Track listing: Let ‘Em In / The Note You Never Wrote / She’s My Baby / Beware My Love / Wino Junko / Silly Love Songs / Cook of the House / Time to Hide / Must Do Something About It / San Ferry Anne / Warm and Beautiful
24 de abril de 1976, 7 semanas (não consecutivas)
Com o lançamento de Venus and Mars , Paul McCartney & Wings ficaram conhecidos simplesmente como Wings. Talvez para provar que McCartney, sua esposa e tecladista Linda, os guitarristas Denny Laine e Jimmy McCulloch e o baterista Joe English realmente formavam um grupo, cada um teve um momento de destaque em Wings at the Speed of Sound.
McCartney escreveu oito e fez o vocal principal em seis das 10 músicas do álbum, mas os outros membros da banda também participaram. Laine, ex-Moody Blues, cantou sua própria “Time to Hide”, bem como “The Note You Never Wrote”, de McCartney. As faixas marcaram uma das primeiras vezes que um vocal principal de Laine apareceu em um álbum dos Wings. Seu vocal principal anterior com o grupo, “Spirits of Ancient Egypt”, foi incluído em Venus and Mars , enquanto “I Lie Around” estava disponível apenas como lado B do hit de 1973 “Live and Let Die”.
McCulloch, que cantou “Medicine Jar” em Venus and Mars , cuidou dos vocais principais em “Wino Junko”. Assim como “Medicine Jar”, a música assumiria um significado sinistro após a morte de McCulloch relacionada às drogas em setembro de 1979.
Em uma nota muito mais leve, Linda McCartney participou de “Cook of the House”, enquanto English fez o vocal em “Must Do Something About It”.
Embora a operação mais democrática dos Wings possa ter criado harmonia no grupo, até Linda McCartney admitiu, retrospectivamente, que talvez tenha sido um erro. Ela disse a Joan Goodman na Playboy que “Nenhum dos Wings era bom o suficiente para brincar com [McCartney], inclusive eu, com certeza. Quero dizer, como você sai com Beethoven e diz: 'Claro, cantarei harmonia com você', quando você nunca cantou uma nota? Foi uma loucura.
No geral, Wings at the Speed of Sound apresentava uma tarifa muito mais leve do que seus dois antecessores. Já em 1971, o ex-companheiro de McCartney nos Beatles, John Lennon, mirou nas sensibilidades pop de McCartney na música “How Do You Sleep?”, que trazia a frase “O som que você faz é uma música para meus ouvidos”. Em “Silly Love Songs”, McCartney parecia zombar de seus críticos, ao mesmo tempo em que entregava exatamente o que o título da música prometia. “Gostei dessa música”, disse McCartney a Paul Gambaccini na Rolling Stone , “mas ouço as pessoas e só como biscoitos. Tudo o que alguém tem a dizer é: 'Um pouco pop' ou 'Isso foi um pouco doentio', e espero que a música fracasse. Alguém diz: 'É um pouco fofo demais'. Bem, eu sei disso. O que você acha que passa pela minha cabeça quando estou escrevendo uma música sobre canções de amor bobas? Estou pensando em tudo isso.
Mesmo assim, McCartney admitiu que ficou incomodado com as críticas. “Infelizmente, isso ainda tende a me afetar! Ainda os ouço dizendo que não adianta. Eu me pergunto se eles estão certos. Eu me pergunto se estou certo. E é ótimo quando algo ganha uma enquete e você pode dizer: 'Nyahh, você está louco. Achei que estava certo. É uma vindicação.”
É claro que McCartney teve que se sentir justificado quando Wings at the Speed of Sound alcançou a pole position em sua terceira semana na parada. Com o álbum ainda ocupando o primeiro lugar, “Silly Love Songs” liderou o Hot 100 em 22 de maio de 1976. Vindicação, de fato.
OS CINCO MELHORES Semana de 24 de abril de 1976
1. Wings at the Speed of Sound, Wings 2. Presence, Led Zeppelin 3. Their Greatest Hits, 1971-1975 Eagles 4. A Night at the Opera, Queen 5. Eargasm, Johnnie Taylor
Artista:Alf Emil Eik Álbum:Joy and Breath of Eternity
Ano: 1979
Gênero: Progressive Rock / Fusion / Space
País: Noruega
Comentário: Único disco do multi-instrumentista norueguês Alf Emil Eik, produzido e quase todo executado pelo próprio, com algumas participações. Dividido em 11 faixas e quase todo instrumental, traz influências claras de grandes nomes do progressivo britânico, beirando em momentos o segmento sinfônico, jazz-fusion e space, graças à passagens primorosas de Mellotron, Moog e piano, que se somam ao saxofone e guitarra, gerando uma aura mística às canções. Apesar do enfraquecimento do progressivo sinfônico do final dos anos 70, este trabalho surge como bela surpresa para fãs do gênero.
Hoje revisamos a mais recente publicação fonográfica do excelente grupo sueco Agusa , a mesma que une o mundo musical do rock progressivo e o mundo cinematográfico do film noir. O novo álbum deste quinteto formado por Mikael Ödesjö [guitarra], Nicolas Difonis [bateria, percussão e voz], Jenny Puertas [flautas e voz], Simon Ström [baixo] e Román Andrén [teclados] intitula-se “Noir” e foi lançado no dia 10 de maio, tanto em CD quanto em vinil, pelo selo Kommun 2.
Roman Andrén atuou como produtor, enquanto Sebastián Acosta Moreno foi responsável pela masterização. A música aqui contida é a trilha sonora do filme estilo filme noir 'Malmö Noir', dirigido por Augustin Sjöberg . A história de como se concretizou esta associação cinemato-musical é muito curiosa. Acontece que o guitarrista da banda trabalha como carteiro e um dia, durante a pandemia, encontrou um colega de trabalho que estava em processo de realização do referido filme. A partir da proposta de que o povo de Agusa fizesse a trilha sonora, o grupo se inspirou e veio compor a peça 'Uppenbarelser', que fazia parte do álbum “En annan värld” (2021), quando o baterista-percussionista Tim Wallander era ainda faz parte do grupo. O projeto ficou algum tempo estagnado após a saída de Wallander, mas em 2023, com Nicolas Difonis, a inspiração criativa regressou juntamente com a energia que lhe é inerente. De certa forma, a AGUSA, como grupo, passou por tempos sombrios à medida que o mundo à sua volta caía com epidemias e guerras, mas isto teve, pelo lado positivo, a criação de atmosferas adequadas ao “Noir”, que são esporadicamente melhoradas. com a inclusão de alguns parlamentos. Vejamos agora os detalhes do repertório.
Com pouco mais de 2 minutos e meio de duração, 'Tunnelseende' abre o set com uma exibição bombástica de vibrações psicodélicas que flertam abertamente com o stoner. Seu vitalismo imponente exibe uma densidade totalmente nova que se intensifica com o passar dos segundos. Desta forma, 'Skottet I Parken' abre caminho para ampliar esta linha de trabalho com toques adicionais de folk ácido. Após um primeiro trecho guiado pela flauta em sintonia com as bases percussivas, o conjunto retorna àquele nervo que formava o núcleo central da peça de abertura. Quando chega a vez de 'Ljusglimtar', o quinteto dá uma volta convincente rumo à placidez da sinfónica com uma confluência graciosa entre o GENESIS de 1970, o BO HANSSON de 1972 e o RAGNARÖK de 1976. As duas últimas músicas deste disco inicial tríade Eles constituem o primeiro zênite da trilha sonora. Com a dupla 'Den Försvunne Brevbäraren' e 'Skånsk Rapsodi Nr:1', o colectivo AGUSA continua a trilhar o seu caminho nesta aventura musical. A primeira dessas músicas apela à psicodelia contemplativa cuja força contida se adapta muito bem às delicadas cadências fusionistas que se criam a partir da bateria. Os elegantes fraseados da guitarra carregam nas costas o impacto do encanto inerente ao motivo central, que, nas suas instâncias finais, é transportado para a área do jazz. Quanto a 'Skånsk Rapsodi Nr:1', é uma miniatura de 107 segundos que completa o lirismo introspectivo que marcou a peça anterior. Assim as coisas. 'Vind För Våg' decide recorrer a um novo registo: o do chamado krautrock. A banda utiliza recursos de ASH RA TEMPEL e TANGERINE DREAM para criar uma paisagem sonora frontalmente lisérgica cuja musculatura patente se concentra mais no agudo do que no feroz. A fusão precisa de baixo e bateria permite que a engenharia pulsante montada para a ocasião seja revelada com grande facilidade. 'Svart På Vitt' diz muito em seu espaço de pouco mais de 2 minutos e um quarto. É um exercício de rock progressivo com elementos folclóricos que gosta de se deixar levar pela sua batida frenética, proporcionando uma sensação de falsa alegria para um núcleo temático que é, na realidade, urgente e sombrio.
'Stad I Mörker' situa-se na arena oposta da psique humana ao evocar, nos seus momentos iniciais. uma aura de introspecção relaxada. Já com o estabelecimento de uma temporada de interação grupal, os sucessivos solos de órgão e flauta, em conjunto com o suntuoso trabalho da bateria, geram um clímax expressivo em requintada tonalidade jazz-progressiva, preservando, claro, a espiritualidade melancólica vigente desde o primeiro momento. Outro apogeu do álbum. 'Emporia' abre a segunda metade do repertório majestosamente através de uma exploração cuidadosa dos índices líricos da peça anterior, desta vez na tonalidade de um prog-folk cerimonioso com um forte componente lisérgico. Aqui está uma fusão entre o sonhador e o perturbador, um cruzamento entre JADE WARRIOR e GOBLIN que, graças aos seus flertes com o TANGERINE DREAM de 1977-79, funciona muito bem na hora de alimentar a sua aura fantástica com um vitalismo acinzentado. 'Pusselbitar' avança continuamente por uma atmosfera sonhadora com amplos toques sombrios. O calor da flauta não esconde o ar de ameaça latente que se manifesta no sutil desenvolvimento temático. 'Kalkbrottets Hemlighet' mergulha ainda mais fundo nas vibrações acinzentadas, criando uma autêntica tensão baseada nas desconstruções do violão, embora na última seção entrem em jogo algumas nuances bucólicas. Estas preparam precisamente o caminho para a chegada de 'Bön För Öresund', uma suntuosa propulsão das atmosferas agora predominantes com ares exóticos penetrantes. As duas miniaturas que se seguem, com duração de 56 e 73 segundos respectivamente, são 'Upp I Rök' e 'Skånsk Rapsodi Nr:2'. O primeiro estabelece um epílogo para 'Bön För Öresund', enquanto o primeiro abre um belo e envolvente prólogo para a última peça do álbum. Este é o 'Stad I Mörker (Repris)' e tem como missão permitir que a ideia base do 'Stad I Mörker' original adquira uma dose extra de majestade tornando-se mais parcimoniosa. É neste contexto que a musculatura potencial do núcleo temático, além de se tornar mais densa, assume uma aura misticamente sombria. As linhas de baixo efetivamente empurram a liberdade da guitarra por todo o corpo central desta magnificência sonora. Ótimo final para o álbum, sem dúvida.
Tudo isto foi “Noir”, uma nova joia na coroa da AGUSA, uma banda monarca dentro do reino da música progressiva sueca dos nossos tempos. Sem dúvida, este álbum representa mais um momento elevado de qualidade criativa e força expressiva para um grupo que tem o hábito de fazer álbuns muito bordados. Totalmente recomendado!!
O Hangar é mais conhecido pelo público ligado ao heavy metal por ter no baterista Aquiles Priester o seu fundador e membro mais famoso, em função de uma passagem bem sucedida pelo Angra e também no grupo solo do guitarrista Vinnie Moore. Porém, se pararmos para analisar, o Hangar não é apenas Aquiles Priester. O quinteto formado por Nando Mello (baixo), Eduardo Martinez (guitarra), Fabio Laguna (teclado), Andre Leite (vocal), além do próprio Aquiles, é dono de muita técnica, profissionalismo, seriedade e uma estrutura de dar inveja a bandas internacionais. Ao longo das próximas linhas falaremos sobre a discografia, as mudanças de formação e os grandes clássicos que marcam as sempre competentes e energéticas apresentações do Hangar.
Last Time [1999]
Com uma formação muito diferente da descrita acima, mas não menos competente, o Hangar lançou seu debut com Michael Polchowicz nos vocais, Aquiles na bateria e Cristiano Wortmann na guitarra e no baixo. Após a gravação do álbum, Nando Mello foi efetivado como baixista. O álbum começa com uma introdução bem característica dos álbuns de prog/power, ou seja, “Secrets of The Sea” imprime o clima perfeito para a entrada da veloz “Like a Wind in the Sky”, que além da velocidade tem ótimos riffs e um bom refrão. Seguimos com “Voices”, que é um pouco mais cadenciada que a anterior, mas mesmo assim prima pela técnica e pelos riffs de ótimo gosto. “Absinth” começa de uma maneira bem diferente, com uma bonita introdução ao violão, que de repente dá lugar às guitarras pesadas, com cavalgadas em uma velocidade impressionante, mostrando exatamente o que a banda tem de melhor. Seguimos com a faixa-título, que possui um riff mais cadenciado e até certo ponto grudento, mas que funciona muito bem com a melodia vocal escolhida por Michael Polchowicz.
A música seguinte é um grande clássico do grupo: “Angel of the Stereo” reúne todas as caracterisiticas que fizeram do Hangar a banda que é. Ótimos refrões, velocidade, técnica e uma ótima performance do vocalista Michael Polchowicz. “Angel of the Stereo” não pode ficar de fora do set list de nenhum show do conjunto. “Speed Limit 55” é a próxima e mantém justamente o que o título da música propõe: velocidade em todos os momentos. No mais, é uma música normal que não apresenta nenhuma novidade se comparada às outras faixas do disco. A canção de encerramento, “Lost Dream”, merece todo o destaque, pois é uma instrumental de alto nível e bom gosto, fechando o álbum com chave de ouro. No ano de 2008 o Hangar relançou o disco com o nome de Last Time… Was Just The Beggining, contendo uma versão de “Angel of the Stereo” gravada em 2006 e uma surpresa muito agradável, a inclusão da faixa “Ask The Lonely”, do Journey, que ficou excelente. Entre os fãs do Hangar é unânime sua solicitação nos shows da banda. Além das faixas bônus há um DVD, que entre outros momentos históricos possui uma parte do show de abertura realizado para o Angra na turnê do álbum Fireworks, no Rio Grande do Sul.
Inside Your Soul [2001]
Após a boa receptividade do debut, era hora de voltar ao estúdio e gravar mais um álbum. Dessa vez as atenções foram ainda maiores, pois Aquiles já era membro do Angra, o que proporcionou ao Hangar um salto de quantidade no tamanho de seu público. Inside Your Soul é um petardo capaz de agradar a todo tipo de fã, seja aquele que já conhecia o conjunto anteriormente ou mesmo os mais novos. A faixa de abertura, “The Soul Collector”, é bem curta, mas coloca o ouvinte a postos e diante de um verdadeiro coletor de almas, pois o que vem a seguir, na faixa-título, é uma demonstração de peso, agressividade e ótimos riffs, cortesia de Eduardo Martinez, que substituiu Cristiano Wortmann com maestria. Todo esse peso segue com a seguinte, “Sailing The Sea of Sorrow”, que além de pesada, possui uma velocidade incrível em seus riffs e nas viradas de bateria de Aquiles. Continuamos com a bela introdução para a segunda parte da trilogia “The Massacre Trilogy”, a música “To Tame a Land”, que traz Fabio Laguna (que na época era tecladista convidado) em grande destaque. Após se encerrar a pequena intro, “To Tame a Land” mostra o porquê de ser o maior clássico da discografia do Hangar. Ótimas melodias vocais, refrões marcantes, velocidade em todos os instantes e uma letra muito bem trabalhada.
A trilogia se encerra com “Five Hundred’s Enough”, que mesmo sendo ótima, fica ofuscada pelo brilho de “To Tame a Land”. “Savior” é a próxima e começa de uma maneira totalmente diferente: bem psicodélica, com uma introdução que mexe com o ouvinte, criando um clima oposto ao que vinha sendo apresentado no restante do álbum. Após essa introdução, voltamos com o peso característico do Hangar, mas sempre alternando com momentos mais lentos. A seguinte, “The Vision”, tem uma abertura bem elaborada, com efeitos de teclado, uma ótima introdução para o peso e a velocidade de “Legions of Fate”, que possui riffs destruidores, bases de teclado muito bem escolhidas e mais uma vez uma ótima participação de Aquiles, com a sua mais do que conhecida velocidade. Seguimos com “Living in Trouble Part 1” e “Living in Trouble Part 2”, nas quais se destacam suas suas letras de revolta e indignação contra o sistema. “No Command” é a seguinte, com ótimos rifs, seguindo um padrão mais tradicional dentro do prog/power, destacando a habilidade de todos os músicos em várias passagens. Para finalizar, fechamos com “Falling in Disgrace”, uma ótima letra de Michael Polchowicz, falando de um amigo que caiu na desgraça das drogas. Musicalmente tem riffs mais simples, que nos ajudam a captar a mensagem por trás da letra. Apesar da boa receptividade do álbum, Michael Polchowicz decidiu se desligar do Hangar, obrigando a banda a modificar sua formação mais uma vez.
The Reason of Your Conviction [2007]
De longe o álbum mais bem trabalhado do Hangar, já que Aquiles e cia. tiveram muito tempo para trabalhar as letras e os arranjos. Nando Fernandes entrou no lugar de Michael, garantindo o alto nível de seus vocalistas, algo sempre característico no grupo. A faixa de abertura, “Just The Beginning”, é enigmática, densa e com certeza a participação mais do que especial de Arnaldo Antunes faz com que o início para o que está por vir seja ainda mais especial. Logo após a introdução terminar, a banda entra com “The Reason of Your Conviction”, que de cara exibe uma banda ainda mais madura, que mostrou ter escolhido os arranjos a dedo. A presença de Fabio Laguna como membro permanente também contribuiu muito para isso. Nando Fernandes mostra ao que veio com um vocal cativante e ao mesmo tempo técnico. A música seguinte, “Hastiness”, merece todo o destaque pela introdução de bateria mais do que marcante, tornando-a uma das mais queridas pelos fãs. Além do ótimo momento de Priester no começo, temos mais uma vez ótimos riffs, backing vocals bem elaborados e grandes solos de guitarra e teclado. “Call Me In The Name of Death” vem para acalmar os ânimos em grande estilo, imprimindo um clima sombrio e ao mesmo tempo perfeito ao que o álbum se propõe. Ótima letra, interpretação intimista e digna de nota de Nando Fernandes, além de um dos melhores solos de Eduardo Martinez, com um feeling indescritível.
Para manter o alto nível, a subsequente, “Forgive The Pain”, vem com a já citada velocidade e com ótimas melodias, pois mesmo sendo rápida, o refrão e várias partes da música ficam na cabeça do ouvinte. “Captivity ( A House With a Thousand Rooms)” mostra a versatilidade de Nando e tem bons momentos, com destaque para o solo de guitarra, mas não cativa tanto quanto outras faixas do mesmo estilo, como “The Reason of Your Conviction” e “Hastiness”. “Forgotten Pictures” segue a mesma linha da anterior, ou seja, tem bons momentos, ótimas viradas, passagens de teclado que são dignas de serem citadas, mas não chegam à altura das primeiras faixas, que se tornaram verdadeiros clássicos do Hangar. Seguimos com “Everlasting Is the Salvation”, que começa de maneira bem diferente, ou seja, é cadenciada, possui riffs mais diretos e vocais bem rasgados. Não é muito lembrada pelos fãs, mas com certeza é uma das melhores composições do disco.
O alto nível continua com “One More Chance”, que junto a “Call Me In The Name of Death” tem o papel de mostrar o lado mais acessível do Hangar. Ótimas bases de teclado, vocais cativantes, letra muito bem elaborada e um riff simples que funciona perfeitamente no contexto da música. “When the Darkness Takes You” mostra já em seus segundos iniciais ao que veio, ou seja, técnica, precisão e muita velocidade. Após esse começo mais do que veloz, entra um riff mais lento, bem quebrado e trabalhado. Com certeza é outra das ótimas faixas do disco, mas que não é tão lembrada pelos fãs da banda. O álbum se encerra com a faixa bônus “Your Skin and Bones”, mantendo as características do Hangar intactas, ou seja, riffs bem pesados, melodias muito bem escolhidas, vocais marcantes, velocidade empregada através dos dois bumbos de Aquiles e bons refrões. Com certeza uma ótima maneira de encerrar o álbum. Após a turnê de divulgação, Nando Fernandes decidiu deixar o Hangar, frustrando os fãs, já que era planejado o lançamento de um DVD. A sina de trocar de vocalistas continuava para o conjunto, mas como veremos a seguir a banda mais uma vez conseguiu achar um substituto à altura.
Infallible [2009]
Apostando em uma sonoridade mais acessível mas sem perder o peso e a técnica, o Hangar entrou em estúdio para gravar seu mais recente full-lenght, que contou com a entrada do vocalista Humberto Sobrinho. O álbum começa com “The Infallible Emperor (1956)”, pesada e muito técnica, com grande destaque para o trabalho de dois bumbos de Aquiles. A diferença aqui é que os vocais ficaram mais palpáveis mas não menos poderosos e marcantes. “Colorblind” segue a mesma linha, com ótimos riffs e uma grande participação da banda como um todo, sendo mais uma faixa a ser destacada no play. A terceira, “Solitary Mind”, é uma canção ao estilo radio friendly, que teoricamente teria potencial para emplacar nos meios de comunicação, pois possui uma ótima melodia, que mistura tristeza e uma sensação de solidão (o nome da música caiu como uma luva), além de uma grande participação de Humberto, que deu um toque especial com sua excelente voz. O estilo mais acessível continua com “Time to Forget”, uma linda faixa com ótimos arranjos, boas linhas de guitarra e uma bela letra. Com certeza mais uma música que terá espaço cativo nos futuros set lists do conjunto. A técnica e a velocidade à toda prova, marcas registradas do Hangar, voltam com “A Miracle in My Life”. Nesta canção com mais de sete minutos, todos os membros têm o seu espaço para brilhar, com maior destaque para as viradas ultra rápidas de Aquiles, os solos de Martinez, muito bem acompanhados por Nando Mello e Fabio Laguna.
Também é destaque o vocal rasgado de Humberto, que mostra porque foi o escolhido para substituir Nando Fernandes. “The Garden” é outro registro bem pesado e técnico, que prima pela velocidade. Tem seus bons momentos, com Humberto executando vocais rasgados mais uma vez. Também é de grande destaque o solo de teclado, cortesia de Fabio Laguna, sempre com bom gosto para escolher os timbres. A seguinte, “Dreaming of Black Waves”, foi a escolhida para ser o carro-chefe de divulgação do álbum, já que reúne as principais características que o Hangar queria mostrar em Infallible. Possui melodias acessíveis, que podem atingir um público diferente do usual, mas sem desagradar os fãs mais antigos. Seguimos com “Based on a True Story”, que também tem um clima mais radio frienly, mas não possui o mesmo brilho que faixas como “Time to Forget” e “Dreaming of Black Waves” têm. O peso volta com força máxima através de “Handwritten”, com riffs poderosos, ótima base de teclado e um vocal ainda mais poderoso de Humberto Sobrinho, nos remetendo a um metal mais tradicional e sem frescuras, direto ao ponto. A seguinte, “Some Light to Find May Way”, mostra ao ouvinte como se fazer um metal mais técnico, mas com uma melodia bem marcante por trás, que com certeza sempre foi um diferencial do Hangar. Os grandes destaques dessa faixa vão para as criativas viradas de Aquiles, os solos de Martinez e Laguna e o vocal mais uma vez bem trabalhado. Como bônus, encontramos os covers para as faixas “’39”, do Queen, e “Mais Uma Vez”, do Roupa Nova. Nestes dois tributos prestados encontramos competência, capacidade e bom gosto, adjetivos que realmente cabem não só para as duas músicas citadas, mas para o disco como um todo.
Formação atual: Eduardo, Aquiles, Andre Leite, Nando e Fabio.
Os anos de 2010 e 2011 foram bem agitados para o Hangar, com muitos shows, workshows e a entrada de um novo vocalista, o versátil e competente Andre Leite, que em nenhum momento deixou a peteca cair, garantindo a qualidade mostrada pelos seus antecessores. No ano passado foi lançado o álbum Acoustic But Plugged In, com versões acústicas para os maiores sucessos do Hangar no formato e uma faixa inédita, “Haunted By Your Ghosts”. Neste álbum acústico, os grandes destaques vão para o novo vocalista e para os sempre excelentes arranjos de Fabio Laguna. Tal lançamento foi um sucesso e a banda já gravou um DVD todo acústico, que eternizará mais um ótimo lançamento do Hangar. 2012 começou muito agitado para a banda, já que ela decidiu tocar o álbum Inside Your Soul na íntegra em algumas ocasiões especiais (03/02 em São Paulo e 05/02 em Volta Redonda, no RJ) deixando os fãs mais do que satisfeitos. Além disso, o lançamento do tão aguardado DVD acústico está agendado para meados do primeiro semestre.
Jordan: The Comeback é a tentativa amplamente bem-sucedida do Prefab Sprout de abraçar a amplitude da música popular; reunindo-se sabiamente com o produtor Thomas Dolby , Paddy McAloon entrega-se livremente às suas inúmeras ambições e obsessões para tecer uma tapeçaria densa e de textura fina, mais próxima em espírito e construção de um luxuoso musical da Broadway do que do LP conceitual de rock convencional. Ao longo de nada menos que 19 faixas, McAloon persegue suas preocupações gêmeas de religião e celebridade, criando uma tela temática solta perfeita para sua paleta musical em expansão; dispensando rapidamente expressões pop comuns, o álbum passa de faixas como o samba "Carnival 2000" para a autoexplicativa "Jesse James Symphony" e sua peça companheira "Jesse James Bolero" com notável destreza. A produção atmosférica de Dolby empresta uma dimensão visual ainda maior às músicas, que – com suas narrativas bem construídas e passagens ocasionais de palavras faladas – parecem quase destinadas a algum dia chegar ao palco; na verdade, Jordan: The Comeback é como uma gravação original do elenco sem os atores, ou uma ópera rock sem bobagens e bombásticas - um trabalho verdadeiramente inspirado
O som áspero do banjo e do trabalho de guitarra de Charlie Parr é exatamente o tipo de estética que não foi feita para envelhecer - ou melhor, foi feita para fazer um som parecer de alguma forma atemporal, por mais que seja capturado em um disco óptico lido. por lasers. Deixando de lado pontos filosóficos maiores, When the Devil Goes Blind encontra Parr aprimorando ainda mais sua estética conscientemente tradicional, algo que não tem a ver com reinvenção radical, seja seu canto meio gritante, meio círculo familiar ou a aparência geral do lançamento por meio de tais elementos como a foto da capa em tom sépia, mas que em sua letra é claramente sobre o radicalismo de tipo americano clássico. Parr é obviamente dedicado ao seu ofício e muitas vezes é sobre o momento individual de habilidade e talento na estrutura em que ele trabalha - as partes repentinas de altos e baixos em "Where You Gonna Be (When the Good Lord Calls You)" os intervalos descendentes entre os versos de "Up Country Blues", a lenta introdução de "I Was Lost Last Night". Ele também sabe que um álbum pode funcionar melhor com variedade na sequência - depois de uma série de apresentações rápidas, ele segue o caminho mais lento e contemplativo em "For the Drunkard's Mother", que à sua maneira também parece uma súbita modernização de o álbum geral, como um momento de silêncio do Pearl Jam por volta de 1998. (E embora seja um pouco demais dizer que Parr desenvolveu um estilo de Eddie Vedder , às vezes há um choque repentino em músicas como "Mastodon" quando você percebe como perto pode ser.) Da mesma forma, "1890" parece muito mais 2010, a mudança de Parr para um canto falado e os tons suaves do violão alcançando uma delicadeza calma, mesmo enquanto ele canta uma letra angustiante sobre o massacre de nativos americanos no Velho Oeste.
