David Bowie - Tower Theatre 1974-07-12 (Bootleg)

 

David Bowie foi um astro do rock inglês conhecido por transformações musicais dramáticas, incluindo seu personagem Ziggy Stardust. Ele foi introduzido no Hall da Fama do Rock and Roll em 1996. David Bowie nasceu no bairro de Brixton, no sul de Londres, em 8 de janeiro de 1947. Seu primeiro sucesso foi a música "Space Oddity" em 1969. O camaleão pop original, Bowie se tornou um personagem fantástico de ficção científica para seu álbum de sucesso Ziggy Stardust. Mais tarde, ele coescreveu "Fame" com John Lennon, que se tornou seu primeiro single americano nº 1 em 1975. Um ator talentoso, Bowie estrelou The Man Who Fell to Earth em 1976. Ele foi introduzido no Hall da Fama do Rock and Roll em 1996. Bowie morreu em 10 de janeiro de 2016, de câncer aos 69 anos.

David Bowie e Mick Ronson Ziggy Stardust tour, dezembro de 1972

Conhecido como um camaleão musical por sua aparência e som em constante mudança, David Bowie nasceu David Robert Jones em Brixton, sul de Londres, Inglaterra, em 8 de janeiro de 1947. David demonstrou interesse por música desde cedo e começou a tocar saxofone aos 13 anos. Ele foi muito influenciado por seu meio-irmão Terry, que era nove anos mais velho e expôs o jovem David aos mundos do rock e da literatura beat. Mas Terry tinha seus demônios, e sua doença mental, que forçou a família a interná-lo em uma instituição, assombrou David por boa parte de sua vida. Terry cometeu suicídio em 1985, uma tragédia que se tornou o ponto focal da música posterior de Bowie, "Jump They Say". Depois de se formar na Bromley Technical High School aos 16 anos, David começou a trabalhar como artista comercial. Ele também continuou a tocar música, se juntando a várias bandas e liderando um grupo chamado Davy Jones and the Lower Third. Vários singles saíram desse período, mas nada que desse ao jovem artista o tipo de tração comercial de que ele precisava. Com medo de ser confundido com Davy Jones, do The Monkees, David mudou seu sobrenome para Bowie, um nome que foi inspirado na faca desenvolvida pelo pioneiro americano do século XIX, Jim Bowie.

David Bowie como Ziggy Stardust na turnê Aladdin Sane.

Eventualmente, Bowie saiu por conta própria. Mas depois de gravar um álbum solo malsucedido, Bowie saiu do mundo da música por um período temporário. Como grande parte de sua vida posterior, esses poucos anos provaram ser incrivelmente experimentais para o jovem artista. Por várias semanas em 1967, ele viveu em um monastério budista na Escócia. Bowie mais tarde começou sua própria trupe de mímica chamada Feathers. Nessa época, ele também conheceu a americana Angela Barnett. Os dois se casaram em 20 de março de 1970 e tiveram um filho juntos, a quem apelidaram de "Zowie", em 1971, antes de se divorciarem em 1980. Ele agora é conhecido pelo seu nome de nascimento Duncan Jones. No início de 1969, Bowie havia retornado em tempo integral à música. Ele assinou um contrato com a Mercury Records e naquele verão lançou o single "Space Oddity". Bowie disse mais tarde que a música veio a ele depois de ver 2001: Uma Odisseia no Espaço, de Stanley Kubrick. "Fiquei chapado para ver o filme e isso realmente me assustou, especialmente a passagem da viagem." A música rapidamente ressoou com o público, desencadeada em grande parte pelo uso do single pela BBC durante sua cobertura do pouso da Apollo 11 na lua. A música fez sucesso mais tarde nos Estados Unidos, quando foi lançada em 1972 e subiu para o número 15 nas paradas.

David Bowie em turnê em 1972

O próximo álbum de Bowie, The Man Who Sold the World (1970), catapultou-o ainda mais para o estrelato. O disco ofereceu um som de rock mais pesado do que qualquer coisa que Bowie já havia feito antes e incluiu a música "All the Madmen", sobre seu irmão institucionalizado, Terry. Seu próximo trabalho, Hunky Dory de 1971, apresentou dois sucessos: a faixa-título que era uma homenagem a Andy Warhol, Velvet Underground e Bob Dylan; e "Changes", que veio a incorporar o próprio Bowie. À medida que o perfil de celebridade de Bowie aumentava, também aumentava seu desejo de manter fãs e críticos na dúvida. Ele alegou que era gay e então apresentou ao mundo pop Ziggy Stardust, a imaginação de Bowie de um astro do rock condenado, e seu grupo de apoio, The Spiders from Mars. Seu álbum de 1972, The Rise and Fall of Ziggy Stardust and the Spiders from Mars, fez dele um superstar. Vestido com trajes selvagens que falavam de algum tipo de futuro selvagem, Bowie, interpretando o próprio Stardust, sinalizou uma nova era no rock, uma que parecia anunciar oficialmente o fim dos anos 1960 e a era Woodstock.

Lou Reed, Mick Jagger e David Bowie, Café Royale, 4 de julho de 1973

Mas tão rapidamente quanto Bowie se transformou em Stardust, ele mudou novamente. Ele alavancou sua celebridade e produziu álbuns para Lou Reed e Iggy Pop. Em 1973, ele dissolveu os Spiders e arquivou sua persona Stardust. Bowie continuou em um estilo glam rock semelhante com o álbum Aladdin Sane (1973), que apresentou "The Jean Genie" e "Let's Spend the Night Together", sua colaboração com Mick Jagger e Keith Richards. Nessa época, ele mostrou sua afeição por seus primeiros dias na cena mod inglesa e lançou Pin Ups, um álbum cheio de covers originalmente gravados por uma série de bandas populares, incluindo Pretty Things e Pink Floyd.

David Bowie anuncia nos EUA 1967

Em meados da década de 1970, Bowie passou por uma transformação completa. Acabaram-se os figurinos escandalosos e os cenários extravagantes. Em dois curtos anos, ele lançou os álbuns David Live (1974) e Young Americans (1975). O último álbum contou com backing vocals de um jovem Luther Vandross e incluiu a música "Fame", coescrita com John Lennon, que se tornou o primeiro single número um de Bowie nos Estados Unidos. Em 1980, Bowie, agora morando em Nova York, lançou Scary Monsters, um álbum muito elogiado que contou com o single "Ashes to Ashes", uma espécie de versão atualizada de seu anterior "Space Oddity". Três anos depois, Bowie gravou Let's Dance (1983), um álbum que continha uma série de sucessos como a faixa-título, "Modern Love" e "China Girl", e contou com o trabalho de guitarra de Stevie Ray Vaughan. Claro, os interesses de Bowie não residiam apenas na música. Seu amor pelo cinema ajudou-o a conseguir o papel-título em The Man Who Fell to Earth (1976). Em 1980, Bowie se apresentou na Broadway em The Elephant Man. Na década seguinte, Bowie oscilou entre a atuação e a música, com esta última sofrendo especialmente. Fora alguns sucessos modestos, a carreira musical de Bowie definhou. Seu projeto paralelo com os músicos Reeve Gabrels e Tony e Hunt Sales, conhecido como Tin Machine, lançou dois álbuns Tin Machine (1989) e Tin Machine II (1991), que ambos provaram ser fracassos. Seu álbum muito badalado Black Tie White Noise (1993), que Bowie descreveu como um presente de casamento para sua nova esposa, a supermodelo Iman, também lutou para ressoar com os compradores de discos.

David Bowie como Ziggy Stardust para o álbum Pin Ups de 1973

Estranhamente, a criação mais popular de Bowie ultimamente tem sido os Bowie Bonds, títulos financeiros que o próprio artista apoiou com royalties de seu trabalho anterior a 1990. Bowie emitiu os títulos em 1997 e ganhou US$ 55 milhões com a venda. Os direitos de seu catálogo anterior foram devolvidos a ele quando os títulos venceram em 2007. Em 2004, Bowie recebeu um grande susto de saúde quando sofreu um ataque cardíaco enquanto estava no palco na Alemanha. Ele se recuperou totalmente e passou a trabalhar com bandas como Arcade Fire e com a atriz Scarlett Johansson em seu álbum Anywhere I Lay My Head (2008), uma coleção de covers de Tom Waits. Bowie, que foi introduzido no Hall da Fama do Rock and Roll em 1996, foi um ganhador do Grammy Lifetime Achievement Award em 2006. Ele manteve um perfil discreto por vários anos até o lançamento de seu álbum de 2013 The Next Day, que disparou para o número 2 nas paradas da Billboard. No ano seguinte, Bowie lançou uma coletânea de grandes sucessos Nothing Has Changed, que apresentou uma nova música "Sue (Or in a Season of Crime)". Em 2015, ele colaborou em Lazarus, um musical de rock Off-Broadway estrelado por Michael C. Hall, que revisitou seu personagem de The Man Who Fell to Earth.  Ele lançou Blackstar, seu último álbum em 8 de janeiro de 2016, seu aniversário. O crítico do New York Times Jon Pareles observou que era um trabalho "estranho, ousado e, em última análise, gratificante" "com um clima escurecido pela amarga consciência da mortalidade". Poucos dias depois, o mundo saberia que o disco havia sido feito em circunstâncias difíceis.  O ícone da música morreu em 10 de janeiro de 2016, dois dias após seu 69º aniversário. Uma publicação em sua página do Facebook dizia: "David Bowie morreu em paz hoje, cercado por sua família, após uma corajosa batalha de 18 meses contra o câncer." Ele deixou sua esposa Iman, seu filho Duncan Jones e sua filha Alexandria, e sua enteada Zulekha Haywood. Bowie também deixou um legado musical impressionante, que incluiu 26 álbuns. Seu produtor e amigo Tony Visconti escreveu no Facebook que seu último disco, Blackstar, foi "seu presente de despedida". 

David Bowie - Tower Theatre, 
Philadelphia, Pa, July 12, 1974
Bootleg in excellent Sound-Qualitiy.

01. Knock On Wood (3:00)
02. Jean Genie (5:16)
03. Rebel Rebel (2:41)
04. Changes (3:20)
05. All The Young Dudes (3:50)
06. Diamond Dogs (6:25)
07. Big Brother (4:03)
08. Rock 'N' Roll Suicide (4:25)
09. Aladdin Sane (4:56)
10. 1984 (3:17)
11. Moonage Daydream (5:07)
12. Suffragette City (3:44)

David Bowie Anuncia 1969

Parrish & Gurvitz Band - Selftitled (Great and Classic Rock UK 1971)

 

Em algum lugar entre The Moody Blues, Marmalade e Crosby Stills e Nash, por um momento Parrish e Gurvitz podem ter sido algo, se talvez com o envolvimento de George Martin como produtor, eles não tivessem sido injustamente aclamados como os novos Beatles. Ainda assim, esta música clássica está completamente esquecida, fora de todas as listas, não é legal, descolada, Prog, Psych, Psicodélica, Garage, Pop dos anos 60, underground dos anos 70 e não tem virtuosos reconhecidos.

Dito isso, a formação da banda é impressionante. Paul Gurvitz estava no The Gun com seu irmão Adrian, lembre-se do hit de 1968, Race With The Devil. Os irmãos Gurvitz formaram o Three Man Army e depois se juntaram a Ginger Baker para o Baker Gurvitz Army nos anos setenta. Brian Parrish tocou com várias bandas pequenas dos anos sessenta (com Gurvitz), mais tarde se juntando ao Badger . Mike Kellie estava com o Spooky Tooth e outros luminares dos anos setenta antes de se juntar a uma das minhas bandas favoritas da era new wave, The Only Ones , Rick Wills tocou com inúmeros grupos, incluindo Cochise , Roxy Music , Foreigner , Later Day Small Faces e Dave Gilmour. Micky Gallagher tocou com Skip Bifferty e eventualmente se juntaria a Ian Dury como um dos Blockheads.

Com George Martin escolhendo, produzindo e arranjando o material de Parrish e Gurvitz, não é surpreendente que essa(s) faixa(s) de abertura de seu único álbum seja(m) tão boa(s). Infelizmente, a conexão com os Beatles atrapalhou seu progresso com essa lenda avassaladora produzindo uma leve histeria da imprensa.  Eles nunca foram capazes de corresponder às afiliações anteriores de seu produtor, mas você pode perguntar por que eles foram chamados de Parrish e Gurvitz em vez de Gasoline Toothbrush ou Camouflaged Meadow ou Sadness In The Trees - qualquer coisa menos Parrish e Gurvitz - eles soavam como se fossem advogados. Imagino que seja porque esta não foi a primeira banda deles - eles tocaram juntos antes em várias encarnações e como os dois membros principais obtiveram o apoio para fazer um disco e então contrataram a banda para tocá-lo ao vivo.  Infelizmente, a banda era muito mais pesada do que o disco e a gravadora dos EUA perdeu o interesse, pois a banda que eles contrataram não era a banda que eles viram ao vivo. Brian Parrish então desistiu na véspera de uma turnê pelos Estados Unidos devido a problemas pessoais e logo depois eles se foram.

Tantos discos por aí, aclamados como geniais, tantos discos valiosos por aí que são esquecidos - este é um deles. Em 1971, o The Gun se separou. Paul Gurvitz começou este ato simplesmente chamado de Parrish & Gurvitz (Brian Parrish, ex-Badger), que foi produzido por George Martin. Este foi um projeto único no selo Regal Zonophone com os talentos adicionais de Mike Kellie (ex-Spooky Tooth, Art ), Micky Gallagher (pré-Ian Dury) e Rick Wills (pré-Foreigner). Produção exuberante sobre belas canções elaboradas totalmente infundidas com o som da costa oeste dos EUA. A banda foi cofundada pelo tecladista Tony Kaye depois que ele deixou o Yes , com David Foster. Foster esteve no The Warriors com Jon Anderson antes de Anderson cofundar o Yes. Foster mais tarde trabalhou com a banda em Time and a Word . Kaye trabalhou em um projeto solo de Foster que nunca foi lançado. A dupla encontrou o baterista Roy Dyke , ex- Ashton, Gardner & Dyke , e Dyke sugeriu Brian Parrish, ex-Parrish & Gurvitz, que mais tarde se tornou o Frampton's Camel (depois que Parrish deixou a P&G) na guitarra. A nova banda começou a ensaiar em setembro de 1972 e assinou com a Atlantic Records.

O grupo foi formado por Adrian Gurvitz e Paul Gurvitz, ex-The Gun. Após a dissolução da banda, Adrian tocou com Buddy Miles e Paul tocou com Parrish & Gurvitz, depois se reuniram como Three Man Army. Seu álbum de estreia, A Third of a Lifetime, contou com vários bateristas, incluindo Miles, Carmine Appice (do Vanilla Fudge) e Mike Kellie (do Spooky Tooth). Tony Newman, que já havia tocado com Sounds Incorporated e Rod Stewart, juntou-se aos próximos dois álbuns do grupo, e um quarto álbum foi planejado, mas nunca gravado. Newman então saiu para tocar com David Bowie, e os Gurvitzes se uniram a Ginger Baker como Baker Gurvitz Army. Rick Wills fez seu próprio curso de música em Cambridge durante a década de 1960 e desde então se tornou um dos baixistas mais respeitados do ramo. No entanto, não foi uma das grandes faculdades da famosa cidade universitária que viu sua graduação; em vez disso, foram os bares locais e salões de festas que lhe proporcionaram o lugar perfeito para dar seus primeiros passos na indústria. 

A decisão provou ser boa e durante os anos que se seguiram ele teve sucesso em ambos os lados do Atlântico, incluindo 13 anos como parte de um dos supergrupos do mundo.  Depois de formar sua primeira banda chamada The Sundowners com um grupo de amigos na década de 1960, Wills ganhou experiência tocando na cena local antes de ser convidado por outro jovem músico de Cambridge para formar um novo grupo. "Seu nome era Dave Gilmour e mesmo naquele estágio inicial você podia ver que ele tinha potencial de estrela", afirma Wills. "Nós nos chamávamos de ' Joker's Wild ' e nos divertimos muito por alguns anos tocando em lugares como a Espanha e morando em Paris, antes de Dave receber o chamado para se juntar ao Pink Floyd ." Depois de se mudar para Londres, Wills se tornou parte do Cochise e o grupo fez três álbuns bem pensados ​​antes de se separarem e Wills, junto com Mickey Gallagher e Mike Kellie, se tornarem parte da banda Parrish and Gurvitz .  

01. Another Time, Another Day/Take What You Want — 4:40
02. It’s A Shame — 3:21
03. Libra — 4:00
04. I’ve Got Time — 3:48
05. Janine — 3:42
06. Dozy Gwen — 2:11
07. Why — 4:24
08. As If I Were Blind — 3:50
09. More Than Life — 3:43
10. Loving You — 7:14

Hideki Ishima - One Day (Psychedelic Folkrock/Hardrock Japan 1973, ex Flower Travelling band)

 

Hideki Ishima (石間 秀機 Ishima Hideki?, nascido em 21 de março de 1944 em Sapporo, Hokkaido, Japão) é um músico japonês, conhecido principalmente por seu trabalho com a Flower Travellin' Band . Guitarrista e tocador de cítara por quase quarenta anos, ele agora toca exclusivamente a cítara, um instrumento que ele inventou em 2000 que combina aspectos de uma cítara com uma guitarra elétrica.

Ishima começou a tocar violão aos 19, a pedido de um amigo que queria fazer parte de uma banda. Seu primeiro grupo foi Jarōzu (ジャローズ) em sua cidade natal, Sapporo, logo após se formar no ensino médio. Ele se mudou para Tóquio e formou a banda de sons de grupo The Beavers em 1966, que lançou quatro álbuns e um single, mas não teve grande sucesso. Ishima começou a tocar cítara aos 24, após pesquisar sobre Gábor Szabó por sugestão de uma mulher e descobrir que o guitarrista de jazz também tocava esse instrumento do qual ele nunca tinha ouvido falar. Ele aprendeu sozinho com o livro de Ravi Shankar de 1968, My Music, My Life, procurando as traduções japonesas para as palavras em inglês. Em 1969, enquanto estavam na banda de blues Mystic Morning com Joe Yamanaka, os dois foram procurados por Yuya Uchida para a Flower Travellin' Band. Quando eles entraram em hiato em 1973, Ishima gravou o álbum solo One Day e se juntou a um grupo chamado Trans Am . Depois de alguns anos de folga, ele seguiu com a Donjuan R&R Band com Kenichi Hagiwara. Durante a década de 1980, ele estava no Co-Colo ao lado de Kenji Sawada e Nobuhiko Shinohara, antes de ser demitido. Ishima largou a guitarra em 1990, citando problemas de dinheiro. Depois de uma aula de cítara de 40 minutos com Manilal Nag durante uma viagem ao Japão em 1998, Ishima se tornou aluno do aprendiz japonês de Nag.

Ele fez um retorno em 2000 tocando exclusivamente cítara. Naquele ano, ele gravou o álbum More-ish com o grupo multinacional Pythagoras Party. O grupo instrumental improvisado View foi formado em 2007. Qualquer fã de rock japonês que se preze conhece a The Flower Travellin' Band. Como guitarrista dessa unidade, Hideki Ishima ajudou a criar um dos álbuns de guitarra mais distintos da história do rock, "Satori", de 1971. Suas linhas vibrantes e flexíveis deram forma ao disco e causaram um impacto que ainda é sentido hoje. Especialmente no Ocidente, onde "Satori" foi justamente rotulado não apenas como um clássico perdido, mas talvez o clássico perdido, atuando como o ponto de entrada de fato para qualquer um que leve a sério a educação sobre o rock japonês. Imaginar o rock japonês sem "Satori" é como imaginar o rock ocidental sem "Are You Experienced", de Jimi Hendrix.

Mas quando a Flower Travellin' Band entrou em hiato em 1973 (eles não se separaram, como Ishima-san será rápido em apontar), o guitarrista infinitamente inventivo sumiu do radar ocidental.  Durante esse período, ele continuou a fazer um trabalho excepcional com bandas como Co-Colo, Trans Am, Pythagoras Party e Donjuan R&B Band, bem como vocalistas de apoio como Joe Yamanaka da Flower Travellin' Band e o ator ocasional de Akira Kurosawa Jinpachi Nezu ("Ran", "Kagemusha"). Agora, com a Flower Travellin' Band fora do hiato, Ishima está de volta aos holofotes.  Ele também tem uma nova unidade de improvisação chamada View e toca exclusivamente Sitarla, um híbrido de cítara/guitarra de sua própria invenção. Em fevereiro, Ishima-san sentou-se com Jrawk para discutir presentes de Deus, o estado do rock japonês e a ressurreição de sua antiga banda.

01. We're Just Tryin' My Way 6:35
02. Artificial Flowers 3:46
03. Lady Bird 3:32
04. Night Mare 3:37
05. Unbalance 3:47
06. Depending by the Time 6:52
07. Trash Blues 3:06

Thomas F. Browne - Wednesday's Child (Rare Folkrock UK 1971)

 

 Em CD, este é o álbum de estreia de 1971 do cantor e compositor britânico Thomas F. Browne, com base no folkrock e no jazzrock. O LP foi lançado originalmente pela Vertigo . Nos anos 60, Browne foi o baterista do Nero & The Gladiators, uma banda que também contava com o futuro guitarrista do Spooky Tooth /Foreigner, Mick Jones .

É uma das leis não escritas da coleção de discos que algumas gravadoras garantem qualidade simplesmente por existirem -- e, se um disco ostenta esse logotipo sagrado, então vale qualquer investimento que você queira fazer. Claro, nem sempre funciona assim, como os colecionadores da lendária gravadora britânica de prog Vertigo irão tristemente informar a você. 

Mas qualquer um que se arrisque em um dos álbuns finais a serem lançados sob o logotipo espiral da gravadora, o único álbum do cantor/compositor Thomas F. Browne, pode muito bem se perguntar por que a empresa desperdiçou tanta cera em jazz-rock sem entusiasmo e tão pouco explorando os limites do híbrido folk-rock. O próprio Browne foi baterista da banda beat dos anos 60 Nero & the Gladiators , uma banda fortemente influenciada por clássicos que também contou com o futuro guitarrista do Spooky Tooth/Foreigner, Mick Jones, por um tempo.  De fato, Jones e Browne sozinhos mais tarde trabalharam juntos como o State of Mickey & Tommy, e Wednesday's Child continuou a parceria, com ajuda adicional (e extremamente característica) do colega Spooky Gary Wright e do Fotheringay sem Sandy Denny . Esse apoio pesado, é claro, dita muito do clima que se segue, uma coleção suavemente ondulada de baladas que se encaixam na mesma sacola que os Strawbs e Mike Heron do período .  A voz de Browne nem sempre está no seu melhor, faltando a profundidade de expressão que suas letras geralmente exigem. Mas o poder dos arranjos e alguns backing vocals maravilhosamente atmosféricos de Doris Troy e Sue & Sunny prontamente salvam as coisas, e músicas como "Carry My Load" (com um solo de guitarra de tirar o fôlego de Jones) e a aproximação atrevida de "Dark Eyed Lady" do gancho de violão acústico de "Pinball Wizard" são ambas extremamente contagiantes, enquanto "The Alamo" é tão épica quanto a terra que imortaliza. 

01. Gentle Sarah
02. Carry My Lord
03. Bown Bown Bomm
04. Dark Eyed Lady
05. It's Coming
06. Hold On
07. Tomorrow Is Another Day
08. Poor Man Smile
09. The Alamo

Funkadelic - Live at Michigan 1971 (Superb Psychedelic Funk Concert)

 

Funkadelic Live : Meadowbrook, Rochester, Michigan 12 de setembro de 1971 é um lançamento ao vivo de 1996 apresentando a única gravação oficial em concerto do início da carreira do Funkadelic. O proprietário da Westbound Records, Armen Boladian, decidiu gravar o show sem o aviso prévio da banda, para um possível lançamento oficial do álbum ao vivo. Boladian então decidiu não prosseguir com o projeto. A gravação da mesa de som ficou com o engenheiro Ed Wolfram até ser descoberta em 1996. O álbum contém a apresentação ao vivo inteira de 12 de setembro de 1971, menos aproximadamente três minutos de conversa entre as músicas.

No final de 1971, George Clinton ainda estava estruturando o Funkadelic como a banda ao vivo de apoio ao seu grupo vocal de doo wop concorrente Parliament, embora naquela época vários álbuns tivessem sido lançados sob ambos os nomes. Como era comum em shows durante o período, os músicos do Funkadelic aqueciam a multidão com instrumentais, após os quais os cantores do Parliament subiam ao palco para os números vocais. O show terminaria de forma semelhante, com os cantores do Parliament saindo um pouco antes do final do show, com os músicos do Funkadelic fechando com outro instrumental. No show gravado para este álbum, a banda abriu com dois instrumentais estendidos totalizando cerca de 20 minutos: o então sem título "Alice in My Fantasies" (a ser gravado posteriormente com vocais no álbum do Funkadelic de 1974 Standing on the Verge of Getting It On) e "Maggot Brain". O instrumental de encerramento consistia em uma curta parte de "Free Your Mind and Your Ass Will Follow". As faixas vocais foram retiradas dos álbuns Funkadelic e Maggot Brain, com exceção de duas faixas que foram gravadas originalmente como singles pelo Parliament: "I Call My Baby Pussycat" (posteriormente refeita para o álbum America Eats Its Young do Funkadelic de 1972) e "All Your Goodies Are Gone (The Loser's Seat)" (posteriormente refeita para o álbum Up for the Down Stroke do Parliament de 1974). Não houve bis.

Este concerto foi cercado por problemas de pessoal. O guitarrista Tawl Ross havia saído recentemente da banda devido a uma experiência prejudicial com LSD e foi substituído logo antes do show pelo ex-companheiro de Isaac Hayes, Harold Beane. O baterista original Tiki Fulwood também havia saído logo antes deste show para explorar outras oportunidades musicais e foi substituído pelo ex-baterista do Apollo Theater, Tyrone Lampkin.  Fontes indicam que Beane e Lampkin haviam ensaiado muito pouco ou nada antes desta apresentação. Isso resultou em muitas dificuldades musicais, principalmente por causa das diferenças nos estilos de bateria entre Lampkin e Fulwood, o que por sua vez criou muitas dificuldades para o baixista Billy Bass Nelson. Esses problemas resultaram em um colapso inadvertido durante a apresentação de "I Call My Baby Pussycat", enquanto Nelson saía furioso do palco frustrado antes da conclusão de "Free Your Mind and Your Ass Will Follow". Nelson e o guitarrista Eddie Hazel deixaram o grupo cerca de um mês após este concerto.

Este é um olhar realmente incrível, incrível sobre o Funkadelic no início de sua carreira. O disco inclui extensas e exaustivas notas de capa de Rob Bowman, que também fez as fantásticas notas de capa do conjunto 2CD Music For Your Mother. Além de analisar cada faixa em detalhes, ele também inclui citações de Bernie, Billy Bass e do engenheiro que gravou a sessão. Ele também entra em detalhes extensos sobre como e por que a sessão foi gravada. O show foi gravado quando Armen Boladian, o proprietário do Westbound, queria uma gravação ao vivo da banda, possivelmente para lançamento. Então ele enviou um engenheiro uma noite, sem o conhecimento da banda até o momento do show. Boladian não ficou tão impressionado com os resultados e arquivou o projeto, onde ficou com o engenheiro por mais de 20 anos. Basicamente, esta foi provavelmente a pior noite possível para gravar a banda. O baterista Tiki Fulwood tinha acabado de sair na semana anterior, e o guitarrista base Tawl Ross também tinha saído naquela época. Então Harold Beane e Ty Lampkin foram trazidos para tocar, **sem ensaio**, para esse show! Ambos acabaram ficando com o grupo, com Lampkin desempenhando um papel importante nos anos seguintes. (Ele domina o álbum Cosmic Slop, para citar apenas um) No entanto, nessa noite em particular, ele teve sérios problemas para se encaixar. 

O estilo de bateria de Tiki enfatizava groove e pocket. Ty, que tinha sido o baterista da casa no Apollo Theater, era mais chamativo e jazzístico. Como resultado, ele soava completamente fora de sincronia com o resto da banda, irritando e frustrando a todos. Até George foi direto e disse: "Tenha paciência conosco, temos um novo baterista, Tyrone." Perto do fim, Billy Bass ficou tão frustrado tentando mantê-lo sob controle que foi embora! Mantendo tudo isso em mente, ainda é uma das apresentações ao vivo mais surpreendentes que já ouvi, uma prova das habilidades de improvisação de todos. A qualidade do som é CRISTALINA, envergonhando o notável show do Sugar Shack '72. Harold Beane faz um bom trabalho no ritmo, realmente fazendo um bom trabalho de guitarra no estilo chicken-scratch. Bernie faz algumas coisas incríveis, movendo-se pelas bordas de algumas músicas, adicionando sabor e, em seguida, indo direto para o meio de outras, estabelecendo um solo alucinante. 

Sem mencionar todos os blips de desenho animado malucos que ele toca no meio das músicas, geralmente no meio dos solos! Ele tinha a maior disciplina musical de todos eles, mas ao mesmo tempo era o mais louco e aventureiro. O canto também é incrível, com George gritando e cantando, Fuzzy berrando e pregando, e Calvin realmente dando um show de gospel/soul. Mas a verdadeira atração é a química incrível entre Billy Bass e Eddie. Eles estão no auge aqui, com Billy como capitão da seção rítmica do Funkadelic, e Eddie queimando o ar com seu poder bruto.

O show está praticamente completo, com apenas alguns minutos raspados. A única faixa realmente ruim é a versão rápida de "Pussy", onde Ty está completamente fora de controle. George apenas a interrompe no meio do voo, onde eles entram na versão lenta. A versão lenta é um destaque desagradável. A versão (naquela época sem título) de "Alice In My Fantasies" é um raio de hardcore, gritando funk-rock.  A versão épica de "All Your Goodies Are Gone" é o Parlia funkadelic ment Thang no seu melhor, com vocais com toques gospel sendo varridos para colapsos desagradáveis, depois de volta ao canto. Calvin realmente se destaca aqui, mas a interação entre os vocalistas é quase tão notável quanto a interação entre os músicos. As últimas músicas se misturam, indo direto de uma para a outra sem interrupção. 

Personnel:
♦ Parliament (George Clinton, Fuzzy Haskins, Calvin Simon, Grady Thomas, Ray Davis): Vocals
♦ Eddie Hazel: Lead Guitar, Vocals
♦ Billy Bass Nelson: Bass, Vocals
♦ Bernie Worrell: Keyboards, Vocals
♦ Harold Beane: Guitar
♦ Tyrone Lampkin: Drums

01. Alice in My Fantasies - (George Clinton

, Eddie Hazel) - 6:37
02. Maggot Brain - (Eddie Hazel, George Clinton) - 14:02
03. I Call My Baby Pussycat [fast version] - (Billy "Bass" Nelson, George Clinton, Eddie Hazel) - 5:38
04. I Call My Baby Pussycat - (Billy "Bass" Nelson, George Clinton, Eddie Hazel) - 8:08
05. Good Old Music - (George Clinton) - 4:31
06. I Got a Thing, You Got a Thing, Everybody Got a Thing - (Clarence "Fuzzy" Haskins) - 8:38
07. All Your Goodies Are Gone (The Loser's Seat) - (George Clinton, Clarence "Fuzzy" Haskins, Billy "Bass" Nelson) - 15:08
08. I'll Bet You - (George Clinton, Sidney Barnes, Pat Lindsey) - 5:25
09. You and Your Folks, Me and My Folks - (George Clinton, Bernie Worrell, Billy "Bass" Nelson, Clarence "Fuzzy" Haskins) - 5:28
10. Free Your Mind and Your Ass Will Follow [instrumental] - (George Clinton, Eddie Hazel, Tawl Ross) - 3:41