Galapagos Duck - Ebony Quill (1974)

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Este é o primeiro disco feito por uma banda única, única pela versatilidade de seus membros e pelo estilo de jazz que eles tocam. Cada membro do grupo toca muitos instrumentos diferentes e vê-los tocando é uma experiência e tanto. Eles se movimentam criando músicas que variam de jazz com swing pesado; a jazz/rock; a belos sons melódicos; a coisas de percussão exóticas muito emocionantes; às avenidas mais contemporâneas de uso criativo de dispositivos eletrônicos.

Cada membro do grupo pagou suas dívidas, suando sua música ao longo dos anos em pubs, clubes e sessões por todo o país. O Galapagos Duck original cresceu a partir dessas experiências.
A banda foi escolhida para abrir a recente turnê de Nina Simone em Melbourne e Sydney, e, na minha opinião, nunca vi um ato de apoio local ser recebido com tanto entusiasmo. Este álbum chega muito perto de suas apresentações ao vivo, que podem ser ouvidas no The Basement em Sydney, a melhor sala de jazz da Austrália.

Para aqueles que ouviram a banda em apresentações ao vivo, sei que vocês vão gostar da música deste álbum, para aqueles que não ouviram, espero que vocês possam vê-los em algum momento [trecho HORST LIEPOLT, Editor de Jazz-Sound Blast/Music Maker].

Ebony Quills se tornou um dos discos de jazz mais vendidos dos anos 70.

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Pato de Galápagos com Horst Leipolt (terceiro da direita)

Análise

Galapagos Duck é um dos grupos de jazz mais conhecidos da Austrália, tendo gravado ou feito turnês com consistência variável desde pouco antes da década de 1970, até muito mais recentemente, e em uma variedade de encarnações.

Talvez mais conhecido por sua trilha sonora de jazz-funk, 'The Removalists', seu álbum de estreia, 'Ebony Quill', foi lançado na mesma época e pode ter sido um pouco ofuscado, mas também é um ótimo disco - não é incrível, mas é agradável, sem dúvida.

Abrindo com uma percussão atmosférica e estendida e uma exploração de flauta pesada em reverb, evocando visões de selvas profundas, é uma peça inquieta um pouco prejudicada pelo baixo curto e dueto vocal sem palavras no meio, mas que de outra forma é uma abertura boa, embora enganosa - já que o resto de 'Ebony Quill' é menos experimental. Exceto pelo breve e misterioso par 'And Then Out' e 'Out and Then In' que funcionam como interlúdios, o álbum é um pouco mais funk e talvez influenciado pelo pop às vezes, lançando alguns covers, como o parcialmente convincente 'The Look of Love'. É uma pena que soe um pouco cafona com o sax tocando a melodia vocal (funciona melhor com trompete na metade), mas a alegria saltitante de 'Tennessee Waltz' é um grande contraste. 'Grazing in the Grass', no entanto, (um hit de Hugh Masekela alguns anos antes) é a peça mais bem realizada do álbum. O baterista Qua faz um aceno brincalhão ao cowbell no começo, antes de mudar para o ride. Mantendo a parte distinta do trompete, a banda não tenta mexer no arranjo, em vez disso, simplesmente estica a música para incorporar solos e, simultaneamente, parece evocar os clichês australianos de pessoas "relaxadas" curtindo o verão. 

A flauta de Willie Qua tende a dominar muito o som do Galapagos Duck, e embora todos os outros tenham espaço solo em algum lugar nas oito peças, o foco na segunda metade muda para o saxofone. Após a versão fantástica de 'Grazing in the Grass', a banda desacelera as coisas com a dramática, mas ainda eficaz, 'Rivera Mountain', onde os saxofones lideram novamente, e fecham o disco com uma clara homenagem a Herbie Hancock, cujo 'Head Hunters' foi lançado apenas um ano antes de 'Ebony Quill'. É uma influência que seria sentida ainda mais claramente em 'The Removalists'. Não quer dizer que 'Mr Natural' seja desagradável, mas não oferecerá nenhuma surpresa, mesmo que os solos sejam enérgicos e a seção rítmica certamente saiba o que fazer. É um final adequado para o set.

Embora não seja tão consistentemente agradável quanto o sucessor, este ainda é um jazz influenciado pelo R&B, com alguma variedade bem-vinda nos originais e uma influência crescente do funk. [trecho de jazzmusicarchives ]

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As Trilhas

PENA DE ÉBANO (por WILLIE QUA)

Esta é uma peça musical muito emocionante, que vem em muitas formas e estados de espírito diferentes. A introdução é tocada em gravador por Willie. O tema é declarado por Willie tocando flauta principal e Marty como segunda flauta. Então, entra o primeiro solo, um assunto do tipo vocal/flauta tocado por Willie. Chris segue com um solo usando seu baixo e sua voz em uníssono. Em seguida, há um dueto de percussão entre Tom e Willie. Antes que o tema seja declarado, para tirar tudo, Willie tem outro solo de flauta, desta vez percussivo e com bons efeitos de eco. Tom está na bateria e Doug no pandeiro ao longo desta faixa.

O OLHAR DO AMOR (por BURT BACHARACH/HAL DAVID) 

Uma linda balada que tem Chris no flugelhorn, Tom-alto-sax, Doug-piano, Marty-baixo e Willie na bateria.

VALSA DO TENNESSEE (por PEE WEE KING/REDD STEWART) 

Tom no Sax Soprano, Willie e Marty no Sax Tenor, esta faixa com uma introdução agradável de igreja (soul church, é claro). Então, entra na música com o que eu chamo de sensação de Bossa-Nova. Marty está pregando no Tenor, Doug com Chris no Baixo, Willie na Bateria e tocando Tom. Termina com as Trompas novamente na última frase. A percussão que você pode ouvir nesta faixa e em todas as outras a seguir é tocada pelos membros do Galapagos Duck.

E DEPOIS FORA (por WILLIE QUA)

Este é um lindo lamento tocado por Tom, Willie e Marty acompanhados por Doug no piano e Chris no baixo.

Pato de Galápagos Hoje

(LR: Will Sargissan, Willy Qua, John Conley, Richard Booth, Rodney Ford)

FORA E DEPOIS DENTRO (por WILLIE QUA)

Isto é em duas seções curtas. A primeira seção começa com Doug no piano, seguido por Chris no baixo, e então Tom na flauta. A seção dois é a parte das três flautas tocadas por Tom, Willie e Marty novamente, com Doug no piano e Chris no baixo.

PASTANDO NA GRAMA (por HUGH MASEKELA)

Tom-Trumpet, Marty-Tenor Sax, Doug-Piano, Chris-Bass e Willie - Bateria. Todos solos e é o porta-estandarte do Grupo no sentido mais amplo. Deve deliciar seus muitos fãs.

MONTANHA DO RIVERA (por JOHNNY SANGSTER)

Esta é a famosa melodia de Johnny Sangster, um dos músicos mais criativos e respeitados da Austrália. Tom toca Sax Soprano, Marty Sax Tenor, Doug está no Piano, Chris no Baixo e o Baterista é Willie.

SR. NATURAL (por PATO DE GALÁPAGOS)

Tom e Marty na frente nos saxofones tenor, Doug no piano, Chris no baixo e Willie na bateria. É a faixa perfeita para terminar um álbum. Ela encontra o grupo em um ritmo fácil de jazz/rock. Marty, em seu solo, muda do saxofone tenor para o clarinete e a guitarra funky que você pode ouvir é tocada por Chris e foi overdubada. [notas do encarte]

Pato de Galápagos no palco hoje

Este post consiste em FLACs extraídos do meu vinil recém-adquirido, mais uma vez encontrado no meu mercado de pulgas escondido entre alguns outros discos de jazz e clássicos que foram muito afetados pela umidade. Felizmente, a capa do álbum estava apenas ligeiramente descolorida e o vinil em ótimas condições. A arte completa do álbum para LP e CD é fornecida junto com as digitalizações do rótulo.
Estou emocionado em pensar que tropecei neste LP altamente procurado por uma das grandes bandas de jazz moderno da Austrália e posso disponibilizá-lo aqui. Aproveite.

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Lista de faixas

01 Ebony Quill 

02 The Look Of Love 

03 Tennesse Waltz 

04 And Then Out 

05 Out And Then In 

06 Grazing In The Grass 

07 Rivera Mountain 

08 Mr. Natural

Alinhamento/Músicos:

- Chris Qua / baixo, trompete

- Doug Robson / piano

- Marty Mooney / palhetas

- Tom Hare / palhetas

- Willie Qua / bateria, palhetas

Gravado na Earth Media Recording Company em 19 e 26 de novembro de 1973

MUSICA&SOM

The Who - Boris The Spider: Live in Ludwigshafen, 7-11-1975 (Bootleg)

 

Este é um ótimo bootleg japonês da turnê Who By Numbers em 1975, e foi o último show tocado na Alemanha antes do início da turnê pelos EUA. É um CD prensado de fábrica e é uma gravação de público. Eu daria nota 8/10. Ele vem como uma bela capa estilo réplica de LP laminada brilhante, 2 ótimos discos, este é o show inteiro... menos o bis "Magic Bus".

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QUEM EM NÚMEROS

Um mês antes desta gravação ser feita, o álbum 'The Who By Numbers' foi lançado em 18 de outubro no Reino Unido, onde atingiu o pico de No. 7 nas paradas. O álbum então entrou na parada de álbuns dos EUA em 1º de novembro, onde atingiu o pico de No. 8

Nessa época, um álbum não conceitual do The Who era um conceito em si mesmo e, neste álbum, as dez novas músicas foram ligadas tematicamente pela crescente preocupação de Pete Townshend com a idade e a desilusão. Várias faixas: notavelmente "However Much I Booze", ''In A Hand Or A Face' e 'How Many Friends' foram explicitamente conectadas com a ansiedade de Pete nessa direção, e a única contribuição de John Entwistle, 'Success Story', seguiu linhas semelhantes. 

Em outros lugares, "Slip Kid" foi um hino adolescente moderno e bacana, "Squeeze Box" foi uma música alegre e semiaberta (com Pete no acordeão) escolhida como single e "Blue, Red And Grey", praticamente uma faixa solo de Pete, relata de forma comovente o desencanto com o estilo de vida rock'n'roll tão apreciado por Keith Moon e muitos de seus colegas. 

Revestida com uma capa desenhada por John Entwistle, a capa frontal incorporava uma imagem do The Who unindo os pontos.

No livro Eyewitness: The Who de Johnny Black, Entwistle afirma:
O desenho da capa levou apenas uma hora, mas os pontos levaram cerca de três horas. Levei-o para o estúdio enquanto estávamos mixando e chamei o pior artista da sala para preenchê-lo. Descobri que tinha deixado duas pernas internas de fora.

Nós estávamos falando em turnos para fazer as capas. Foi a vez do Pete antes de mim e ele fez a capa da Quadrophenia, que custou quase o mesmo que uma casa pequena naquela época, cerca de US$ 16.000. Minha capa custou US$ 32.

O disco também foi notável pela completa ausência das partes de sintetizador que foram uma característica tão notável dos dois álbuns anteriores do grupo. Em vez disso, Nicky Hopkins adicionou uma quantidade generosa de piano suave. Instrumentalmente, o The Who não mostrou sinais de enfraquecimento: os vocais de Roger - particularmente em "Dreaming From The Waist" e "Imagine A Man" - eram melódicos e inspiradores, enquanto a bateria bombástica usual de Keith desmentia a deterioração física causada por suas tendências alcoólicas. 'Dreaming From The Waist' incluía algumas linhas de baixo pop que estão entre as melhores que John Entwistle já gravou e que seriam ainda mais destacadas nas próximas apresentações ao vivo do The Who.

Enquanto o padrão de composição chegou a pouco menos do que o obtido em Who's Next, The Who By Numbers abriu as portas para um estilo autobiográfico evidente que serviu para enfatizar a abordagem honesta de Pete Townsend ao seu trabalho. Ao expressar suas ansiedades por meio da música do The. Who, ele reconheceu o fato de que o grupo é - e sempre será - uma banda de pessoas cujos problemas podem ser compartilhados com essas pessoas. De acordo com o velho ditado, um problema compartilhado é um problema reduzido pela metade e, portanto, a turnê que se seguiu ao lançamento de The Who By Numbers viu o grupo retornar ao tipo de forma que eles exibiam nos dias pré-Quadrophenia.

O Who 1975

The Who By Numbers foi o primeiro álbum do The Who (além de Ride A Rock Horse, de Roger Daltrey) a aparecer no selo Polydor, e foi, portanto, a primeira indicação pública do rompimento do relacionamento de longa data do The Who com os empresários Kit Lambert e Chris Stamp e sua Track Records de propriedade conjunta. O litígio entre o The Who e seus antigos empresários foi resolvido fora do tribunal logo após o lançamento deste álbum e os dois antigos diretores de cinema que desempenharam um papel tão crucial na carreira do The Who seguiram seu próprio caminho a partir deste ponto em diante.

Eles já tinham, a essa altura, se desentendido. sobre questões financeiras e quando Lambert emitiu um comunicado de imprensa mal formulado que, até certo ponto, trouxe a briga à tona, a separação se tornou irreversível. Pelo restante da década, Stamp se envolveu em trabalho cinematográfico e aproveitou silenciosamente sua fortuna, enquanto Lambert decaiu vertiginosamente, desperdiçando sua fortuna em bebida e drogas.

Keith Lua 1975

"Kit comprou um palácio em Veneza no Grande Canal e tentou cultivar amigos da alta sociedade lá", diz Chris Welch, que escreveu uma biografia de Lambert. "Ele foi forçado a deixar Veneza. Ele ateou fogo no palácio e acabou devendo dinheiro para toda a cidade. Ele era alcoólatra e viciado em heroína e foi forçado a se submeter a tratamento para isso em uma clínica suíça. De volta a Londres, ele foi preso por cocaína depois de ser entregue à polícia por um traficante a quem ele devia dinheiro. Ele sempre se sentiu muito amargo por não receber o crédito que merecia por seu trabalho com Pete Townsend em Tommy."

Várias pessoas, incluindo Pete Townshend, ofereceram ajuda a Kit Lambert enquanto sua condição piorava, mas sem sucesso. Lambert morreu aos quarenta e cinco anos em abril de 1981, após cair da escada na casa de sua mãe em Fulham. Naquela noite, segundo todos os relatos, ele se envolveu em uma briga de bêbados em uma boate em Kensington e voltou para casa ferido pela surra que recebeu. Foi um fim triste e ignominioso para um homem cuja orientação criativa e visão explosiva fizeram tanto para promover a carreira do grupo que ele amava.

TOUR BRITÂNICO

Em setembro de 1975, o The Who se reagrupou para ensaiar para uma longa série de turnês que levariam à Grã-Bretanha, Europa e, em três visitas separadas, aos Estados Unidos. Recém-saído de sua viagem à América para acalmar os negócios de Meher Baba, um Pete Townshend revigorado e espiritualmente rejuvenescido entrou no primeiro ensaio sorrindo, um fato notado por Keith Moon como incomum, mas indicativo de tempos mais felizes por vir.

A parte britânica da turnê abriu com dois shows diante de grandes públicos no New Bingley Halls perto de Stoke-on-Trenton em 4 e 5 de outubro, e pelo programa selecionado ficou claro que Pete Townshend havia exorcizado seus medos sobre o perigo do The Who se tornar um ato revivalista. Embora apenas duas novas músicas do The Who By Numbers - 'Squeeze Box' e 'Dreaming From The Waist' - tenham aparecido no set, o The Who demonstrou um entusiasmo quase juvenil por seu material mais antigo, especialmente na segunda noite.

Abrindo com "I Can't Explain" (agora em seu décimo primeiro ano!), eles arrasaram com "Substitute", "Magic Bus" e "My Generation" dos dias pré-Tommy com abandono selvagem. Tommy em si foi bem representado com um medley de meia hora, e Who's Next foi representado por quatro músicas, "Baba O'Riley", "Behind Blue Eyes", "My Wife" e "Won't Get Fooled Again", esta última agora um show stopper que apresentou o maior Jump de Pete Townshend de todos os tempos. Inevitavelmente, talvez, o The Who tenha chegado à conclusão coletiva para celebrar, em vez de temer, seu considerável catálogo de material influente. O resultado não apenas satisfez os fãs, mas, felizmente, o próprio grupo.

O engenheiro de iluminação John Wolff ocupou seu tempo | diligentemente durante o longo período sabático do grupo e se tornou adepto da operação de lasers, um efeito que um número crescente de grandes bandas de rock estavam utilizando neste período. Embora o The Who sempre tenha evitado truques como gelo seco e bolas de espelho, eles se jogaram de todo o coração nos planos de Wolff e, a partir desta turnê, os shows do The Who apresentaram uma galáxia de lasers. Fios finos de luz espiralada agora emanavam de trás da bateria de Keith Moon, piscando sobre a cabeça de Roger Daltrey na vastidão dos auditórios. Tal era a habilidade de Wolff em lidar com esses lasers que, em um ano, ele se tornaria uma autoridade reconhecida no assunto e realizaria sua própria exposição de lasers e hologramas em Londres.

A turnê foi para Manchester por duas noites na arena Belle Vue, onde a recém-descoberta camaradagem dentro da banda resultou em shows que o agora notório Roy Carr descreveu na NME como "... tão intensos a ponto de sugar cada grama de energia do espectador, mas é uma energia gerada por um senso positivo de propósito e não por ódio ou raiva."

Falando com Carr após o show, Roger Daltrey expressou sua gratidão à NME por trazer os problemas internos do The Who à tona. "Agora não há cercas para nenhum de nós se esconder atrás e é por isso que sinto que o The Who está muito melhor do que nunca, simplesmente porque não há desculpa que nenhum de nós possa dar. Se alguém faz birra no palco agora, é culpa dele. Ninguém vai se esconder atrás do The Who.

"O The Who sempre colocou suas bolas na linha", ele acrescentou. "Se não o fizessem, esse tipo de publicidade controversa teria acabado com qualquer outro grupo. Coisas como essa entrevista são sempre muito difíceis de fazer, mas o The Who consegue; e como todos podem ver, usar isso para nossa vantagem mútua. Pete agora está animado com energia renovada. Ele percebe que, apesar do que disse, o The Who é a banda que costumava ser. Só que isso ficou escondido sob todo aquele pântano de publicidade exagerada."

Após um show no Glasgow Apollo em 15 de outubro, Keith Moon provou, à sua maneira inimitável, que o The Who estava tão anárquico como sempre, ao cair em desgraça com a British Airways no Aeroporto de Prestwick. Após uma troca de opiniões com a polícia e a equipe da companhia aérea sobre um computador quebrado, Keith foi multado em £ 60 por perturbar a paz. Mais tarde, ele admitiu que seu lucro líquido no final da turnê britânica foi de meros £ 46,70.

A turnê britânica culminou com quatro shows na Wembley Arena em Londres e foi seguida por datas na Alemanha e na Holanda. [trecho de The Illustrated Biography The Who, por Chris Charlesworth, Omnibus Press, 1982, Seção 1975]

TOUR EUROPEU

Esta etapa começou em 27 de outubro no Ahoy em Roterdã, na Holanda, e terminou em 7 de novembro no Friedrich-Ebert-Halle em Ludwigshafen, na Alemanha, de onde esta gravação se originou. A essa altura, a banda já estava começando a reduzir o set list. Aqui está um set bastante típico para esta etapa da turnê (na verdade, de um show em Düsseldorf, Alemanha, em 31 de outubro).

"Substituir"

"Não consigo explicar"

"Caixa de compressão"

"Boris a Aranha" (John Entwistle)

"Baba O'Riley"

"Behind Blue Eyes" (não em 2 de novembro)

"Sonhando da Cintura"

"Jornada Incrível"/"Faíscas"

"A Rainha Ácida"

"Tocar Violino" (Entwistle)

"Mago do Pinball"

"Eu estou livre"

"Acampamento de férias do Tommy" (Keith Moon)

"Nós não vamos aceitar"/"Veja-me, sinta-me"

"Blues de Verão"

"Bargain" (abandonado após 31 de outubro)

"Minha Geração"

"Não serei enganado novamente"

Bis (variações da lista a seguir):

"5.15"

Apresentado em 3 de novembro.

"Ônibus Mágico"

Apresentado em 7 de novembro.

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Este post consiste em MP3s extraídos do meu bootleg do Killing Floor e inclui capas de álbuns e fotos de shows (obrigado a Klaus Hiltscher). Também incluí capas de um lançamento alternativo do mesmo show pela NSU (veja abaixo). Este boot é essencial para todos os fãs do Who, e não deve ser perdido.

Como nota lateral, se você tem o álbum Who By Numbers e não ficou tentado a juntar os pontos como a maioria dos fãs do Who, a capa virgem vale muito dinheiro. Peguei meu exemplar por US$ 1,99 nos anos 70 com Brash Sutton em Geelong na caixa de liquidação e, felizmente, deixei-o em paz!

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Lista de faixas

1-01  I Can't Explain

1-02  Substitute

1-03  Squeeze Box

1-04  Baba O'Riley

1-05  Boris The Spider

1-06  Drowned

1-07  However Much I Booze

1-08  Dreaming From The Waist

1-09  Behind Blue Eyes

2-01  Amazing Journey - Sparks

2-02  The Acid Queen

2-03  Fiddle About

2-04  Pinball Wizard

2-05  I'm Free

2-06  Tommy's Holiday Camp

2-07  We're Not Gonna Take It

2-08  See Me, Feel Me

2-09  Summertime Blues

2-10  My Generation /Join Together /

         Road Runner /My Generation

2-11  Naked Eye

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A WHO:

Roger Daltrey - Vocais

Pete Townshend - Guitar

John Entwistle - Baixo, Vocal

Keith Moon - Bateria, Vocal

MUSICA&SOM

Zoot - Zoot Out (1971)

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The Zoot foi uma banda de power pop/hard rock de quatro integrantes formada em Adelaide, Austrália do Sul em 1966. Darryl Cotton (Aust), Gerard Bertelkamp (holandês, também conhecido como Beeb Birtles) e John Darcy (Reino Unido) se juntaram em 1966, com o baterista Teddy Higgins, para formar Down The Line - mais tarde renomeado como Strings Unlimited (sem um violino à vista!) e, eventualmente, mudando seu nome para Zoot. Todas as manhãs de domingo, o grupo gravava a reprise da rádio ABC do 'Top Of The Pops' da TV britânica e fazia versões de palco aceitáveis ​​de sucessos inéditos na Austrália do Move, Small Faces e The Hollies. Foi então que eles gravaram seu cover do single de sucesso do The Moves "I Can Hear The Grass Grow" em 1967, no Nationwide Studios em Adelaide.

Eles tocaram em muitos clubes e discotecas ao redor de Adelaide, gradualmente reunindo um forte público. Como um grupo, eles se mudaram para Melbourne, Victoria, Austrália e se apresentaram em várias cidades australianas sob uma variedade de nomes. Em 1967, eles adotaram totalmente o nome Zoot. Entre os membros mais notáveis ​​do Zoot estavam o fundador Beeb Birtles, Darryl Cotton e Rick Springfield.

Em meados de 1968, sua administração os promoveu sob o slogan "Think Pink – Think Zoot" – todos os membros da banda usavam fantasias rosas; o carro de Darryl Cotton foi repintado de rosa; seu cachorro de estimação, Monty, teve seu pelo tingido de rosa; e seu principal local de apresentação, Birties Disco, tinha o tema rosa por toda parte.

O Zoot foi eleito o Melhor Grupo Australiano na pesquisa de leitores da revista pop adolescente Go-Set publicada em junho de 1969. Infelizmente, eles foram alvo de ridículo homofóbico por seu uso de roupas rosas e, em turnê em Brisbane, Cotton foi ferido em um ataque de valentões de rua. No início de 1970, o Zoot finalmente descartou suas roupas rosas e tentou mudar sua imagem e música para um rock mais pesado do pop adolescente anterior. Em dezembro daquele ano, eles lançaram seu single de maior sucesso, "Eleanor Rigby", que era uma versão cover de hard rock da balada dos Beatles e, em março de 1971, atingiu o pico no top cinco australiano. A revista Go-Set listou "Eleanor Rigby", do Zoot, em sua lista dos Melhores Discos do Ano de 1971, na posição 12.

The Zoot, - TV Week Pin Ups 4 de abril de 1970

Ironicamente, eles provavelmente são mais lembrados hoje em dia por sua versão clássica de heavy metal de "Eleanor Rigby" dos Beatles — e também pelo fato de Zoot ter sido o primeiro sucesso de duas futuras estrelas — o artista solo e galã de novela Rick Springfield, e o líder da Little River Band, Beeb Birtles.

Em maio de 1971, apesar do top 30 de seu próximo single, "Freak" / "Evol Rock", o grupo logo se desfez, e todos os quatro membros partiram para coisas maiores e melhores [trecho de australianmusichistory.com ]

Este post consiste em FLACs extraídos de uma cópia em vinil adquirida recentemente, encontrada no meu mercado de pulgas local aos domingos. Para minha alegria, após uma inspeção mais aprofundada, encontrei um pôster de pin-up da TV Week do grupo dentro da capa do álbum em excelentes condições (veja o scan acima). Como de costume, a arte completa do álbum e os scans do selo estão incluídos.
Como o vinil está em excelentes condições, acho que este é um dos melhores rips circulando nas armadilhas no momento. Para adoçar o negócio, também estou incluindo uma gravação muito rara feita pelo grupo em 1967 chamada "I Can Hear The Grass Growing", gravada no Nationwide Studios em Hindley St, Adelaide em 1967.




Lista de faixas

01 You Better Get Going
02 One Times, Two Times, Three Times, Four
03 Monty and Me 
04 About Time
05 Mr. Songwriter
06 Flying
07 Hey Pinky
08 Strange Things
09 Eleanor Rigby
10 Turn Your Head
11 The Freak
12 Evil Child
13 I Can Hear The Grass Grow (Bonus) *

* Primeira gravação do Zoot (cover de The Move), gravada no Nationwide Studios em Hindley St, Adelaide em 1967 e retirada de Big Beat Cellar Scene

Members

Darryl Cotton – Vocal, Guitarra 
1965-71
Beeb Birtles – Baixo, Vocal 
1965-71
Teddy Higgins – Bateria 1967-68
Rick Brewer - Bateria 1968-71
John D'Arcy – Guitarra 1965-68
Steve Stone – Guitarra 1968
Roger Hicks – Guitarra 1968-69
Rick Springfield – Guitarra, Vocal 1969-71
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MUSICA&SOM

Tony Banks - The Fugitive (1983)

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Este segundo álbum do tecladista do Genesis, ' Tony Banks', chegou às lojas em junho de 1983, alguns meses antes do álbum homônimo do Genesis, e algumas dicas do que estava por vir podem ser ouvidas aqui. Foi o primeiro álbum em que Tony forneceu todos os vocais, cruelmente ele coloca sua voz em um registro entre Neil Tennant (Pet Shop Boys) e Louis Armstrong, eu diria que no geral sua voz está mais próxima de Al Stewart / Stephen Bishop com uma pitada de Julian Lennon, então, na realidade, não é tão ruim assim. Na verdade, se você não soubesse melhor, você juraria que estava ouvindo um álbum do Al Stewart se você apenas ouvisse a última faixa "Moving Under", que, a propósito, é minha faixa favorita deste álbum.

Imagem de capa baseada nesta foto

A faixa de abertura "This is Love" tem alguns momentos bem pesados, indicando para mim pelo menos que talvez alguns dos riffs mais pesados ​​do Genesis não sejam o domínio de Mike Rutherford. É rotulado como 'Rock', e com aqueles elementos de guitarras, baixo e bateria, não sendo dependente dos teclados Banksianos, merece ser colocado nesse gênero musical.

Tem seus momentos também, os instrumentais Thirty Three's e Charm demonstrando claramente o talento de Tony para composição. Thirty Three's é mais estruturado e tradicional, Charm é peculiar e experimental. Charm para mim foi a peça escolhida para preencher o espaço em mixtapes, talvez também mostrando por que ele era requisitado para algumas trilhas sonoras naquela época, infelizmente é um caso de boas músicas, mas os filmes errados. Em um momento de devaneios, teria sido legal ver o que ele teria feito com Ladyhawke; bom filme, trilha sonora muito cafona.

Mas eram os anos oitenta, e instrumentos da variedade acústica são notáveis ​​por sua ausência, o que é uma pena, dado seu uso pelo Genesis nos primeiros dias. Guitarras e baixo são as constantes, fornecidas por Daryl Stuermer e Mo Foster, respectivamente; a bateria vem de três fontes, dependendo do som que Tony estava tentando alcançar; Tony Beard, Steve Gadd e Andy Duncan, todos bateristas renomados por direito próprio.

Tony Banks - Gênesis Primitivo

Na hierarquia dos álbuns solo do Genesis, Tony vem por último. Injustamente, mas último mesmo assim. Com composições no mesmo nível dos antigos membros Anthony Phillips e Steve Hackett, ele merece mais reconhecimento. Tirado da banda, se ele tivesse sido o que saiu em vez de qualquer outro membro, o som que era/é Genesis estaria faltando. Mike Rutherford e Phil Collins produziram alguns grandes singles e álbuns pop, mas esse som, o núcleo central é Tony, e este álbum realmente revela isso.

Psicodélico e sentimental? Provavelmente, mas ele pode agitar quando quer, e com uma vantagem significativa; quando as músicas pop têm complicação ou profundidade suficientes para elevá-las acima do material das paradas, e talvez esse seja o problema. São músicas que exigem uma audição em vez de ruído de fundo de 3 minutos, os ganchos estão lá, mas não estão na sua cara. A voz de Tony Al Stewart/Julian Lennon é boa, até agradável, mas como Julian, a produção de Tony se perde na fera que é Genesis (John sendo o conjurador de sombras de Julian).

O vídeo de "This is Love" é um item divertido, embora histórico, é ok e contém a iguana onipresente que apareceu em tantos vídeos da época; acredita-se que a iguana tenha se aposentado nas Ilhas Galápagos com uma pensão pesada. Aviso: também contém aquele raro avistamento de um Tony Banks rindo. Rumores de mau humor podem ser exagerados.

Tony Bancos 1983

Há vários músicos convidados no álbum. Daryl Stuermer, guitarrista (ao vivo) do Genesis e Phil Collins, toca guitarra. Outros músicos envolvidos são Mo Foster (E-baixo) e Tony Beard, Steve Gadd e Andy Duncan, que tocam bateria em músicas diferentes. Tony produziu o álbum sozinho, com Stephen Short como coprodutor. Short já havia se envolvido com a produção de Wind & Wuthering. The Fugitive é um álbum pop/soft-rock quase todo.

Eu gosto deste álbum, mas parte disso se deve à nostalgia. Ele merecia mais, embora da produção solo de Tony eu prefira A Curious Feeling.

Tony Banks Hoje

Assim como seus álbuns solo posteriores, The Fugitive não foi um grande sucesso, embora definitivamente tivesse potencial. Nem o álbum nem os singles entraram nas paradas. Como acontece com muitos dos projetos solo de Tony, o problema é que eles são muito apertados. Ele deveria ter escrito músicas para os antigos fãs do Genesis e prestar atenção ao gosto das massas... A maioria das músicas não envelheceu muito bem. Embora o crítico goste da voz de Tony, ele não acha que ela sempre combina com as músicas. O álbum ainda vale a pena ouvir, e junto com seu álbum mais recente de 1991 Still, é um bom ponto para começar a explorar a obra solo de Tony Banks.
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Este post consiste em FLACs extraídos do meu vinil imaculado, comprados em meio a uma coleção de álbuns do Genesis no Geelong Bazaar. Felizmente, o preço não era nada parecido com os álbuns do Genesis. Suspeito que o vendedor não tinha a mínima ideia e eu já tinha os LPs do Genesis. É interessante notar que Banks gravou na Atlantic e não com o selo Charisma do Genesis.
Este é um álbum agradável de ouvir e, como já mencionado, seria perdoado pensar que estava ouvindo um álbum de Al Stewart, em vez de um membro-chave do Genesis.
A arte completa do álbum e scans do selo estão incluídos, junto com duas faixas bônus, originadas do lançamento do CD.
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Lista de faixas
01. This is Love (5:17)
02. Man of Spells (3:48)
03. And The Wheels Keep Turning (4:48)
04. Say You'll Never Leave Me (4:35)
05. Thirty Three's (4:43)
06. By You (4:33)
07. At The Edge Of The Night (6:02)
08. Charm (5:27)
09. Moving Under (6:04)
10. K2 (4:02) Faixa bônus
11. Sometime Never (3:42) Faixa bônus

Músicos:
Tony Banks – Teclados e vocais
Daryl Stuermer – Guitarras
Mo Foster – Baixo
Tony Beard – Bateria
Steve Gadd – Bateria
Andy Duncan – Bateria

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MUSICA&SOM

FADOS do FADO...letras de fados...

 

Abençoada por Deus

José Patrício / Amadeu Ramim *fado zeca*

Repertório de Rita Santos 

Eu quero ser o mar onde navegas

A praia onde anseias por descanso

Meus braços que te esperam, tu te entregas

Dos teus beijos, amor, nunca me canso

Eu quero ser o sol que te bronzeia

Ser a sombra feliz que por ti espera

A brisa que a sorrir te despenteia

Sabendo que és a minha primavera

Eu quero repartir contigo, amor

O que de mim é farto em alegria

Meus braços que ao teu corpo dão calor

Não existe a teu lado noite fria

Eu quero ser a luz do teu olhar

Iluminar com fé os olhos meus

Unidos, de mãos dadas caminhar

Ser nossa testemunha, Santo Deus

Aberta à madrugada

Aurelino Costa e Paulo Soares *III estrofe* / Victor Almeida e Silva
Victor Almeida e Silva

Aberta à madrugada
Em cada poema estás
E entras na minha alma
Como um barco no cais

Sol de espuma doce 

Brancura de sentir
Coração perfeito e natural
Como a água da fonte 

Ou um presente de Natal

Aberta à madrugada
Perfeita no teu ser
Em teu corpo me deste
A seiva do prazer

Abraço a Setúbal

Maria Emília Godinho / Leonardo Azevedo

Repertório de António Severino 

É p'ra Setúbal 

Que vai meu abraço

P'ra essa gente 

Que não teme cargas
Homens humildes 

Sem mostrar cansaço
Peixe que salta 

Em chapéus de abas largas

Se o mar é violento 

Com a fé na alma
Esperam o momento 

Que venha a calma
Ouve-se o cantar 

Duma voz que ecoa
Na faina do mar

Quando a pesca é boa

Há que diga até 

Pregão pitoresco
Que só em Setúbal 

o peixe é mais fresco

Com a canastra à cabeça
E pedindo sempre ao céu
Que o peixe vá caindo
Nas abas do seu chapéu

Descarregadores de Setúbal
Fiéis à velha tradição
Peço a Deus que as traineiras

Vos possam sempre dar pão

Banda do Casaco – Coisas do Arco da Velha (LP 1976)

MUSICA&SOM

Banda Do Casaco – Coisas do Arco da Velha (LP Philips – 6330 019, 1976).

Produção: Nuno Rodrigues, António Pinho.

Género: Folk, Rock Progressivo.

“Coisas do Arco da Velha” é o segundo álbum de estúdio do grupo português Banda do Casaco, lançado pelo selo Philips, em 1976. A Banda do Casaco foi um grupo português de rock e folk progressivo, em actividade de 1974 a 1984. Tudo começou em 1973 quando Nuno Rodrigues encontrou um ex-membro de outra banda de prestígio, a Filarmónica Fraude (António Pinho) e decidem formar um novo grupo, que tivesse bastante influencia da música tradicional portuguesa, A Banda do Casaco. Este grupo nasceu da junção de duas bandas: os Plexus, onde tocavam Nuno Rodrigues (guitarra) e Celso Carvalho (violoncelo e contrabaixo), e a Filarmónica Fraude, onde tocavam António Pinho (letras e voz) e Luís Linhares (teclas).

Em 1976, o seu segundo LP "Coisas do Arco da Velha" é editado e a banda manteve o seu estilo satírico, em temas como " Morgadinha dos Canibais" ou " A Mulher do Regedor". Um verdadeiro hino tornou-se a canção "É Triste Não Saber Ler". É um álbum verdadeiramente marcante, uma obra de referência na Nova Música Popular Portuguesa. Foi considerado pela crítica especializada da época como o Melhor Álbum Nacional de 1976. Neste LP, a junção da pesquisa etnográfica com a música pop, cria um trabalho inovador e de grande qualidade ao nível musical que acompanhará toda a carreira do grupo até 1984 quando terminaram. Gravaram sete álbuns.

Faixas/Tracklist:

A1 - Morgadinha dos Canibais (Tradicional da Beira-Baixa) 3:47

A2 - Ai Mê André (Tradicional de Trás-Os-Montes) 4:22

A3 - Romance de Branca-Flor (Tradicional do Algarve) 5:04

A4 – Rigolindo (Nuno Rodrigues, António Pinho) 1:30

A5 - Olá Margarida (Nuno Rodrigues, António Pinho) 5:16

B1 - Canto de Amor e Trabalho (Nuno Rodrigues, António Pinho) 5:43

B2 - É Triste Não Saber Ler (Nuno Rodrigues, António Pinho) 4:15

B3 - Virgolino Faz o Pino (Nuno Rodrigues, António Pinho) 3:45

B4 - A Mulher do Regedor (Nuno Rodrigues, António Pinho) 2:42

B5 - Era Uma Vez Uma Velha (Nuno Rodrigues, António Pinho) 4:46

B6 - Cantiga D'Embalar Avozinhas (Tradicional de Trás-Os-Montes) 1:43

Músicos Intervenientes / Musicians:

Cândida Soares (Branca-Flor) - voz

António Pinho - voz, percussão

Nuno Rodrigues – voz, guitarra, percussão

Luís Linhares – piano, flauta

Mena Amaro – violino, voz

Celso de Carvalho – contrabaixo, violoncelo, vibrafone

Músicos de Apoio / Backing Musicians:

Mike Sergeant - guitarra

Helena Afonso - coros

Armindo Neves - guitarra

Carlos Zíngaro - violino

E colaboraram também: José De Campos E Souza (voz), Armindo Neves, Daphne, Júlio Patrocínio, Rita Rodrigues, Sérgio, Rui Reis, Hélder Reis, João Oliver, António Serafim, José A. Barrocas, Raul Mendes, José Fortes.

NOTA: No álbum, os textos são de António Pinho e as músicas de Nuno Rodrigues. Disco gravado nos Estúdios Rádio Triunfo, em 1976.

Banda do Casaco – Contos da Barbearia (LP 1978 / Portugal)

 

MUSICA&SOM

Banda Do Casaco – Contos da Barbearia (LP EMI – 8E 07240474, 1978 / Portugal).

Produção: Nuno Rodrigues, António Pinho.

Género: Folk, Rock Progressivo, Rock Psicadélico.

A Banda do Casaco foi um grupo português em actividade de 1974 a 1984. Nasceu da junção de duas bandas: os Plexus, onde tocavam Nuno Rodrigues (guitarra) e Celso Carvalho (violoncelo e contrabaixo), e a Filarmónica Fraude, onde tocavam António Pinho (letras e voz) e Luís Linhares (teclas). Em 1978, o grupo mudou de editora (da Philips para a EMI) e gravou o seu quarto LP "Contos da Barbearia" que os próprios membros da banda consideram uma síntese dos seus trabalhos anteriores. Nele são incorporadas as colaborações do contrabaixista José Eduardo e do baterista Vitor Mamede, além do regresso de Zíngaro. "Contos da Barbearia" é, sem dúvida, uma obra-prima da música portuguesa, fora de qualquer tipo de espartilhos e plena de criatividade. Neste disco, a banda continua a reinventar a música tradicional portuguesa e a apresentar excelentes momentos de musicalidade progressiva. Destacamos os temas, “Na Cadeira do Barbeiro”, “O Diabo da Velha” ou “Amo Tracinho Te”. Com o fim da Banda do Casaco em 1984, a música portuguesa ficou sem a irreverência e as letras satíricas, que faziam do grupo um dos mais originais do panorama nacional. Entre 1975 e 1984 a banda gravou 7 álbuns.

Faixas/Tracklist:

A1. Na Cadeira do Barbeiro (António Pinho, Nuno Rodrigues) 3:43

A2. O Diabo da Velha (António Pinho, Nuno Rodrigues) 2:55

A3. A Noite Passada em Caminha (António Pinho, Nuno Rodrigues) 2:33

A4. O Enterro do Tostão (Tradicional , António Pinho, Nuno Rodrigues) 2:49

A5. La Pastorica (Tradicional) 6:13

B1. Malfamagrifada (Tradicional, adapt. António Pinho, Nuno Rodrigues) 1:41

B2. Zás! Pás! (O Casório do Trolha) (António Pinho, Nuno Rodrigues) 4:08

B3. Retrato d'Homenzinho Pequenino com Frasco (António Pinho, Nuno Rodrigues) 3:42

B4. Amo Tracinho Te (António Pinho, Nuno Rodrigues) 4:26

B5. Godofredo Cheio de Medo (António Pinho, Nuno Rodrigues) 2:51

Músicos Intervenientes / Musicians:

Mena Amaro - Voz

Nuno Rodrigues - Voz, Guitarra Acústica, Bombarda, Adufe, Glockenspiel (vibrafone), Harpa, Castanholas, Flauta de Bisel

Celso de Carvalho - Violoncelo, Cítara

Tó Pinheiro da Silva - Flauta

António Pinho - Voz, Adufe, Bombo, Paus de Miranda, Castanholas, Pandeireta, Cistros, Sinos.

Colaboração / collaboration:

Armindo Neves - Guitarra Acústica, Guitarra Elétrica

Jose Eduardo - Baixo Eléctrico, Contrabaixo

Carlos Zíngaro - Violino

Rui Reis - Piano, Órgão, Cravo

Vítor Mamede – Bateria

Jose Barrocas - Flautim

Adácio Pestana - Trompa

António Reis Gomes - Trompete

Rita Rodrigues - Voz em “Malfamagrifada”

Coros - Glória Luz, Guida Veloso, Cristina Janeiro, Vitor Silva, Vitor Reino, Manuel dos Santos, José Moças.

Arranjos: Banda do Casaco com a colaboração especial de Armindo Neves.