Biografia de Alizarin Formado em Los Angeles, CA em 2018
Nascido das inclinações progressistas do guitarrista Josh KAY, ALIZARIN é um grupo instrumental com a missão de explorar o rock não convencional. O quarteto mora em Los Angeles, CA e lançou seu primeiro álbum completo, intitulado Cast Zenith, em julho de 2018. O grupo cita como influências: NICK JOHNSTON, THE ARISTOCRATS, BIG BIG TRAIN, STEVEN WILSON , SUPERTRAMP, XTC, DREAM THEATER, OPETH, descrevendo seu som como ''Cinematic Instrumental Rock''.
O punk rock cresceu e diminuiu com o tempo. Para citar um exemplo, houve um renascimento do interesse mainstream pelo punk rock na década de 1990. Algo que não poderia ter acontecido sem o sucesso de alguns porta-estandartes. Um excelente exemplo seria o Offspring, uma banda de punk rock que começou em 1984 e continua até os dias de hoje.
10. Let the Bad Times Roll
Let the Bad Times Roll foi lançado em 2021. Para contextualizar, seu antecessor imediato é Days Go By, lançado em 2012. Como tal, Let the Bad Times Roll foi o primeiro lançamento do Offspring em quase uma década. Naturalmente, havia muita gente ansiosa para ver o que a banda havia criado naquela época. Infelizmente, o lançamento revelou-se incapaz de corresponder a essas expectativas, o que pode ter sido causado pelas conhecidas dificuldades envolvidas na sua criação. Um exemplo foi a saída do baixista Greg K. Outro exemplo foi a busca de uma nova gravadora para substituir a Columbia Records.
9. Splinter
Splinter não tem a melhor reputação. Devido a isso, não deve ser surpresa saber que recebeu uma resposta mista tanto da crítica quanto dos consumidores, embora no final tenha conseguido vender perto de um milhão de cópias em todo o mundo. Havia algumas músicas memoráveis, como “Hit That” no Splinter, mas na maioria das vezes seu conteúdo era muito mais sem brilho.
8. Rise and Fall, Rage and Grace
Este álbum abriu com “Hammerhead”, que teve uma recepção positiva na época. Infelizmente, o resto do álbum não é tão bom. Algo que é particularmente problemático porque Rise and Fall, Rage and Grace é também o álbum mais longo do Offspring .
7. The Offspring
O álbum de estreia autointitulado do Offspring se destaca por uma série de razões. Por exemplo, é um produto da banda em início de carreira, o que significa que é menos polido. Para citar outro exemplo, seu conteúdo também é mais sombrio e sério do que os lançamentos posteriores da banda. Algo que pode ser uma verdadeira surpresa para quem conhece o Offspring em sua forma mais icônica. Ainda assim, The Offspring é surpreendentemente bem organizado, o que significa que sua classificação pode sofrer variações consideráveis de lista para lista, dependendo exatamente do que as pessoas estão procurando.
6. Days Go By
Às vezes, pode parecer que os artistas deram um passo à frente e dois para trás nos álbuns. Para provar, basta olhar para Days Go By, que parece muito conflitante. Algumas de suas músicas são maduras, refletindo a banda veterana que o Offspring se tornou. Enquanto isso, outras músicas são rápidas e enérgicas, o que é muito característico desta banda. Infelizmente, a última parte das músicas parece um preenchimento, tanto que alguns críticos as chamaram de “infantis”. No geral, o resultado é um lançamento bastante irregular, com alguns destaques.
5. Ignition
Na verdade, Ignition foi lançado antes de o Offspring se tornar o Offspring. Afinal, é anterior ao som icônico da banda. Além disso, Ignition foi lançado antes que o Offspring tivesse seu grande avanço. Ainda assim, este lançamento é bem visto por muita gente por aí. Isso porque é uma clara melhoria no conteúdo do álbum de estreia autointitulado da banda, o que significa que é um sinal claro do potencial da banda. Desde então, o Offspring mais do que conseguiu cumprir esse potencial, embora talvez não da maneira que a maioria das pessoas esperaria com base em seus dois primeiros lançamentos.
4. Conspiracy of One
Às vezes, as pessoas não querem ouvir algo sofisticado e instigante. Em vez disso, eles querem algo divertido, enérgico e alegre. Para isso, não existem muitos álbuns por aí que se comparem a Conspiracy of One. Certamente, o referido álbum não ganhará nenhum prêmio por complexidade. No entanto, nunca finge ser merecedor disso.
3. Americana
The Offspring é uma das bandas mais icônicas do punk rock da década de 1990. Em grande parte, isso se deve a Americana, que é um dos lançamentos mais famosos de todos os tempos. Não é novidade que vendeu muito bem, como mostra a forma como se tornou multi-platina. No entanto, Americana também é lembrada por uma série de músicas que conseguiram fazer sucesso, com exemplos que vão de “The Kids Are not Alright” a “Why Don't You Get a Job?”
2. Ixnay on the Hombre
Ixnay on the Hombre tem um nome muito simples. Afinal, ixnay significa “nix” em latim, enquanto “hombre” significa “homem” em espanhol, tornando o nome a clara rejeição da autoridade que é emblemática do punk rock. Curiosamente, Ixnay on the Hombre também foi a primeira vez que o Offspring lançou sua música por meio de uma grande gravadora, o que foi causado pelo desentendimento deles com sua gravadora anterior por causa da escolha desta de vender seu álbum anterior para uma grande gravadora. em troca de uma substituição de royalties. De qualquer forma, Ixnay on the Hombre é um lançamento sólido de uma banda veterana, com o resultado de que conseguiu um desempenho muito bom em termos de vendas.
1. Smash
Smash foi feito com um pequeno orçamento de US$ 20.000. É verdade que isso foi em meados da década de 1990, o que significa que não era tão pequeno quanto parece de uma perspectiva moderna. Ainda assim, não há dúvida de que Smash conseguiu fazer muito enquanto trabalhava com escassez de recursos. Por exemplo, este é o álbum inovador do Offspring, que conseguiu torná-los conhecidos por um público internacional. Além disso, Smash desempenhou um papel importante no renascimento do punk rock naquele período, o que significa que compartilha reconhecimento com obras essenciais como Dookie do Green Day .
Judas Priest: o que resta a dizer? O nome por si só causa medo na comunidade do metal. Os títulos dos álbuns são icônicos: Sad Wings of Destiny, British Steel, Screaming For Vengeance, Painkiller. Alguns podem ser considerados os maiores álbuns de metal de todos os tempos. Eles são reverenciados por suas contribuições ao heavy metal inicial e continuam até hoje, embora com um status menos influente.
No ano passado tive o “privilégio” de resenhar o mais novo álbum do Metallica, 72 Seasons, e criticei por ser seguro e sem inspiração, e falei sobre o momento em que o Metallica “esgotou” entre os lançamentos de St. Raiva e Morte Magnética. O Judas Priest provavelmente deveria cair sob o mesmo escrutínio, considerando que o álbum conceitual sinfônico, Nostradamus, de 2008, parecia conceitualmente semelhante ao St. Raiva Desde então, a banda lançou três álbuns de estúdio (incluindo este) que são essencialmente projetos de retorno à forma e foram bons. A questão é se o Judas Priest precisa reinventar a roda.
Bem, quando a fórmula é tão precisa e exata, não se pode contestar os resultados. Considerando todas as coisas, Invincible Shield é uma peça incrível do heavy metal da velha escola que conhece sua história e está em dívida com o passado, mas também não tem vergonha de fazer mudanças sutis para evitar que soe derivado ou sem inspiração. É verdade que muitas dessas mudanças sutis são superficiais, como tem sido o caso de muitas bandas de heavy metal dos velhos tempos (ou seja, Saxon), mas a produção mais limpa dá um som muito mais próximo do metal progressivo moderno. Não posso dizer que sou um grande fã da produção. Realmente não se encaixa na estética do Judas Priest e a falta de reverberação superabundante que está presente nos álbuns anteriores, incluindo Firepower, não parece natural.
Invincible Shield entende que a banda que está tocando é de uma época passada, e isso transparece no conteúdo da letra. Não é muito para dissecar; muitos temas de religião e morte, mas o tema principal de “Ataque de Pânico” é bizarro. A frase “desconectando-se da World Wide Web” durante a ponte é um lembrete de que Rob Halford está na casa dos setenta e provavelmente vê o mundo de maneira muito diferente de nós, de trinta e poucos anos, analisando a música. Felizmente, é a única faixa como essa e eles a tiram do caminho desde o início, em vez de adicioná-la desajeitadamente no meio do disco.
Como acontece com muitos atos legados, esperar algo mais do que isso o deixará insatisfeito. Se você considerar Invincible Shield pelo valor nominal, encontrará um álbum de estágio final do Judas Priest bem elaborado e bem executado. Está muito longe do melhor deles (inferno, eu diria que não é tão bom quanto o Firepower), mas ainda estou surpreso que eles consigam liberar esse tipo de qualidade depois de tanto tempo.
Já se passaram quase dois anos desde o lançamento completo do cloud rap e dos artesãos pop experimentais Yung Lean e Bladee. Seu novo lançamento conjunto marca o primeiro projeto colaborativo entre os dois e quebra o silêncio do rádio com uma reviravolta muito inesperada. Contando com a ajuda do produtor e colaborador anterior Palmistry, e de um novo rosto, Silent$ky, a dupla elimina completamente as batidas trap nebulosas e o autotune pesado, por sua vez, para vocais despojados, angústia alternativa impulsionada pela guitarra e algumas de suas letras mais carregadas de emoção. até o momento, culminando no que pode ser o produto mais sombrio até agora.
A faixa introdutória Coda exibe uma introdução esotérica falada de Lean reunida com cordas que preparam o palco e prontamente dão lugar a Cure, uma reminiscência da melancolia da segunda faixa, Ghosts, com um riff de ouvido e bateria vigorosa ao vivo. É muito estranho ouvir Bladee neste contexto, especialmente com vocais crus. Porém, não é indesejável, já que suas contribuições melódicas são pontos altos neste álbum. O angustiante trabalho de guitarra é transferido para Golden God, exibindo um toque de química perfeita enquanto os dois se chocam em um ritmo de bateria eletrônica mais apressado. Ainda assim, é a peça central do álbum, retirando algumas coisas para dar mais espaço ao conteúdo lírico pesado. “Para dar o salto sem asas, para dar o salto para o nada”, acalma Bladee, encontrando posteriormente a proposta de Lean no refrão: “Você quer voar esta noite?” É bastante claro que há um ar neste projeto, como se sua criação fosse essencial para revisitar e confrontar alguns demônios não resolvidos, que, como os fãs sabem, não são estranhos ao compartilhamento mútuo. A energia acelerada retorna com Sold Out, que apesar de ser breve, é uma das faixas mais completas aqui, também lar do que pode ser o refrão mais cativante do álbum. Hang From The Bridge é outro número de baixa energia que compensa dez vezes sua sonoridade despojada em honestidade emocional. “Não consigo esconder que esse sentimento voltou”, “Estou correndo, estou indo embora, sinfonia dissociada”. A penúltima faixa Enemy leva o prêmio pelo clímax mais eficaz do álbum. Vemos um retorno sutil à forma com uma serenata de Bladee autoafinada enquanto Lean canta seus vocais em uma construção instrumental estrondosa: "Fogo e amor lavam-se sobre mim!" A última faixa, Things Happen, encerra tudo com um abraço melancólico, mas possivelmente esperançoso, do que está por vir. “Não tenho nada a perder, não tenho nada a provar, apenas deixe ir”.
Resumindo, eu gostaria de pensar que Psykos serve tematicamente como um meio para os dois realmente confrontarem suas psiques e deixarem de lado suas queixas passadas e traumas irreversíveis e profundos com vício e exaustão mental de anos passados. Também transmite uma mensagem clara: “As coisas acontecem”, mas todas acontecem em uma fórmula de compasso que só o universo pode contar. Ou você deixa que isso o corroa por dentro, dissolvendo e contaminando todos os aspectos da sua vida, ou simplesmente, você para de fazer perguntas e segue em frente, rumo ao desconhecido. E eles seguiram em frente, tanto mental quanto musicalmente, enquanto faziam um disco pós-punk bastante potente, deixando completamente de lado tudo o que fizeram antes.
'Three' é provavelmente o trabalho mais bonito do Four Tet - o que diz muito para Kieran Hebden. Enquanto jogava hoje cedo, meu filho de 7 anos me pediu para desligá-lo porque isso o estava deixando triste. Perguntei por que e ele disse “porque está me fazendo pensar em memórias que nunca mais acontecerão”. Tal é a beleza comovente deste disco.
A faixa de abertura 'Loved' desliza em uma batida clássica, quente e difusa de hip hop Four Tet, coberta com camadas fáceis de sintetizadores brilhantes. É como a estimulante injeção de oxitocina que você recebe quando encontra um ente querido que não vê há algum tempo. Seus sorrisos se abrem e vocês dois aceleram a abordagem para o abraço.
'Gliding Through Everything' é uma jóia ambiente sem batida que começa como um riacho balbuciante em um dia cristalino e depois se transforma em uma peça ambiental pensativa de sonho pop/shoegaze. A escolha de Hebden de colocar isso na faixa 2 é uma declaração clara de sequência sobre o sentimento de reflexão e admiração que o álbum pretende suscitar.
'Storm Crystals' traz de volta o hip hop downtempo. Alguns dos clássicos esguichos de sintetizador borbulhantes e explosivos de Four Tet fervem enquanto seu uso idiossincrático de samples de harpa e sino fornece a sensação de admiração que torna sua música tão cativante.
'Daydream Repeat' funciona como a peça central otimista do álbum. Se 'Three' tem um banger, é isso. Uma batida forte de Microhouse e um barulho estridente dão o pontapé inicial. No entanto, não demora muito para que Hebden volte para sua paleta de samples irresistivelmente bela. A explosão de feedback revigorante que deu início à faixa dando lugar a uma pequena melodia de harpa Four Tet serena, contagiante e corajosa. A música inteira parece que o sol desaparece repetidamente e depois reaparece por trás das nuvens em movimento.
'Skater' combina hip hop com uma guitarra elétrica escolhida a dedo que lembra alguns dos primeiros trabalhos de Hebden com Fridge e em álbuns como 'Pause'. Sintetizadores brilhantes no estilo cravo saltam e uma voz feminina melodiosa e desarmante eleva a faixa no ar. A primeira vez que ouvi esse álbum foi correndo de madrugada, depois de uma noite de chuva - 'Skater' foi a faixa que realmente ressoou com o tempo e as circunstâncias. O chão molhado e o céu claro e nítido.
'31 Bloom' injeta um pouco de energia no final do álbum por meio de uma batida house propulsiva e uma linha de sintetizador que aumenta o impulso da faixa. A faixa termina com uma pequena seção new age/ambiente brilhante.
'So Blue' mantém a sensação gentil e celestial que encerrou '31 Bloom'. A vocalista aqui é comovente e angelical. Uma cadência doce, mas uma fonte de emoção dentro daquela voz. É algo de cortar o coração. Dois minutos depois, Hebden nos dá uma batida lenta e arrastada. A música tem o coração pesado em alguns aspectos.
'Three Drums' parece uma volta de vitória. É impecável e lindo em todas as facetas. Inegavelmente uma afirmação da vida. Ele combina uma batida energética, mas calmante, com lavagens de sintetizador no estilo dos anos 90 e essa parte alta da melodia principal que me prende como nada mais. Isso desperta um fervoroso sentimento de admiração existencial que é verdadeiramente inspirador. Hebden constrói a pista com camadas de gravidade nebulosa no estilo shoegaze antes que tudo desapareça. Os últimos minutos nos deixam amontoados sob o peso da existência e o calor do sol. Outra ninfa com voz feminina canta um adeus estranho e estrangeiro.
'Three' é cheio de admiração ardente e rejuvenescedora. Ele combina graciosamente as texturas orgânicas de seus primeiros trabalhos com a eletrônica vítrea e imaculada de suas excursões mais recentes. Ele executa perfeitamente todos os principais pontos fortes de Hebden e proporciona muitos momentos de pura alegria e beleza. É o tipo de álbum que pode reacender seu senso de curiosidade e admiração pelo mundo.
Kim Gordon é um dos seres humanos mais legais que já existiram, e qualquer um que remotamente rejeite suas contribuições para o Sonic Youth não é uma fonte confiável. Após a difícil dissolução de sua antiga banda em 2011, Gordon finalmente fez sua estreia solo com No Home Record de 2019. Os sons altamente eletrônicos e muitas vezes abstratos que ela experimentou em seu disco anterior tiveram apenas algumas implicações para o que viria com seu último álbum de estúdio, The Collective. Além de ser um álbum de estúdio forte do segundo ano, o mais recente esforço solo de Kim Gordon parece uma das direções mais genuinamente chocantes que um veterano notável da indústria musical já seguiu há algum tempo. Mesmo para os padrões altamente aventureiros do som de Gordon, The Collective parece algo totalmente único dentro do contexto de sua discografia.
O aspecto mais imediatamente notável de The Collective é a maneira como ele abraça muitas influências da cena do rap experimental moderno. Isso fica evidente a partir do momento em que o disco começa com o single “BYE BYE”, que traz um instrumental que soa como um corte direto do próximo lançamento de um dos artistas mais experimentais do selo Opium, como Playboi Carti. Os instrumentais consistentemente fortes, com baixo pesado e sintetizadores agressivamente industrializados, parecem algo totalmente moderno, e isso é porque são. The Collective é Kim Gordon remodelando completamente seu som mais uma vez (como ela fez várias vezes no passado), enquanto ainda mantém sua frieza distinta. Este disco pode inspirar-se em artistas como Yeat, mas consegue ser muito mais do que um experimentalista envelhecido acompanhando os tempos. Gordon pega essas várias influências que se desenvolveram ao longo dos últimos anos e as transforma em algo significativamente mais deteriorado do que você provavelmente experimentaria em outros lugares. The Collective é uma desconstrução e reconstrução de muitas ideias relacionadas à raiva e à armadilha, na medida em que raramente parece qualquer uma dessas coisas, apesar de algumas das características de ambos os gêneros estarem presentes. Desde os vocais de forma livre autoajustados encontrados em "Psychedelic Orgasm" até a mentalidade de percussão de músicas como "I Don't Miss My Mind", este é um disco que se inspira diretamente em uma variedade de fontes que são bastante óbvio para o fã médio do lado mais experimental do rap mainstream moderno. Muito disso está relacionado ao produtor Justin Raisen, um indivíduo que trabalhou com artistas que vão de Lil Yachty e Yves Tumor a Charli XCX e Sky Ferreira. Mesmo assim, The Collective nunca parece derivado de qualquer artista ou cena em particular. Este disco certamente não tem o mesmo tipo de energia e crueza juvenil que lançamentos como os singles recentes de Playboi Carti ou o disco de 2023 de Ken Carson, A Great Chaos, mas não precisa disso. Esta é Kim Gordon fazendo suas próprias coisas.
Certamente ajuda o fato de haver muitas influências artísticas mais tradicionais em todo o The Collective que são uma marca registrada de seu trabalho geral (tanto solo quanto com o Sonic Youth). Curiosamente, muitos desses sons aqui se apresentam mais adjacentes aos primeiros anos do Sonic Youth como uma banda no-wave. O Coletivo frequentemente rejeita o conceito de melodia ou refrões padrão em favor de texturizar e fornecer uma atmosfera fria. "It's Dark Inside" demonstra uma atmosfera profundamente ameaçadora que parece quase pronta para entrar em colapso a qualquer momento, permitindo-lhe se destacar como um grande destaque em um disco que tem vários. Isso sem mencionar o encerramento do álbum, “Dream Dollar”, que sem dúvida tem a apresentação mais punk de qualquer faixa de todo o álbum. Em outros lugares, faixas como “Shelf Warmer” incorporam sutilmente influências industriais, com a faixa mencionada fazendo a transição para a abertura com ruído severo de “The Believers”. Muitas dessas faixas e passagens parecem bem enraizadas no rock experimental em geral e, portanto, evitam que The Collective se sinta totalmente diferente de Kim Gordon. Embora alguns possam considerar isso como Gordon não indo longe o suficiente em alguns dos caminhos criativos únicos que ela escolhe explorar aqui, também permite que algumas das melhores qualidades de seus trabalhos mais amados se entrelacem lindamente com a variedade de novos sons que ela escolhe. pegar
Com tudo isso dito, The Collective ainda tem uma série de falhas que o impedem de ser um experimento consistentemente bem-sucedido (mesmo que seja muito bom). Embora seus vocais inexpressivos pareçam mais fortes do que nunca aqui, as composições de The Collective podem ser bastante fracas em alguns lugares. “BYE BYE” pode ser uma ótima faixa, mas o conteúdo da letra nada mais é do que Gordon listando várias coisas diferentes para comprar é uma novidade que não resiste a escutas repetidas. "Trophies", a segunda música mais curta do álbum, também apresenta algumas letras de execução questionável, onde Gordon usa o boliche como uma metáfora um pouco estranha e vaga
O Tortoise fez seu disco duplo com seu terceiro álbum, e foi o mais ambicioso e complexo até agora. Temas melódicos ainda imperavam em todos os lugares, já que há uma linha de guitarra memorável e suave na faixa-título de abertura “TNT” que nunca envelhece, uma espécie de qualidade de filme de espionagem para “Swung from Gutters”, mas também incorpora alguns sons aleatórios na mixagem, “ Ten Day interval” tem uma qualidade celestial que usa apenas sinos como percussão e o baixo entra com seus próprios pensamentos imitados pelo piano. “The Equator” é minha música favorita, fazendo um ruído estranho no fundo de batidas eletrônicas percussivas que soam de outro mundo, construindo um colapso repetitivo memorável.
Outros destaques incluem o rock progressivo que lembra o último álbum “The Suspension Bridge at Iguazu Falls”, os efeitos sonoros de vaga-lume do final descontrolado de “Almost Always is Nearly Enough”, a natureza paciente, mas expansiva do mundo, de “A Simple Way”. To Go Faster Than Light That Does Not Work”, a “Jetty” de oito minutos e meio que pode ser outra música de outro planeta, terminando com os alienígenas (talvez nós) pousando em outro mundo e tornando-o seu, e o magnífico close “Everglade” que acalma e suaviza tudo, os efeitos aleatórios agora tendo um efeito de familiaridade. Em todas as melhores músicas aqui nos mostra vislumbres de sua visão única da música em geral.
Cada música é cuidadosamente elaborada, o que tira a parte que eu nunca gostei do jazz (improvisação inútil) e a transforma em linhas melódicas cuidadosamente elaboradas. Há uma qualidade meticulosa nesta música, e é assim que eles mostram suas emoções – não gritando, mas nos mostrando como eles podem fundir todos esses sons desesperados. É perfeito - bem, existem algumas pequenas falhas: “I set My Face to The Hillside” é um pouco longo para o que deseja ser, outra abordagem do tema ocidental de Ennio Morricone; “Four Day Interval” é a faixa mais fraca e uma nota um pouco demais (uma versão mais lenta de “Ten Day Interval”), “In Sarah, Mencken, Christ, and Beethoven there Were Women and Men” poderia ter cerca de metade da duração e ser igualmente eficaz. Muitas vezes me perguntei que álbum poderoso seria esse se tivesse apenas 8 ou 9 músicas e o resto pudesse ter sido deixado para um EP ou algo assim. No entanto, tal como está, a maior parte do disco serve para fazer música rock instrumental intrigante, criando sons e repetindo temas melódicos, chame-o de pós-rock ou jazz ou clássico moderno ou simplesmente genial, é um disco inspirador.
Tracklist: A1 Sublimation 5:46 A2 The Sunlight Peak 2:11 A3 Water Dragon 3:59 A4 Reminiscence 3:08 A5 Pure Joy 4:46 B1 A Song Soars Tomorrow 4:51 B2 Dreams Of Silver River 2:44 B3 Fire Dragon 3:03 B4 Celestial Voice 3:36 B5 The Wheel Of Fortune 6:35
Musicians: Bass – Colin Hodgkinson (B1), Steve Cook Drums – Paul Robinson Electric Piano, Synthesizer – Brian Miller Percussion, Ocarina, Koto, Acoustic Guitar, Piano, Vocals – Joji Hirota Synthesizer – Kornell Kovach Vocals – Linda Jardim (B1), Mitchi Hirota (B4) Vocoder, Synthesizer – Adrian Lee
