Lançado em 13 de junho de 1969 no Reino Unido pela EMI Columbia e em 9 de agosto de 1969 nos Estados Unidos pela Tower Records, "More" é o terceiro álbum de estúdio e a primeira trilha sonora do PINK FLOYD. A trilha sonora é do filme de mesmo nome, filmado principalmente em locações em Ibiza e foi a estréia na direção de Barbet Schroeder. Foi o primeiro álbum da banda sem o ex-líder Syd Barrett.
O álbum foi um hit top dez no Reino Unido, mas recebeu críticas mistas. Várias músicas foram tocadas em shows do PINK FLOYD nos anos seguintes.
A banda já havia gravado várias músicas de filmes antes deste álbum. Em dezembro de 1967, eles apareceram no Tomorrow's World da BBC, tocando junto com um show de luzes, e no ano seguinte gravaram algumas músicas instrumentais para o filme "The Committee".
O filme apresentava um jovem carona em Ibiza que sucumbiu ao abuso de heroína com cenas de festas e uso de drogas. O diretor Barbet Schroeder era fã do PINK FLOYD trouxe uma versão preliminar do filme para Londres para eles trabalharem. Em vez da típica música de fundo, Schroeder queria que as músicas aparecessem no filme, como um disco tocando em uma festa. O grupo também especulou que eles poderiam seguir uma carreira como compositores de filmes se sua carreira de gravações e turnês não desse certo. O baterista Nick Mason disse mais tarde que o filme era "idealmente adequado para alguns dos estrondos, guinchos e texturas sonoras que produzíamos regularmente".
Provavelmente você já ouviu Hugh McCracken. Se você viveu na década de 1970, a menos que tenha dormido durante essa década, você já ouviu seu trabalho de guitarra de bom gosto em alguns dos maiores sucessos daquele período. Qualquer um que esteja lendo este post provavelmente conhece pelo menos algumas das músicas que abordarei aqui. Mas, como muitos músicos de estúdio que estavam emuma lista de primeira chamada para os principais produtores e artistas, Hugh McCracken é desconhecido do grande público. Ele tomou uma decisão no início de sua carreira de se tornar um músico de estúdio em vez da vida na estrada, mantendo-o longe dos olhos do público. Atestando a evasão de McCracken em dar entrevistas, Walter Becker do Steely Dan disse: "Se você pudesse fazer uma entrevista com Hughie, ela acabaria sendo muito divertida e informativa. Ele é conhecido por seus colegas músicos por seu senso de humor. Se você alguma vez vir uma das palhetas de Hughie McCracken, está escrito 'esta palheta foi roubada de Hugh McCracken'. Nunca vi nada dele impresso." Nunca foi um músico chamativo, ele tocou o que a música precisava, mesmo quando sua parte estava em segundo plano e baixa na mixagem. É difícil reconhecer seu estilo ou som, pois ele era muito versátil em vários gêneros e conseguia encaixar sua performance em qualquer coisa que fosse necessária. Ele tem créditos em mais de 500 gravações começando em meados da década de 1960, e tenho certeza de que não é uma lista completa, dado o hábito de deixar créditos para músicos de sessão ao longo da história da música gravada. Aqui estão alguns dos destaques dessa carreira incrível, e para registro, esta lista não inclui contribuições que ele fez para gravações de artistas como Roland Kirk, James Taylor, Carly Simon, Graham Parker, Aretha Franklin, Phoebe Snow, Bob Dylan, The Four Seasons, Dr. John, Herbie Mann, Mike Mainieri, Gordon Lightfoot, Melanie Safka, Lou Donaldson, Gary Wright, Ron Carter e muitos mais.
Em meados da década de 1960, McCracken tocou em uma banda cover de Nova Jersey chamada The Funatics, sob o nome artístico de Mack Pierce. Eles lançaram dois singles, creditados a Hugh McCracken e The Funatics, antes de evoluírem para Mario & The Funatics quando trabalharam com o saxofonista Mario Madison. You Blow My Mind , escrita por Hugh McCracken e gravada em 1965, é um bom exemplo de seu estilo na época.
1967 foi um ano de descoberta para McCracken como músico de estúdio. Tocando guitarra elétrica ao lado de outro grande músico de estúdio – Al Gorgoni, que tocava violão – eles acompanharam Neil Diamond quando ele embarcou em uma carreira solo após ganhar a vida como compositor no Brill Building com canções de sucesso como I'm a Believer. Com Bert Berns como produtor, Diamond começou a fabricar sucessos para si mesmo. Um bom exemplo daqueles primeiros dias com Hugh McCracken é Kentucky Woman , uma canção com toques country que um ano depois recebeu uma interpretação muito diferente do Deep Purple.
Uma das partes de guitarra mais conhecidas de McCracken foi gravada naquele mesmo ano quando ele participou do álbum solo de estreia de Van Morrison, Blowin' Your Mind! Morrison assinou um contrato com Bet Berns e voou para Nova York para gravar o álbum. Berns conseguiu alguns dos melhores músicos de estúdio da cidade, incluindo Eric Gale no baixo (e um ótimo solo), Gary Chester na bateria e The Sweet Inspirations (da fama de Chain of Fools) como backing vocal. Em poucos dias, eles gravaram oito músicas, uma delas a icônica Brown Eyed Girl . Um dos riffs de guitarra de abertura mais reconhecidos nas rádios de rock clássico.
Pulamos para 1968 e uma aparição nas sessões de gravação do clássico Eli and the Thirteenth Confession de Laura Nyro, e chegamos a 1969 com uma série de exemplos que mostram a versatilidade de Hugh McCracken. Em junho daquele ano, ele tocou no álbum Completely Well de BB King, incluindo um de seus maiores sucessos, sua versão de The Thrill is Gone de Roy Hawkins . Os licks de guitarra solo são todos do King, mas ouça a outra guitarra elétrica enquanto ele canta. BB King nunca tocou acordes enquanto cantava.
Totalmente diferente foi sua contribuição para o mega bem-sucedido grupo de chicletes The Archies, que naquele ano lançou seu hit número 1 Sugar Sugar. Como The Partridge Family, a banda chegou ao topo das paradas sem realmente existir. Um exemplo melhor do trabalho de guitarra de McCracken é um hit menos conhecido chamado Jingle Jangle , com vocais principais compartilhados por Toni Wine, a moça por trás de A Groovy Kind of Love três anos antes.
Pulando para 1971 nos leva a alguns dos melhores trabalhos do guitarrista, começando com uma joia escondida de um álbum chamado Mike Corbett & Jay Hirsh com Hugh McCracken. Corbett e Hirsh estavam anteriormente na banda Mr. Flood's Party, que desapareceu da cena após um único álbum. Mergulhando seus reboques no folk rock psicodélico, seu trabalho em músicas como Fly With Me está muito alinhado com bandas daquele período como Poco e Crosby, Stills, Nash e Young.
A melhor chance de McCracken de alcançar o estrelato veio quando ninguém menos que Sir Paul McCartney o convidou para se juntar a uma nova banda que ele estava pensando em formar junto com sua esposa Linda depois de gravar seu álbum Ram. Hugh lembra: "Meu serviço de atendimento recebeu uma ligação perguntando se eu gostaria de fazer um teste para Ram, mas eu estava na Flórida trabalhando em um disco de Aretha Franklin e não atendi a mensagem até voltar para a cidade. Fiquei desapontado, mas feliz que David tinha conseguido o emprego." David Spinozza era um colega músico de estúdio que começou a gravar com McCartney, mas tinha outros compromissos. O casal foi persistente. "Linda me pediu para esperar enquanto ela colocava Paul no telefone. Paul simplesmente me perguntou se eu poderia estar no estúdio na manhã seguinte às nove horas. Cancelei as sessões que tinha e marquei a data." O destaque do trabalho de McCracken em Ram é, sem dúvida, a peça musical que combina doze seções discretas, também conhecida como Uncle Albert/Admiral Halsey . McCracken: "Essa música representou um avanço em nosso relacionamento musical. Paul é um gênio. Ele vê e ouve tudo o que quer, e dava instruções específicas para mim e para o baterista. Mas ele não sabia como queria que fosse a parte da guitarra nessa música. Pedi para ele confiar em mim e ele confiou. Depois que eu criei as partes, ele ficou muito satisfeito. No resto do disco, Paul me deixou experimentar as coisas antes de fazer qualquer sugestão.”
A música tem tantas reviravoltas que é fácil ignorar qualquer instrumento individual tocando nela, mas as partes de guitarra ao longo da faixa são todas maravilhosas quando você presta atenção nelas. O engenheiro Dixon Van Winkle lembra do guitarrista: "Todo mundo queria Hugh em suas sessões. Ele não era o melhor leitor da cidade, mas as partes que ele criou eram fantásticas. Ouvi muitos guitarristas excelentes ao longo dos anos, e eu diria que Hugh estava entre os cinco primeiros." McCartney compartilhou a opinião e convidou o guitarrista para sua fazenda na Escócia para ver se ele poderia se juntar à sua banda ainda sem nome, que mais tarde se tornaria Wings. Depois de alguns dias, McCracken recusou, favorecendo os hábitos normais de trabalho de um músico de estúdio para a vida na estrada do rock n roll. McCartney lembra: "Ele era um cara tão nova-iorquino que realmente não gostava de ficar longe da América. Nova York é uma cidade tão satisfatória, você pode andar um quarteirão e conseguir qualquer coisa, enquanto você não pode fazer isso no Mull of Kintyre."
Dois anos depois, em 1973, McCracken trabalhou com Hall e Oates. Em seus primeiros anos, antes de seus sucessos pop dos anos 1980, a dupla criou uma série de grandes álbuns. Seu segundo LP, Abandoned Luncheonette, inclui o single She's Gone, tornando-se um sucesso para eles apenas alguns anos depois. Outra faixa do álbum que mostra os talentos de McCracken é Lady Rain , não soando nada como os sucessos que Hall e Oates produziriam na década seguinte.
Também em 1973, McCracken participou de uma música muito mais bem-sucedida, o hit número um de Roberta Flack, Killing Me Softly . A música foi escrita após assistir a um show ao vivo de Don McLean. McCracken dá o tom da música com um dedilhado delicado no violão acústico após os vocais de abertura. O baixo acústico aqui é da lenda do jazz Ron Carter, com quem McCracken teve um relacionamento de trabalho duradouro.
Duas das partes de guitarra mais conhecidas de Hugh McCracken foram lançadas em 1975, ambas agora parte do panteão de canções dos anos 1970. A primeira é um curto solo de guitarra elétrica que entra em 1:50 no épico All by Myself de sete minutos de Eric Carmen. Você não pode errar ao pegar uma melodia de Rachmaninoff, um dos compositores mais românticos da história.
A segunda música dispensa apresentações. Em 1975, Paul Simon gravou seu álbum seminal Still Crazy After All These Years com uma série de excelentes músicos de estúdio. O hit número 1 do álbum foi 50 Ways to Leave Your Lover , uma das músicas pop mais respeitadas de todos os tempos. A estrela dessa música é o baterista Steve Gadd, que tocou um dos padrões de bateria mais reconhecidos da música popular. Hugh McCracken toca guitarra elétrica aqui e faz um pequeno solo no meio da música.
Após o lançamento do álbum, McCracken fez parte da banda de turnê de Paul Simon ao lado de uma dream band composta por Richard Tee nos teclados, David Sanborn no sax, Toots Thielemans na gaita e guitarra e Steve Gadd na bateria. Aqui está um pequeno vídeo com uma filmagem rara de Hugh McCracken , destacando sua execução naquela música.
1977 foi um ano de mudança de carreira para Billy Joel com o lançamento de seu álbum The Stranger. Junto com o produtor Phil Ramone e um elenco de estúdio estelar, Joel criou um dos álbuns icônicos dos anos 1970. O disco produziu muitas músicas que se tornaram pilares nas rádios FM. Os sucessos incluíram Just the Way You Are, Movin' Out, Only the Good Die Young e, finalmente, a balada She's Always a Woman , na qual McCracken toca um lindo acompanhamento de violão acústico.
Vou fechar a década e terminar esta análise com um estrondo em 1980, um ano que viu o lançamento de dois álbuns que se beneficiaram muito das contribuições de Hugh McCracken. O primeiro é o álbum de retorno à forma de John Lennon, Double Fantasy. McCracken trabalhou com Lennon no início dos anos 1970. Ele foi um dos dedilhadores de violão acústico no hit de 1971 Happy Xmas (War Is Over) .
Para seu triste último álbum, Lennon convidou dois guitarristas de ponta para as sessões de gravação. Além de McCracken, ele contratou Earl Slick, guitarrista principal dos álbuns Young Americans e Station to Station de Bowie. O álbum produziu muitos sucessos: (Just Like) Starting Over, Woman, Watching the Wheels e Beautiful Boy (Darling Boy). O destaque do álbum para mim é I'm Losing You , uma música que Lennon escreveu sobre o estado de seu casamento com Yoko Ono. Os dois guitarristas estão gravando o acompanhamento e os solos em guitarras elétricas. McCracken comentou sobre a sessão: “Aquela música era poderosa. Lembro que John disse 'Here's the next song'. Então ele tocou o riff de I'm Losing You e tocou muito bem. Aquele riff simplesmente saltou para nós. Foi simples e ótimo, convincente e deliberado. Foi fácil para Earl e eu dobrar aquela parte da guitarra e fazer harmonia nela.” Anos depois, McCracken refletiu sobre a trágica morte de John Lennon: “Como Paul, ele era extremamente inteligente e ciente do que queria no estúdio. Mas você nunca encontraria duas personalidades mais diametralmente opostas. Eu estava trabalhando em Double Fantasy na época de sua morte. Quanto tempo levei para me recuperar daquela noite? Ainda não me recuperei.”
A equipe do estúdio Double Fantasy, com Hugh McCracken à esquerda
O segundo álbum apresenta outra das partes de guitarra mais conhecidas de McCracken. 1980 viu o último lançamento naquela época pelo Steely Dan, uma banda que se orgulhava de seu profissionalismo no estúdio e sua capacidade de contratar o melhor dos melhores. A banda levou um tempo meticulosamente longo para gravar o álbum, passando por tomada após tomada até ficar satisfeita. Até mesmo músicos excelentes como Mark Knopfler acabaram com partes que foram deixadas na sala de edição. O álbum resultante foi Gaucho, rendendo um dos sucessos de maior sucesso da banda, Hey Nineteen . O trabalho de guitarra elétrica de Hugh McCracken aqui é aclamado por muitos como um excelente exemplo de um acompanhamento de bom gosto que realça muito uma música. Walter Becker do Steely Dan foi cheio de elogios: "Hughie McCracken foi ótimo nisso, absolutamente extraordinário. Fazendo o que só Hughie McCracken faz." Para uma banda tão meticulosa sobre as partes que eles pediam para seus músicos de estúdio tocarem, era raro dar a um músico esse nível de liberdade: “A questão era que a parte do Hughie era tão ótima, que cuidava de muitos negócios. Você não tinha que fazer muitas outras coisas que você poderia ter feito que iriam obscurecê-la. Ela simplesmente soava tão ótima que você queria que isso estivesse lá. Ela funcionava como um tipo de parte principal e rítmica ao mesmo tempo. Quando você grava algo que soa tão ótimo, você quer destacá-lo e não perdê-lo.”
Hugh McCracken faleceu em março de 2013. Obituários sinceros logo foram seguidos por colegas músicos. Seu contemporâneo David Spinozza disse: “As pessoas usam a palavra virtuoso para se referir a alguém com incrível facilidade em um instrumento, mas o que Hugh McCracken tinha era um senso de tocar econômico que elevava qualquer música que ele tocasse. Em muitas situações, sua parte de guitarra se tornou parte da composição. Todos nós, gatos de estúdio, que tivemos a oportunidade de sentar ao lado dele em uma sessão, aprendemos muito.” O baixista Will Lee resumiu melhor: “Hugh foi uma das almas mais gentis e engraçadas que já agraciaram nosso planeta e nossas vidas. Ele nunca teve uma palavra negativa a dizer sobre ninguém. Ele tocou as partes de guitarra mais elegantes que já ouvimos, e às vezes não ouvimos — sim, elas eram tão elegantes.”
Em um período de vinte e quatro anos entre 1959 e 1983, o compositor Georges Delerue colaborou com o diretor Francois Truffaut em dez filmes. Comparado ao enorme repertório de Delerue de filmes, trilhas sonoras de TV e composições clássicas, 350(!) no total, dez é um iota. Mas a música que ele escreveu para Truffaut é única em sua beleza e no papel crítico que desempenha nos filmes. Raramente na história do cinema a combinação de visuais e música funcionou tão bem juntos. Truffaut e Delerue pertencem a um panteão que inclui duplas como Fellini/Rota e Hitchcock/Hermann. Esta é a história dessa colaboração, com foco em seu pico criativo, Jules e Jim.
Em 1945, Delerue mudou-se para Paris para estudar no Conservatório de Paris, onde dois anos depois conheceu o compositor Darius Milhaud. O famoso compositor clássico moderno, que era de origem judaica, retornou à França após escapar do regime nazista em 1940 e passou um tempo compondo e ensinando nos Estados Unidos. Milhaud teve uma profunda influência sobre músicos de ambos os lados do oceano. Dave Brubeck e Burt Bacharach são dois de seus famosos alunos no Mills College, na Califórnia. Quando Delerue conheceu Milhaud, ele já estava imerso no repertório de música clássica de Bach, Mozart, Beethoven e Chopin, mas também foi exposto ao lado mais leve da música, tocando músicas de dança e jazz em eventos para ganhar a vida. Milhaud percebeu a capacidade de Delerue de se mover sem esforço entre os dois lados do espectro musical e encorajou seu aluno a seguir uma carreira de composição para as artes cênicas - teatro, dança e filmes. Delerue lembra: "Ele era um homem aberto a todas as esferas da vida. Eu era tímido, complexo. Eu não sabia nada como o pequeno provinciano que desembarcou em Paris no meio da guerra. Milhaud praticamente me jogou em um ambiente que não era puramente musical. Teria sido difícil ter essa abertura para o mundo se eu tivesse ficado no meu canto para compor sinfonias.”
Darius Milhaud
Na década de 1950, Delerue começou sua carreira prolífica, compondo músicas para TV e curtas-metragens e rapidamente fez seu caminho para o emergente cinema francês Nouvelle Vague. Sua primeira incursão no movimento foi com Hiroshima Mon Amour, de Alain Renais. O principal compositor do filme foi Giovanni Fusco (de Red Desert, de Antonioni), e Delerue adicionou seu toque a algumas cenas, incluindo a cativante valsa parisiense Valse du café du fleuve.
O final dos anos 1950 viu os novos diretores do cinema francês se apaixonarem pelo jazz americano. A estreia de Louis Malle em 1958, Ascenseur Pour L'échafaud (Elevator to the Gallows), uma homenagem ao filme noir, ganhou um cenário musical hipnotizante de Miles Davis, que improvisou para as imagens em movimento. Um ano depois, Martial Solal forneceu uma trilha sonora de jazz de big band para a estreia icônica de Jean-Luc Godard, À Bout de Souffle (Breathless).
Claude Lelouch, Jean-Luc Godard, François Truffaut, Louis Malle e Roman Polanski
r Le Pianiste (Atire no pianista). Lançado em 1960, a trilha sonora também tinha raízes no jazz, mas no estilo francês. Truffaut estava descontente com a música de seu primeiro filme Les 400 Coups (Os 400 Golpes), escrita por Jean Constantin, e estava procurando um compositor diferente. Eles se conheceram quando Delerue foi convidado para uma exibição do filme: "A projeção começou e quanto mais o filme avançava, mais ansioso eu ficava. Eu amei muito esse filme: Aznavour foi ótimo, Marie Dubois tão cativante, todos os personagens perfeitamente em seus lugares, só que havia um grande problema. O filme era muito musical, mas não conseguíamos ouvir nenhuma música: ele havia sido filmado sem playback. Vimos Aznavour tocando piano, mas não ouvimos nada, a mesma coisa para o baixista e o baterista. Tudo o que foi visto foram as mãos de Aznavour no piano e seus movimentos de ombros. Ele deveria tocar jazz. Durante a edição, fui obrigado a reconstruir uma música apenas de acordo com o ritmo dos movimentos. Depois de Shoot the Pianist, me senti pronto para encarar qualquer coisa!” Aqui está como a cena terminou no filme final. Eu diria que ele se saiu muito bem:
O próximo filme de François Truffaut foi Jules and Jim e precisava de uma trilha sonora muito diferente. O triângulo amoroso ultramoderno e escandaloso no centro do filme causou alvoroço entre os católicos que pediram a proibição do filme por perversão moral. As mudanças de humor dos personagens exigiram uma trilha sonora que alternasse entre arranjos orquestrais exuberantes, lindas melodias francesas e temas dramáticos e sombrios. Delerue entregou uma música brilhante para o filme, uma trilha sonora para uma era, uma que o colocou na vanguarda dos compositores do cinema francês new wave, junto com nomes como Michel Legrand e Pierre Jansen (compositor de Claude Chabrol por 30 anos). Truffaut reconheceu a importância da música de Delerue e fez de tudo para acomodá-la no filme. Claudine Bouché, que foi editora de cinema em muitos dos filmes de Truffaut, lembra: "Temos a música de Georges Delerue, que era muito bonita. Quando ouvimos a mistura de música e narração, as coisas ficaram complicadas. Às vezes, os fortes eram altos demais e cobriam a narração. E Francois não cogitava abrir mão desses momentos musicais, que eram tão lindos e líricos. Para a cena em que Catherine pega Jim na estação depois da guerra e o leva de volta para o chalé, havia uma música muito bonita. Para trabalhar na voz de Michel Subor (o narrador), a narração teve que ser regravada em relação à música.”
Delerue disse sobre a trilha sonora de Jules and Jim: “Naquela época (a New Wave), havia duas escolas: uma tendência a fazer música de filme extremamente fiel a imagens e ações, e outra que, ao contrário, encorajava um grande distanciamento, uma grande distância da imagem. Eu preferi ir na segunda direção, buscando um estilo que fosse um contraponto à imagem.” A música que ele colocou nos títulos de abertura do filme me lembra Nino Rota e seu uso de um acompanhamento rítmico de metais para uma melodia energética.
O Final, por outro lado, é um arranjo orquestral melancólico que reflete o final trágico do filme.
O acompanhamento das cenas com Catherine e Jim é misterioso, prevendo a tragédia que está por vir. A profunda experiência de Delerue em estudar o melhor da música romântica clássica se manifesta nos arranjos de cordas que ele escreveu aqui.
Nos vinte anos seguintes, Delerue e Truffaut continuaram a colaborar de vez em quando, produzindo mais oito filmes juntos. As trilhas sonoras permaneceram consistentemente ótimas, mas algumas têm uma beleza especial para mim. Para Soft Skin, lançado em 1964, novamente uma história trágica que exigia música dramática e misteriosa, Delerue escreveu melodias impressionantes para as várias cenas, entre elas Pierre et Nicole.
Sete anos se passaram antes que os dois juntassem forças novamente em 1971 para o filme Two English Girls. Truffaut tem uma queda por envolvimentos amorosos condenados que levam a finais trágicos. Delerue escreve a música perfeita para esses dilemas, como em La Declaration d'amour.
Truffaut abordou um tópico diferente em seu filme de 1980 Le Dernier Métro (O Último Metrô), um drama histórico ambientado em Paris durante a ocupação nazista, uma história mais positiva e esperançosa para variar. O filme obteve uma pontuação correspondente com arranjos orquestrais exuberantes, por exemplo, os créditos finais. O filme arrebatou os prêmios César naquele ano, incluindo o prêmio de música para Delerue.
Truaffaut não conseguiu ficar longe de uma história de amor fatalista e seu próximo filme, La Femme d'à Côté (A Mulher da Casa ao Lado), recebeu outro tratamento exuberante e assustador de Delerue, como em Le Secret de Madame Jouve.
Truffaut disse isso sobre o papel de um compositor na produção cinematográfica: “É muito difícil para um músico fazer música para um filme, porque lhe mostram um filme em uma fase da montagem em que os comprimentos são falsos, o ritmo não está lá. Parece que é o filme, mas está longe do resultado final. Acho que você realmente tem que conhecer o cinema e realmente amá-lo para poder ver o filme nessa fase e imaginar suas intenções e suas qualidades. O músico é chamado em um momento em que o diretor está um pouco desmoralizado. Contamos muito com ele. Dizemos o tempo todo nas salas de edição: “vai dar certo com a música!” Em suma, esperamos pelo músico como esperamos por uma espécie de salvador. Sempre fiquei muito feliz quando Delerue chegava em meus filmes. Sempre senti que o filme estava ganhando vida.”
Delerue teve uma das mais prolíficas séries de trilhas sonoras de filmes na história do campo. Em uma carreira que durou mais de quarenta anos, ele escreveu, arranjou e conduziu mais de 200 longas-metragens. Entre 1950 e 1992, apenas um único ano se passou sem um crédito de trilha sonora de filme em seu nome. Em 1963, ele escreveu uma maravilhosa trilha sonora orquestral para o filme Le Mépris (Contempt), de Jean-Luc Godard, estrelando Brigitte Bardot como Camille. A música tema que ele escreveu para as cenas dela é um dos destaques do cinema francês Nouvelle Vague, que Martin Scorsese sentiu-se compelido a usar para o tema final de seu filme Casino 32 anos depois.
1964 foi um ano de pico para Delerue, com nada menos que quinze filmes lançados naquele ano com suas trilhas sonoras. Ele trabalhou com os principais diretores da Nouvelle Vague francesa e do cinema europeu: Jean-Luc Godard, Alain Renais, Louis Malle, Claude Berri, Jules Dassin, Costa Gavras, Bernardo Bertolucci. Depois de ganhar um Oscar em 1979 por A Little Romance, ele se mudou para Hollywood no início dos anos 1980 e trabalhou com os melhores diretores americanos: Mike Nichols (Silkwood), Bruce Beresford (Crimes of the Heart), Norman Jewison (Agnes of God) e Oliver Stone (Salvador, Platoon), para citar alguns.
Em 1966, Ken Russell dirigiu o agora obscuro filme Don't Shoot the Composer, uma sátira sobre uma unidade de filme da BBC fazendo um documentário sobre um famoso compositor francês. O filme apresentou Delerue como o compositor, com uma cena inestimável dele demonstrando vários temas que ele está escrevendo em um piano.
Russell disse sobre Delerue: “Ele chamou minha atenção em Jules et Jim e a trilha sonora daquele filme foi tão importante quanto o filme em si. A qualidade lírica que ele trouxe para três pessoas em bicicletas andando pelo campo foi mágica absoluta. Ninguém mais, nenhum outro compositor de cinema que eu conheço na época, poderia ter alcançado isso. Georges tinha um talento único que todo diretor procura, a capacidade de aprimorar o trabalho do diretor. Se você tivesse uma cena de comédia e ela não fosse tão engraçada quanto você gostaria, Georges poderia torná-la mais engraçada. Se você quisesse evocar um lindo dia ensolarado e estivesse chovendo, a música de George poderia fazer o sol brilhar. Agora, poucas pessoas conseguem fazer isso.” Continuo voltando para Jules e Jim. Para mim, essa trilha sonora define a música de Georges Delerue. Um dos melhores temas já escritos para o cinema é o que ele escreveu para as cenas que mostram Jules (Oskar Werner), Jim (Henri Serre) e Catherine (Jeanne Moreau) vagando pelo interior da França. No início do filme, o trio improvável está despreocupado e aproveitando o tempo juntos enquanto vão à praia, uma cena para a qual Delerue escreveu um tema alegre. À medida que o filme avança e camadas complexas são reveladas nas relações entre os três, um tom mais sombrio se instala no tema. Truffaut explica: “Era um filme sobre a passagem do tempo, sobre a natureza. Ele nos traz de volta ao tema do feriado, porque os temas principais de Jules e Jim eram momentos gays e momentos tristes. Decidimos entre nós, com nosso vocabulário, que todos os momentos gays seriam o tema Vacances (Férias), e os momentos tristes o tema Brouillard (Neblina). Acho que esse tema “férias” foi realmente bem-sucedido, pois expressa uma espécie de alegria de viver: sentimos a natureza, sentimos o sol, sentimos que é vasto... Acho isso lírico.” De um álbum maravilhoso dedicado à música de Georges Delerue, lançado em 1997 pela Nonesuch Records, aqui estão as variações desse tema:
Steve Perry foi vocalista do Journey por 21 anos, permanecendo na banda entre 1977 e 1998. É a sua voz que está eternizada nos maiores clássicos da banda norte-americana, como os álbuns Infinity (1978), Evolution (1979), Escape (1981) e Frontiers (1983), de onde vieram clássicos do porte de “Don't Stop Believin’”, “Any Way You Want It” e “Separate Ways (Worlds Apart)”. Perry lançou dois álbuns solo - Street Talk (1984, quando ele ainda era o frontman do Journey) e For the Love of Strange Medicine (1994, já fora do grupo), e então entrou em um hiato de quase 25 anos sem material inédito.
Esse período foi encerrado em 2018 com o lançamento de Traces, seu primeiro disco em mais de duas décadas. Produzido pelo próprio vocalista em parceria com Thom Flowers, o álbum foi lançado no início de outubro pela Fantasy e ganhou uma edição nacional pelas mãos da Hellion Records. A recepção do público foi entusiasmada, levando o trabalho ao top 10 da Billboard.
Musicalmente, o que temos é um disco que não traz a sonoridade que consagrou Steve Perry no Journey. Não temos nas dez músicas de Traces o hard rock/AOR que conduziu o Journey ao topo das paradas. Em seu lugar surge um pop adulto, com sutis pitadas de rock, e que na maior parte do tempo toma forma através de canções com andamento mais lento e um tanto contemplativas. Momentos mais agitados são raros, como na música que abre o play, “No Erasin’”. Essa escolha pode desagradar alguns fãs, porém quem acompanha a carreira de Perry há anos sabe que não tem nada estranho nas faixas que estão no disco e que elas são coerentes com a sua trajetória musical.
É preciso destacar que o álbum possui um excelente trabalho de composição, entrega melodias agradáveis a todo momento e traz Perry cantando de maneira excelente, além de contar com uma excepcional banda de apoio que tem como destaque o baterista Vinnie Colaiuta e o tecladista Dallas Kruse. E, pra fechar o pacote, o disco ainda traz uma versão para “I Need You”, dos Beatles, que foi devidamente desconstruída e ganhou uma roupagem surpreendente.
A edição da Hellion Records vem com um longo encarte e todas as letras, respeitando o formado original do trabalho e os fãs de Perry.
Vagabond é o disco de estreia da banda gaúcha Vakan, e foi disponibilizado nos apps de streaming em 2018, ganhando versão física em CD no final do ano. O álbum é o sucessor do EP Freeze! (2012) e chega para apresentar o quarteto natural de Santa Maria para todo o Brasil.
Formado por Matheus Oliveira (vocal), Alexandre Marinho (guitarra), Natanael Couto (baixo) e Lucas Oliveira (bateria), o Vakan executa um power metal que tem como principais referências nomes como Iron Maiden, Helloween e Angra. O diferencial da banda está na inserção de elementos da música tradicional gaúcha ao peso do heavy metal, gerando assim um aspecto étnico e folk que dá um gosto todo especial ao seu som.
Vagabond vem com 13 faixas, sendo que algumas delas funcionam como interlúdios. A produção é super bem feita e ressalta o bom trabalho de todos os integrantes. A banda varia entre canções que são mais focadas no power metal tradicional como “Beyond Makind”, “Russian Roulette” e “Euphoria”, e outras onde traz para a ordem do dia as já citadas influências de música gaúcha. É nesse segundo momento que o álbum ganha força e apresenta ao ouvinte algo praticamente inédito. Que fique claro: as músicas com a pegada mais tradicional são boas e bem executadas, porém não trazem praticamente nada que já não tenha sido feito antes. Mas quando mergulha nas raízes da cultura musical do Rio Grande do Sul, daí sim o Vakan encontra um som próprio e que constrói a personalidade de sua música.
Destaques para a parte final do disco, a partir da curta instrumental “Interlude: Eremita”, onde temos sete faixas em que o metal caminha lado a lado com a música tradicionalista, rendendo belíssimos momentos, com destaque para a ótima “Presumption of Guilt”.
Vagabond é uma boa estreia, que mostra uma banda com talento, grande potencial e ótimas ideias. O tempo de estrada deve tornar a sonoridade do Vakan ainda mais forte e azeitada, com o desenvolvimento mais profundo dos dois aspectos de sua música, gerando assim um caminho ao mesmo tempo original e cativante.
