sábado, 6 de julho de 2024

Level 42 - On The Level



Motivados por interesses comerciais, ou seja, sua gravadora, em meados dos anos 80, a Level 42 tomou a decisão consciente de mudar para um estilo de música pop-soul mais acessível, com King fornecendo vocais em quase todas as faixas, colocando-os em liga com nomes como Deacon Blue, China Crisis, Hipsway, Style Council e Swing Out Sister (veja postagens anteriores). O movimento se tornou uma presença dominante nas paradas britânicas em meados e no final dos anos 80. No entanto, a Level 42 manteve a dimensão adicional de funk de fusão suave e jazz-rock à mistura, dando a eles uma profundidade estilística que os críticos (e fãs) aprovaram.

No final de 85, a Level 42 lançou seu quinto álbum de estúdio, 'World Machine', no mundo. O single principal foi o amigável ao rádio, 'Something About You' (UK#6/US#7), que finalmente quebrou a Level 42 de uma forma importante nos Estados Unidos. A faixa foi indicativa do estilo e do som em todas as nove faixas do álbum. Mark King estava em ótima forma vocal, enquanto Mike Lindup vem mais à tona com suas harmonias vocais em falsete. O single seguinte, o ritmo lento e comovente 'Leaving Me Now' (UK#15/OZ#98), aumentou ainda mais o apelo de 'World Machine', levando-a para o 3º lugar na Grã-Bretanha (US#18), onde permaneceu por 72 semanas, eventualmente alcançando o status de dupla platina. E não foi apenas o público que caiu de cabeça no novo modelo estiloso Level 42. Mark Sinker escreveu na NME em novembro de 85 - O som do Level 42 é como uma "banda Brit-trot-punk com brilho de pantera brilhante, movimento psicodélico de golpe de martelo ondulante e sotaque de cera colorida translúcido". Eu não poderia ter dito melhor, na verdade, eu não disse nada.

No início de 86, o Level 42 lançou o novo single, 'Lessons In Love' (UK#3/ US#12/ OZ#65), quase um ano antes do álbum de origem - meu palpite é que eles estavam tentando manter o ímpeto estabelecido por 'World Machine'. Coescrito por King, Badarou e Phil Gould, 'Lessons In Love' foi uma peça de soul-pop imaculadamente polida, com artesanato instrumental requintado e harmonias vocais suaves. Eventualmente, o álbum de origem chegou no início de 87, na forma de 'Running In The Family' (UK#2/ US#23/ OZ#35), outro disco de platina dupla para adicionar ao seu antecessor. A faixa-título, 'Running In The Family' (UK#6/ OZ#43/ US#83), consolidou a posição do Level 42 nas posições mais altas das paradas. Foi o primeiro single do Level 42 que comprei em vinil 45. A comovente "To Be With You Again" (UK#10) foi lançada no meio do ano, assim como uma participação como banda de abertura na turnê de verão de Madonna, antes da banda estrear em sua própria turnê em arenas, confirmando sua chegada como um grande artista pop-rock.

A balada de ritmo lento 'It's Over' (UK#10) deu ao Level 42 seu quarto single consecutivo no Top 10 do Reino Unido. A soul 'Children Say' (UK#22) foi a quinta e última das nove faixas do álbum 'Running In The Family'. Foi um período próspero para o Level 42, com o grupo sendo eleito o melhor grupo britânico por três anos consecutivos pela revista Blues & Soul. Mark King também estava em alta demanda durante esse período, trabalhando em estúdio com nomes como Nik Kershaw, Midge Ure (veja posts anteriores) e Robert Palmer (veja post futuro). Mas a banda recebeu um golpe duplo no final de 1987, quando os dois irmãos Gould fizeram um 'running in the family' e deixaram a banda. Isso perturbou o equilíbrio da banda e, com o tempo, provaria a ruína da fórmula comercial mágica que eles haviam alcançado durante a fase 'World Music'/'Running In The Family' de sua carreira. O guitarrista Alan Murphy e o baterista Gary Husband foram recrutados para preencher as vagas.

O Gould-less Level 42 ressurgiu em setembro de 88 com o álbum 'Staring At The Sun' (UK#2/ OZ#86/US#128), complementado pelo single principal 'Heaven In My Hands' (UK#12). A alma infundida de rock da faixa abriu os procedimentos do álbum, mas foi um destaque entre poucas das dez faixas em oferta. O single seguinte, 'Take A Look' (UK#32) foi singularmente pouco inspirador, embora o funk 'Tracie' (UK#25) tenha animado os procedimentos muito bem. Comprei 'Heaven In My Hands' e 'Tracie' em vinil 45 (o último com fotografia de Linda McCartney na arte da capa). No geral, 'Staring At The Sun' tinha alguns pontos cegos a mais para ser considerado na mesma liga que seus predecessores.

A banda sofreu um novo revés em 1989 com a morte do guitarrista Alan Murphy, e não lançou nenhum material novo, exceto um álbum de grandes sucessos 'Level Best' (UK#5), que continha uma nova faixa na forma de 'Take Care Of Yourself' (UK#39). O melhor do pacote foi o último da Polydor antes que a gravadora retirasse o Level 42 de sua lista de músicos. O

Level 42 tirou um tempo de folga em 1990 e em 91, antes de recrutar o novo guitarrista Alan Holdsworth, um renomado guitarrista de fusão, para o grupo. O novo quarteto assinou com a RCA e se comprometeu a gravar um novo álbum no verão de 91, para não ser confundido com o verão de 69, que é uma música de Bryan Adams e pertence a um posto totalmente diferente. 'Guaranteed' (UK#3) manteve a sequência da banda de álbuns no top 5 do Reino Unido (agora em 5), mas a melhor estatística relacionada a single que conseguiu foi com a faixa-título (UK#17). Flashes da verve e vibração de esforços anteriores surgiram em patches ao longo do álbum, incluindo o single animado 'Overtime' (UK#62), e a funkificação movida por metais de 'Her Big Day'. O terceiro single, 'My Father's Shoes' (UK#55), não tinha tanta alma quanto outras faixas, até mesmo se aventurando em uma sensação country. Embora o álbum tenha recapturado fragmentos de soulfulness, foi uma oferta inconsistente no geral.

Uma espera de três anos se passou antes do lançamento do álbum de 1994 do Level 42, 'Forever Now' (UK#8). O álbum marcou o retorno do baterista Phil Gould ao grupo e também marcou um ressurgimento na forma criativa da banda. O single principal foi a faixa-título, 'Forever Now' (UK#19), evocando nomes como Kool & the Gang e Earth, Wind & Fire com seu som ousado e metálico. Mais duas das quinze faixas do álbum encontraram uma recepção dentro do top 40 do Reino Unido - 'All Over You' (UK#26) e a elegante 'Love In A Peaceful World' (UK#31).

Apesar do retorno à forma criativa em 'Forever Now', o Level 42 praticamente desapareceu de vista nos dez anos seguintes, exceto por algumas datas ocasionais de turnê, das quais Mark King era o único membro constante. Em 2006, a banda ressurgiu, com Mark King, Mike Lindup, com contribuições dos irmãos Gould no álbum 'Retroglide'. Houve um ou dois destaques que remontam aos dias de glória da banda, mas no geral faltou a ponta funk do som original da banda, e ofereceu mais momentos esquecíveis do que memoráveis.

Em 2010, o Level 42 comemorou seu 30º aniversário com uma turnê, e um box set de quatro discos intitulado 'Living It Up', que apresentou um disco de versões acústicas recém-gravadas de sucessos do Level 42, por King e Lindup.

J. Geils Band - The Long Haul To The Top



Quando a J. Geils Band disparou para o topo das paradas mundiais no início de 82, muitos teriam pensado (como eu pensei na época) que eles eram um artista relativamente novo que de repente quebrou a fórmula para o sucesso nas paradas. Mas além do centro de seu sucesso, havia uma estrada pavimentada com os fluxos e refluxos de uma ascensão de quinze anos até o topo. O que se segue é um olhar mais atento sobre essa jornada.

Em 1967, o guitarrista de Boston Jerome 'J' Geils começou um trio de blues acústico chamado, imaginativamente o suficiente, J. Geils Blues Band. Ao lado de J, estavam o baixista Danny Klein e o harpista que veio para a gaita e o saxofonista 'Magic Dick' Salwitz. Poucos meses depois do empreendimento, eles recrutaram o vocalista Peter 'Wolf' Blankfield e o baterista Stephen Jo Bladd, e logo depois o quinteto se conectou e se tornou elétrico. Wolf e Bladd já haviam tocado juntos anteriormente na banda revivalista de doo-wop e rock, The Hallucinations. Sua adição à J. Geils Blues Band adicionou a dimensão extra do ambiente doo-wop e rock & roll aos procedimentos. Wolf em particular tinha uma personalidade maior que a vida, uma espécie de frontman hipercinético à maneira de Jagger e Iggy Pop. Em um ano, eles abandonaram o "Blues" de seu apelido e adicionaram o tecladista e compositor Seth Justman à empresa.

A J. Geils Band tocou incansavelmente em Boston e na Costa Leste e construiu uma forte base de seguidores e reputação por ser um ato dinâmico ao vivo, uma banda de bar que se tornou grande (e má), produzindo uma fusão prática de blues, rock, R&B e soul. A banda se posicionou como "greasers" da Costa Leste, a antítese do movimento psicodélico-rock predominante da época. Tal era sua reputação na região que eles foram convidados para tocar em Woodstock em 1969, um convite que eles recusaram (por integridade ou estupidez? - quem sabe). Eles estavam abrindo para o Dr. John em 1969, quando foram descobertos por um caça-talentos da Atlantic Records, e assinaram um contrato de gravação logo depois.

A Atlantic lançou o set de estreia homônimo da J. Geils Band em fevereiro de 71. Embora nenhum álbum ou singles associados, "Homework" e "Wait", tenham chegado às paradas, os críticos ficaram impressionados com as tomadas de alta energia da banda em números clássicos de blues por nomes como Otis Rush e John Lee Hooker, junto com várias composições de Peter Wolf e Seth Justman. Foi um aperitivo escasso para o que seria servido nos anos seguintes.

O que se seguiu na noite anterior, chegou "The Morning After" (US#64) na forma do segundo álbum da J. Geils Band. O álbum, lançado no final de 71, ofereceu a mesma mistura de números de blues e soul com infusão de rock, com mais uma vez uma mistura de covers e músicas originais em oferta. A faixa que chamou a atenção da banda de rock para um público mais mainstream foi o cover top 40 de "Looking For Love" de Bobby Womacks (US#39). A original de Justman/Wolf, 'I Don't Need You No More', abre o álbum de forma dinâmica, e para provar que a banda tinha um equipamento além do overdrive, a balada rock 'Cry One More Time' está em destaque.

Como a J. Geils Band havia construído uma sequência tão fenomenal como um ato ao vivo, era lógico que o grupo se aventurasse no território do álbum ao vivo, que é exatamente o que eles fizeram em outubro de 72. 'Live - Full House' (US#54) foi gravado no Cinderella Ballroom de Detroit, e a banda produz músicas de seus dois primeiros álbuns. A J. Geils Band estava entre um dos atos de turnê mais populares nos EUA durante essa era. Seus shows eram construídos em torno de alta energia, sem frescuras, R&B com infusão de rock. Peter Wolf tinha a persona perfeita no palco, fundindo vocais escaldantes com brincadeiras de DJ (ele já havia sido DJ na estação de rádio WBCN-FM de Boston, onde era conhecido como Woofuh Goofuh), com uma atitude grosseira que lembra Iggy Pop. Este álbum captura toda a energia do rock vigoroso que a J. Geils Band tinha a oferecer - e isso era bastante.

A banda então retornou ao estúdio no início de 73 para gravar seu terceiro álbum de estúdio. 'Bloodshot' foi lançado em abril de 73, e ostentava nove faixas de alta energia no total, com todas, exceto duas composições originais de Justman e Wolf. O reggae inflectido 'Give It To Me' fechou o álbum, mas abriu os lançamentos de singles com um esforço #30. A banda tocou a música no programa de TV dos EUA 'In Concert', onde os censores removeram a frase 'get it up' da letra (ainda era os anos 70, afinal). O doo-wop-ish 'Make Up Your Mind' roçou a superfície do US Hot 100 (#98), mas o álbum deu à J. Geils Band seu primeiro esforço top dez (#10) e primeiro álbum de ouro.

O álbum seguinte, 'Ladies Invited' (US#51), foi o primeiro álbum da J. Geils Band a ostentar todas as composições de Justman/Wolf entre as capas. O álbum foi, em termos relativos a 'Bloodshot', uma decepção comercial, mas não faltou nada da verve e dinamismo de lançamentos anteriores. O grupo também estava recebendo alguma atenção nas páginas de fofocas por meio do namoro de Peter Wolf e do casamento em 1974 com a atriz Faye Dunaway (os dois se divorciariam em 1979).

No final de 74, a banda ofereceu outro álbum com o peculiarmente intitulado 'Nightmare…And Other Tales From The Vinyl Jungle' (US#26). O single principal foi 'Must Of Go Lost' (US#12/OZ#72), uma faixa honky-tonky-ish que deu à J. Geils Band seu maior sucesso sob o guarda-chuva do Atlântico. Os singles seguintes, 'Gettin Out' e 'Givin It All Up' não chegaram às paradas, mas se encaixam confortavelmente no ritmo do álbum, que oferece ingredientes do funk, blues sério e instrumentação concisa, porém expansiva.

O álbum de 1975 'Hotline' (US#36) não atingiu os números corretos para o sucesso nas paradas, mas ofereceu outra mistura satisfatória de originais e covers, tudo com a entrega de alta energia da J. Geils Band. O lançamento do single, 'Love-Itis' foi um cover de uma obscura canção soul de Harvey Scales & the Seven Sounds, e abre os procedimentos que abrangem tudo, desde soul baseado em funk até baladas de rock clássico.

Com álbuns duplos ao vivo na moda em meados dos anos 70, era compreensível que um artista tão poderoso como a J. Geils Band entrasse em ação, e foi o que fizeram com 'Live - Blow Your Face Out' (US#40) de 1976. O(s) álbum(s) mais uma vez capturou(aram) a furiosa energia cinética da banda, gravada em dois shows no final de 75 - Boston Garden e Cobo Hall, Detroit. A faixa ao vivo 'Where Did Our Love Go' (US#68) foi lançada como single, enquanto outros destaques incluíram o épico de nove minutos 'Chimes'. Produzido por Bill Szymczyk, o conjunto de discos duplos não decepciona.

Quando a J. Geils Band chegou ao estúdio de gravação em 1977, eles estavam em uma espécie de encruzilhada na carreira. Eles tinham desfrutado de uma popularidade passageira no mainstream e eram uma atração ao vivo tão grande quanto sempre foram, mas suas últimas apresentações pareciam errar o alvo, em termos de número de público. Eles optaram por lançar seu próximo álbum, 'Monkey Island' (US#51/OZ#97), sob o nome Geils, possivelmente em um esforço para se renomear. A banda produziu o álbum por conta própria, e todas as nove faixas, exceto duas, eram composições originais de Justman/Wolf. O single lançado foi uma oferta de rock suave e suave na forma de 'You're The Only One' (US#83). Para mostrar sua gama de estilo de tocar, uma música tão discreta foi equilibrada pelo funk de alta energia de 'Surrender'. Foi um álbum de muitos modos, confuso em alguns níveis, mas paradoxalmente coeso em sua diversidade.

A J. Geils Band trocou de gravadora da Atlantic para a EMI America no final de 78. Quando o trabalho começou em seu próximo álbum, o produtor da Earth, Wind & Fire, Joe Wissert, foi designado para a tarefa de reter a energia da banda, enquanto a mesclava levemente para aprimorar algumas das arestas do curso, introduzindo um som mais elegante e polido aos procedimentos. A colaboração resultante foi 'Sanctuary' do final de 78 (US#49/OZ#82), o primeiro disco credenciado em ouro da banda desde 'Bloodshot'. Todas as nove faixas foram escritas por Justman e Wolf, incluindo o single amigável ao rádio 'One Last Kiss' (US#35/UK#74). Outros destaques incluíram o rock escaldante de 'Sanctuary', a vibrante 'Just Can't Stop Me' e o segundo single 'Take It Back' (US#67), um corte brilhante de pop-soul.

Tendo percorrido tanto terreno durante os anos 70, quando os anos 80 começaram, surgiu a questão de qual direção a J. Geils Band tomaria em seguida. Uma forte pista sobre essa direção foi oferecida no álbum do início de 1980, 'Love Stinks' (US#18/OZ#43), uma espécie de prelúdio que serviu para ampliar o apelo mainstream da banda em preparação para a onda de popularidade que viria a seguir. O tecladista e co-escritor Seth Justman assumiu funções de produtor em tempo integral, e 8 das 9 faixas oferecidas foram escritas com Peter Wolf. O sintetizador penetrou na mistura instrumental mais do que antes, em sintonia com o crescente movimento new wave da época. O single de abertura, 'Come Back' (US#32/OZ#31), foi uma tarifa elegante e com toque de funk no seu melhor. A faixa-título e single, 'Love Stinks' (US#38) estaria confortavelmente em casa no cancioneiro dos Cars. A faixa de abertura do álbum e terceiro single, "Just Can't Wait" (US#78), captura perfeitamente a síntese de sintetizador/guitarra tão predominante no início dos anos 80 e foi indicativa da evolução da J. Geils Band nos últimos anos - uma evolução que precisava dar apenas mais um passo antes que o resultado fosse alcançado.

J. Geils Band - More Than Just The Pages Of A Magazine



Em seus dois álbuns anteriores, a J. Geils Band moderou o rock and roll de ponta dura misturado com funk e R&B, introduzindo algumas sensibilidades pop em um esforço para se tornarem mais atraentes comercialmente em um mundo new wave. O capítulo final de sua metamorfose chegou na forma do lançamento do álbum de novembro de 81, 'Freeze-Frame'.

O single principal foi o contagiante e hino rock n' roll, 'Centerfold'. A música era crueza vestida de elegância, uma combinação diametralmente oposta que atinge o equilíbrio perfeito entre pop e rock. A música foi escrita e produzida pelo tecladista da banda, Seth Justman. 'Centerfold' estreou na US Hot 100 na posição #70 na primeira semana de novembro de 81. Treze semanas depois, estava no topo das paradas dos EUA na posição #1, substituindo 'I Can't Go For That (No Can Do)' de Hall & Oates (veja as postagens anteriores). 'Centerfold' capturou a atenção das classes em #1 por seis semanas no total, antes de ser substituída por 'I Love Rock 'n Roll' de Joan Jett e The Blackhearts - veja o post anterior. A música foi apoiada por um vídeo promocional atraente, ambientado em uma sala de aula de modelos femininas seminuas, presumivelmente sob a tutela de Peter Wolf. Lembro-me de assobiar e cantar a melodia do refrão incrivelmente cativante - "na na nana na nah, angel is a Centerfold" - dificilmente faz justiça em fonte preta, mas você entendeu a ideia. 'Centerfold' também revelou tudo em #1 aqui na Austrália (Reino Unido #3) por uma semana em março de 82, substituindo 'Tainted Love' de Soft Cell, e por sua vez sendo substituída por 'What About Me' de Moving Pictures - veja os posts anteriores para ambos os artistas.

O single seguinte, 'Freeze-Frame', foi o título do álbum e a faixa de abertura. É uma pepita pop-rock de alta potência que explode em vida a partir do grito de abertura seguido por acordes de sintetizador afiados. A faixa é ganchos melódicos de parede a parede, entrelaçados perfeitamente em um milagre de quatro minutos de energia new wave. 'Freeze-Frame' foi apoiado na época por um divertido vídeo promocional que intercalava cenas cômicas de filmes mudos, com a banda pulando no que pareciam ser paraquedas e, em seguida, trazendo baldes de tinta de tamanho industrial, todos lavados por garrafas de champanhe. Em março de 82, 'Freeze-Frame' avançou rapidamente para as paradas, até parar congelado antes que pudesse chegar ao primeiro lugar (EUA nº 4/ Austrália nº 7/Reino Unido nº 27). O

single nº 3 foi 'Angel In Blue' (EUA nº 40/Reino Unido nº 55), uma fatia de doo-wop com gloss new wave. O álbum de origem, 'Freeze-Frame', alcançou o primeiro lugar nas paradas de álbuns dos EUA (UK#12/OZ#21) na mesma semana em que 'Centerfold' chegou ao topo da Hot 100, e eventualmente ganhou disco de platina - o único disco de platina credenciado da carreira da J. Geils Band. O álbum se encaixou perfeitamente no movimento new wave que era tão dominante na época, mas havia DNA original da J. Geils Band suficiente na mistura para manter os fãs de longa data interessados.

Com uma potência comercial como 'Freeze-Frame', a J. Geils Band fez uma turnê pelos EUA que quebrou recordes de bilheteria e também foi recompensada por pagar suas dívidas apoiando seus heróis The Rolling Stones em uma turnê pela Europa. Uma das datas de Detroit naquela turnê ao vivo pelos EUA foi capturada na oferta ao vivo 'Showtime! (Live)' (US#23 - credenciada como ouro), lançada no final de 82. O álbum rendeu dois singles nas paradas, a dedicatória doo-wop 'I Do' (US#24) e um cover estridente do clássico 'Land Of A Thousand Dances' (US#60). Vários outros clássicos da J. Geils Band também estão na mistura, incluindo 'Love Stinks', 'Sanctuary' e 'Centerfold', mas o álbum como um todo não consegue oferecer o mesmo nível de vigor de suas apresentações ao vivo dos anos 70.

Apesar de atingir o nirvana comercial em seu último álbum de estúdio, nem tudo estava bem no acampamento da J. Geils Band (desta vez no acampamento da banda). Mais especificamente, a parceria entre os escritores principais Peter Wolf e Seth Justman não estava em boa forma. Justman tinha sido o membro proeminente da equipe em 'Freeze-Frame', compondo cinco das nove faixas sem a contribuição de Wolf. Foi uma longa disputa borbulhante que se intensificou e chegou ao auge quando a banda se recusou a gravar algum material que Wolf havia coescrito com Don Covay e Michael Jonzun. Nenhum dos lados recuou e, no final, Wolf foi convidado a deixar a banda no meio de uma sessão de gravação.

Wolf pegou parte do material escrito que ele havia oferecido à J. Geils Band e incluiu em seu primeiro álbum solo. 'Lights Out' (US#24/ OZ#94) fez uma brilhante incursão nas paradas de álbuns dos EUA no final de 84, ajudado em grande parte pelo single da faixa-título (US#12/OZ#46) e o single seguinte, 'I Need You Tonight' (US#36). Dada a recepção escassa oferecida à sua antiga banda para seu primeiro (e único) álbum pós-Wolf, não teria sido nenhuma surpresa se Wolf tivesse mostrado um pequeno sorriso de satisfação em sua primeira apresentação pós-J. Geils Band.

Seu álbum seguinte, 'Come As You Are' (US#53) de 1987, quase igualou o desempenho de 'Lights Out', com o single da faixa-título novamente entrando no top 20 dos EUA (#15/OZ#72), com um pequeno sucesso seguinte na forma de 'Can't Get Started' (US#75).

Wolf então se separou da EMI, mas continuou gravando álbuns, de 'Up To No Good' de 1990 até 'Midnight Souvenirs' de 2010, que atingiu o pico de #45 na parada Billboard Top 200, mostrando que Peter Wolf não havia perdido nada de seu apelo comercial. Wolf continuou a fazer turnês como um ato solo e, com o tempo, se reuniria com seus antigos companheiros de banda no palco.

Agora reduzido a um quinteto, e sem a presença do vocalista Peter Wolf, a J. Geils Band entrou em estúdio em 1984 para gravar seu sucessor de estúdio para 'Freeze-Frame'. Seth Justman e o baterista Stephen Bladd cuidaram dos vocais principais, mas nenhum deles foi páreo para o rosnado de Peter Wolf. Justman coescreveu todas as nove faixas do álbum, junto com seu irmão Paul, e também produziu o álbum. Essencialmente, o álbum, 'You're Gettin Even While I'm Gettin Old' (US#80), é um caso dominado por Justman e sintetizadores, com lampejos da antiga J. Geils Band surgindo aqui e ali, incluindo no único single de sucesso retirado do conjunto, 'Concealed Weapons' (US#63/OZ#67). Quando comparado com seu antecessor 'Freeze-Frame', não foi surpresa que a J. Geils Band viu a escrita na parede e encerrou o dia logo depois.

A última gravação lançada pela banda, e incursão nas posições mais baixas das paradas foi o single 'Fright Night' - US#91, em 1985, do filme de mesmo nome. Dada a saída do vocalista e principal navegador estilístico, Peter Wolf, era quase certo que a J. Geils Band parasse depois de apenas mais um álbum juntos. 'Magic Dick' Salwitz e J. Geils se reuniram em 1993 para formar uma banda de blues chamada Bluestime, e gravaram dois álbuns, 'Bluestime' e 'Little Car Blues', enquanto outros membros da banda buscavam vários e diversos projetos solo.

Em 1999, a J. Geils Band se reuniu com Peter Wolf para uma turnê de 13 datas na Costa Leste (menos Bladd na bateria). Em maio de 2006, todos os seis membros subiram ao palco em um evento especial para celebrar o aniversário de 60 anos do baixista Danny Klein. Mais alguns "eventos únicos" se seguiram nos anos seguintes, incluindo a abertura do Aerosmith no Fenway Park em 2010. Uma série de turnês curtas e apresentações únicas se seguiram, com a apresentação mais recente da J. Geils Band sendo como "kicker-band" não oficial do Bon Jovi, em Detroit em 2013. Em setembro de 2010, a J. Geils Band foi indicada finalista para o Hall da Fama do Rock and Roll - eles perderam a indução naquele ano, mas certamente é apenas uma questão de tempo antes que eles tomem seu devido lugar.

The Chesterfield Kings: The Berlin Wall Of Sound 1989 + Where The Action Is! 1999

 


Os Chesterfield Kings do norte do estado de Nova York desembarcaram na crescente cena punk/new wave no final dos anos 70

com um som de rhythm & blues dos anos 60 incrivelmente cru que pegou emprestado muito dos Rolling Stones pré-1966. O grupo, tão diferente de qualquer outra sensação underground do período, sem dúvida deu início a todo o revival do garage rock dos anos 80, que floresceu em pequenos círculos até o final da década.
                                                            

Sua primeira exposição pública mais ampla veio quando uma faixa na compilação Battle of the Garage de Greg Shaw, de 1981, da Bomp! Records, rendeu a eles uma série de datas no Peppermint Lounge, na cidade de Nova York. Depois de lançar dois LPs que definiram a cena, "Here Are the Chesterfield Kings" e "Stop!", o

combo mudou sua formação e som. Com apenas o vocalista Greg Prevost e o baixista Andy Babiuk restantes da encarnação de 1979 dos Kings, a banda rescindiu sua promessa de nunca soar como nada da história do rock pós-1966, e começou a gerar uma imagem e brilho de hard rock dos Rolling Stones/Flamin' Groovies dos anos 70, que culminou em seu LP de 1994, "Let's Go Get Stoned", uma paródia/tributo dos Rolling Stones pós-Aftermath.
                                                        

Eles então se voltaram para um som de rock mais pesado em "Don't Open Till Doomsday" (1987) e "Berlin

Wall of Sound" (1989) com o trabalho de guitarra de blues do novo membro da banda Paul Rocco. O próximo álbum do grupo foi um disco de blues acústico "Drunk On Muddy Water" (1990). Ainda assim, os Kings nunca se afastaram muito de suas raízes de banda de garagem, e os álbuns subsequentes do grupo, que incluem "Don't Open Til Doomsday" (1997), "Where the Action Is" (1999), "The Mindbending Sounds of the Chesterfield Kings" (2003) e "Psychedelic Sunrise" (2007), foram todos cortados do mesmo tecido.
                                       

Seu "Psychedelic Sunrise" (2008) foi uma extensão do álbum anterior do grupo. "Got

Live…If You Want It" (2009) foi uma gravação dupla ao vivo e um DVD, bem como o lançamento final do grupo. O longa-metragem do The Kings Where is the Chesterfield King? (2000) é descrito em seu site como "Uma comédia/drama no estilo de The Bowery Boys, Batman, The Monkees Show, A Hard Day's Night, Hawaiian Eye e The Munsters, com um pouco de pastelão dos Três Patetas para começar..."
                                     

Em 2011, Prevost seguiu a rota solo lançando um 45 "Mr. Charlie" b/w "Rolling Stone Blues" (Mean Disposition Records MDR45001) em 2012, e em 2013 lançando o álbum de blues-rock Mississippi Murderer (Mean Disposition Records MDLP 001-formato vinil e CD). Mean Disposition é uma divisão da Penniman Records de Barcelona, ​​Espanha.

THE BERLIN WALL OF SOUND 1989

                                               


Depois de três anos de pausa nas gravações, o Chesterfield Kings finalmente lançou The Berlin Wall of

Som em 1990 e sem dúvida assustou muitos fãs de longa data ao abrir mão de todo o domínio do garage-rock dos anos 60, em vez disso, entregando uma abordagem New York Dolls/Heartbreakers. Mantendo apenas o vocalista original Greg Provost e o baixista original Andy Babiuk, o álbum é surpreendentemente sincero, apesar de uma progressão de blues de madeira e algumas bobagens metálicas exageradas que beiram o ridículo. O órgão Hammond desapareceu, mas The Kings faz o novo som funcionar para eles, pelo menos até o final do disco.

The Chesterfield Kings – The Berlin Wall Of Sound
Gravadora: Mirror Records Inc. – CD-15
Formato: CD, Álbum
País: EUA
Lançamento: 1989
Gênero: Rock
Estilo: Rock

TRAXS

                                


01. Richard Speck    3:03
02. Dual Action    3:29
03. No Purpose In Life    3:19
04. Coke Bottle Blues    3:34
05. (I'm So) Sick And Tired Of You    4:36
06. Love, Hate, Revenge    4:02
07. Branded On My Heart    3:35
08. Teenage Thunder    2:38
09. Come Back Angeline  (Drums – Doug Meech/Engineer – Harris Johns/Written-By – Daniel Ray, Dee Dee King)  2:57
10. Pills  (Written-By – E. McDaniel)  2:45
11. Who's To Blame    2:50
12. Coke Bottle Blues Revisited (A Tribute To Johnny)    1:12

Bass, Backing Vocals – Andy Babiuk
Drums, Backing Vocals – Brett Reynolds
Guitar [Additional], Piano [Additional] – Richie Scarlet
Guitar, Backing Vocals – Paul Rocco
Lead Vocals, Other [Animal Violence] – Greg Prevost
Producer – Richie Scarlet
Written-By – A. Babiuk (tracks: 1 to 5, 8, 11, 12), G. Prevost (tracks: 1 to 8, 11, 12), M. Pappert (tracks: 1, 2, 8), P. Rocco (tracks: 5, 6, 8, 12)

MUSICA&SOM


WHERE THE ACTION IS!  1999

                                                 


Where the Action Is (1999) foi um retorno às raízes das bandas de garagem, uma mistura de covers e estilo dos anos 1960.

originais.
Em 1999, os Chesterfield Kings ainda estavam fazendo praticamente a mesma coisa que faziam 15-20 anos antes: um álbum composto principalmente de covers de clássicos do garage dos anos 60, com alguns originais no mesmo estilo. Na verdade, apenas quatro das 17 faixas aqui são composições do grupo, os covers abrangendo pepitas relativamente obscuras ("Don't Blow Your Mind" dos Spiders, "Ain't It Hard" dos Electric Prunes), sucessos (dos Syndicate Sound, Blues Magoos e Hollies) e cortes meio cult ("Happenings Ten Years Time Ago" dos Yardbirds, "I'm Not Like Everybody Else" dos Kinks, "Sometimes Good" dos Standells

"Caras Não Usam Branco"). A essa altura, deve estar claro para todos que os CKs não são inovadores, mas sim popularizadores da forma, assim como alguma banda de blues contemporânea estaria popularizando BB King e Muddy Waters em um disco composto majoritariamente por covers, ou um cantor folk escocês estaria popularizando reels e jigs.

The Chesterfield Kings – Where The Action Is!
Gravadora: Sundazed Music – LSD 13, Living Eye Records – LSD 13
Formato: CD, Álbum
País: EUA
Lançamento: 1999
Gênero: Rock
Estilo: Garage Rock

TRAXS

                                                            


01. Action, Action, Action  2:10
Written-By – B. Hart, T. Boyce
02. Ain't It Hard  2:34
Written-By – R. Tillison, T. Tillison
03. Wrong From Right  2:54
Written-By – A. Babiuk, G. Prevost, J. Okolowicz
04. I'm Five Years Ahead Of My Time  2:21
Written-By – R. Evans, V. Pike
05. Where Do We Go From Here?  3:16
Written-By – A. Babiuk, G. Prevost, M. Lindsay
06. Misty Lane  3:01
Written-By – M. Siegel
07. I Walk In Darkness  2:57
Written-By – A. Babiuk, G. Prevost
08. Sometimes Good Guys Don't Wear White  2:32
Written-By – E. Cobb
09. Don't Blow Your Mind  2:36
Written-By – Dunaway, Furnier
10. Look Through Any Window  2:20
Written-By – Silverman, Gouldman
11. 1-2-5  2:27
Written-By – B. Burgess, J. Peters
12. I'm Not Like Everybody Else  3:49
Written-By – Davies
13. (We Ain't Got) Nothing Yet  2:21
Written-By – E. Thielhelm, M. Esposito, R. Scala, R. Gilbert
14. A Lovely Sort Of Death  4:55
Written-By – A. Babiuk, G. Prevost
15. Little Girl  2:38
Written-By – B. Gonzalez, D. Baskins
16. You Rub Me The Wrong Way  2:31
Written-By – D. Passerllo
17. Happenings Ten Years Time Ago  4:10
Written-By – J. Beck, J. McCarty, J. Page, K. Relf

MUSICA&SOM



LISTENING- Listening (1968)

 



Michael Tschudin.............Voz, teclados, congas

Walter Powers.................Bajo

Peter Malick ...................Guitarras

Ernie Kamanis..................Batería, voz

 

1ª Lado:

You're not there

- Laugh at the Stars

- 9/8 Song

- Stoned is

- Forget it, man!

2ª Lado:

- I can teach you

- So happy

- Cuando

- Baby: Where are you?

- Fantasy

- See you again


Pouco ou muito pouco se sabe sobre esses caras, que no final dos anos 60 estouraram com o disco que iniciou e encerrou sua parca carreira, e que mesmo assim deixou uma marca profunda lá em sua terra natal, Boston, onde se tornariam líderes de um movimento chamado Bosstown Sound , emblema dos novos sons que começavam a nascer naquela cidade dentro do Rock. Sem muita repercussão, a corrente foi breve como muitos dos grupos que a lideraram.

 


1968,   coincidência ou não,   foi um ano que na minha opinião marcou   uma transformação dentro do rock, passando da juventude para a idade adulta, coincidindo com uma Europa agitada em busca da sua identidade, iniciando um período em que já não se satisfaziam em fazer música. para alegrar a alma e afogar as mágoas, era preciso procurar algo mais, era preciso explorar, era preciso expressar, era preciso experimentar, era preciso fazer uma introspecção em muitas áreas da realidade. Tudo isso começou a se refletir no rock, e a psicodelia, aliada ao consumo massivo de drogas, abriu caminho para essa busca pela verdade desejada.

 

A banda transitou maravilhosamente na cena psicodélica, estilo que se destaca sobretudo em sua música. Composto praticamente 100% pelo seu tecladista Michael Tschudin , mostra uma forma avançada e vanguardista de tocar tanto o piano quanto o órgão, este último com sonoridade própria em algumas das composições, o que o marca como um caráter inovador. capaz de ousar em qualquer aspecto. ( Rir das estrelas , é um exemplo de botão de vitalidade, inspiração e autoconfiança ao piano ). Não há necessidade de grandes arranjos, a improvisação é utilizada em alguns momentos, mas a crueza do som em alguns fragmentos tem a beleza do puro e natural.

 


Mas como muitos grupos em seus primórdios, praticavam uma mistura das tendências que iam surgindo na cena underground , com o que já existia, criando novos conceitos a partir dos modelos mais difundidos. Assim, pode-se dizer que também fizeram incursões no proto-prog e no hard rock, embora sejam inúmeras as referências a tudo o que passou pelas suas mãos, jazz, Canterbury, latim, pop britânico, etc.

 

O álbum é uma maravilha, único no seu género, uma vanguarda absoluta que emerge canção após canção, surpreendendo do início ao fim. Eu me pergunto, se eles tivessem continuado, que caminhos teriam tomado; difícil responder ouvindo este álbum. Suas letras ácidas (e nunca melhor ditas), são caracterizadas por suas ambiguidades e segundas intenções falando sobre maconha e substâncias psicotrópicas, intimamente ligadas à música psicodélica.

 


O LP soa fresco, original e inovador com um órgão dominante e vibrante, como se estivesse indo e vindo com altos e baixos, com reflexões lentas e às vezes oníricas. Um piano com um jeito único de tocar naquela época, com mergulhos, saltos, varreduras, correntes, mudanças constantes de melodia, mudanças tremendas de ritmo ( Rir das estrelas).  Guitarra ácida nos quatro lados, percussão de grande qualidade, atmosferas lisérgicas, estranhas, com uma estrutura semelhante a grupos tão diversos como IRON BUTTERFLY de in-a-gadda-da-vida , PINK FLOYD de Syd Barret , SOFT MACHINE ou TOMMY JAMES AND OS SHONDELLS.

Seu primeiro lado é mais psicodélico e proto-prog, o segundo é composto por uma gama que inclui  invasão britânica e hard. Quando , é uma peça curiosa com conotações mexicanas, com refrão cantado em espanhol em coro e mal, com ar festivo com um lindo piano elétrico e ritmo quente na percussão, que leva a uma torrente de piano de cauda . Pelo que dizem nos créditos, forjado em uma bebedeira, graças a um amigo que chamam de 'Crazy Willy', vamos lá, inspiração nos momentos mais baixos . Ótima música, Baby: Onde você está? , vanguardista, criativo em sua concepção e desenvolvimento, guitarra em giro improvisando de forma delirante no solo central, dublagens, filtros e um maravilhoso triângulo órgão-clave-piano. A cereja do bolo é o poderoso hard rock como uma extensão da sua experiência? de Hendrix , com baixo estilo Noel Redding e bateria do próprio Mitch Mitchell .

 

Se você tiver em mãos, não pense muito, não se arrependerá, uma verdadeira descoberta.







Destaque

ROCK ART