Yvonne Elliman é o álbum de estreia da estrela da música pop americana Yvonne Elliman , gravado e lançado em 1972 pela Decca Records. Foi produzido por Andrew Lloyd Webber e Tim Rice, para a Qwertyuiop Productions, e traz o single “I Don't Know How To Love Him”.
Também traz covers de “Can't Find My Way Home” de Blind Faith, Nothing Rhymed de Raymond O'Sullivan, mais conhecido como seu nome artístico, Gilbert O'Sullivan, “World In Changes” e “Look At You, Look At Me” ambos de Dave Mason, “I Would Have Had A Good Time” de John Kongos, “Speak Your Mind” de Marc Benno e “Sugar Babe” de Stephen Stills.
Tracks
1 Look At You, Look At Me (Dave Mason) 03:56 2 I Would Have Had A Good Time (John Kongos) 04:00 3 Can’t Find My Way Home (Steve Winwood) 03:09 4 Every Day Of My Life (David Spinozza) 03:43 5 I Don’t Know How To Love Him (Tim Rice; Andrew Lloyd Webber) 03:35 6 Sugar Babe (Stephen Stills) 04:15 7 Nothing Rhymed (Gilbert O’Sullivan) 03:31 8 World Of Changes (Dave Mason) 03:25 9 Interlude For Johnny (Yvonne Elliman) 01:51 10 Speak Your Mind (Marc Benno) 04:17 11 Heat (Bruce Epstein) 02:47
Musicians
Bass
Stu Woods
Drums
Rick Marotta
Guitar
David Spinozza
Guitar
Hugh McCracken
Acoustic Guitar
David Spinozza
Acoustic Guitar
Hugh McCracken
Electric Piano
Ken Ascher
Organ
Ken Ascher
Piano
Ken Ascher
Harmonica
Hugh McCracken
Percussion
Rick Marotta
Vocals
Yvonne Elliman
Other Musicians
1 Look At You, Look At Me
Piano
George Butcher
2 I Would Have Had A Good Time
Flugelhorn
Al Del Monte
Flute
George Young
French Horn
Peter Gordon
Trombone
Garnett Brown
Trombone
Meco Monardo
3 Can’t Find My Way Home
Congas
Ralph MacDonald
Percussion
Ralph MacDonald
4 Every Day Of My Life
Flugelhorn
Al Del Monte
Flute
George Young
French Horn
Peter Gordon
Trombone
Garnett Brown
Trombone
Meco Monardo
Background Vocals
Hilda Harris
Background Vocals
Linda November
Background Vocals
Maeretha Stewart
5 I Don’t Know How To Love Him
Bass
Alan Weighill
Drums
Bruce Rowland
Acoustic Guitar
Louis Stewart
Organ
Peter Robinson
9 Interlude For Johnny
Acoustic Guitar
Bruce Epstein
Acoustic Guitar
Mark Warner
Acoustic Guitar
Yvonne Elliman
10 Speak Your Mind
Background Vocals
Hilda Harris
Background Vocals
Linda November
Background Vocals
Maeretha Stewart
11 Heat
Congas
Ralph MacDonald
Percussion
Ralph MacDonald
Strings
Cello – Barbara Hunter (Tracks A2, A4) Viola – Alfred Brown (Tracks A2, A4) Violin – David Nadien, Gene Orloff, Lewis Eley, Max Ellen, Tony Posk (Tracks A2, A4)
Liner Notes
Producer – Andrew Lloyd Webber, Tim Rice Arranged By – David Spinozza (Tracks 1, 2, 3, 4, 6, 7, 8, 10, 11) Arranged By – Andrew Lloyd Webber (Track 5) Coordinator – Bill Oakes
Art Direction, Design – Virginia Clark Photography By – Joel Brodsky
Recorded At A&R Studios Recorded At Olympic Studios Copyright MCA Records Inc
Um pouco mais direto do que o álbum anterior de Yves Tumor, Safe In The Hands of Love , vemos Heaven to a Tortured Mind mudar dos sons eletrônicos nebulosos para um tom de glam rock psicodélico. É um pouco mais pop do que o trabalho anterior, mas baseia-se em uma colagem de sons construídos a partir de art rock, britpop, psych, glam e soul. As linhas de baixo e os grooves de bateria são particularmente impressionantes, pois ajudam a dar às músicas um som maior e voltado para o palco. Juntamente com os floreios de ruído e distorção, a voz de Yves Tumor parece uma estrela do rock rondando no palco com sua voz rouca intercalada com falsetes. Sempre alongados com uma leve reverberação de fundo, os vocais gotejam confiança enquanto são combinados com a instrumentação sonhadora.
Heaven to a Tortured Mind se destaca em comparação com outros trabalhos de Yves Tumor porque tem uma verdadeira propensão para o talento. A maneira como os vocais são propositalmente prolongados lembra a presença de palco de titãs musicais como David Bowie ou Prince . Cada linha transborda bravata e em Heaven to a Tortured Mind, Yves Tumor sente que nasceu para o palco. As pequenas mudanças no som são refletidas em motivos repetidos que se misturam até se tornarem indistinguíveis uns dos outros. O lirismo ainda é tão enigmático e apocalíptico como sempre, apesar dos movimentos sensuais e íntimos dos vocais. Desde suas referências bíblicas até imagens aterrorizantes de violência, a grande diferença coloca uma tensão única em seus ouvintes e realmente parece que Yves Tumor empurrou o gênero neopsicodelia para o século XXI. Heaven to a Tortured Mind não se sente confinado a nenhuma regra nem parece ficar sem ideias para mantê-lo unido.
Às vezes, os vocais prolongados podem fazer a música parecer comprimida durante seus momentos vitais. A voz de Yves Tumor nunca parece ser capaz de respirar totalmente no clímax que deseja e os efeitos vocais parecem redundantes contra o pano de fundo sombrio. Em músicas como Folie Imposée, os vocais parecem operar por conta própria, em vez de seguir a linha de baixo forte e os sintetizadores agitados. No entanto, a maior parte do álbum equilibra as escalas de forma eficaz enquanto Yves Tumor se transforma em uma estrela do rock para uma nova geração. De certa forma, Heaven to a Tortured Mind parece um experimento, um estado de transição antes de Yves Tumor levar sua música para algo além do que deveriam soar os limites tradicionais das estrelas pop. A personalidade absoluta que Yves Tumor injeta nessas doze músicas é o que a torna uma viagem gratificante e comovente pelos céus.
Carrie & Lowell , de Sufjan Stevens , está quase insuportavelmente triste. Se bem me lembro, Steven Wilson, do Porcupine Tree, comentou uma vez sobre a ironia de como um artista pode tocar uma ampla gama de ouvintes, tornando o conteúdo de sua música mais pessoal, mais específico e íntimo, e aplicável exclusivamente a ele mesmo. Lembrei-me fortemente dessa ideia ao ouvir Carrie & Lowell pela primeira vez enquanto lia sobre a história familiar marcada que inspirou a música. É claro que, mesmo que Sufjan esteja mergulhando em sentimentos e memórias incrivelmente pessoais com este álbum, os sentimentos subjacentes – nostalgia, desgosto e saudade frustrada – são universais. Carrie & Lowell é, em essência, um cara com uma guitarra que abre seu coração para qualquer um ouvir, e provavelmente já faz muito tempo desde que me deixei ser tão emocionalmente afetado por um álbum.
Se Sufjan Stevens é conhecido principalmente como cantor folk, a gravadora não espera abranger o que ele já conquistou. Esses dois álbuns dos Estados Unidos ( Michigan e Illinois , para quem não sabe) eram ecléticos como qualquer coisa, variando de cantores e compositores doces a orquestrações arrojadas, todos unidos por um conceito lírico elevado, ele próprio o resultado de uma pesquisa obsessiva. Seu último álbum, The Age of Adz , era eletrônico, e musicalmente denso, pelo menos comparado à imagem folk despretensiosa que alguns poderiam ter dele.
Carrie & Lowell , por outro lado, elimina a ornamentação. A coisa foi gravada em seu estúdio caseiro, e muito do que ouvimos é sua voz cantando em cima de uma guitarra e, às vezes, de um piano arejado. É uma fórmula básica que poucos conseguiram realmente executar adequadamente. Já ouvi muitos artistas no passado usarem arranjos inchados para esconder suas composições brandas. No entanto, Sufjan sempre foi um compositor fantástico, e a simplicidade graciosa com que ele aborda Carrie & Lowell fala maravilhas. A música dispensa arranjos luxuosos e atinge o coração do ouvinte. Se essas músicas viessem com uma banda de apoio de Illinois , não poderia ter tido tanto impacto. O apelo do álbum é sua intimidade silenciosa.
Carrie e Lowellé um dos poucos álbuns conceituais que já ouvi onde o conceito enriquece emocionalmente a experiência da música. Carrie era a mãe esquizofrênica de Sufjan, com quem ele teve um relacionamento bastante distante até sua morte em 2012. Lowell é o padrasto de Sufjan e, a julgar pelo fato de ele dirigir o selo de Sufjan, Asthmatic Kitty Records, para ele, ele foi muito além do ligue para ajudar o cantor e compositor quando ele precisar de alguém. A capa do álbum parece uma foto antiga de um álbum de família; é como se estivéssemos vislumbrando a vida pessoal de outra pessoa. As letras não são menos íntimas. As músicas aqui geralmente giram em torno de Stevens mergulhando nas memórias de infância de viagens em família pelo Oregon. Como seus dois álbuns anteriores nos Estados Unidos, as letras estão repletas de referências ao Oregon junto com memórias pessoais. Do jeito que está, Carrie & Lowell pode até ter se chamado de Oregon , mas estou realmente feliz que não tenha sido. A voz de
Sufjan Stevens é, em regra, admiravelmente clara. Ele não está tentando representar nenhum personagem para seu público; ele canta como ele mesmo, e as memórias pessoais e específicas de Carrie & Lowell complementam perfeitamente essa sua característica. Mesmo sendo um álbum conceitual, não há uma narrativa ou cronograma claro a ser feito a partir disso. Sufjan salta de memória em memória. "Death with Dignity" (habilmente nomeado como uma referência oblíqua à "Death with Dignity 1994 Act" do Oregon) navega pelo sofrimento misto da morte de sua mãe em 2012. Na próxima faixa "Should Have Known Better", ele saltou para as primeiras memórias onde sua mãe o abandonou. Ele comunica frustração e abandono, mas nunca há um pingo de ressentimento em sua voz enquanto canta as palavras. A única música realmente alegre aqui, estranhamente, é a faixa-título, que oferece um raro vislumbre do calor familiar que Sufjan parece ter passado em grande parte sem.
Estou surpreso que uma sinceridade calorosa desse tipo seja tão rara na música, mas sei que não deveria. A verdadeira autenticidade exige que o artista esteja completamente confortável consigo mesmo e navegando em seus demônios. Combinado com a habilidade existente de Sufjan com composição, o resultado aqui é sempre memorável e geralmente comovente. Sua habilidade com a melodia é instantaneamente aparente e, apesar de sua simplicidade, a apreciação das músicas só continua a crescer à medida que você desenvolve suas próprias conexões com elas. Embora guitarras suaves tocadas com os dedos sejam geralmente o único acompanhamento da voz apropriadamente suave de Sufjan, instrumentação adicional aparece.
O fato de aspectos como guitarra elétrica e ambiente onírico serem usados com moderação amplifica o quão eficazes eles soam. A comovente “Fourth of July” (possivelmente a música mais comovente aqui, ao lado da minha outra favorita “All of Me Wants All of You”) parece uma revelação silenciosa em sua decisão de usar piano ambiente abafado em vez de guitarras. Também me lembro da beleza trêmula de "The Only Thing", onde Sufjan abençoa uma música já calorosa com um tema de guitarra elétrica retirado do pós-rock do tipo Explosions in the Sky . Ou a paisagem sonora etérea no final de “Blue Bucket of Gold”, onde soa legitimamente como um reino celestial onde o fantasma de Carrie finalmente encontrou a paz que ela não conseguiu encontrar na vida. A apresentação do álbum está próxima da perfeição.
Todas as músicas de Carrie & Lowell são pequenos tesouros, e como essas músicas foram formadas a partir de cicatrizes, à sua maneira, elas me marcaram como ouvinte. O termo 'assombração' é usado nas críticas musicais a ponto de a palavra praticamente perder o significado; neste caso raro, é totalmente merecido.
Se você está vagamente interessado em música country, ou pelo menos em sua inclinação para o rock, provavelmente já ouviu falar da Nitty Gritty Dirt Band. Este grupo de charmosos americanos surgiu em 1965 em Long Beach, Califórnia, e produz bluegrass e country rock de alto nível. O grupo é composto por John McEuen (vocal, banjo, guitarra bandolim), Jeff Hanna (bateria, vocal, guitarra), Jim Ibbotson (baixo, guitarra, vocal) e Jimmie Fadden (vocal, guitarra, gaita) em 1974, quando este álbum foi lançado. lançado. Segue-se o enorme sucesso Will The Circle Be Unbroken, um álbum excepcional com muitos convidados ilustres (Roy Acuff, Earl Scrubbs, Doc Watson, Maybelle Carter, Jimmy Martin). Nitty Gritty Dirt Band faz todos os esforços com este álbum meio ao vivo (gravado no Cowtown Ballroom em Kansas City), meio estúdio (gravado no Woodland Studios em Nashville), meio entrevista, no qual eles alegremente fazem covers de muitos clássicos de o genero. Este grupo californiano tenta de forma brilhante reunir a música de duas gerações: o country dos anos 50 e um country mais folk, próximo dos Byrds, adorado pela geração mais jovem. O álbum abre com um clássico imparável, o excelente “Jambalaya (On The Bayou)” de Hank Williams, como aperitivo. A música é reformulada, mais rápida e intensa, sem trair a obra original. Lamentamos que a reprise seja muito curta e que o final se perca num fade. Entre as melhores músicas, encontramos em particular o cover de Jerry Jeff Walker "Mr. Bojangles", uma música fantástica apoiada por uma melodia vocal eficaz e cativante. A Nitty Gritty Dirt Band mergulhou fundo no repertório do mundo country, por exemplo com o hit de 1921 “The Sheik Of Araby”, um violino instrumental oriental que aproveitou o sucesso do filme The Sheik. Os clássicos sucedem-se, seja a divertida “Diggy Liggy Lo” ou a outra homenagem a Hank “Honky Tonkin”, tudo é fantasticamente bem executado. Sucesso de 1956 lançado pelos Osborne Brothers: "Teardrops In My Eyes", um hino bluegrass com bandolim e banjo característicos do gênero, a música dinâmica e suingante é uma delícia. As músicas escolhidas vêm de horizontes e épocas muito amplas, incluindo a soberba “Oh Boy” do melhor roqueiro da história: Buddy Holly. Muito dinâmico, dançante e cativante, Nitty Gritty Dirt Band reinventa a música com instrumentação tipicamente country, sem afetar a diversão do canto do original. Algumas faixas são músicas tradicionais americanas cujas raízes remontam ao século XIX, os instrumentais “Cripple Creek” e a excelente “Listen To The Mockingbird” (que recomendo fortemente se você gosta de violino, além disso, Abraham Lincoln adorou essa música) são perfeitas exemplos. A música título, uma marcha oficial dos Estados Unidos, mostra certo patriotismo por parte do grupo. Jimmy Driftwood, um dos músicos folk mais prolíficos (algumas fontes falam de mais de 6.000 canções gravadas) é naturalmente regravado, "The Battle Of New Orleans", uma de suas peças mais conhecidas, está bem limpa (observe a passagem instrumental de muito sucesso ). Uma das faixas mais conhecidas deste álbum é a fantástica “Cosmic Cowboy (parte 1)” do compatriota Michael Martin Murphy, é um ótimo cover. O álbum é intercalado com pequenas entrevistas, que se mostram interessantes, mas desnecessárias. Provavelmente o único ponto negativo deste álbum.
Grande sucesso, é sem dúvida um dos melhores álbuns da Nitty Gritty Dirt Band. Ao longo deste álbum, eles recorreram a grandes nomes do country, blues, folk e rock para oferecer ao mundo um compêndio de bluegrass moderno e decididamente tradicional.
Lista de faixas : 1. Jambalaya (On The Bayou) – Hank Williams 2. Dirt Band Interview 3. Cosmic Cowboy (Part 1) – Michael Martin Murphy 4. Aluminum Record Award 5. Fish Song 6. Mr. Bojangles – Jerry Jeff Walker 7. Vassar Clements Interview 8. Listen To The Mockingbird – Richard Milburn 9. The Sheik Of Araby – Ted Snyder, Harry B Smith, Francis Miller 10. Resign Yourself To Me – Casey Kelly 11. Dixie Hoedown – Jesse MacReynolds 12. Cripple Creek – chanson traditionnelle 13. The Mountain Whippoorwill (or, How Hillbilly Jim Won the Great Fiddler’s Prize) – Stephen V Benet (adapté en chanson par William McEuen) 14. Honky Tonkin’ – Hank Williams 15. House At Pooh Corner – Kenny Loggins 16. Buy Me For The Rain 17. Oh Boy – Buddy Holly 18. Teardrops In My Eyes – The Osborne Brothers 19. Glo-coat Blues 20. Stars And Stripes Forever – John Sousa 21. The Battle Of New Orleans – Jimmy Driftwood 22. It Came From The 50s (Blast From The Past) 23. My True Story – The Jive Five 24. Diggy Liggy Lo – Rusty & Doug
Formação : John McEuen, banjo, bandolim, violino, guitarra, voz Jeff Henna, voz, guitarra, percussão, bateria Jimmy Fadden, bateria, voz, guitarra, gaita Jimmy Ibbotson, voz, guitarra, baixo
A publicação de Projeções em novembro de 1966 foi um fracasso comercial, provavelmente devido à falta de promoção. Decepção que causa o deslocamento do Projeto Blues. O tecladista/vocalista Al Kooper abandonou o navio para formar o Blood, Sweat & Tears no ano seguinte. Isso não impediu o guitarrista/vocalista Danny Kalb, o baixista/flautista Andy Kulberg, o guitarrista/harmônico Steve Katz e o baterista Roy Blumenfeld de imprimir um terceiro álbum intitulado Live At Town Hall em 1967 em nome da Verve.
Do show no local localizado na 123 West 43rd Street, em Nova York, entre a Sexta Avenida e a Broadway, sai apenas a faixa de abertura "Introduction / (Electric) Flute Thing". O resto vem de live, cuja origem é desconhecida. Existem até títulos de estúdio onde os aplausos são colados. As gravações foram feitas em 1966, muitas contam com a participação de Al Kooper.
Obviamente o atrativo deste LP é esse instrumental que inicia o disco. Com mais de 10 minutos de duração, os nova-iorquinos embarcam em um lindo blues e jazz psicodélico que emociona o público. Obviamente é a flauta que nos encanta o tempo todo. Torna-se jovial, mágico, vaporoso, até medieval e experimental. Mas ela sabe harmonizar-se com um teclado colorido para nos mergulhar num ambiente descontraído. A guitarra solo desenvolve solos sedutores, ora agudos, ora misteriosos. E como na versão de estúdio não podemos fugir do refrão de bateria de estilo tribal e estranho.
Outro ponto forte, “Wake Me, Shake Me” dos Coasters na conclusão, estendeu-se por 8 minutos para um ritmo e blues selvagem e apertado que cheira a urgência com guitarras ácidas em pânico, órgão galopante e improvisação galopante de ácido rock.
No meio está a devastadora garagem “I Can't Keep from Crying”. Deparamo-nos com “Mean Old Southern” que soa como um comboio que nada pára, atravessado por trocas entre as seis cordas eléctricas e a gaita.
Para as peças de estúdio que a Verve tenta traduzir em faixas ao vivo, há o folk rock árabe "No Time Like The Right Time" que cheira a dinamite, o sombrio e nostálgico "Love Will Endure" com esta gaita que respira amplos espaços abertos como bem como o pop caleidoscópico suavemente picante “Where There's Smoke, There's Fire”.
Feito às pressas, este LP é cativante, mas não consegue mascarar um grupo à beira da implosão. Em junho de 1967, o Blues Project, então reduzido à metade, deu seu último concerto no prestigiado festival de Monterey.
Títulos: 1. Introduction / (Electric) Flute Thing 2. I Can’t Keep From Crying 3. Mean Old Southern 4. No Time Like The Right Time 5. Love Will Endure 6. Where There’s Smoke, There’s Fire 7. Wake Me, Shake Me
Músicos: Andy Kulberg: baixo, flauta Roy Blumenfeld: bateria Danny Kalb: guitarra, voz Al Kooper: órgão, voz Steve Katz: guitarra, gaita, voz
Se há um grupo que deixou sua marca na música pesada melódica, é o Foreigner. Não contamos as mudanças de pessoal, a identidade do grupo persiste há décadas apesar de tudo. Hoje estou fazendo um flashback de 2006 e o Foreigner com sua line-up competitiva comemora seus trinta anos de existência. Para este aniversário o grupo americano participa no festival Ballingen na Alemanha e é aqui que será gravado este Alive And Rockin' .
Primeira observação e primeira decepção com apenas nove títulos curtos no programa, é um pouco escasso para um grupo que acumulou um número significativo de acessos ao longo de sua carreira. Claro que é um festival e os minutos estão contados mas ainda assim é um pouco curto para um álbum ao vivo. Esqueço minha decepção e vou direto ao assunto. Quanto vale realmente este álbum? Rapidamente fui tranquilizado com uma introdução mais do que consistente com “Double Vision” e “Head Games”. Os puristas sempre podem me dizer que Estrangeiro sem Lou Gramm não é realmente Estrangeiro, mas, caramba, é legal mesmo assim! O ritmo liderado por Jason Bonham e Jeff Pilson beira a perfeição e as guitarras nos oferecem verdadeiros fogos de artifício. Quanto a Kelly Hansen, ele desempenha seu papel de frontman com perfeição. O resto permanece do mesmo tipo, em particular este fabuloso solo de sax no lendário “Urgent”. Em suma, poderíamos dizer que Foreigner está tocando veludo com este Alive And Rockin' . Só que, tirando os poucos títulos presentes, só posso lamentar que as reações do público tenham sido quase apagadas durante a edição. Eu realmente não sinto que estou ouvindo um álbum ao vivo porque o público é muito discreto. Outro arrependimento, um título como “Juke Box Hero” teria merecido coisa melhor do que um simples medley (com “Whole Lotta Love”). Resumindo, não posso dizer que este disco seja ruim, longe disso, mas estou decepcionado.
Decepcionado porque trinta anos de carreira são comemorados com nove pequenos títulos, esquecendo-se, em particular, algumas pepitas são esquecidas e desapontado porque a versão final quase faz você esquecer que é um álbum ao vivo e não um álbum de estúdio gravado ao vivo.
Tracklisting: 1. Intro 2. Double Vision 3. Head Games 4. Dirty White Boy 5. Cold As Ice 6. Starrider 7. Urgent 8. Feels Like the First Time 9. Juke Box Hero / Whole Lotta Love 10. Hot Blooded »
Formação: Mick Jones – Guitarras Kelly Hansen – Vocais Jason Bonham – Bateria Jeff Jacobs – Teclados Thom Gimbel – Guitarras, Saxofone, Flauta Jeff Pilson – Baixo
Liquid Smoke foi um grupo de Long Island, Nova York, que consistia em Sandy Pantaleo (vocal principal), Vince Fersak (guitarra), Ben Ninnman (teclados), Mike Archuleta (baixo) e Chas Kimbrell (bateria).
O grupo foi formado enquanto seus integrantes eram estudantes da East Carolina University. Liquid Smoke assinou com a AVCO Embassy em 1969, lançando seu único LP no início de 1970, que foi produzido por Vinny Testa, que também produziu a Frijid Pink e co-produziu com Shadow Morton a obra-prima psicodélica de 1968 da Merchants of Dream, "Strange night voyage".
A faixa psicodélica matadora do grupo, "Lookin' for tomorrow", foi o destaque do LP de estréia da banda peruana Gerardo Manuel & El Humo, "Apocallypsis". O álbum também inclui seu single "I, who have nothing", um cover do hit de Ben E. King, que também foi regravado anteriormente por Terry Knight & The Pack, e mais tarde por Tom Jones e Sylvester.
Sandy Panaleo mais tarde seguiria uma carreira de sucesso como ator, vocalista e compositor como Sonny Rose.
![Liquid Smoke - Liquid Smoke - 1970 (1970, AVCO Embassy [front])](https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgQzxD8Rdw7iG-U9YTtF1Pxjj_-1E4TmbbFAYphKaXGSTuN87Yv3vcO8s2KP5UfwxvY1QbH6swHoY-IkJvEXeS3tOWHG6wJ6k2nR9Ht6FJ8REp6MDTkvNIvzUioodUqgJSf_5cGoolKUyXzeI4autW0cf_-3iTBlYEmQQ8LYHripO1MI_7YCkXE3Eo4-0aw/s5000/Liquid%20Smoke%20-%20Liquid%20Smoke%20-%201970%20(1970,%20AVCO%20Embassy%20%5Bfront%5D).jpg "Liquid Smoke - Liquid Smoke - 1970 (1970, AVCO Embassy [front])")
![Liquid Smoke - Liquid Smoke - 1970 (1970, AVCO Embassy [front])](https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj1HRwhHpiI2eLZyevQWBcgqaNEd7tgpTTAF3fHxku6UO3ZOPaeOL2QcJZ8p_U47UmqKqjOKz9Px2434Kc9mmwnDPfsxEovHC2wjyq6XFtPFf67mNrv2l9796nZC1Wp1ADQBVWYMu9cGtG-2GsnICIekNnN7d6kFws8l-Wgur82118MQrDaWk9R-G_zN5XM/s5000/Liquid%20Smoke%20-%20Liquid%20Smoke%20-%201970%20(1970,%20AVCO%20Embassy%20%5Bfront%5D).jpg "Liquid Smoke - Liquid Smoke - 1970 (1970, AVCO Embassy [front])")
![Liquid Smoke - Liquid Smoke - 1970 (1994, W.O.T.S.T.V Records [front])](https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhn48SX4KhH1Ua0KLbel5cClmoqPGOSjzX5Cr9wOkV24DJOdcw5xx7cnZn5wA69WNigrfd7Bt6SK5fRRFPxc_xtHlK6TRp1nV_9gu_RX_-d6gEjXQIWYk95CD6SpJDHPP301AQqpOLW8zU0ycVJgl4zlwShlufnYdMog57iCOfrrd7fIJsAg4ECVVSSQMZT/s3000/Liquid%20Smoke%20-%20Liquid%20Smoke%20-%201970%20(1994,%20W.O.T.S.T.V%20Records%20%5Bfront%5D).jpg "Liquid Smoke - Liquid Smoke - 1970 (1994, W.O.T.S.T.V Records [front])")
