O avant-rock francês Camizole esteve ativo durante a maior parte dos anos 70 e fez turnês com frequência e, embora estivessem associados a grupos mais conhecidos como Etron Fou Leloublan e Lard Free, nunca conseguiram lançar um álbum. O CD é composto por faixas gravadas ao vivo em diversas datas em 1977, algumas das quais seriam lançadas pela Tapioca antes do fechamento da empresa. Camizole cria uma forma improvisada de rock que é muito desestruturada e livre, e muitas vezes bastante barulhenta. Às vezes soa um pouco como No Man's Land de Jean François Pauvros e Gaby Bizien, com loucuras semelhantes de guitarra e percussão, enquanto outras vezes o grupo se diverte em ritmos ásperos que não são menos estranhos. Embora mais próximo do rock do que do jazz, o grupo, que na maioria das faixas é um quarteto, adiciona saxofone, tuba, flauta e alguns outros instrumentos estranhos à mistura com guitarras, bateria e sintetizadores, e o que lhes falta em habilidades eles mais do que compensar com energia e criatividade. Os poucos vocais consistem principalmente do percussionista Jacky Dupety gritando no microfone, mal ouvido em meio ao barulho, embora "Charles de Gaulle", a única peça com título adequado, tenha um canto estranho do saxofonista Etron Fou, Chris Chanet. A 13ª faixa realmente se destaca, com Camizole mudando facilmente do jazz melódico para o surto total de percussão, para um pouco humorístico enquanto a multidão aplaude em êxtase o tempo todo. As outras faixas são um pouco menos distintas, mas certamente há algumas coisas incríveis aqui, e é uma coisa muito boa que essa coisa tenha sido lançada agora, em vez de ser perdida nos cofres em algum lugar esquecido.
Lothar and the Hand People foi uma banda de rock psicodélico do final dos anos 1960 conhecida por sua música espacial e pelo uso pioneiro do sintetizador modular Theremin e Moog.
A denominação incomum da banda refere-se a um theremin apelidado de "Lothar", com os "Hand People" sendo os músicos da banda, que incluíam John Emelin (vocal), Paul Conly (teclados, sintetizador), Rusty Ford (baixo), Tom Flye (bateria) e Kim King (guitarra, sintetizador).
A banda se destacou por ser "os primeiros roqueiros a fazer turnês e gravar usando sintetizadores, inspirando assim a geração de criadores de música eletrônica que os seguiram imediatamente". Formado em Denver em 1965, Lothar and the Hand People mudou-se para Nova York em 1966. A banda tocou com Jimi Hendrix e fez shows com grupos como The Byrds, Grateful Dead, Canned Heat, The Lovin' Spoonful e Chambers Brothers. Lothar and the Hand People tocou música para a peça de Sam Shepard, The Unseen Hand, e foi a banda de abertura do Atlantic City Pop Festival.
Depois de três singles iniciais, a Capitol Records lançou dois álbuns desta banda de curta duração: Presenting...Lothar and the Hand People (1968, produzido por Robert Margouleff) e Space Hymn (1969, produzido por Nick Venet). Uma crítica da Rolling Stone descreveu a música de Lothar e do Hand People:
É country eletrônico, um tipo de música divertida tocada por anões loucos, e é muito bom de ouvir. Não há tensão aqui, nem forças conflitantes em guerra entre si. Pode ser estranho que Nova York, a cidade que diviniza a velocidade e a insanidade, pudesse produzir essa música, mas é como se Lothar e o Hand People tivessem passado por essa loucura e saído do outro lado, sorrindo.
A gravação mais popular da banda foi a música-título "Space Hymn", que foi tocada significativamente nas rádios FM.
O primeiro álbum apresentava um notável cover "robótico" do hit britânico "Machines" de Manfred Mann (composto por Mort Shuman), que a Capitol lançou como single.
Em 1997, os Chemical Brothers fizeram um sample da música "It Comes on Anyhow" de Lothar em "It Doesn't Matter" em seu álbum Dig Your Own Hole. Um videoclipe de "Space Hymn" exibido em 2004 no Festival Internacional de Cinema e Vídeo Independente de Nova York e no ION International Animation, Games, and Short Film Festival em Los Angeles.
Lothar and the Hand People foi a fonte de uma esquete do Saturday Night Live chamada "Lothar of the Hill People" e de uma banda de theremin da área de Boston chamada The Lothars.
Outro viajante solitário. Neste caso, porém, estamos lidando com um fenômeno que não pode ser ignorado, mesmo considerando o incrível florescimento do folk ácido e da neopsicodelia nos últimos anos. Sim, Barnes é, ao lado de Sir Richard Bishop, Ben Chasna, Jack Rose e Tom Carter - outro continuador/inovador da tradição da guitarra estritamente americana, combinando o folclore dos Apalaches com o sopro da raga indiana, temas country e caipira com blues rurais e urbanos. popular; uma tradição iniciada por músicos anônimos da "América profunda", documentada incansavelmente por Harry Smith, e que ficou famosa por John Fahey e Robbie Basho - provavelmente as maiores autoridades musicais (e, ao que parece, não apenas musicais!) para a próxima geração de americanos guitarristas. Barnes viaja num estilo semelhante a Bishop, Chasny e Rose - reinterpretando clássicos folclóricos e compondo temas próprios, semelhantes a eles, que servem de base para a improvisação. Ele não se satisfaz com o som cru de um violão, mas, assim como Chasny, enriquece o som do instrumento com amplificações e preparativos. Ele também usa, com igual sucesso, guitarras elétricas, inclusive as de sua própria invenção, e além disso, embute com muita habilidade em suas músicas uma eletrônica ingenuamente primitiva, o que dá a algumas composições o sabor do folk eletroarcaico, que chegou até nós de em outro lugar. The People at Large é um álbum contendo principalmente miniaturas musicais (incluindo recitações de poemas!), inspiradas no folclore americano, submetidas aqui a uma desconstrução e reconstrução bastante brutal, embora graciosa e respeitosa, bem como enriquecidas com ecos indianos e celtas, que, paradoxalmente, fundindo-se numa amálgama de escalas orientais e melodias irlandesas, parecem revelar subitamente o núcleo arcaico e indo-europeu desta música. Embora isso possa ser apenas uma interpretação exagerada do ouvinte. De qualquer forma - vale a pena!
Amps For Christ começou como um empreendimento solo depois que Barnes deixou Man Is The Bastard como seu ruído de guitarra e tocador de órgão preparado, no início de 96. Manter uma influência hardcore, mas misturá-la com o folk tradicional das Ilhas Britânicas/Apalaches, resultou em algo conhecido como "Folkcore". Desde então, a banda teve de um a oito participantes ao mesmo tempo.
O próximo álbum será lançado pela 5rc no início de 2004. Chama-se "The People At Large" e tem muitos colaboradores nele. Para citar alguns, há Tara Tiki Tavi (Sodamn Inssein / Aye Aye Captain / Thundersnail), Connell (Man Is The Bastard / Savage Republic / Lux Nova Umbra Est) Ezra Buchla (The Mae Shi). A variação de estilos é eclética, indo do escocês tradicional ao hardcore, ao puro ruído, à poesia batida e à palavra falada. AFC adora experimentar e construir instrumentos de aparência e configuração estranhos, bem como grandes amplificadores valvulados de terminação única e "Caveman Electronics" para uso ao vivo e para gravações no Newfort Studio em Claremont CA, onde a maior parte de suas gravações é feita. Coisas como a proporção no movimento do tom entre um tom fantasma ou tom de batida e os dois ou mais tons que o criaram (talvez cerca de 100 para 1!) São de grande intriga para a banda.
Esta banda tem um grande amor pelo DIY e, como Man Is The Bastard, uma tendência política contra o capitalismo enlouquecido e as prostitutas da mídia dominante que não param de matar o planeta e as mentiras em que acreditam, como a de que a energia alternativa é "inviável"! AFC é a favor de Cristo, mas contra o FALSO Cristo pelo lucro, elitista de direita, cego e amante do conforto, destrua a Terra e traga a igreja do Armagedom!
Este foi o último show do violonista, espetáculo registrado em 30 de dezembro de 1978 (ele morreria em novembro de 1980, aos 72 anos) no Ópera Cabaré de São Paulo por Pelão, o J.C. Botezelli, produtor de seu primeiro disco. Acompanhado pelo regional do Evandro (bandolim), completado por Pinheiro (violão), Lúcio (cavaquinho), Zequinha e Sylvio Modesto (ritmistas).
“Jards Macalé apresenta a linha da morbeza romântica em Aprender a Nadar“, ou simplesmente “Aprender a Nadar“, é o segundo álbum de estúdio do cantor e compositor brasileiro Jards Macalé, lançado oficialmente em 1974 pela gravadora Philips.
Banda de peso acompanha Jards nesse álbum: Wagner Tiso no piano e arranjos, Robertinho Silva e Tutty Moreno na bateria, Pedro “Sorongo” dos Santos e Carlinhos Pandeiro de Ouro nas percussões, Meira no violão, Dino 7 Cordas, Canhoto no cavaquinho, Rubão no baixo… e por aí vai…
Composições divididas entre co-autorias do próprio Jards junto a Waly Sailormoon e regravações de composições da década de 50s e 60s, como uma sátira de um possível cenário do que seria a música brasileira sem o movimento da Tropicália.
O álbum foi lançado numa fase mais visual/artística de Jards, sendo dedicado aos artistas plásticos Hélio Oiticica e Lygia Clark, a quem Jards chamava de sua “Mãe Estética”. A caricatura da capa é de autoria de Nilo de Paula.
Álbum político, crítico e estético de Jards, criticado por muitos e tido como seu melhor desabafo por outros, aborta a desilusão de uma forma geral, tanto pelo período ditatorial em que foi lançado quanto em desilusões pessoais/amorosas. Foi um fracasso comercial na época e só anos depois redescoberto e valorizado.
Faixas do álbum:
01. Jards Anet Da Vida / Dois Corações / No Meio Do Mato / O Faquir Da Dor
02. Rua Real Grandeza
03. Pam-Pam-Pam
04. Imagens
05. Anjo Exterminado
06. Dona De Castelo
07. Estatutos Da Gafieira
08. Mambo Da Cantareira
09. Mora Na Filosofia / E Daí? (Proibição Inútil E Ilegal)
A gravação do LP ‘Ou Não’ foi financiada pela gravadora Continental e aconteceu no Estúdio Eldorado, em 16 canais, uma novidade para a época. Com produção, direção e arranjos a cargo do maestro Rogério Duprat, a banda de apoio foi formada por ex-integrantes do grupo tropicalista O Bando.
A sensação era de que aquele seria o próximo passo pós-Tropicália, ou “o início de novos caminhos para a nossa comunicação artística popular”, como escreveu a Folha de S.P. Outros jornais alegavam que o disco seria “super movimentado”, “com mil babados e muitas transas agitadas”. Mas estaria tudo pronto para receber aquele que a imprensa estava considerando como “um dos mais arrojados trabalhos já feitos no disco brasileiro”?
Walter Franco tinha uma opinião curiosa sobre seu LP de estreia, deixando-a explícita numa declaração de 1980 à revista Música: “Levei o disco branco às últimas consequências, em termo de hiper sensibilidade. O espanto permanece até hoje imune ao tempo, face ao pique da proposta bio-elétrica que exercitei na época. E se a veiculação comercial foi prejudicada pelo radicalismo dessa proposta em relação ao grande público, pode-se dizer que o LP se colocou no centro de uma corrente da MPB, dos que viveram as mesmas experiências e detinham a mesma informação”.
Nas 11 faixas do LP, em quatro delas, o exímio João Omar, filho de Elomar, faz a base do violão. Em outras, o arranjo fica ao encargo do celebrado violonista Cao Alves. O maestro Fred Dantas e Oswaldinho, no acordeon, engordam a lista dos parceiros de valioso quilate nesse singular trabalho.
O disco traz letras com forte teor ambientalista, como nas belas “Pela luz dos dias” e “Não ‘rio” mais”, e passeia também por músicas românticas, nas faixas “Chegando” e “Ana Raio”. Tem espaço ainda para a abertamente otimista “Tudo aquilo que flutua feito vaca, com cabeça, rabo e refrão” e uma ode gaiata a Salvador, em “Bahia de Calça Curta”.
Já a bem-humorada “O quintal de Consuelo” se equilibra com o acalanto de “Imbuzeiro dos duendes”, dona de um dos versos mais bonitos de todo o trabalho: “Estrada branca, das areias finas (…) Justa causa eu tenho, pra me encantar com a vida”.
Este disco marcou a volta de Milton aos discos e shows após os boatos que o circundaram sobre sua saúde na época quando apareceu mais magro em um episódio de Natal do programa Sai de Baixo. Traz um pouco dos ritmos mineiros, como pode se notar em canções como "Lova-A-Deus", "Janela Para o Mundo" e "Os Tambores de Minas", canção que originou o nome de uma turnê do cantor que promovia este mesmo disco.
Além disto, traz faixas como "Rouxinol" que fez parte da trilha sonora nacional da telenovela Zazá e regravações de compositores uruguaios como Leo Maslíah em "Biromes y Servilletas" tendo inclusive uma versão em português presente no disco chamada "Guardanapos de Papel" e "Cuerpo y Alma" de Eduardo Mateo (1943-1990). O disco ganhou o Prêmio Grammy de Melhor Álbum de World Music em 1998.
Estamos em 1976. O sonho contracultural foi destruído no pesadelo de Parco Lambro , a “ resistência traída ” deve radicalizar-se para sobreviver e o sonho de uma “ nova democracia possível ” colide frontalmente com uma nação que prova ser ainda uma vítima de descomprometimento.
Entre os herdeiros do “ desde que o barco vai ” e os portadores da alegria e da revolução, venceram os primeiros. Talvez não tão claramente que elimine a base revolucionária , mas o suficiente para reafirmar o status quo da Democracia Cristã . Em suma,
as eleições políticas de 76 demonstraram que a metástase da indiferença e do auto-sacrifício , provavelmente injectada nos italianos por séculos de dominação, não só se apoderou firmemente das células do nosso sistema, mas também se confirmou politicamente mesmo no face a uma alternativa generalizada. Felizmente, o contra-poder morreu duramente e os anos entre 1977 e meados dos anos 80 ainda deram à ala criativa a oportunidade de se manifestar, mesmo que à custa de muitas contradições. Em 1976, porém, cada um teve que fazer seus próprios cálculos.
O rock progressivo não era mais praticável e seus seguidores, mesmo que dignos (por exemplo: Cherry Five e Picchio dal pozzo ) tiveram que competir com um sistema muito mais pragmático e novos estilos mais pesados e secos: o Rock'n'roll tornou-se Punk e ' Hard Rock virou Metal . Ou seja, todas as linguagens musicais que até então ansiavam por outros tipos de sociedade e comunicação tiveram que acordar de um sonho , questionar as suas escolhas passadas e futuras ou encontrar outras formas de sobrevivência mesmo ao custo de recorrer ao pop . Neste declínio de época, porém, entre as formas expressivas que formaram a base da música progressiva , apenas uma não sofreu qualquer declínio. Na verdade, apesar dos protestos acalorados no festival Umbria Jazz de 1976 e do seu cancelamento em 1977, o jazz rock e a fusão conquistaram gradualmente um lugar de honra mesmo nos corações das massas mais desconfiadas.
Inicialmente visto pelo movimento como um gênerocomplexo, tortuoso e "burguês" (muito provavelmente mais por mal-entendido do que por facto) , começou a traduzir-se, ainda que com dificuldade, não só num instrumento de luta de classes ( Área , Perigeu , Dedalus etc.), mas num novo forma de comunicação, inclusive adaptável à nova condição sociopolítica.
Note-se que, por exemplo, quase todos os compositores que trabalharam nesses anos recorreram a instrumentistas de jazz : de Finardi a Camerini , de Dalla a Cattaneo até Jannacci . O estábulo Ultima Spiaggia de Ricky Gianco e o próprio Cramps eram, por exemplo, um foco de músicos de jazz , enquanto ao mesmo tempo selos especializados começaram a se multiplicar (por exemplo, Black Saint ). Muitos grupos que se estrearam em 1976 falavam essa língua: Baricentro, Esagono , Picchio dal Pozzo e por vezes, até os mais clássicos Errata Corrige e Celeste ) Outros ainda que se estrearam anteriormente, aperfeiçoaram esse idioma acabando assim por confirmar o popular validade de uma expressão só aparentemente culta: Pierrot Lunaire , Etna , Corte dei Miracoli e claro, Area e Banco .
E ao lado de Esagono de Torino e Baricentro de Baricentro, a franja mais " purista " do Jazz foi certamente representada, mais uma vez, por Agorà de Ancona que, depois do sucesso no Festival de Montreux , reconfirmou com o seu segundo trabalho " Agorà 2 " (novamente para a equipa Atlantic ) as suas raízes sólidas, ganhando mesmo uma menção honrosa no último Re Nudo Pop Festival .
E se no primeiro LPas energias da banda estavam todas voltadas para causar uma boa impressão em escala internacional após o fiasco do primeiro Lambro em 74, no novo álbum há certamente um ar mais consciente: e não apenas o de um grupo que tem conseguido conquistar um público inicialmente cauteloso, mas que agora fala com uma sintaxe clara e sem sombras . Talvez ainda demasiado ligado a modelos estrangeiros, mas certamente representativo de uma nova geração que cresceria muito rapidamente injectando mais modernismos linguísticos no rock. Em suma, outra era se abre.
.jpg){kind=spacer}
.jpg){kind=spacer}
.jpg){kind=spacer}
.jpg){kind=spacer}
