Loy & Altomare ‎– Lago Di Vico (M. 507) (1979, LP, Italy)

No início dos anos setenta, Checco Loy e Massimo Altomare decidiram formar um grupo com os seus nomes, seguindo outros exemplos famosos como Simon & Garfunkel. Ambos têm apenas vinte anos. Eles se encontram na Inglaterra, e a simbiose derrete para um e para o outro incertezas e hesitações. A CBS os contrata e em 1973 é lançado seu primeiro álbum “Portobello”. Um ano depois lançaram “Chiaro” mas após um longo período de silêncio começa.

Quando cinco anos depois, graças à CGD, a dupla finalmente regressa ao mercado, chega a vez de “Lago di Vico (m. 507)”, produzido por Vito Alberto Pirelli, que alguns anos depois fundou a gravadora Ira, lançando , entre outros, Litfiba e Diaframma. Os tempos mudaram desde a primeira metade da década e o álbum é um espelho dessa importante mudança, onde as feridas sociais tornam-se protagonistas de uma dureza estilística influenciada – mesmo que um pouco – pelas novas sonoridades do punk e do hard rock. Para o público o álbum não é um grande sucesso, porque as estações de rádio, excepto talvez aquelas mais envolvidas na 'revolução social', recusam-se a tocar o disco. Mas essa é a razão pela qual foi um álbum cult no rock italiano dos anos setenta.

MUSICA&SOM

Taberna Mylaensis ‎– Populu E Santi (1976, LP, Italy)

Publicado na Itália no início de 1977 depois de '' Fammi Ristari 'Nto Menzu Di To Brazza "(1976), o segundo álbum. Neste trabalho o prestigioso grupo Siciliano, que em 1976 aveva suonato também no celebre festival del Parco Lambro ed accompagnato Francesco De Gregori em turnê, raccoglie canti di lavoro, canzoni d'amore, canti di carcerati, canti religiosi e profani, tarantella e ninne nanne, o prestigioso grupo folk de Milazzo (l'antica Milae) nasce durante o folk revival degli anni settanta sotto l'impulso e. o guia de Luciano Maio que acompanhou a recuperação da grande tradição musical da Sicília: canti di lavoro, che scandivano ritmicamente, una stagione dopo l'altra, la fatica dei vendemmiatori e dei mietitori, ma anche canti religiosi, d'amore, di rabbia e di protesta. Uma recuperação musical que abre vários séculos: do Cinquento ao Ottocento, dai canti dell'isolamento e della solitudine a quelli che ruotano attorno alla delusione post-risorgimentale, alle lotte contadine, all'occupazione delle terre. Tudo isso se identifica em uma expressão musical que é divina antes de toda música do Mediterrâneo, uma música que suona como um incrocio de cultura, com a música do projeto que você vai aprender, disco após disco, e influenciar multiétnica e também o rock.

Edan - Beauty and the Beat (2005)

Beauty and the Beat (2005)

Edan

Edan é insano. Muito barulho foi feito sobre seu uso de samples, mas você realmente tem que ouvir seu trabalho para entender a enormidade do que ele conquistou com Beauty and the Beat. Ele não pegou apenas um monte de samples obscuros e os incorporou em batidas convencionais, ele capturou a essência desses samples e os replicou em forma de hip-hop. Rock psicodélico e hip-hop não deveriam se misturar tão bem, mas Edan é talentoso o suficiente para destilar esses dois gêneros aparentemente díspares em um som lindo e natural. Beauty and the Beat ainda é definitivamente hip-hop, mas é cortado tão suavemente com tantas influências que você não pode deixar de se perguntar se é realmente algo mais. Até mesmo as letras combinam perfeitamente com o tom que a produção define, com imagens surreais e narrativas viciadas em drogas que não soariam deslocadas em discos dos quais tiram influência. Com tanta coisa a seu favor, Edan poderia ter se safado com uma entrega medíocre; em vez disso, ele fornece outro dos destaques do disco. Há algo feroz e ácido em seu fluxo, uma sensação de que ele realmente é tão brilhante quanto afirma ser, que, embora ele alegremente preste homenagem ao passado do hip-hop, ele está ansioso para ajudar a moldar um futuro inspirador para ele. Com um disco tão impressionante quanto Beauty and the Beat, é exatamente isso que ele está fazendo. Enquanto se mantém fiel ao espírito do rock psicodélico, ele também nos dá um vislumbre do hip-hop verdadeiramente progressivo.

Alva Noto - Xerrox Vol.5 (2024)

Xerrox Vol.5 (2024)

Alva Noto

Quase duas décadas se passaram desde que a série Xerrox começou, do Volume 1 em 2007. Desde então, esta série tem se tornado progressivamente mais cósmica em som, e impressionantemente com muito pouca imagem visual em jogo. Aqui, o Volume 5 "navega" em vez de acelerar através do "vento iônico no oceano da dissolução"; ruído passado, falha passada, inegavelmente espacial, para o vazio por meio da tranquilidade, um nada estranhamente exuberante.

É inegavelmente uma continuação da exploração espacial do Volume 4 e do foco emocional e atmosférico do Volume 3 ... mas ainda é o som Xerrox de onde começamos? E se sim, como isso é definido nesta pentalogia? O que resta do original em diante em som, em trajetória ou em dados*...?

Sonicamente e tematicamente estamos muito longe de onde esta série começou. As paredes nevadas de ruído branco, essas instabilidades falhas que antes ocupavam o primeiro plano mal ecoam na dimensão do Volume 5. Os elementos orquestrais que tentavam desesperadamente romper desde o Volume 1 agora chegam na forma mais pura, com a instrumentação ganhando destaque ao lado dos sons eletrônicos mais agudos. As faixas de abertura são lentas, profundas, sem muito impulso para exploração, e mostram como este álbum é estranhamente propenso a dar lugar a momentos mais silenciosos de puro drone. Peças centrais melódicas como "Xerrox Ascent I" e "Xerrox sans repit" são exemplos maravilhosos dessa paz total que este disco contém, a última faixa harmonizando um ritmo realmente problemático em seu próprio contraponto para liderar a música; sem pressa no processo, permitindo que as músicas apenas respirem. O som aqui parece apenas o fim de uma jornada, este é o destino.

Isso não quer dizer que este final seja totalmente suave: o incrivelmente oco "Xerrox sans nom II" (onde você pode até ouvir o espaço ao redor do som) lança uma dissonância que (reconhecidamente raramente) aparece ao longo deste álbum. A penúltima faixa "Xerrox Kryogen" empurra o envelope tonal, contendo uma urgência e intensidade quase barulhentas que não eram sentidas nesta série há muito tempo, uma espécie de pânico espacial. É no outro, o cavernoso encerramento "Xerrox Isotope" que vemos o final: dissolução total, o acorde de fechamento incerto da faixa anterior se transformando em escuridão, em algo além disso, um quase silêncio, desaparecendo em um zumbido, tom de sala assustador

Burial - Tunes 2011-2019 (2019)

Tunes 2011-2019 (2019)

Burial

Não apenas uma compilação, mas um projeto artístico totalmente realizado e coeso. apesar de todas essas faixas já terem sido lançadas antes, é um álbum criado com uma quantidade incrivelmente respeitável de paciência e habilidade que é extremamente raro de encontrar. é uma prova da maneira como o sequenciamento pode recontextualizar faixas e torná-las *significativamente* mais fortes do que como foram originalmente apresentadas como indivíduos. o que estou dizendo é que o trecho de faixas ambientais no começo é uma construção de mundo totalmente extraordinária. a maneira como o já perfeito EP Kindred é elevado de um belo conto para um capítulo de destaque em seu romance longo favorito. de alguma forma, fazendo com que o claustro originalmente bastante mediano pareça, tipo, *muito bom*??? em vez de ser um momento atípico de otimismo afetado, ele está emergindo da selva profunda e vendo uma vista de cair o queixo de luzes, arquitetura e vida agitada à distância. Burial, o maldito arquiteto.

e eu realmente chamaria esse álbum de um *mundo* construído pelo Burial. é a exploração de uma cidade noturna perfeitamente conceituada, suas avenidas sujas, seus arranha-céus altos, luzes de neon quentes, terrenos frios e úmidos, todos os seus cidadãos diversos, mas igualmente cautelosos, cruzando-se apressadamente enquanto a chuva cai, dicas da floresta labiríntica que circunda a civilização e a pulsação desequilibrada da pista de dança que percorre cada veia de cada rua, estrada e habitante. esta é a resposta da música para cada grande cidade distópica futurista assustadora, mas encantadora (com dicas de utópico) que viria à sua cabeça.

depois que você se familiarizar com todos os componentes como o enterro pretendido, eu recomendo fortemente dissecar e experimentar este mundo de todas as maneiras que você puder imaginar. reordene a lista de faixas, adicione faixas de enterro mais antigas e mais novas, toque a seção ambiente enquanto você adormece, junte seções da trilha sonora de blade runner, toque a mesma faixa em loop enquanto você se transporta para o porão de clube mais solitário e mais bonito do universo. faça deste mundo seu.

Flock - Flock II (2024)

Flock II (2024)

Flock

Menos complexo, menos desafiador e menos exigente do que sua fantástica estreia, Flock traz as vibrações hipnóticas mais uma vez, embora confiando fortemente em texturas de sintetizador desta vez, já que o sintetizador e a eletrônica são a tela do álbum na qual a banda coloca suas pinceladas de jazz. Inclinando-se para a calma, o noturno e o espiritual, até mesmo a capa do álbum de aparência semelhante à estreia tem cores mais frias. Os destaques incluem "Turning Skyward", "Large Magellanic Cloud", a explosão louca de "Capillary Waves" e a paisagem noturna tropical de "Edge Of Empty". Flock II pode não atingir as alturas extraordinárias de sua estreia, mas aqui a banda mistura lindamente o ambiente com o jazz, criando atmosferas únicas e, se alguma coisa, um segundo esforço muito sólido no processo.

PASSPORT ● Passport-Doldinger ● 1971 ● Alemanha [Jazz-Rock/Fusion]

 

PASSPORT é um grupo de Jazz-Rock alemão liderado pelo saxofonista Klaus Doldinger. O PASSPORT foi formado em 1971 como um grupo de Jazz Fusion, semelhante ao WEATHER REPORT. "Passport-Doldinger" lançado em 1971, é o primeiro trabalho do grupo, onde a banda ajudada por uma produção cristalina, apresentou um estilo pessoal de Jazz-Rock, baseado principalmente em saxofones hipnóticos, uso pesado de sintetizadores/efeitos sonoros e flautas de bom gosto. Os momentos mais intensos não estão ausentes, baseados em saxofones improvisados, graves profundos e trabalho dramático de órgão. É difícil acreditar que esse álbum foi gravado tão cedo devido ao som dos sintetizadores e aos efeitos esporádicos que o caracterizam. PASSPORT se apresentou como um estilo muito ousado e uma banda única e ''Doldinger'' é uma obra para os amantes da música aventureira!

O nome "Passport" seria inicialmente utilizado para batizar esse primeiro trabalho de Doldinger,  no entanto o álbum teve o nome alterado para para ''Doldinger'', já que PASSPORT seria oficialmente confirmado como o nome do grupo, que lançaria uma extensa lista de álbuns excelentes.

Faixas:

01. Uranus (6:35)  ◇

02. Shirokko (5:44)

03. Hexensabbat (4:27)  ◇

04. Nostalgia (5:13)  ◇

05. Lemuria's dance (4:37)

06. Continuation (9:53)

07. Madhouse jam (5:47)

Duração: 42:16

Músicos:

• Klaus Doldinger: saxofones alto, soprano e tenor, teclados

• Jimmy Jackson: órgão

• Olaf Kübler: saxofone tenor, flauta

• Udo Lindenberg: bateria

• Lothar Meid: baixo

RENAISSANCE ● Illusion ● 1971 ● Reino Unido [Symphonic Prog/Eclectic Prog]

 

Após o sucesso de seu álbum de estréia (especialmente na França, Alemanha e Bélgica), o RENAISSANCE entrou em estúdio para o álbum seguinte em estado de desunião. De fato, McCarty estava cansado de fazer turnês, mas optou por permanecer como compositor e membro de estúdio (e estava tentando construir uma versão em turnê da banda), e antes que "Illusion" terminasse, o grupo se desfez. De fato, a saúde debilitada de Keith também o estava forçando a parar de fazer turnês e queria se concentrar em compor, Cennamo partiu para o STEAMHAMMER, Hawken indo e vindo do grupo e, finalmente, dividindo-se para SPOOK TOOTH e mais tarde STRAWBS, no entanto foi persuadido a terminar o álbum. No momento em que as coisas implodiram, o álbum ainda era muito curto para ser lançado, e foi o grupo reserva/turnê que produziu a faixa final. Assim, a formação do Mk II do RENAISSANCE durou uma música de estúdio, mas faria uma turnê de alguns meses e seria filmada para um especial de TV belga.

Novamente gravado nos estúdios da Island, mas desta vez produzido por Keith em vez de Samwell-Smith, "Illusion" foi lançado no início de 71 sem promoção e apenas na Alemanha, mas vem com uma excelente arte cósmica enfeitando a capa do gatefold. "Illusion" é um digno sucessor do debut (pode até ser um pouco mais Folk também) e continua bem (apesar da acrimônia sobre a direção musical), mesmo que não seja tão inspirada. E muito além da faixa gravada pela formação do Mk II, você pode ver a futura formação do Mk III espiando, já que Dunford e a futura poetisa lírica externa Betty Thatcher compartilham um crédito.

Abrindo o disco, uma pobre canção escrita apenas por Relf "Love Goes On", embora não seja catastrófico, certamente não é um bom presságio para o que está por vir, mas felizmente isso acaba rapidamente. A bem melhor "Golden Thread" renova o estilo do álbum anterior (mesmo que não consiga encontrar espaço nele) e tranquiliza os fãs, e traz um final sussurrante. A seguir, uma primeira colaboração entre McCarty e Thatcher, a boa, mas também inadequada (no contexto do álbum) "Love Is All". Como se a confusão não fosse suficiente, a faixa do Mk II, "Mr. "Pine", é a próxima, mas meio que anuncia sonoramente o futuro álbum "Prologue" com Hawken tocando um órgão Hammond raro (para o Mk I do RENAISSANCE). Na transmissão da TV belga, seria John Tout que tocaria esta faixa e as outras faixas do "Illusion". "Face Of Yesterday" retorna às paisagens sonoras do primeiro álbum. O álbum fecha na longa "Past Orbits of Dust", onde o grupo original é acompanhado por um tocador de órgão extra. Esta faixa é um pouco jammy, vem com encantamentos, mas também augura a paisagem sonora mais psicodélica de "Prologue".

Definitivamente não tão bom quanto o debut, "Illusion" é um álbum confuso e irregular (pelas razões expostas), mas surpreendentemente ainda bom e definitivamente um álbum digno do RENAISSANCE, que não deve ser esquecido. E se você conseguir encontrar o lançamento da Repertoire em mini-LP, talvez queira ir um pouco mais cedo do que o esperado, porque é uma beleza.

Tracks:

01. Love Goes On (2:51)

02. Golden Thread (8:15) ◇

03. Love Is All (3:40)

04. Mr. Pine (7:00)  ◇

05. Face Of Yesterday (6:06)  ◇

06. Past Orbits Of Dust (14:39)

Time: 42:31

Bonus Tracks on 2004 Arcangelo remaster:

7. Shining Where the Sun Has Been (Jim McCarty & Keith Relf 1968 Demo) (2:52)

8. All the Fallen Angels (Keith Relf 1976 Demo) (5:28)

9. Prayer for Light (5:27) %

10. Walking Away (4:19) %

% Soundtrack by Jim McCarty & Keith Relf for 1971 unreleased movie "Schizom"

Musicians:

- Jane Relf / lead (1,5,6) & backing vocals, percussion

- Keith Relf / guitar (excl. 4), lead (1) & backing vocals, producer

- John Hawken / piano & keyboards (excl. 6)

- Louis Cennamo / bass (excl. 4)

- Jim McCarty / drums (excl. 4), lead (2) & backing vocals

With:

- Terry Crowe / lead vocals (4)

- Michael Dunford / guitar (4)

- Neil Korner / bass (4)

- Terry Slade / drums (4)

- Don Shinn / electric piano (6)

RUFUS ZUPHALL ● Phallobst ● 1971 ● Alemanha [Krautrock]

 

O segundo álbum do RUFUS ZUPHALL, lançado pelo agora lendário selo Pilz, foi gravado nos estúdios de Dieter Dierks. Duas mudanças de pessoal ocorreram: o baixista Helmut Lieblang (letrista da primeira formação, deixa a banda, contribuindo com três músicas sem tocar) e a adição de um segundo guitarrista, Thomas Kittel. 

Claramente melhor produzido, com mais possibilidades musicais (ambos os guitarristas tocam um pouco de teclados de vez em quando e até um pouco de Mellotron), com duração de faixas muito mais curta (máximo de 6 minutos), este álbum é mais conciso e talvez mais Progressivo que o álbum de estréia. Se as duas primeiras faixas passam sem surpresas com seus sons alegres, ficamos mais intrigados com "Schupfner" com suas guitarras medievais e flauta soberba: lembrando muito o primeiro álbum, é o destaque do lado A de o álbum junto com "Waste Land", faixa mais calma e reflexiva.

O segundo lado do álbum é um pouco mais edificante com o instrumental "Makrojel" abrindo forte, com uma pegada jazzística, mas estamos novamente no som típico deles. Na verdade, é muito difícil reconhecer instantaneamente qual faixa do RUFUS ZUPHALL você está ouvindo sem a ajuda dos álbuns, pois eles tinham um "som do qual raramente se desviavam. Outra faixa instrumental, "Prickel Pit", segue com riffs de guitarra mais pesados, enquanto uma faixa de Derroll Adams, "Portland Town" se tornará uma das favoritas do show. A faixa de encerramento tem um desenvolvimento bastante lento (com Mellotrons e um clavinete na introdução). Mas embora existam algumas influências Folk neste álbum, para chamar isso de suas principais influências seria um grande exagero, já que eles aproveitam tanto o Blues ou o Jazz no estúdio e ao vivo eles são ainda mais Blues.

Tal como aconteceu com o álbum de estréia em sua versão em CD, "Phallobst" vem com 8 faixas bônus: a segunda parte do show de despedida em 72, o som é de qualidade pirata (às vezes um pouco melhor) e essas faixas não agregam nenhum tipo de valor ao álbum original.

O RUFUS ZUPHALL não foi essencial para o desenvolvimento do Rock Progressivo, mas eles eram um pequeno tijolo que fazia parte integrante da pirâmide, sendo este álbum tão bom ou agradável quanto o de estréia. Mas se não há nada que valha a pena escrever, ambos os álbuns merecem uma reviravolta de vez em quando.

Tracks:

01. Closing Time (3:21)

02. Wenn Schon, Denn Schon (3:35)

03. Schupfner (5:13)

04. Waste Land (5:10)

05. Makröjel (5:53)

06. Prickel Pit (3:51)

07. Portland Town (3:52)

08. I'm on My Way (5:01)

Time: 35:56

Bonus tracks on 2004 remaster:

9. Paint It Black (live) (2:45)

10. Kartoffeltango (live) (4:25)

11. Wade in the Water (live) (5:55)

12. Sau Aas (live) (9:16)

13. Spanferkel (live) (2:30)

14. Schupfner (live) (7:26)

15. Portland Town (live) (4:13)

16. Makröjel (live) (6:09)

Musicians:

- Günter Krause / electric, slide & acoustic guitars, Mellotron, vocals

- Thomas Kittel / electric & 12-string guitars, clavinet

- Klaus Gülden / flute

- Manfred Spangenberg / bass

- Udo Dahmen / drums & percussion

SPRING ● Spring ● 1971 ● Reino Unido [Prog Folk]

Aqui está uma banda lendária da primeira leva de Progressivo britânico, o quinteto SPRING que incluía Pat Moran (vocais, Mellotron), Ray Martinez (guitarra, Mellotron, guitarra de 12 cordas), Adrian Maloney (baixo), Pique Withers (bateria, Glockenspiel) e Kips Brown (piano, órgão e Mellotron). Peter Decindis tocou baixo em duas faixas. Esta é uma banda do tipo "one-shot" que lançou apenas o álbum "Spring" em 1971 e foi lançado em CD pela Laser's Edge em 1992, este contém 3 bonus tracks não lançados anteriormente. O produtor Gus Dudgeon (conhecido por seu trabalho com Eric Clapton, David Bowie e Elton John) é falecido e o baterista Pique Withers se tornou famoso no DIRE STRAITS! O som do SPRING é um "paraíso de Mellotron", nada menos que três membros usam este maravilhoso instrumento! Portanto, não é surpresa que este álbum seja carregado com Mellotron (emulando flauta e violino), mas não prejudica as composições, não há exagero. Todas as 8 músicas do LP original de 71 soam "quentes" e melódicas, com vocais fortes, muitas e muitas "ondas" de órgão e violão elétrico melodioso e uma bela guitarra de 12 cordas. Surpreendentemente, as 3 faixas bônus não contêm Mellotron. A ênfase nessas músicas está no órgão, em ritmos fluentes, com um humor agradável e ligeiramente instável. Certamente mais "gemas".

Tracks:
01. The Prisoner (Eight By Ten) (5:34)
02. Grail (6:44)
03. Boats (1:53)
04. Shipwrecked Soldier (5:08)
05. Golden Fleece (6:59)
06. Inside Out (4:49)
07. Song To Absent Friends (The Island) (2:47)
08. Gazing (5:54) Bonus tracks on 1992 & 2002 reissues:
09. Fool's Gold (6:26)
10. Hendre Mews (7:14)
11. A World Full Of Whispers (3:57)

Musicians:

- Pat Moran / vocals, Mellotron

- Ray Martinez / lead & 12-string guitars, Mellotron

- Kips Brown / piano, organ, Mellotron

- Adrian 'Bone' Maloney / bass - Pick Withers / drums, glockenspiel