Noel Gallagher’s High Flying Birds – Who Built The Moon? (2017)

 

Nove anos após a separação dos Oasis e três discos a solo depois, Noel Gallagher continua em negação. A luta para se afastar do som da sua antiga banda revela-se infrutífera. Um mediador de conflitos familiares precisa-se.

Noel Gallagher sempre foi a grande cabeça dos Oasis, o criativo por detrás dos grandes êxitos da banda de Manchester. Uma espécie de polícia bom para o errante e arruaceiro irmão Liam. Mesmo que o ego de Noel fosse tão grande como o do mano mais novo.

Os Oasis nunca foram uma banda fácil. Entraram de rompante na cena musical pós-grunge com o seu grande disco de estreia, Definitely Maybe e entraram também no turbilhão da Britpop e consequente luta titânica com os Blur para o trono de melhor banda de terras de Sua Majestade. De 1994 até ao seu último disco de originais, Dig Out Your Soul, a banda mudou todos os restantes elementos. Só Noel e Liam foram a constante, o que é uma situação estranha visto serem eles os grandes motivadores de todos os problemas de maior que a banda enfrentou ao longo dos seus mais de vinte anos de carreira. Problemas com drogas, álcool, violência, entre outros comportamentos desviantes, fizeram com que os Oasis passassem a ser apenas amados no Reino Unido e Liam a ser considerado uma das pessoas mais odiadas no mundo.

Falar de Oasis é falar do relacionamento entre Noel e Liam. O primeiro, sempre mais polido e bem falante, o cérebro criativo da banda, enquanto o último apenas tinha um foco na vida: tornar-se o maior músico de rock n’ roll da história, desse por onde desse.

Durante meia década, os Oasis conseguiram chegar ao olimpo do rock. Morning Glory, com os seus singles “Wonderwall” e “Don’t Look Back in Anger” fizeram a banda de Manchester ser comparada aos eternos Beatles e Rolling Stones. Com o grande sucesso veio a grande responsabilidade e os irmãos Gallagher não souberam aguentar a pressão da fama. A relação errática entre Liam e Noel só se agravava com o abuso de álcool e drogas, e quem sofria com isso era a banda. O resultado, em forma de terceiro disco, foi o início do fim. Be Here Now sofre de todos esses excessos e marca o fim da estrada para a Britpop e, consequentemente, para a importância dos Oasis.

Paul “Bonehead” Arthurs e Paul “Guigsy” McGuigan, membros originais da banda e fiéis escudeiros dos irmãos Gallagher resolvem abandonar os Oasis. A pressão e loucura era demasiada. Andy Bell, ex-Ride, e Gem Archer seriam os seus substitutos. Embora estes tivessem trazido uma certa estabilidade para a banda, esta seria testada uma última vez antes da ruptura final. Em 2000, após o cancelamento de um concerto em Barcelona devido a uma lesão do seu baterista, Alan White, Liam, numa noite de copos com o resto da banda, passa das marcas e questiona se Noel será mesmo o pai de Anais, fruto da relação com a sua ex-mulher. Noel abandona a tour não sem antes deixar o lábio aberto ao seu irmão “querido”. Liam nunca pediu desculpas e Noel nunca o perdoou. A ferida ficou sempre aberta.

Avançando mais rapidamente na história, seguimos até 2009, após a banda já ter lançado Standing On The Shoulder of Giants, Heathen Chemistry, Don’t Believe The Truth e Dig Out Your Soul, tendo mudado de baterista pelo meio. Mais de 20 anos após a sua estreia, a banda de Manchester deixou de ser relevante. Soava obsoleta e datada, mesmo que os seus discos mais recentes mostrassem um som mais fresco e original (mesmo que fossem influências das suas bandas preferidas).

Não aguentando mais as discussões com Liam e o seu temperamento errático, Noel decide abandonar a banda, de vez, no meio de outra tour. Desta vez, e até ao momento, a decisão é final. Não mais os irmãos Gallagher tocaram juntos de novo e não se perspectiva um final feliz para esta situação, dado o ainda constante bate-boca, via imprensa, que um tem com o outro.

Com a separação, Liam virou-se para os restantes elementos dos Oasis e formou os Beady Eye. Lançaram dois discos competentes e acabaram por fechar portas. Eram apenas um sucedâneo da antiga banda. Faltava o toque essencial de Noel.

Curiosamente, a grande expectativa estava principalmente no que Noel acabaria por fazer. Ele que sempre foi a grande cabeça por detrás dos grandes hits dos Oasis. A maior parte das pessoas esperaria um disco mais acústico, na onda do MTV Unplugged, em que Noel acabaria por cantar sozinho devido a mais uma das birras de Liam. Esse concerto acústico foi uma das grandes provas de que Noel poderia ser capaz de aguentar o barco sozinho e, por vezes, até com mais qualidade do que com Liam ao seu lado.

À grande expectativa sucedeu a grande desilusão. Tanto o primeiro disco homónimo, de 2011, com os seus High Flying Birds, como o sucessor Chasing Yesterday (2015) não foram propriamente os álbuns que os fãs de Oasis esperariam. Aqui não encontraríamos uma “Masterplan” ou uma “Talk Tonite”, mas sim músicas algo desinspiradas.

Dois anos volvidos, e ao terceiro disco, Noel continua na senda de se afastar do som que lhe deu fama e que todos aguardam que volte. Demasiados efeitos e batidas, letras demasiado simples e poucos momentos ‘Noel’ fazem deste disco mais uma desilusão. E não por que Who Built The Moon? seja um disco mau, mas sim porque o Noel que todos queremos continua a esconder-se atrás destes High Flying Birds. O Noel de “Going Nowhere” ou “Half The World Away” nunca aceitaria gravar uma canção como “Holy Moutain”, que mais parece vinda de um disco de Vaccines. O Noel de “Live Forever” ou “Married With Children” nunca gravaria um “It’s A Beautiful World” ou um “She Taught Me How To Fly”, que faria com quem Liam lhe chamasse os nomes todos.

O curioso é que, em 2017, Liam também lançaria o seu primeiro disco a solo, abraçando o som que sempre foi seu. Não renegando o seu passado nem o seu destino. Já Noel continua a fugir dele a sete pés.

Passados nove anos após o último disco de Oasis, parece estar na hora de alguém fazer a ponte entre Liam e Noel e arranjar um conselheiro familiar. O tempo para um regresso é o certo. Estamos todos à espera…

Jorge Ben – A Tábua de Esmeraldas (1974)

 

Um disco alquímico em tempos de férrea ditadura! Foi essa a proposta de Jorge Ben. A Tábua de Esmeraldas resistiu sem quaisquer rugas à passagem de mais de quarenta anos, garantindo, como poucos, o seu lugar na eternidade da música popular brasileira.

A cada nova audição, uma nova e revigorante surpresa! Talvez seja por força dos valores alquímicos que o álbum transmite e explica. Talvez pela filosofia convicta que o disco encerra. Ou ainda, e talvez seja mesmo esta a teoria mais acertada, porque A Tábua de Esmeraldas contém uma boa quantidade de canções superlativas, inspiradíssimas, apenas ao alcance de poucos, cheias de bom e dançante balanço. Por todas estas razões, o élepê que Jorge Ben lançou em 1974 é um trabalho que resiste à passagem do tempo. Ou, dito de outra forma mais consentânea com a “verdade sem mentira certo muito verdadeiro”, continua a ser uma das mais importantes obras musicais alguma vez feitas no Brasil. Quem se atrever a duvidar do que aqui escrevemos deveria ser sujeito a um qualquer tipo de punição cósmica, ficando para sempre condenado à surdez total e absoluta.

Comecemos pela capa, surpreendente e bonita como poucas. Não apenas bonita, mas também esclarecedora, uma vez que basta olhar para ela com um mínimo de atenção para percebermos que a Alquimia era mesmo (à época, pelo menos) um assunto que interessava ao autor do disco. Bem no centro da imagem da capa, as figuras de Nicolas Flamel (um dos primeiros alquimistas, homem que lendariamente teria criado a pedra filosofal, o elixir da vida eterna e que tinha a capacidade e o conhecimento de conseguir transmutar simples metais em ouro), bem como a primeira das quinze leis da Tábua de Esmeraldas, mítico texto escrito por Hermes Trismegisto, considerado o fundador da alquimia. Nada se esconde, portanto. Assim sendo, observar a capa (e ela é riquíssima em pormenores merecedores de atenção) é também perceber para onde vamos.

O disco, como começámos por referir, é histórico e incontornável. As suas composições são inesquecíveis. Logo a abrir a primeira face da mágica rodela (a expressão em itálico é usada propositadamente, como perceberão os mais atentos) temos “Os Alquimistas Estão Chegando Os Alquimistas”, o mais superlativo dos temas que Jorge Ben alguma vez criou, e foram muitos e muitos e muitos, como bem se sabe. Bastaria esta canção para que o álbum fosse louvado, mas na verdade estamos ainda no começo. Segue-se  “O Homem da Gravata Florida”, referência a Paracelso, o “homem simpático e feliz”, médico adorado no seu tempo e importante alquimista que visitava sempre os seus pacientes com uma florida e colorida echarpe. Depois, outro dos melhores momentos do disco, o cativante “Errare Humamum Est”, cheio de “deuses astronautas”, “de deuses de outras galáxias-xias-xias” gerando como que um perpétuo eco em nós, e imagens astrais de elevada beleza lírica que nos transportam “pelas sombras sobre as estrelas-las-las-las”. Puro encanto e magia, pois claro.

Mas A Tábua de Esmeraldas realça também a beleza da mulher brasileira. “Menina Mulher da Pele Preta”, mais um hino repleto de swing dançante, reforça a ideia da presença das “moças bonitas”, como repetidamente se menciona em “Eu Vou Torcer”, assim como em “Magnólia”, que se diz que “chega na Primavera”, vindo “a caminho voando numa nave maternal doirada”. Outra canção perfeita é “Minha Teimosia, Uma Arma Pra Te Conquistar”, samba de enorme elegância, contagiante, sublime na sua cadência rítmica.

Com o samba no corpo e África sempre no coração, esse local “onde estão os homens”, Jorge Ben tem ainda tempo para homenagear a figura mítica de Zumbi dos Palmares, o grande “senhor das demandas” que Caetano Veloso, em boa hora, soube trazer de volta até aos tempos mais recentes, vinda desde os anos setenta, aterrando no seu disco do ano 2000, Noites do Norte.

Entrando no último terço do disco, o que A Tábua de Esmeraldas nos serve é ainda um prato cheio e requintado. “Brother”, cantado num inglês muito sofrível, faz-nos avançar até “O Namorado da Viúva”, canção que traz de novo (embora ela nunca estivesse totalmente ausente) a Alquimia até ao centro das nossas atenções. A razão é simples, e explica-se em duas linhas: Pernelle, mulher de apreciáveis dotes físicos e financeiros, era já viúva por três vezes, facto que afastava potenciais namorados com pretensões casadoiras, receosos de que uma qualquer espécie de maldição recaísse sobre eles. Isso não dissuadiu Nicolas Flamel, que com ela acabou por se casar. Segue-se a lindíssima e muito alquímica “Hermes Trismegisto e a Sua Celeste Tábua de Esmeralda”, canção que explica, através de uma letra bastante inspirada, o início de tudo o que é relativo à prática da ciência mística que todo o disco convoca. Para o fim, “Cinco Minutos (5 minutos)”, elegante canção de um amor triste vindo de alguém que pede ao seu amor para esperar apenas uma mão cheia de minutos, coisa que acabou por não acontecer.

É assim esta imensa e bem recheada Tábua. No tempo em que a ditadura militar ditava fortes regras no nosso país irmão, Jorge Ben deixava de lado quaisquer outras preocupações e resolvia  avançar para estúdio com a vontade de gravar um disco de orientação filosófica. Como seria de esperar, e mesmo apesar do músico ser já um nome de respeito no espaço da sempre crescente émepêbê, a gravadora Philips começou por torcer o nariz à pretensão do bom e simpático carioca. No entanto, André Midani, nome importante do mercado fotográfico brasileiro, resolveu o impasse, permitindo que o disco fosse efetivamente gravado. O resto, como se sabe, é história. E nessa, na história maiúscula dos grandes e incontornáveis discos da música popular brasileira, A Tábua de Esmeraldas tem lugar destacado e garantido. Mas não só. No Altamont também tem, como acabou de se comprovar.

Panda Bear – A Day with the Homies [EP] (2018)

 

O universo de Panda Bear é expandido com um EP que constitui o seu trabalho mais coeso desde Person Pitch.

Em Person Pitch, Panda Bear (nome artístico de Noah Lennox) incluiu uma lista de artistas que o influenciaram. Convivendo com nomes óbvios como Black Dice ou Ariel Pink estavam nomes que hão-de ter erguido algumas sobrancelhas, como Madlib, King Tubby e The Orb. O que têm o hip-hop, o dub e o house em comum? Todos eles são géneros centrados nas baixas frequências do espectro sonoro. A Day with the Homies, o novo EP do membro dos Animal Collective, existe apenas em vinil por este mesmo motivo. Enfatizando as baixas frequências a música ganha uma fisicalidade que não existiria no formato digital.

A primeira coisa que percebemos ao ouvir este disco é o seu minimalismo. Desde Tomboy que não se ouvia a sua música respirar tanto. Este minimalismo é evidente em “Flight” cujo instrumental consiste simplesmente num baixo sintetizado e um sample de bateria. Ao contrário das outras músicas do disco, aqui o foco é a voz de Noah que preenche a canção com harmonias ricas que lembram um quarteto vocal em certos pontos. A melodia das linhas finais “We don’t share at all/Why are we telling them to share it all” é repetida no refrão de “Part of the Math” que começa com uma nota de guitarra que se estende pelo vácuo por uma aparente eternidade. Este riff exemplifica a fisicalidade mencionada acima, pois à medida que a sua reverberação se vai desvanecendo cada repetição do riff com é sentida com intensidade renovada.

As transições ambientais, ausentes em Panda Bear Meets the Grim Reaper, regressam, conferindo a este EP uma certa coesão conceptual. “Shepard Tone” peca por ter os seus vocais ofuscados pelo instrumental numa composição pop que é, de resto, irrepreensível. É impossível não nos sentirmos satisfeitos quando somos sugados pelos acordes orelhudos de “Sunset” e os seus samples que vão buscar timbres a concertinas e flautas numa das músicas mais influenciadas pelo house que o artista já compôs.

A Day with the Homies vai agradar tanto os fãs da música mais orgânica de Panda Bear como os da sua vertente mais eletrónica num EP que nos faz perguntar porque é que o artista não recorre a este formato com maior frequência. Se estamos perante um prelúdio de um novo disco, ainda ninguém sabe mas pouco importa. Os homies estão satisfeitos.

Area: 1978 gli dei se ne vanno gli arrabbiati restano! (1978)

 

1977 representou para o Area um teste intenso de cinco longos anos de carreira com o lançamento do seu primeiro álbum antológico “ Anto/logicamente ” e uma turnê de mesmo nome que começou em 29/4/1977 no Teatro Uomo em Milão e continuou ao longo o ano. o verão.

No entanto, apesar do sucesso coletivo e dos inúmeros prêmios individuais, o clima incandescente estabelecido após o desastre do Parco Lambro '76 e o ​​nascimento de novas fricções artísticas no quinteto, provocaram pelo menos duas mudanças notáveis: a saída de Tofani , ávido por um novo ponto de apoio musicalidade espiritual e nova e o abandono da histórica gravadora Cramps em favor da Ascolto de Caterina Caselli .

Area perdeu assim, por um lado, seu brilhante manipulador eletrônico e, por outro, a colaboração fraterna de Gianni Sassi e, ainda que apenas Demetrio continuasse a trabalhar como solista com Cramps . A marca “ Area ”, no entanto, agora fazia parte de um novo estábulo.
O novo compromisso, no entanto, foi ponderado e aceito com muito cuidado: o quarteto teria garantida não apenas a máxima liberdade de expressão, mas também um bom salário.
Por outro lado, o grupo teve que aprender rapidamente a gerir-se quase inteiramente por si próprio: música, letras e conceito , e para facilitar esta tarefa, recorreu ao escritor situacionista Gianni Emilio Simonetti , que já tinha colaborado com Sassi em seu tempo e foi assistente de Demetrio em suas buscas por voz.

Aí vem o novo álbum: “ 1978; os deuses vão embora, os irados ficam! ”, gravado por Allan Goldberg no Sciascia Sound em Milão, que acabou sendo tanto a abertura de uma nova fase artística quanto, alguns meses depois, um inesperado canto do cisne.

Em 30 de março de 1979, Stratos foi diagnosticado com anemia aplástica (ou " talassemia mediterrânea ", como alguns meios de comunicação relataram na época).

Em 2 de abril foi internado no Policlínico de Milão , mas, dada a impossibilidade de tratamento , foi transferido para o Memorial Hospital de Nova York , onde faleceu em 13 de junho., pouco antes do que deveria ter sido a intervenção decisiva. O concerto na Arena de Milão (14/6/79) organizado por Gianni Sassi para arrecadar fundos para a operação
não teve sucesso .

O último esforço de Area , no entanto, não deve ser lido com um espírito melancólico, pelo contrário: " Gli Dei se ne vanno... " foi mais uma demonstração de que, mesmo sem Sassi , a banda era perfeitamente capaz de produzir canções de enorme consciência social e musicalmente em sintonia com os tempos.

Pelo seu título digno de um clássico literário, o álbum refletia perfeitamente a história dos últimos 10 anos: é verdade que '68 não cumpriu suas promessas ao abrir a epopeia do individualismo, mas, em vez de se desiludir com o poder das revoluções, negando sua força crítica e refugiando-se no establishment, foi imediatamente necessário encontrar uma nova força motriz por meio do comprometimento e da militância .

Assim, o álbum nos oferece uma esplêndida série de subjetividades cheias de humanidade e energia .
Conta a história de Shànfara , um poeta e fora da lei da Arábia pagã que se move entre os chacais das areias (“ O Bandido do Deserto ”); da parricida Violette Noziere , que os surrealistas elevaram a símbolo do antiautoritarismo familiar (“ Hommage a Violette Nozieres ”); da multidão de espectadores enjaulados por centenas de festas populares, sem entender que " não adianta desejar um espaço imaginário, mas sim ser espectador de si mesmo " (" Festa farina e forca "). Por fim, destacam-se como icebergs as atmosferas evocativas de “ Acrostico in memoria di Laio ” e, sobretudo, da pungente e conclusiva “ Vodka Cola ” .


“ Acrostico ” foi a demonstração de que a ironia havia tomado o lugar da proverbial agressividade da Area , libertando-se assim dos rígidos intelectualismos em que a pós-contracultura se barricava : “ uma geração de perdedores que entregou seus filhos às feras para comer". ". ( Fariselli )

“ Vodka Cola ”, retirada do livro homônimo de Charles Lewinson , foi provavelmente a canção mais moderna do álbum: “uma estrutura musical equilibrada entre a ironia e o divertimento, contraposta por uma ideia conceitual que antecipa os temas muito atuais da globalização " (cfr. Domenico Coduto: " Il libro degli Area ", Auditorium, Milão, 2005).

Na verdade, é realmente incrível pensar como em 1978 um artista de rock poderia ser tão clarividente em relação a certos sinais de alerta:
1) bancos na área liberal têm filiais em países comunistas . 2) Os países comunistas alugam seus trabalhadores para corporações multinacionais por salários muito baixos e sem direito à greve. 3) A economia capitalista liberal apoia a economia social comunista com um fluxo contínuo de crédito subsidiado .
Tudo isso em 78... você percebe?
Nesse momento, Area não apenas disse: " não beberemos esse coquetel " , mas reagiu decisivamente iniciando um caminho artístico totalmente renovado: jazz, aparições na televisão e um desenvolvimento mais livre de suas personalidades individuais a partir de seus projetos individuais.

Garybaldi: Astrolabio (1973)

 

Após um bom álbum de estreia, o Garybaldi passou por uma breve crise de identidade, que resultou em uma forte reformulação na formação: o baixista Angelo Traverso saiu , substituído por Sandro Serra , e o tecladista original Lio Marchi se afastou, participando ocasionalmente das atividades do grupo. sem aparecer oficialmente no line-up .
Praticamente onipresente em todos os festivais pop mais importantes (incluindo Gualdo Pop, Controcanzonissima e Villa Pamphili ), o grupo também faz turnês pela península por conta própria, tendo assim a oportunidade de abrir shows de Bee Bees, Santana, Uriah Heep e Van der Van der Valk. Graaf Generator e rapidamente assinou um novo contrato, desta vez com a gravadora Fonit . Infelizmente, porém, nem tudo dentro do grupo funciona como deveria. Além do cisma de Traverso , começaram a surgir fraturas artísticas entre Fossati ( o lado do rock ) e Cassinelli ( o lado clássico e dos Beatles ) que, além da amizade pessoal, levariam a banda à separação. De qualquer forma, além desses pequenos desentendimentos, em 1973 foi lançado " Astrolabio " : o segundo álbum do quarteto genovês.



Apresentando um design gráfico quase "líquido" e muito mais introspectivo e experimental que o anterior, o álbum é composto por apenas duas músicas bem diferentes.
" Madre di cose perdute " ( que sozinha ocupa todo o primeiro lado ) é uma longa e refinada suíte de 20 minutos na qual o guitarrista Bambi Fossati mostra toda a sua versatilidade e " Sette " revela a dimensão mais lúdica e comunitária do grupo. .

As diferenças com " Nuda " são imediatamente aparentes desde o início do primeiro lado, que imediatamente nos apresenta uma sutil digressão psicodélica que é bem representativa do desenvolvimento subsequente da música.
De fato, “ Mother of Lost Things ” é uma verdadeira excursão do grupo em diferentes territórios harmônicos que vão desde o blues lento inicial cantado à maneira de Jimi Hendrix (cerca de 7 minutos), até um blues rico e pesado no qual Fossati se destaca. de toda a sua alma rock , até dar lugar a ambientes mais psicodélicosque encerram a música deixando-a quase suspensa no ar.
Mesmo que não represente o ápice da originalidade, " Madre " ainda nos dá uma banda moderna e bem presente em cada nota: o trabalho de Fossati é quase meticuloso na variação dos sons, enquanto o resto do grupo também parece preste muita atenção a esse novo som.
Infelizmente, o mesmo não pode ser dito de " Sette ", que, pelo contrário, traz uma dimensão muito mais rústica de Garybaldi : algo que, segundo muitos críticos, fez de " Astrolabio " um " álbum de meio sucesso ".
De fato, em contraste com os refinamentos tecnológicos de " Madre ", " Sette " foi gravado ao vivo no estúdio de gravação (" entre uma bebida e outra ", dizia-se) na presença de um grupo de amigos e até de algumas crianças.
A diferença com o lado anterior é evidente tanto técnica quanto musicalmente e, para ser honesto, também causa certa perplexidade.
Além da música ser descaradamente hendrixiana , o que chama a atenção é a queda nítida nas frequências baixas para dar espaço a um som " sino " e amador, típico de gravações em salas de ensaio.
Sem tirar o mérito da habilidade e do profissionalismo dos músicos, é inegável que a escolha de contrastar dois sons tão distintos não se mostrou feliz, muito menos conflituosa.
" Astrolabio " nem chegou perto das vendas de " Nuda " e o grupo foi obrigado a mudar de direção mais uma vez, dando origem a " Bambibanda e Melodie ".

Garybaldi: Nuda (1972)

 Limitando-nos a ouvir " Marta Helmuth ", de 45 rpm, do quarteto genovês Garybaldi, poderíamos atribuir substancialmente uma cópia decente de Experience, de Jimi Hendrix , com a vantagem de um tecladista extra, que infundiu ao som um toque de mediterrâneo sem precedentes. Felizmente, seu primeiro álbum de 33 rpm tinha outras surpresas agradáveis ​​reservadas para nós.  

Formalmente " Gleemen " até 1971, os quatro músicos decidiram naquele ano mudar de direção, passando da primeira batida psicodélica para um groove marcadamente mais rock , sempre com a mesma formação e sempre com a guitarra agressiva de Pier Nicolò "Bambi" Ditches em primeiro plano.

O álbum de estreia com o novo nome é um brilhante e selvagem 45, " Marta Helmuth ", no qual as linhas do novo rumo são claramente delineadas: rock impetuoso e compacto baseado em ritmos polivalentes e harmonias magistralmente multifacetadas de baixo, teclado e voz.

Tudo isso, apoiado e bordado pelos mil sons da guitarra de Bambi Fossati que, em alguns momentos, se desvencilha de Hendrix para incendiar todo o seu barril de pólvora de estilos. 

Para os puristas do Beat, " Marta Helmuth " é praticamente um soco no estômago. Para aqueles que estavam esperando a nova direção de Gleemen , o novo 45 é uma obra-prima arquitetônica.

Impulsionados por um pioneiro e apoiados por sua incessante atividade ao vivo, não demorará muito para que o recém-nascido Garybaldi se encontre no estúdio de gravação para produzir seu primeiro álbum.

A gravadora acredita muito neles e os homenageia com uma produção de alto nível, a ponto de confiar a capa a um dos mais prestigiados designers italianos: Guido Crepax .

A confiança é totalmente retribuída.

Em " Nuda ", o quarteto genovês expressa o melhor de sua imaginação e criatividade, dando vida a um dos álbuns mais fascinantes de 1972.

Os instrumentistas, você pode sentir, estão perfeitamente à vontade. O grupo restaura harmonia, compacidade e homogeneidade em cada música do álbum.

Apesar da evidente predominância da guitarra de Fossati (e fonte de inspiração), Lio Marchi, Angelo Traverso e Maurizio Cassinelli injetam sua personalidade indelével nos arranjos, mesmo quando as composições parecem prestar evidente subserviência ao mestre de Seattle. O resultado é um álbum imaginativo e nunca monótono. Agradável e variado para todos os paladares.

Claro, " Maya desnuda ", " Decomposizione… " e sobretudo " 26/2/1700 " (que brinca com o traçado de " Angel "), são canções que pagam uma dívida enorme a Jimi, mas já "L' ultima grazia " (a peça final do primeiro lado) nos permite vislumbrar algum vislumbre de libertação.

A confirmação da independência total vem com a suíte " Moretto da Brescia ", que ocupa um lado inteiro e revela as qualidades indígenas do grupo que infelizmente não serão repetidas no subsequente " Astrolabio ".

Em " Moretto ", a variedade de timbres é literalmente típica de um livro didático: a exibição de sons, vocais, arranjos, solos e partes orquestrais é tão orgânica e pessoal que faz Garybaldi parecer outro grupo.
De Hendrix não há nem sombra, exceto pelos traços habituais do som típico da Fender. O que emerge, em vez disso, são atmosferas bucólicas, um grande senso narrativo, um sublinhado rítmico preciso nas passagens mais épicas, vocais articulados e bem enfatizados, duplicações calibradas de tempo, amplas citações clássicas nas quais todos os instrumentos são bem distinguidos em seus respectivos papéis. 

 

A veia progressiva do grupo emerge magistralmente de cada groove do lado cadete e quase parece que Garybaldi finalmente encontrou sua própria veia composicional constante. Até mesmo as partes de guitarra solo ampliam sua identidade policromada tanto na execução quanto na escolha dos sons.

não é à toa que o álbum " Nuda " será um dos trabalhos underground mais apreciados de 1972 e lançará o quarteto genovês em novas aventuras discográficas.
É uma pena que a sombra do Mestre estivesse sempre à espreita, levando embora um pouco de suas transgressões.