Obviamente o guitarrista norueguês Terje Rypdal dedica seu tempo para lançar um disco, um a cada 3 anos. No entanto, não fica ocioso, prestando os seus serviços a outros artistas, como o seu compatriota, o saxofonista Jan Garbarek.
Depois de Bleak House na Polydor em 1968, ele ressurgiu na ECM em 1971 para um disco homônimo. Então aqui estamos nós em 1974 com What Comes After também pelo selo de Munique com a participação do baterista/organista Jon Christensen, do contrabaixista Barre Phillips, do baixista Sveinung Hovensjø e do oboé e trompista Erik Niord Larsen.
Mas o que vem depois de um disco homônimo? O que é mais do que a obra anterior? Bem, groove. Mas um groove mal sugerido, sombrio e arrepiante. Como os títulos que abrem cada lado. Começamos com os sombrios e misteriosos 10 minutos “Bend It”. Uma linha de baixo assustadora se repete. Loop de pretexto para solos dissonantes de acid rock de guitarra e refrões lúgubres de contrabaixo tocados com arco.
Do outro lado encontramos os 11 minutos do título homônimo. Tempo imposto por esta baqueta que bate delicadamente na borda de sua caixa como um metrônomo discreto para uma faixa nebulosa. A tensão aumenta em um funk lento sob ácido com este baixo que cria um novo loop perturbador. A trompa inglesa parece nebulosa. Ainda com o arco o contrabaixo ameaça. A guitarra fala palavras metalóides e alucinatórias.
Mas o guitarrista está sempre interessado em desenvolver climas etéreos e explorar as possibilidades do espaço sonoro como podemos ouvir nos 7 minutos de “Icing”. Mais uma atração do disco que nos suspende, ao mesmo tempo sonhadores pelo oboé, vagamente preocupantes pelo baixo e estranhos pela guitarra.
De resto deparamo-nos com a frágil “Yearning” liderada por uma delicada guitarra acústica acompanhada por um oboé outonal e percussão subliminar. Introduzida por um órgão impenetrável, “Sejours” é melancólica entre um contrabaixo desencantado e um oboé abafado. O caso termina com o sensível e transcendental “Back of J.” com sabores orientais e hispânicos. Uma ótima forma de encerrar uma obra que nos leva muito alto e muito longe.
Títulos: 1. Bend It 2. Anseio 3. Glacê 4. O que vem depois 5. Sejours 6. Back Of J
Músicos: Terje Rypdal: guitarra, flauta Erik Niord Larsen: oboé, trompa inglesa Barre Phillips: contrabaixo, baixo Piccolo Sveinung Hovensjø: baixo Jon Christensen: bateria, percussão
Após o sucesso retumbante de Head Hunters em 1973, Herbie Hancock fez uma turnê pelo Japão. Entre dois shows com seu grupo, ele tentou seu solo no palco no dia 29 de julho no Kōsei Nenkin Kaikan em Tóquio. Serviço que servirá de material para Dedicatória impressa em solo japonês em setembro pela CBS/Sony, subsidiária japonesa da Columbia.
Deve-se notar que Herbie Hancock, ao assinar com a Columbia em 1971, embora tivesse que inventar LPs comerciais, ele também tinha uma liberdade criativa que lhe permitia às vezes escapar da camisa de força mercantil. A dedicação é um bom exemplo de onde ninguém corre riscos no Japão.
Este LP, onde o público não é ouvido, tem duas faces bem distintas. Aquele em que Herbie Hancock usa o piano de cauda. A segunda onde ele usa o Fender Rhodes e diversos sintetizadores.
No lado A, o músico afro-americano revisita dois dos seus standards da época Blue Note, “Maiden Voyage” com duração superior a 7 minutos e “Dolphin Dance” com duração de 11 minutos. No jazz modal e numa atmosfera intimista, Herbie Hancock convida-nos a sonhar acordado com este piano melodioso, nostálgico, irreal, romântico...
Para o segundo lado, o tecladista mergulha-nos numa fusão de electro jazz onde abre a sua viagem interestelar com “Nobu” dedicado a um amigo budista, Nobu Urushiyama. Peça estranha que se reconecta com as experiências da era Mwandishi. Peça que gira em torno de um loop eletrônico com som de baixo, enquanto o piano elétrico voa em improvisações fluidas atravessadas por camadas de sintetizadores gelados.
No final, Herbie Hancock reinterpreta "Cantaloupe Island" ao estilo Head Hunters . Mais um de seus standards da Blue Note que ele transforma em jazz funk cósmico com esta linha de baixo sintetizado. Groove que adorna os refrões funky e sensuais dos diferentes teclados.
Um disco que não é essencial, mas que é muito bonito. Vale ressaltar que a edição internacional virá em formato de CD em 2013 no box set The Complete Columbia Album Collection 1972–1988 e em edição de CD single em 2014 pelo selo Wounded Bird Records.
Títulos: 1. Maiden Voyage 2. Dolphin Dance 3. Nobu 4. Cantaloupe Island
Músico: Herbie Hancock: Piano, Piano Elétrico, Sintetizadores
Laughing Stock é uma história de redenção. O sujeito principal, interpretado pelo vocalista do Talk Talk, Mark Hollis, confronta seus medos, desejos e crenças mais profundos para mudar seu destino e crescer para apreciar a humanidade e o mundo. Os pensamentos do personagem são todos retratados por meio de uma vasta e aventureira paleta sonora que se abre continuamente a partir do primeiro minuto.
Acho que a composição e a narrativa deste álbum passam um pouco despercebidas quando eu queria que não fosse o caso. Obviamente, com uma banda tão ambiciosa com seu som como Talk Talk, a instrumentação se torna o foco principal. Sem mencionar que, apesar das faixas longas, Mark Hollis opta por não cantar com muita frequência, o que também pode tornar as ideias escritas de Laughing Stock mais difíceis de processar (elas eram para mim no início). No entanto, suas letras descritivas, porém vagas, são cheias de imenso poder por si mesmas. Há muitas rimas complexas e alusões religiosas, de modo que diferentes ouvintes terão diferentes interpretações. É o aspecto de Laughing Stock que mais o fundamenta em outras artes, especialmente as histórias bíblicas do passado e a desesperança da era moderna.
O som de Laughing Stock consiste em algumas das ideias mais únicas já colocadas em um álbum, uma mistura de rock, folk, ambiente, minimalismo e jazz que nunca se acomoda e sempre evolui. Uma razão para isso é seu uso pesado de improvisação, dando aos músicos liberdade e possibilidade inigualáveis, espelhando o estado mental volátil do personagem principal da história.
As 4 faixas do meio constituem o cerne do álbum, uma corrida impressionante que leva seus ouvintes por um turbilhão de sons e emoções. Ascension Day encontra um groove instantâneo em 7/4 (de alguma forma) e constantemente constrói camadas de guitarra e sintetizadores. Enquanto as letras se aprofundam na personalidade ameaçadora do personagem, a música se abre para um mundo de escuridão. O álbum atinge seu ponto mais alto e dramático, e mesmo quando corta abruptamente para o silêncio, o eco da guitarra ainda ressoa em meus ouvidos, simbolizando um novo começo e uma necessidade de reconstruir o mundo. After the Flood desacelera o ritmo e adiciona a maior variedade de sons que ouvimos em qualquer uma das 6 faixas. Como em seu último álbum Spirit of Eden, o órgão é introduzido como um tocador-chave, uma homenagem ao lado espiritual do personagem e um momento de reflexão e ponderação. A gaita também adiciona um elemento único à mistura, agindo completamente por conta própria. Ela captura uma miríade de emoções enquanto o personagem olha interna e externamente para validação e orientação. Em seguida, Taphead mais uma vez muda a fórmula, chamando de volta Spirit of Eden com seus momentos ambientais e minimalistas. Este é o ponto entre a vida e a morte para o personagem, com uma representação obscura e ilimitada desse estado por meio de uma dissonância um tanto relaxante. Adoro as trombetas tocando silenciosamente um passo à parte, um contraste completo com seu papel usual de soar triunfante e alto, como se representasse uma posição conflitante sobre espiritualidade e crença em si mesmo.
New Grass é o verdadeiro ponto de mudança no personagem, absorvendo a beleza do mundo dos vivos e encontrando uma centelha para começar de novo. Simplificando, é uma linda peça musical, um loop de guitarra extenso, mas calculado, que me deixa grato por quão envolvente a forma de arte pode ser. O estilo da faixa reflete o presente e o futuro do personagem principal. Hollis aprendeu a amar e começar sua história do zero; a repetição musical dá uma sensação de possibilidade infinita, ao mesmo tempo em que permanece ancorado em quais características o tornam especial hoje. Continuando com o tema da natureza e do crescimento, a paisagem sonora me faz visualizar um campo verdejante e crescente, cheio de flores, árvores e vida selvagem. Essas imagens fornecem grande esperança e força não apenas para o personagem da narrativa, mas para mim mesmo enquanto ouço. Isso me dá uma nova apreciação pelo mundo ao meu redor: natureza, amigos, família, amor e os momentos de tranquilidade que me dão tempo para pensar e aceitar as mudanças necessárias. Os acordes descendentes do órgão, as guitarras suaves e a voz terna de Mark se equilibram excepcionalmente para criar um mundo musical em constante mudança por 10 minutos de cada vez. Verdadeiramente especial.
A primeira e a última faixas, Myrrhman e Runeii, desempenham papéis ligeiramente não convencionais no álbum. Elas funcionam mais como um prólogo e epílogo, pois, diferentemente das faixas 2-5, elas permanecem relativamente estagnadas musicalmente ao longo de seus tempos de execução. Por um tempo, essas músicas não tinham o impacto e a experimentação das outras e simplesmente existiam, mas acredito agora que elas desempenham papéis igualmente vitais na história. Myrrhman encapsula o verdadeiro vazio de alguém que não tem nada pelo que viver; isolamento, desolação e estagnação são temas comuns. Runeii também parece vazio, com o propósito de ser preenchido. Runeii mantém as guitarras suaves de New Grass e usa volume baixo de maneira semelhante a como Futura Free usa o silêncio. Representa alguém encontrando força e vontade para seguir em frente e ser alguém de quem pode se orgulhar, olhando para trás na jornada tumultuada para chegar a este ponto. Além disso, essas faixas são pontos de referência fascinantes para a breve história musical do Talk Talk. Ambos os títulos são homófonos de faixas mais antigas do Talk Talk de sua era new wave (Merman e Renee), talvez o único remanescente daquela era encontrado em Laughing Stock. Isso mostra que Hollis e Harris são tão reverentes à sua arte do passado quanto são do futuro; eles superaram muito juntos para fazer um projeto diferente de qualquer outro, que duraria para a eternidade nos corações de seu público. Com esse contexto, talvez seja irônico que Laughing Stock seja o último álbum do Talk Talk. Pode ser o fim da narrativa do álbum e da história da banda, mas apresenta um futuro sem restrições, possibilidades ilimitadas e motivação para que todos façam uma diferença positiva no mundo. Como todos os meus álbuns favoritos, nunca me cansarei de Laughing Stock porque ele oferece algo novo e diferente cada vez que o toco. Ele me lembra que a vida oferece desafios emocionantes infinitos a cada passo do caminho e encoraja as pessoas a encarar a mudança de frente.
Madalena Iglésias E António Calvário - Uma Hora de Amor (EP Alvorada AEP 60 660, 1964).
Acompanhamento pela Orq. Ferrer Trindade.
Faixas / Tracks:
Eu Nasci Para Cantar
É Tão Bom Amar
Tu És o Meu Amor
Sonho de Amor
Em 1964, Madalena Iglésias e António Calvário (ambos considerados ídolos na época) estreiam-se no cinema e contracenam no filme, "Uma Hora de Amor", realizado por Augusto Fraga.
As biografias de ambos já se encontram inseridas neste blog.
Da contracapa do EP, transcrevemos o seguinte texto:
"Dois ídolos da canção pela primeira vez reunidos no mesmo disco. Ela é Madalena Iglésias, ele é António Calvário. Uma rainha e um rei da Rádio portuguesa.
Os dois surgem pela primeira vez no cinema. Entraram pela porta larga. São vedetas de um novo filme nacional: "Uma Hora De Amor".
Dessa "hora de amor" uma dúzia de minutos aparece, em exclusivo, neste disco Alvorada, em quatro canções. Duas na voz de Madalena, outras tantas na de Calvário.
No filme, como na vida real, os dois são cançonetistas. Mas no filme ela é já vedeta e ele ainda uma promessa. Entre os dois surge uma história de amor e um mundo de complicações.
Mas deixemos que o cinema conte a sua história. Aqui, eles apenas cantam."
Após o sucesso de Birds Of Fire em 1973, Mahavishnu voltou ao estúdio para produzir uma sequência. Só que entretanto, através de egos deslocados, a liderança do guitarrista inglês John McLaughlin é posta em causa. Podemos entender isso. Cada um dos membros restantes com potencial extraordinário, o baterista Billy Cobham, o baixista Rick Laird, o tecladista Jan Hammer e o violinista Jerry Goodman sentem que têm uma palavra a dizer na composição e na direção musical a seguir.
A banda vai entrar em conflito, as sessões de gravação são interrompidas. A ideia de um terceiro esforço de estúdio foi abandonada (tirada a poeira, o disco seria lançado em 1999 sob o nome de The Lost Trident Sessions ). Porém, a Columbia deseja recuperar os recursos investidos no grupo e lembra à Orquestra Mahavishnu que está devendo um 3º LP . Surgiu então a ideia de lançar um álbum ao vivo intitulado Between Nothingness And Eternity nas lojas em novembro de 1973.
É o concerto apresentado na edição de 1973 do Schaefer Music Festival, em Nova Iorque, que servirá de material. Este festival é realizado no Central Park de Nova York. Criado em 1967, desde 1968 vai de junho a agosto com concerto quase todas as noites. No projeto com King Crimson, Quicksilver Messenger Service, Blues Project, Wishbone Ash, Robin Trower, Edgar Winter… A Orquestra Mahavishnu toca em 18 de agosto.
Composto por 3 faixas, o quinteto optou obviamente pelo formato elástico. Começando com improvisações intermináveis para impressionar olhos e ouvidos, o setlist é composto por faixas inéditas que provavelmente deveriam ter aparecido na 3ª obra de estúdio . Abre com gongos discretos ao longo dos 12 minutos da “Trilogia” em três partes. Em seguida, um arpejo celestial na guitarra introduz uma troca animada entre as agressivas cordas elétricas de seis cordas e o teclado com uma execução mais clara. Uma conversa volúvel que, no entanto, não carece de melodia. O resto é mais tranquilo com esses efeitos de sintetizador cósmico e esse violino sonhador, apesar da bateria alerta. A terceira parte parece urgente. Ela vai nos manter em suspense com essa bateria convulsiva e esquizofrênica que nada para, esse violino country delirante, esse baixo bêbado de querosene, esse teclado com drifts prog e essa guitarra com solos metalóides.
Depois de tamanha demonstração de força vem o heavy metal desenfreado “Sister Andrea”. 9 minutos de groove esmagador que evolui para sequências que são ao mesmo tempo pacíficas, vagamente perturbadoras e dramáticas até aumentar de intensidade.
Chega a peça que ocupará todo o lado B, “Dream” com 21 minutos de duração. Uma peça quilométrica de jazz rock progressivo com mudanças de andamento e clima para uma demonstração de força que explode na nossa cara. Passamos da doçura enganosa à brutalidade expansiva, do género sinfónico ao rock pesado, da melancolia à angústia. Polvilhados em alguns lugares com temas repetitivos que esmagam tudo em suas passagens, não estamos longe de Magma, o gênero pomposo, pelo menos.
A banda se separou após o show de Ano Novo em Toledo, Ohio. Rick Laird e Jerry Goodman iniciariam carreiras como músicos de estúdio. Billy Cobham e Jan Hammer iniciam cada um uma discografia solo. Quanto a John McLaughlin, ele ainda não terminou a Orquestra Mahavishnu.
Títulos: 1. Trilogy 2. Sister Andrea 3. Dream
Músicos: John McLaughlin: Guitarra Rick Laird: Baixo Billy Cobham: Bateria Jerry Goodman: Violino Jan Hammer: Teclados
Saindo de Return To Forever de Chick Corea no final de 1972, Airto Moreira, Joe Farrell e Flora Purim levaram consigo todo o exotismo e lirismo que tornaram Return To Forever e Light As A Feather tão charmosos . Cada um seguirá carreira solo ou diversas colaborações. O mesmo acontece com Stanley Clarke, que prestou os seus serviços ao saxofonista Dexter Gordon, mas sobretudo lançou o seu primeiro álbum em 1973 sob o sugestivo título Children Of Forever . Este é um excelente LP de jazz latino produzido por Chick Corea (no processo que envolve o jovem contrabaixista de Scientology). Mas Stanley Clarke não abandonou Return To Forever, onde foi forçado a aprender baixo elétrico. Isto apresenta a oportunidade para os dois sobreviventes reorientarem sua música recrutando o guitarrista Bill Connors e o baterista Lenny White.
Em 1973 Bill Connors, este fã de Django Reinhardt, era pouco conhecido no circuito jazzístico. Ele toca em São Francisco com o Mike Nock Group e colabora com o baixista Steve Swallow. Este último o aconselha a chamar Chick Corea para algumas jams porque está procurando um guitarrista. Que bom, quando o guitarrista ouve os discos do Chick Corea, ele se diverte reproduzindo as melodias no violão. O resto nós sabemos. Quanto a Lenny White, ele é um velho conhecido de Stanley Clarke. Na verdade, os dois músicos se cruzaram durante as sessões de In Pursuit Of Blackness, do saxofonista Joe Henderson . Além disso, Lenny White toca baquetas em Children Of Forever , permitindo ao pianista medir seu potencial (observe que os dois homens se cruzaram em 1969 durante as sessões de Bitches Brew, de Miles Davis).
Esta nova formação lançou Hymn Of The Seventh Galaxy em agosto de 1973, desta vez sob o nome Return To Forver Chick Corea. Este Lp nada mais é do que um álbum de jazz rock instrumental intransigente, altivo, desproporcional e de tirar o fôlego, onde Chick Corea, além de tocar piano clássico e piano elétrico, usa o órgão. O objetivo é duplo: colocar a Orquestra Mahavishnu de John McLaughlin com o pé esquerdo, mas acima de tudo seduzir os fãs do progressivo que desde Close To The Edge , Tarkus , mas especialmente Dark Side Of The Moon, continuaram a aumentar as fileiras. Mas não só isso! Na verdade, a forma de tocar incisiva, direta e nervosa de Bill Connors, que se tornou um mestre do legato, só pode agradar à camarilha metalóide. E isso apesar de si mesmo.
Composto por seis faixas, o título homónimo arranca numa atmosfera cósmica mas sobretudo devastadora. 3 minutos no relógio! mas três minutos explosivos de tecnicidade infalível feitos de breaks, counter breaks, off-beats de tirar o fôlego e harmonizações infernais entre guitarra e teclado. É preciso estar cheio de visão, mas acima de tudo cheio de ouvidos.
A cor anunciada é melhor bater no ferro quando estiver quente porque os 8 minutos de “After The Cosmic Rain” (composta por Stanley Clarke) que se seguem são do mesmo barril. Só que o quarteto sabe variar andamentos e gêneros. A execução demonstrativa de Bill Connors acaba sendo um rock pesado e ácido, enquanto Chick Corea e Stanley Clarke optam por um funk híbrido com um toque hispânico. Mantemos a pressão com “Capitão Señor Mouse” por 9 minutos tribais. Também aqui Bill Connors se destaca com seus solos de hard rock que contrastam com o registro de salsa conduzido pelo pianista usando ao mesmo tempo um cravo dando um toque sinfônico.
“Theme To The Mothership” é mais uma vez uma bela demonstração de força, onde a agressividade de Bill Connors empurra Chick Corea a saturar o seu piano eléctrico. Mas o quarteto sabe mostrar que consegue desenvolver melodias bem elaboradas. Melodias que encontramos na primeira parte de “Space Circus”, na segunda o grupo volta-se para o hard funk. Aqui, novamente, Bill Connors brilha. O disco termina com “The Game Maker”. Chick Corea nos acompanha em silêncio até que Bill Connors nos leva a uma valsa vertiginosa.
Se a direção musical é imposta por Chick Corea e em menor medida por Stanley Clarke, o arquiteto é Bill Connors preparando diretamente o roteiro para seus substitutos. Na verdade, após uma turnê em 1974 no Japão, ele deixou o grupo. Decepcionado com esse estilo pelo qual ele não achava que assinaria. Exausto por Chick Corea que continua a levar seu jogo ao extremo, ele teria preferido uma sequência de Light As A Feather . Além disso, ele desconfia da dupla Corea/Clarke, cujas intenções ele considera duvidosas. Ele não deve ter pena. A experiência com Hymn Of The Seventh Galaxy servirá de trampolim para sua discreta carreira solo.
Cabe ao trio restante recrutar um novo guitarrista.
Títulos: 1. Hymn Of The Seventh Galaxy 2. After The Cosmic Rain 3. Captain Senor Mouse 4. Theme To The Mothership 5. Space Circus 6. The Game Maker
Músicos: Chick Corea: Teclados Stanley Clarke: Baixo Bill Connors: Guitarra Lenny White: Bateria
Vários elementos distinguem este concerto capturado em 10 de abril de 1970 no Fillmore West em São Francisco daquele no Fillmore East em Nova York em junho que se seguiu.
Intitulado Black Beauty/At The Fillmore West , o de São Francisco será impresso 3 anos depois pela CBS/Sonny. Chamado At The Fillmore for New York, foi lançado em novembro de 1970 pela Columbia.
Black Beauty / At The Fillmore West é um show completo de abertura do Grateful Dead. While At The Fillmore é uma colagem de 4 noites onde o produtor Teo Macero pega as sequências mais emocionantes para fazer com que soe como um álbum de estúdio.
Mas o fato mais notável é a ausência no Fillmore West do pianista/organista Keith Jarrett que no Fillmore East enfrentou Chick Corea no piano elétrico. Nesta noite de abril de 1970, Chick Corea se viu sozinho ao teclado. E seu talento desproporcional compensará a ausência de Keith Jarrett. Escusado será dizer que é ele quem vai definir o cenário e o clima deste concerto que corre em todas as direcções, mas sob controlo. Como maestro, o trompetista Miles Davis deixa-o com vontade de ingressar no electro free jazz onde traz o baixista Dave Holland, o baterista Jack DeJohnette, o saxofonista Steve Grossman e o percussionista Airto Moreira.
A trupe aventura-se num funk abrasivo, em explosões latinas, num groove cósmico, num exotismo perturbador onde Miles Davis encontra espaços para desenvolver refrões com o seu trompete que nos enfeitiçam. A certa altura, é tão pesado que você pensaria que estava ouvindo o Black Sabbath tocando com Miles Davis para um jazz de heavy metal fumegante. Isso pode parecer anedótico, mas prova que o jazz rock de Miles Davis está em sintonia com os tempos. Numa época em que a música pop herdada de experiências psíquicas ainda presentes caminha para o prog e o hard rock.
Porém, nesta agradável confusão sonora onde cada lado é intitulado “Black Beauty” (partes 1,2,3 e 4), podemos distinguir temas vindos de In A Silent Way , Bitches Brew e do futuro A Tribute To Jack Johnson.
Observe que Black Beauty / At The Fillmore West só estava disponível até 1997 como importação japonesa.
Títulos: 1. Black Beauty Part I 2. Black Beauty Part II 3. Black Beauty Part III 4. Black Beauty Part IV
Músicos: Miles Davis: Trompete Steve Grossman: Saxofone Chick Corea: Piano Elétrico Dave Holland: Baixo Jack DeJohnette: Bateria Airto Moreira, Percussão
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