Em 19/03/1987: Ultraje A Rigor lança o álbum Sexo!!
Sexo!! é o segundo álbum da banda brasileira Ultraje a Rigor, lançado no ano de 1987 pela WEA Records. Lançado com um show surpresa em um shopping na Avenida Paulista, em março de 1987, o disco quebrava um tabu da indústria fonográfica, em que um primeiro
disco de sucesso era sucedido por um disco -fiasco. As principais canções do disco são "A Festa", "Eu Gosto de Mulher", "Pelado" (incluída na trilha sonora da telenovela Brega e Chique, da Rede Globo), "Terceiro" e a faixa-título. Destaque também para a canção "Prisioneiro", em que o baixista Maurício Defendi assume os vocais principais. O disco marca a entrada de um novo integrante, Sérgio Serra, que entrou para a banda no lugar de Carlo Bartolini, o
Carlinhos, que saiu da banda durante as gravações do disco. Uma parte das guitarras foi gravada pelo produtor Liminha.
Faixas:
Todas as canções escritas e compostas
por Roger Moreira.
Lado 1:
1. "Eu Gosto de Mulher" : 4:13
2. "Dênis, o Que Você Quer Ser Quando Crescer?" : 3:06
3. "Terceiro" : 4:19 ,
4. "A Festa" : 3:37
5. "Prisioneiro" : 4:22.
Lado 2:
6. "Sexo!!" : 4:39
7. "Pelado" : 3:28 ,
8. "Ponto de Ônibus" : 3:17
9. "Maximillian Sheldon" : 4:11 ,
10. "Will Robinson e Seus Robots" : 2:55
Créditos Banda:
Roger Moreira: guitarra base, flauta na
faixa 6 e voz
Sérgio Serra: guitarra solo nas faixas 6,
7 e 8 e vocais
Maurício Defendi: baixo, guitarra na faixa 7
e vocais
Leonardo Galasso (Leôspa): bateria e vocais
Músicos convidados
Carlo Bartolini (Carlinhos): guitarra solo nas faixas 4 e 5
Sting: vocais na faixa 3 (o cachorro boxer do Liminha, que late no coro de “Terceiro”)
Edgard Scandurra: guitarras base e solo na faixa 10
Liminha: guitarra solo nas faixas 1, 2, 3 e 9, baixo na faixa 7 e vocais ,
Hearts é o quinto álbum de estúdio do trio de folk rock americano America, foi lançado pela Warner Bros. Records em 1975. foi produzido pelo produtor dos Beatles, George Martin.
O álbum foi um grande sucesso nos Estados Unidos, alcançando o número 4 na parada de álbuns da Billboard e sendo certificado ouro pela RIAA. Produziu três singles de sucesso:
" Sister Golden Hair ", que foi para o número 1 na parada de singles da Billboard e número 5 na parada de adultos contemporâneos; " Daisy Jane ", que alcançou a posição 20 na parada de singles da Billboard e número 4 na parada Adulto Contemporâneo; e a descolada "Woman Tonight", que chegou a 44 na Billboard parada de singles e 41 na parada Adult Contemporary. Várias outras canções foram tocadas em rádios em estações FM tocando faixas do álbum, incluindo "Company", "Old Virginia",
"Bell Tree" e "Midnight". O álbum também foi lançado em fita Quadrophonic reel-to-reel para entusiastas de 4 canais. A capa foi desenhada por Phil Hartman, que eventualmente deixou o design gráfico para seguir carreira artística.
Tribute é um álbum ao vivo do cantor inglês e vocalista do Black Sabbath Ozzy Osbourne, foi lançado em março de 1987 em homenagem
ao guitarrista americano Randy Rhoads.
É um álbum ao vivo gravado em 1981, com faixas dos álbuns Blizzard of Ozz e Diary of a Madman (os únicos com participação de Randy Rhoads), de Ozzy Osbourne, e com outras do Black Sabbath. O álbum foi lançado em março de 1987 nos Estados Unidos e em maio de 1987 no Reino Unido, cinco anos após a morte de Rhoads, depois foi relançado em 22 de agosto de 1995 e novamente remasterizado e relançado em 2002. Atingiu o pico. no número 6 na parada Billboard 200 dos EUA.
Lista de faixas:
Todas as faixas foram escritas por
Ozzy Osbourne, Randy Rhoads e Bob Daisley.
Lado um:
1. "I Don't Know" : 5:40 ,
2. "Crazy Train" : 5:19
3. "Believer" : 5:08 ,
4. "Mr. Crowley" : 5:37
Lado dois:
5. "Flying High Again" : 4:17
6. "Revelation (Mother Earth)" : 5:58
7. "Steal Away (The Night)" : 8:04
Lado três:
1. "Suicide Solution" : 7:46 ,
2. "Iron Man" : 2:50
3. "Children of the Grave" : 5:57 ,
4. "Paranoid" : 2:59
Lado quatro:
5. "Goodbye to Romance" : 5:33
6. "No Bone Movies" : 4:02 ,
7. "Dee" : 4:22.
Pessoal:
Ozzy Osbourne - vocal, produtor executivo
Randy Rhoads - guitarra ,
Rudy Sarzo - baixo
Tommy Aldridge - bateria ,
Lindsay Bridgwater - teclados
Bob Daisley - baixo em "Goodbye to Romance"
e "No Bone Movies" ,
Lee Kerslake - bateria em "Goodbye to Romance" e "No Bone Movies".
Violator é o sétimo álbum de estúdio da banda inglesa de música eletrônica Depeche Mode. Foi lançado em 19 de março de 1990, pela Mute Records internacionalmente e pela Sire
e Reprise Records nos EUA. Precedido pelos singles " Personal Jesus " e " Enjoy the Silence " (uma entrada no top 10 tanto no Reino Unido quanto nos Estados Unidos).
O álbum impulsionou a banda ao estrelato internacional, e rendeu também os singles
" Policy of Truth " e " World in My Eyes". Violator alcançou o número dois no UK Albums Chart, e foi o primeiro álbum da banda a entrar no top 10 da Billboard 200, chegando ao número sete. O álbum foi apoiado pela World Violation Tour.
Violator foi classificado em 342º lugar nas listas da Rolling Stone de 2003 e 2012 dos 500 melhores álbuns de todos os tempos e em 57º lugar na lista de 2010 da revista dos 100 melhores álbuns da década de 1990.
Classificado em 167º lugar na lista da Rolling Stone de 2020 dos 500 melhores álbuns de todos os tempos. O álbum remasterizado foi lançado em vinil "deluxe" em 2 de março de 2007 na Alemanha e em 5 de março de 2007 internacionalmente.
Hoje temos o enorme prazer de apresentar o novo trabalho fonográfico do excelente grupo espanhol AMOEBA SPLIT , banda emblemática do jazz-prog de Canterbury não só nos tempos atuais da cena progressiva espanhola, mas também mundial. O novo álbum desta banda galega intitula-se “ Quiet Euphoria ” e acaba de ser publicado fisicamente no início deste mês de abril pela editora compatriota áMARXE.
A grande formação que gravou este álbum é composta por Alberto Villarroya López [baixo, guitarra e teclado], Ricardo Castro Varela [pianos acústicos e elétricos e órgão Hammond], Iago Mouriño [pianos acústicos e elétricos, sintetizador Moog e órgão Hammond], Fernando Lamas [bateria e percussão], Pablo Añón [sax tenor e clarinete alto], Dubi Baamonde [sax soprano e flauta], Rubén Salvador [trompete e flugelhorn] e Israel Arranz [vibrafone].
A música contida em “Quiet Euphoria” foi composta por Alberto Villarroya López com arranjos de Ricardo Castro Varela. O tempo de gravação deste novo material remonta aos meses de julho e agosto de 2021, no estúdio Santa Cruz Recording, na Corunha, sob o comando conjunto de Alberto Castro e Miguel Bretal. Exequiel Orol se encarregou das tarefas subsequentes de mixagem e masterização no SAWStudio. A arte gráfica é composta por fotografias tiradas por Ricardo Castro Varela, um dos tecladistas; O design e layout ficaram a cargo de Iago Méndez Suazo. Este é o terceiro álbum de estúdio desta banda formada em 2001 na citada cidade da Corunha. “Dance Of The Goodbyes” (2010, com posterior reedição em 2014) e “Second Split” (2016) são grandes referências do prog espanhol do novo milénio e agora surge “Quiet Euphoria” para perpetuar este legado e manter a chama viva Olímpico excelente do AMOEBA SPLIT. Pois bem, podemos ver o entusiasmo que não podemos e não queremos esconder; Vejamos agora os detalhes específicos deste álbum.
O repertório do álbum começa justamente com a peça homônima, que ocupa um espaço de cerca de 7 minutos e meio. 'Quiet Euphoria' cria uma atmosfera razoavelmente extrovertida com um tratamento sóbrio da suntuosidade progressiva do jazz sobre um groove bastante sofisticado. O que aqui soa como um cruzamento entre SOFT MACHINE de 1973 e NATIONAL HEALTH com algumas nuances extras de tenor Zappiano e alguns fatores psicodélicos que estão relacionados às linhas de trabalho de DOUBT e THE WRONG OBJECT (dois conjuntos liderados pelo astro belga Michel Delville ). O epílogo desenhado pelo dueto de piano e vibrafone proporciona uma nuance de surrealismo sutilmente denso nos momentos finais. A seguir é a vez de 'Shaping Shadows', uma peça solidamente baseada em fundamentos serenos na tonalidade do jazz-fusion daqueles distantes anos 70. Usando um tempo perpétuo 5/4 com vários swings, o piano bem amalgamado enclave elétrico e duo rítmico organiza o terreno em que os solos dos instrumentos de sopro deverão ser expandidos. A parte final caminha para um clímax retumbante e conclusivo que termina abruptamente. Agora estamos um pouco mais aprofundados no território do WEATHER BOLETIM pré-1975, mas com tentáculos estilísticos ainda espalhados pelas areias de Canterbury. A dupla ‘The Inner Driving Force’ e ‘Divide And Conquer’ juntas ocupam um espaço de 9 minutos. O primeiro dos referidos temas inicia-se com um prólogo em bronze muito cerimonioso que, durante a sua breve duração, estabelece algumas bases para o posterior desenvolvimento temático a realizar por todo o conjunto. O motivo principal contém vibrações flamencas patenteadas, as mesmas que, em algum momento, são potencializadas por aqueles que são talvez os melhores solos de órgão de todo o álbum. O flugelhorn sabe como conquistar um lugar de liderança no esquema sonoro global. Mais uma vez, o grupo deixa a seção mais energética para o final. Já 'Divide And Conquer' é uma música com um dinamismo consistente que a aproxima dos padrões de outras grandes bandas atuais como FORGAS BAND PHENOMENA, SLIVOVITZ e SCHERZOO. Seu toque expressivo é nítido e deslumbrante, incluindo alguns leves flertes com o avant-prog em relação ao visual inquieto que vários ornamentos de sintetizadores possuem.
'Thrown To The Lions' realiza uma espécie de síntese dos espíritos e grooves capturados nas duas primeiras músicas do álbum, ao mesmo tempo que dá uma dose razoavelmente maior de musculatura aos arranjos de sopros. Uma menção especial vai para o fabuloso solo de sintetizador, pois a sua intervenção marca um momento de reveladora intensidade expressiva para a engenharia melódica. Depois disso, um quadro bem articulado de piano elétrico e baixo abre caminho para um posterior ressurgimento de todo o conjunto, cabendo à flauta iniciar a realização da tarefa com seus belos floreios. O pessoal do AMOEBA SPLIT conseguiu criar o elo perdido entre GILGAMESH e NUCLEUS e, aliás, também outro destaque do álbum. 'No Time For Lullabies' fecha o repertório, sendo sua música mais longa com cerca de 11 minutos de duração. Uma entrada de piano cheia de maestria é rapidamente temperada por algumas das notas mais graves do saxofone tenor. Uma vez que ele começa a esculpir a bateria, uma série de interações desconstrutivas estendidas em uma confluência de avant-jazz e RIO se instalam para construir gradualmente as bases para um diálogo futuro, mas enquanto esse momento chega, os sopros, os sintetizadores e o baixo se alternam na tarefa de projetar fragmentos temáticos como nuvens varridas pelo vento do outono. Em última análise, o ponto de chegada não é um diálogo em si, mas uma concordância aleatória e estranhamente sonhadora que chega quase ao mesmo ponto de partida (com um bônus perturbadoramente cósmico que vem com a última camada de sintetizador). Tudo isto foi “Quiet Euphoria”, uma alegria de um álbum que emerge com força de carácter daquela fábrica de fazer música de excelência que é e sempre foi AMOEBA SPLIT, música contundente e euforicamente eloquente em pouco mais de 40 minutos. Só podemos concluir esta crítica com sinceras palavras de agradecimento aos membros deste colectivo galego por nos terem oferecido mais um excelente álbum dentro da sua discografia impecável; É, de facto, um álbum tão excelente que ameaça tornar-se uma das mais notáveis obras de jazz progressivo deste ano de 2023.
Jethro Tull - 'RökFlöte' (2023) (21 abril 2023, InsideOut Music)
Hoje celebramos porque a Divina Entidade Máxima do Rock Jethro Tull agracia as nossas estantes com a sua nova oferta fonográfica ' RökFlöte ', que é o número 23 da sua vasta discografia.
Lançado em 21 de abril pelo selo InsideOut Music, um ano depois de seu antecessor ‘ The Zealot Gene ’, assim como este, ‘RökFlöte’ possui diversos formatos de edição, incluindo um CD duplo mais Blu-ray e outro vinil duplo (para escolher entre cores azul, prata e verde escuro).
A formação do Jethro Tull é liderada, naturalmente, pelo maestro Ian Anderson [flautas, flauta de amor, flautim irlandês e voz]; Ela é completada por David Goodier [baixo], John O'Hara [piano, sintetizadores e órgão Hammond], Scott Hammond [bateria] e Joe Parrish-James [guitarras elétricas, acústicas e bandolim]. Assim como o álbum anterior que mencionamos e os últimos álbuns solo do bom Ian, é um álbum conceitual.
'RökFlöte' nasceu com a ideia de fazer um álbum puramente instrumental e com forte orientação folk-rock, mas Anderson logo se sentiu atraído pela ideia de fazer letras sobre vários personagens e histórias da história nórdica e sua mitologia pagã. Anderson levou a sério essa nova inspiração, pois assim que a palavra Ragnarök (fim dos tempos) ressoou em sua mente criativa, ele prestou atenção às suas próprias origens ancestrais, que remontam à época em que certas populações escandinavas se estabeleceram no território que agora nos identificamos como anglo-célticos. O álbum foi gravado no Western Audio Studios em Swindon, posteriormente mixado por Bruce Soord e masterizado por Steve Kitch. O próprio Anderson se encarregou da produção e pós-produção. Quanto ao design gráfico da capa, James Duncan Anderson colaborou com seu pai Ian. Bom, agora vamos aos detalhes do álbum.
A dupla 'Voluspo' e 'Ginnungagap' começa indicando com clara certeza a abordagem sonora que marcará todo o álbum per se. 'Voluspo' (Vǫluspá ou Völuspá é o nome do poema mais famoso contido na Edda Poética, que reúne vários mitos e lendas escandinavas e germânicas) começa com ares misteriosamente etéreos e um solilóquio feminino em islandês recitado pela atriz, cantora e instrumentista Unnur Birna Björnsdóttir . A partir daí, o colectivo instrumental entra em acção com nervos contidos assentes numa engenharia musical cerimoniosa, algo acinzentada na sua espiritualidade. Anderson apresenta seu próprio solilóquio no centro do desenvolvimento temático. 'Ginnungagap', por sua vez, oferece-nos um exercício de desenvoltura e extroversão onde a flauta guia o impulso de todo o conjunto, que tem espaço suficiente para exibir razoáveis músculos rochosos. As alternâncias entre grooves rápidos e tempos médios definidos principalmente em um compasso incomum dão uma aura sofisticada ao gancho essencial do esquema melódico. Realmente, não nos incomodaria se esta peça durasse um pouco mais, tendo em conta o magnetismo da coda que se segue ao último refrão, mas depois chega a vez de 'Allfather', outra canção ágil que ostenta um caloroso brilho pastoral por meio de outro exercício de vigor do rock estilizado. As implementações ocasionais de grooves jazzísticos na bateria permitem que as passagens mais aceleradas intensifiquem sua qualidade vibrante; Claro, a flauta se expande livremente na hora de decorar as bases melódicas em andamento. Na hora de 'The Feathered Consort', o grupo brinca com ambientes um pouco mais delicados, sem abandonar completamente a vibe rock. O que fica claro é que a atmosfera desenhada para essa música é bastante solene, e o mesmo vale para 'Hammer On Hammer', ainda que com maior ênfase. Na verdade, este aumento do clima solene é muito conveniente para realçar os floreios sinfônicos progressivos que os teclados inserem no meio dos riffs e solos de guitarra e, sobretudo, para arredondar a intensidade rock inerente à composição. Um apogeu do repertório, não temos dúvidas... mas poderia ter durado um pouco mais.
Com espaços de quase 5 minutos, 'Wolf Unchained' acaba sendo a peça mais longa do álbum. Sua missão consiste basicamente em aprofundar as referências de estilização rock expostas nas músicas #2 e #3 para lhes dar maior margem de manobra; Aliás, também funciona como algo com um gancho divertido. 'The Perfect One' tem ares mais pastorais, como indica sua passagem de prólogo, mas logo retorna ao caminho do rock sereno e, a partir daí, brinca com os dois recursos ao longo do caminho. Os ares evocativos desta música são bastante eficazes, ela contém um dos solos de guitarra mais notáveis do álbum. 'Trickster (And The Mistletoe)' tem uma seção inicial que é o que há de mais alegre neste álbum, uma celebração bucólica bem apoiada na triangulação de flauta, acordeão e violão. Uma vez estabelecido o centro temático, o nervo do rock permanece como a espinha dorsal do bloco sonoro do grupo com o objetivo de fornecer uma eletricidade renovadora para as árias celtas dominantes. 'Cornucopia' é uma música bastante serena que incorpora o primeiro verdadeiro momento de relaxamento do álbum até agora; Somente na passagem final as coisas aceleram para criar uma coda impressionantemente opulenta. 'The Navigators' regressa à atitude festiva que marcou vários temas anteriores, enquanto a flauta desenha os seus motivos com ares exóticos que nos remetem aos tempos de 'Root To Branches'. Seu destaque particular nas seções instrumentais permite-lhe preservar a atraente franqueza da música como um todo. Os últimos 7 minutos e meio do setlist são ocupados pelas sequências de 'Guardian's Watch' e 'Ithavoll'. A primeira das músicas mencionadas centra-se num outro exercício de estilização rock com conotações folclóricas, muito em sintonia com o que desfrutamos em 'Allfather' e 'Wolf Unchained'. Quanto a 'Ithavoll' (Iðavöllr é a grafia nórdica desta palavra que designa o local de encontro dos deuses), é, em parte, um regresso aos ares solenes da peça que abriu o álbum, incluindo outro solilóquio de Unnur Birna . Mas também existem algumas passagens explicitamente vibrantes que fazem a música assumir nuances épicas.
'RökFlöte' é, no final das contas, um testemunho entusiástico e legítimo do que a flauta significa dentro da tradição do rock e, honestamente, JETHRO TULL é o grupo certo para ensinar sobre isso porque levaram este instrumento além do anedótico e ao nível de lenda. Sem nos ter impressionado tanto como 'The Zealot Gene' no geral, 'RökFlöte' merece elogios pelo que é: um álbum muito dinâmico que contém uma quantidade generosa de ideias musicais inspiradas.
Stop Making Sense é um filme-concerto excepcional, e Stop Making Sense é um álbum de performance singular, e é importante notar que eles não são a mesma coisa. Certamente, a matéria-prima para ambos surgiu de uma única fonte, um stand de três noites do Talking Heads em dezembro de 1983 no Pantages Theatre em Hollywood Boulevard, em Los Angeles. A partir daí, a equipe do diretor Jonathan Demme forjou filmagens e músicas desses shows em um filme tão peculiar quanto a banda com a qual fez parceria, enquanto Jerry Harrison, membro do Heads, e ET Thorngren fizeram um mix separado da música otimizado para o lançamento do álbum. Por ocasião do 40º aniversário de suas primeiras aparições, tanto o álbum quanto o filme recebem reedições comemorativas, com o lado do áudio alcançando o que parece ser sua conclusão lógica com Stop Making Sense Deluxe Edition, um download digital/dois de 18 de agosto de 2023. Conjunto de LPs que pela primeira vez inclui todas as faixas disponíveis em lançamentos de filmes e vídeos ao longo do caminho.
Se o terno servir
Como um relato pós-produzido e reunido de um show memorável, Stop Making Sense não é, e nunca foi, um documentário, e esse é um dos seus trunfos mais fortes. Cada equipe de produção usou peças de acordo com a vantagem específica de seu formato alvo, polindo e editando conforme apropriado, resultando no lado do álbum em um lançamento de nove faixas que contou com diversas performances diferentes das usadas no filme. Com a versão em áudio composta por 19 músicas, essas diferenças ainda existem, o álbum continua sendo algo próprio, e mesmo essa não é a mesma experiência de antes. Uma coisa não mudou: continua sendo um dos álbuns ao vivo com melhor som já lançado.
Esta é a segunda vez que o álbum recebe uma reedição expandida - a primeira (em 1999, agora capaz de comemorar seu próprio 25º aniversário) apresentava todas as faixas da versão teatral do filme. Enquanto o álbum de 1984 foi um destaque, a Deluxe Edition (pouco mais do que a de 16 versões de 1999) é uma viagem pela totalidade do show. Começa como em todas as versões, com o solo de David Byrne no violão, acompanhado pela pulsação oca e agarrada de uma bateria eletrônica Roland TR-808 para “Psycho Killer”.
O afastamento da lista de reprodução simplificada do álbum original surge com várias adições iniciais, entre elas “Heaven” com Tina Weymouth juntando-se no baixo (e Lynn Mabry adicionando vocais nos bastidores), “Thank You for Sending Me an Angel” enquanto Chris Frantz sobe seu bateria recém-chegada e “Found a Job”, com Jerry Harrison emparelhando sua guitarra elétrica com a de Byrne. Mesmo sem pistas visuais, a montagem peça por peça do grupo é mais discernível quando estendida em sete músicas do que quando aconteceu em três no lançamento original, e aqui a construção é lenta o suficiente para não ser concluída até a chegada do tecladista Bernie Worrell. enquanto o lado dois do LP abre com “Burning Down the House”.
A trajetória de “Slippery People” é um lembrete de quão confortável a banda tem estado remodelando o material o tempo todo. Para o álbum original, o LP trazia um mix 3:35 da música, enquanto a versão em CD/cassete era 4:13. A versão Deluxe Edition é 4:01 (como era em 1999) e não está pior para o desgaste. Harrison e Thorngren mais uma vez misturaram a coleção, e os resultados são limpos e bem cuidados, mas ainda cheios de energia viva, mesmo em momentos claramente fraudulentos.
A Deluxe Edition vai além do conteúdo do filme Demme - sua lista de músicas reflete um lançamento de vídeo caseiro de 1985, que incluiu no filme três músicas adicionais. Os lançamentos de vídeo que se seguiram os relegaram com mais sabedoria a faixas bônus. “Cities” aparece cedo – é quando o guitarrista Alex Weir sobe ao palco e apresenta o lamento vocal com o qual ele apimenta diversas músicas do set.
As outras duas faixas adicionadas fecham o lado três do álbum: de The Catherine Wheel de Byrne (também a fonte de “What a Day That Was” no início do mesmo lado) vem “Big Business”, que é emparelhado com “I Zimbra, ”A letra sem sentido derivada do dadaísmo de Fear of Music. As novas adições são bem-vindas, tiradas de um programa que não teve insucessos.
Deixando de lado a medição de versão e o estudo do setlist, a performance principal do Stop Making Sense permanece tão mágica como sempre. Há um argumento a ser feito para cada música como uma melhoria em sua versão do álbum. “Life Durante Wartime” é uma piada propulsiva, “Once in a Lifetime” é implacavelmente contagiante e “Girlfriend is Better” transborda com um charme estridente que se traduz com ou sem o visual de Byrne em seu terno grande.
Mesmo “This Must be the Place (Naïve Melody)”, tão memoravelmente melancólica em Speaking in Tongues , de 1983 , apresenta nuances atraentes em seus vocais de refrão inteligentemente aplicados.
O trecho do Tom Tom Club, “Genius of Love”, tocado pelo resto da banda durante uma troca de roupa de Byrne, chega mais perto de ser descartável, mas mesmo isso oferece diversão maluca.
Com seu lançamento em vinil, a Deluxe Edition inclui um livreto de 28 páginas com fotos de arquivo e novas lembranças de todos os quatro diretores da banda. O que eles têm a dizer é frequentemente mais analítico do que anedótico, reflexões desapaixonadas cujas conotações clínicas podem resultar de uma insatisfação persistente: Quando a banda se separou em 1991, Byrne não tinha mais interesse em vê-la continuar e todos os outros ficaram infelizes com o seu fim, e o encerramento não foi mais fácil de encontrar nos anos seguintes. Tirando isso, com um apelo visual diferente do que se consegue ao assistir ao filme, o livro é uma adição adorável e adequada ao álbum, outro elemento que atende à força de um formato específico.
Após 40 anos, Stop Making Sense, em todas as suas formas, permanece inefavelmente atraente e ainda parece totalmente moderno. Com toda a lista de músicas agora disponível, talvez tudo o que resta seja aguardar o lançamento do 50º aniversário, possivelmente uma oferta do áudio completo de todos os três shows originais. Enquanto isso, a Deluxe Edition é um tesouro, um álbum excepcionalmente bem produzido que captura um show irresistível.
