem da zona de conforto, oferecendo um trabalho consistente, embora sem nenhum rasgo de genialidade.

Em todas as entrevistas os The National têm repetido que este disco nasceu por acaso. A banda estava preparada para uma pausa até que foram contactados pelo realizador Mike Mills, que queria colaborar. Foi dessa vontade (com vários passos intermédios, nomeadamente o envio de uma série de canções que não entraram no disco anterior) que acabou por surgir este I Am Easy to Find, anunciado de repente e acompanhado de uma curta-metragem de 26 minutos, com Alicia Vikander.

É, como diz a própria banda, um trabalho de colaborações, sobretudo femininas: além do filme com Vikander, cantam nomes como Sharon van Etten, Mina Tindle, Lisa Hannigan, Kate Stables (This Is The Kit), Eve Owen e o Brooklyn Youth Chorus e que conta ainda com a mão de Gail Ann Dorsey, que trabalhou com David Bowie desde 1995.

Este é o oitavo trabalho de estúdio do grupo norte-americano e o disco pega onde acaba o trabalho anterior, Sleep Well Beast. “You Had Your Soul With You”, o primeiro single que começou a rodar nas rádios, tem a energia de “The System Only Dreams in Total Darkness” mas sem os repentinos ataques nervosos libertos na voz de Matt Berninger.

Logo aqui os The National nos mostram o que vai ser este disco, cheio de vozes femininas, não apenas como suporte mas a preenche-lo, a enche-lo, a dominá-lo, com a voz rouca e profunda de Berninger muitas vezes em segundo plano. Nesta primeira faixa do disco a voz límpida de Gail Ann Dorsey surge de repente mas canta a frase mais emblemática da canção – “You have no idea how hard I died when you left”, e quantos de nós não pensámos já isto.

A escrita continua a soar a The National, as frases depressivas, a forma complexa de dizer o que se diria em poucas palavras. Desta vez, Carin Besser, a mulher de Berninger, teve um papel mais interventivo na escrita das letras embora essa maior intervenção não tenha feito o disco perder a identidade nas palavras atiradas por Berninger e cantadas pelo rol de presenças femininas ao longo das várias faixas:

Segue-se “Quiet Light”, uma balada ao estilo The National, que também já anda a rodar nas rádios, deliciosamente desarmoniosa como a banda tão bem sabe ser. Em “Roman Holiday” há referências a Patti Smith, outra grande figura feminina. “Oblivions” é uma doçura, uma dança entre a voz feminina (a mulher de Bryce Dessner, Pauline de Lassus) e masculina, pautada pelo martelar do piano e a bateria quase militar. Outros temas soam mais ou menos a The National, como “The Pull of You”, mas a voz feminina faz estranhar o som tão característico da banda. “I Am Easy to Find”, que dá nome ao disco, entranha-se calmamente e fala sobre abandono e espera. E pelo meio há interlúdios do Brooklyn Youth Chorus, como “Her Father in the Pool”, com pouco mais de um minuto de duração, e “Underwater”.

“Where Is Her Head” segue a ritmo desenfreado, com Eve Owen, e é dos temas que mais se destaca, quase pop; “Not in Kansas” começa como uma lengalenga e vai ganhando densidade, uma faixa longa, com 6:44, que inicialmente tinha cerca de 10 minutos. Destaque ainda para “Hairpin Turns”, uma das mais bonitas faixas do disco, e “Light Years”, que fecha o disco e é um dos momentos altos de toda a composição

Este é o trabalho mais longo da banda: 16 músicas, mais de 60 minutos – e talvez vivesse bem sem uma ou duas destas faixas. E apenas “Rylan” é tipicamente The National: as outras faixas são experiências e assumidamente colaborativas e, por exemplo, dispensaríamos bem “Hey Rosey” ou “Dust Swils In Strange Light”.

Explorando e arriscando os The National acabam por cair naquilo que as vozes críticas mais frequentemente dizem: fazem discos aborrecidos. Neste I Am Easy To Find não há músicas que se destaquem de sobremaneira ou que ecoem ainda não longínquo Boxer ou ao mais distante ainda Alligator. Se em Sleep Well Beast tínhamos, pelo menos, “Turtleneck” aqui não há nada que liberte a energia e tensão que fica concentrada sob a voz densa de Berninger e a composição abafada que precisa de explodir.

Este será provavelmente o disco em que a banda mais arrisca, com sucesso, em que mais sai da zona de conforto, oferecendo um trabalho consistente, embora sem nenhum rasgo de genialidade. Para mim, que tenho os The National como banda de eleição desde Boxer, há um grande reconhecimento do que aqui foi tentado fazer, aliado à desilusão de se ouvir tão pouco Berninger, de por vezes soar tão pouco a The National. Arriscaram, sim, e merecem o reconhecimento de terem produzido um bonito disco – mas não chega a excelente.

Tyler, The Creator – IGOR (2019)

Quem é Tyler, The Creator? Um rapazinho que cresceu de braço dado com o abandono do pai? Um rapper norte-americano que conta já com 6 álbuns lançados? Um designer louco por ténis e por tons púrpuras? Tyler, The Creator é tudo isso. E é tudo o resto também.

Será Tyler, The Creator o criador de tudo aquilo que existe?

… Será Tyler, The Creator… deus?

Sim, Tyler, The Creator é o deus criador da sua própria persona, que já anda entre nós desde 2007, aquando da cocriação do grupo Odd Future. Tyler criou-se a si próprio, mas, numa fase inicial, dependeu de outros miúdos, com quem partilhava um sonho: ver a sua música numa rádio de cariz comercial – triunfar no mundo da pop, no fundo.

(O sonho concretizou-se em 2017, quando os dois ouvidos de Tyler não conseguiram captar ao certo o número de vezes que a «sua» “See You Again”, faixa que vive em Flowerboy, passou nas estações de rádio norte-americanas.)

Os anos passaram, o pai de Tyler continuou sem lhe dar a mão, e o pequeno T cresceu, entre beats e ao lado de versos. Enquanto crescia, foi lançado música, primeiro sobre o formato de mixtapes amadoras, depois através de verdadeiros álbuns-conceito. A primeira mixtape foi a Bastard, de 2009. O primeiro álbum foi o Goblin, de 2011.

Em 10 anos muita coisa acontece. Na década que passou, Tyler lançou 6 álbuns e fez questão de se demarcar de todos os outros rappers, que hoje, mais do que nunca, são «músicos» (e com razão), escondendo-se e, ao mesmo tempo, revelando-se através de uma personalidade demasiado própria para ser descrita através de palavras. É que estamos a falar de Tyler, The Creator, não é verdade?

IGOR está no mundo, e nos nossos ouvidos, desde meados de Maio, mas parece que existe desde sempre, não fosse este «o» projeto que melhor representa a musicalidade de Tyler, The Creator, que nem sempre foi esta, como é natural.

Um jovem de 20 e poucos anos, parvo e divertido por natureza, que cresceu sem uma figura paternal, não tem como esculpir um projeto como IGOR. Um jovem de 20 e poucos anos, que esconde a ausência de um amor de um pai que não existe (e que nunca vai existir…) nas gavetas de uma personalidade extrovertida, dependente de aventuras, de travessuras e de passeios de bicicleta com os amigos, vai necessariamente reunir toda a sua raiva em faixas nas quais o mesmo tranca e destranca as suas verdadeiras emoções. Um jovem de 20 e poucos anos faz Bastards, Goblins e Wolfs. Nesses projetos, Tyler, através de palavras, versos e estrofes, revela os seus medos, as suas inseguranças e os seus problemas que, injustamente, não foram por ele criados.

Mas Tyler, que sempre foi mais músico do que rapper – sim, até mesmo nesse início raivoso –, nunca teve problemas em revelar uma musicalidade e uma criatividade «vintage», cor-de-laranja, que mais parece pertencer a uma velha raposa do disco-soul e do jazz de uns Estados Unidos dos anos 70 do que a um miúdo criado na Califórnia, e educado por iPods.

É em 2015, aquando do lançamento de Cherry Bomb, que Tyler revela quem é – aliás – o que quer ser.  A transformação de rapper para músico ocorre em vários momentos de Cherry Bomb: por exemplo, na “Find Your Wings”, na “Blow My Load” ou na “2Seater”, faixas que correspondem aos momentos mais soulful do álbum e que, se comparados com as restantes passagens dessa produção (que seguiram ainda aquele padrão mais explosivo e característico da fase inicial do rapper), revelam a matéria de que é feita o coração musical de T.

É importante percebemos o que foi Cherry Bomb se quisermos compreender o que é IGOR, visto que essas duas produções são os trabalhos mais criativos que Tyler executou até aos dias de hoje. É verdade que entre eles, veio a fama e o reconhecimento (com Flower Boy), mas é tanto em Cherry Bomb, como em Igor, que vemos um Tyler mais transparente e genuíno, um Tyler que segue cegamente o seu instinto criativo musical.

Essas duas produções de Tyler são «primas». Não são iguais, claro está, mas vêm do mesmo sítio, são da mesma família, partilham o mesmo sangue. Em IGOR fica a ideia de que Tyler parece conseguir atingir aquilo que havia iniciado em Cherry Bomb, até porque as linhas condutoras dos dois trabalhos são semelhantes, apesar das diferenças óbvias aos olhos dos nossos ouvidos: ambos assentam naquele soul-jazz negro característico da costa oeste dos Estados Unidos da América.

IGOR é uma fase nova de Tyler, The Creator, que apenas existe porque as fases anteriores existiram necessariamente.

IGOR não é Goblin. IGOR não é Wolf. IGOR não é Cherry Bomb. IGOR não é Flowerboy. IGOR é IGOR. É o próprio Tyler quem o diz. Nem sou eu, é ele e é nele em quem devemos confiar. Tyler também sustenta que este não é um álbum de rap e confirmamo-lo em 39 minutos, divididos em 12 faixas, nas quais estamos acompanhados, não só por Tyler, como também por uma vaga de talentosos músicos que, nos últimos anos, se aproximaram da loucura e da criatividade do rapper.

O álbum inicia-se com a “IGOR’S THEME” e o começo é avassalador. Nos primeiros segundos, parece que regressamos a tempos antigos, agressivos, cheios de gritos e repulsa. Notas prolongadas e assustadoras oriundas de sintetizadores e batidas potentes de bateria empurram o ouvinte para o interior da canção. Parece que a primavera de Flower Boy acaba em “IGOR’S THEME”, mas não: Tyler engana-nos e é nesse estado que chegamos à segunda faixa do álbum, “EARFQUAKE”, um dos grandes momentos do álbum, marcado pela presença de Playboi Carti.

(Lembrem-se: não estamos a ouvir um álbum de rap.)

Em “EARFQUAKE” há pianos, Tyler canta – farta-se de cantar –, o beat é entusiasmante e apaixonante (não fosse esta uma música de amor) e faz com que os 3 minutos que formam a música passem pelos nossos ouvidos de uma forma límpida e fluída, tanto que a ponte entre que liga essa faixa à seguinte, “I THINK”, é, no mínimo, fenomenal.

Em “I THINK”, Tyler admite sentir-se apaixonado, e desta vez é «a sério». O instrumental desta faixa toma o controlo do nosso coração e faz com que o nosso batimento cardíaco se confunda com o tempo da música. Neste momento do álbum, Tyler conta com a participação de Solange, que o auxilia, completando os vocais.

A terceira faixa da produção é a “EXACTLY WHAT YOU RUN FROM YOU END UP CHASING”, que não tem mais do que 15 segundos. Apesar da curta duração da faixa (é um breve interlúdio), mais uma vez, Tyler, através dos seus skills de produtor, constrói uma ponte perfeita. Entre o final da “I THINK” e o começo do interlúdio que a mesma introduz, conseguimos reparar que as notas de piano que dão a corpo a essa passagem são idênticas às que Tyler implementa na antiga “Sometimes…” (de Flower Boy).

Em “RUNNING OUT OF TIME”, a sinopse do álbum – que versa, agora indubitavelmente, sobre o tema do amor – altera-se por completo, no entanto, a musicalidade do mesmo permanece intacta e fiel a si mesma: fluída, viciante e sempre em crescente. Os vocais nesta canção, garantidos por Jessy Wilson, estão sempre no lugar certo, à hora certa e isso é obra do exclusivo produtor de IGOR… Tyler, The Creator.

Em “NEW MAGIC HAND” Tyler conta com a ajuda de Santigold, no entanto, é nesta faixa e neste momento do álbum, que a conhecida agressividade de T volta a dar a volta aos nossos ouvidos. Tyler volta a rappar, no entanto, para esse efeito, refugia-se numa voz distorcida, capaz de acelerar ainda mais a letra e o sentido da faixa, que é uma das mais explosivas de todo o projeto – lírica e instrumentalmente.

“NEW MAGIC HAND” tem um fim abrupto. Nesta fase do processo de audição, não sabemos ao certo qual é que será o rumo que marcará o registo da canção seguinte. Isto tudo em segundos. Temos pouco tempo para discernir, para assimilar o que ouvimos, pois a agressividade repentina (mas tão previsível em Tyler, The Creator), assegurada por ferozes sintetizadores, dá lugar, na “A BOY IS A GUN”, ao regresso do soul e de música tons cor-de-rosa.

O que mais marca a faixa “A BOY IS A GUN” será mesmo as linhas de baixo sobre as quais se deitam todos os outros momentos musicais da mesma. É esta faixa que me faz associar, mais do que qualquer outra, a essência de IGOR à que serve de substrato de Cherry Bomb e a razão é simples: há muito soul na “A BOY IS A GUN”; há soul nos vocais, há soul nos apontamentos de piano. Há soul em todo o lado.

A faixa seguinte, “PUPPET”, é das que chama mais atenção ao ouvinte, visto que é nessa que Tyler conta com a ajuda de génio de Kanye West, com quem até já tinha trabalhado, aquando da produção de Cherry Bomb. O instrumental é precioso e não podemos ficar surpreendidos com o mesmo (é o que dá trancar Tyler e Kanye num estúdio cheio de música e possibilidades inimagináveis). A voz de Kanye, num dos refrões, é facilmente reconhecível, algo que em IGOR é raro: os “features” que Tyler colou neste rol de canções são, por vezes, difíceis de apanhar. Em “PUPPET” estamos num momento muito bonito do álbum, visto que, é nesta faixa em específico, que a convergência das ideias de Tyler cria um plano musical nunca idealizado por ninguém – apenas por ele, claro. Em “PUPPET” há cordas, muitas cordas, que ganham especial importância a partir da segunda metade da canção, que nasce após uma transição dourada.

Em “WHAT’S GOOD” regressamos a Cherry Bomb. O beat é agressivo, Tyler está agressivo, mas nem por isso deixam os nossos ouvidos de estar equilibrados. Apesar da sua agressividade em relação a outros momentos do álbum, “WHAT’S GOOD” está onde deve estar. Aqui há muita bateria e todos os sintetizadores empregues têm a função de distorcer o sentimento da faixa. Apesar de tudo, essa agressividade esfuma-se perto do fim da canção, onde o rap de Tyler dá lugar a três notas de piano e a uma confissão – “I don’t know what’s harder letting go or just being okay with it”.

Seguem-se as faixas “GONE GONE/THANK YOU” e “I DON´T LOVE YOU ANYMORE”. Na primeira a que agora me refiro, os nossos ouvidos são invadidos por uma sensação veranil, construída por uma bateria inicial, pela voz cantada e distorcida de Tyler e por uma lírica seguramente alegre e esperançosa, algo que não é assim tão comum em Tyler, The Creator. Nesta faixa, o refrão é assegurado por CeeLo Green, que logo devolve o comando da canção aos versos cantados por T. Já nem sabemos bem em que género estamos. “GONE GONE/THANK YOU” tem mais rock do que muitas músicas que, à partida, são postas nesse lote. Em “GONE GONE/THANK YOU” há muita guitarra mesmo. E ainda bem, porque essa guitarra é o motor da canção, pelo menos da sua parte inicial. Depois de um refrão com tons de gospel e de momentos instrumentais preciosos, a voz de rap de Tyler, bate à porta – “knock, knock, knock…” – e regressa e está tudo tão bem.

Mais uma vez, a ponte que Tyler constrói entre faixas é uma verdadeira obra de engenharia musical, daí que a “I DON´T LOVE YOU ANYMORE” ainda nem começou, mas já está bem dentro dos nossos ouvidos. O título é bem explícito e Tyler parece ter finalmente decidido o que acha ser o melhor para a sua vida. Ainda assim, reina tanta incerteza naquela cabeça. Acabamos nem por dar o valor que o beat de “I DON’T LOVE YOU ANYMORE” merece, porque o nível de produção que Tyler impôs neste álbum deixa de ser, a dada altura, descritível. Os momentos finais desta faixa acabam mesmo por ser das passagens mais calmas de todo o projeto, de toda a carreira de Tyler, na verdade, e a responsável é Solange, novamente.

“ARE WE STILL FRIENDS” é a última canção do álbum e é a prova final de que acabamos de viajar nas estradas que ligam a cabeça musical de Tyler, The Creator. Na derradeira faixa, Tyler conta com a ajuda de Pharell Williams, mas importante é referir a presença do mago Al Green, que pega em Tyler ao colo na parte introdutória da faixa. Para além do mais, não nos podemos esquecer de referir a presença de Jack White, responsável, nesta faixa, pela guitarrada, que agora (mais do que nunca) é bastante amiga da musicalidade de Tyler. O início de canção lembra-nos um vinil perdido, cheio de pó, de uma qualquer cantora soul afro-americana. Sopramos o pó, o vinil fica brilhante. Metemo-lo no gira discos e colocamos, com todo o cuidado do mundo, a agulha sobre o artefacto musical. Começamos a ouvir Tyler, que surge escondido entre notas de baixo longas e prolongadas, mas que rapidamente se revela perante nós, após ter ganho força e coragem em guitarras leves e em apontamentos de sintetizadores translúcidos. “ARE WE STILL FRIENDS” é o momento mais forte do álbum, até porque… bem… é o último. Na parte final da canção, Pharell ganha protagonismo, mas rapidamente devolve-o a Tyler, que finaliza a faixa e, por conseguinte, o álbum, num momento épico e cheio de sentimento.

(Aconselho vivamente a ouvirem a “ARE WE STILL FRIENDS” num carro veloz, numa estrada inacabável, num daqueles dias de verão em que o Sol parece não querer despedir-se do céu.)

IGOR é consideravelmente o melhor álbum de Tyler, The Creator, não só porque a música que lhe está inerente tem qualidade, é reconhecida e é o resultado de um enorme misto de influências e de escolas musicais, mas, acima de tudo, porque foi bem recebido pela crítica que, reconheceu, logo de início, a criatividade e a originalidade que Tyler reservou para IGOR. Quem conhece Tyler há tanto tempo, como nós, não pode ficar surpreendido com o sucesso que o rapper, hoje (e desde sempre) músico, está a provar atualmente.

Tyler, The Creator consegue reunir em si tudo aquilo que é necessário para se ser um ícone da atual «pop culture»: tem uma musicalidade própria, inova, não sendo nunca uma cópia de um produto já feito, esforça-se, trabalha e dá-se a conhecer, tentando sempre chocar e surpreender a sua legião de fãs, que hoje se estende para lá do mundo do rap. Hoje, Tyler, The Creator é uma personalidade e exerce influência nas mais diversas áreas de convergência cultural: é designer, faz música, cria conteúdo – ele ainda vai ser diretor de cinema, vão ver (ele bem quer) e, mais do que tudo, é único.

Tyler, The Creator é o seu próprio criador, construiu-se a si mesmo, tendo por base, no início, as dificuldades da sua própria vida, que desde cedo foram superadas pela paixão que o mesmo, sozinho ou com amigos, sentiu pela música e pela arte de criar e de inovar.

Que continues a criar por muitos mais anos, Tyler.

 

The Brian Jonestown Massacre – The Brian Jonestown Massacre (2019)

 

O regresso ao rock lo-fi psicadélico que resulta sempre muito bem com Anton Newcombe.

Alguém disse imaginar a brutalidade de música por fazer que todos perdemos com a morte do Kurt Cobain só pode ser alguém que parece ignorar a brutalidade de música medíocre feita por McCartney pós-70s, e depois o mesmo com os Stones, Cornell, Metallica, Gallagher, Beck, Corgan e até o Beethoven (a nona sinfonia é uma bela merda). Olha, e os Sigur Rós. Por contraste tendo a apreciar quem consegue identificar a indisponibilidade de chegar perto do outrora, como o fez Mark Hollis, que se foi no outro dia, mas há décadas afastado da música pós obra-prima do Laughing Stock; ou o exagero da Barbara Loden, realizadora de um único – e misteriosamente genial – filme, Wanda; ou os Portishead, que nos dilaceraram com três álbuns em catorze anos, e já lá vão onze desde o último, não se sabe porquê.

Mas convenhamos música boa é rara e é claro que queremos que exista em quantidade. Os Radiohead, esses, amandam um melhor que o outro, editando em lume brando, sem pressas, no que resulta obras bem pensadas e produzidas ao nano-milímetro, e ainda bem para nós que a mamamos em deleite.
Dum outro lado encontra-se o maluco do Anton Newcombe e os seus The Brian Jonestown Massacre, que editaram há uns meses atrás o décimo-oitavo disco, dezanove anos depois do primeiro. Quem viu o lendário documentário Dig! (2004) não poderia esperar tamanha longevidade, tal o nível de conflito e de abuso de estupefacientes (ou então deveria esperar tamanha longevidade “por causa” do nível de conflito e de abuso de estupefacientes). “You broke my citar, motherfucker!”

A banda desfez-se e refez-se inúmeras vezes, orbitando sempre, claro, em torno de Newcombe, o mais das vezes em trajectórias violentas (os concertos têm três horas, mas hora e meia é dispendida em conflitos, entre Newcombe e a banda e entre Newcombe e público); a música é o mais das vezes excelente. Eu vi-os ao vivo em Roskilde praí em 2006 e não há como não ficar espantado com o contraste entre a aparente imaturidade de Anton Newcombe (bêbado, trocando insultos com toda a gente, caindo do palco) e a performance musical em si – poderosa, genuína, intensa – como se a sua existência para lá da música seja inevitavelmente tortuosa e patética.

É assim, há quem viaje com fins muito claros: ver a merda do Taj Mahal, bater uma punheta na Capela Sistina, tirar uma selfie horrorosa nas cataratas do Niagára, etc. E há quem viaje pela viagem. É assim a música de TBJM, para tripar com rock n roll, música lo-fi de atmosfera preenchida, elíptica, sem refrão, ainda assim de certa maneira humilde e incrivelmente catchy. Adoro a faixa “Cannot Be Saved”. Torna-se difícil a dada altura, admito, identificar a que disco determinada música pertence, e não é por acaso que escolheram como capa do novo disco o velho logo – singela opção que sugere com eficácia uma espécie de retorno aos sons habituais, após algum nível de experimentação electrónica dos álbuns anteriores.
“I cooked for fourteen people. I cooked two legs of lamb and produced a song all in one day”. Não é fácil cozinhar para catorze pessoas.