07. Loving Her Was Easier (Than Anything I'll Ever Do Again) )
08. Sinead OConnor story
09. Sister Sinead-live
10. legendary figures chat
11. Gaviland
12. They Killed Him
13. chat to commerical
14. movies John Sayles chat
15. Johnny Lobo
16. John Trudell chat
17. The Pilgrim Chapter 33
18. Johnny Cash chat
19. Dear Anna Lee
20. closing
1999 - Em 24 de agosto de 1999, Kris Kristofferson lançou The Austin Sessions pela Atlantic Records. O disco continha versões simplificadas de seu material mais famoso, incluindo "Me and Bobby McGee", "Sunday Mornin' Comin' Down" e "Help Me Make It Through the Night". Vários artistas renomados contribuíram com os vocais para o álbum, incluindo Steve Earle, Jackson Browne, Matraca Berg, Vince Gill, Marc Cohn, Alison Krauss, Catie Curtis e Mark Knopfler. Dois meses depois, em 34 de outubro de 1999, há 25 anos, Kristofferson apareceu no programa "Idio's Delight" de Vin Scelsa, conforme registrado nesta transmissão da WNEW-FM, para discutir o álbum e sua carreira, além de tocar vários de seus clássicos.
de outubro, a WNEW-FM se instalava por cerca de uma semana no Hard Rock Cafe em Manhattan para comemorar o aniversário da emissora. O lendário DJ Scott Muni era o anfitrião da celebração anual. Inúmeros convidados apareciam e passavam de alguns minutos a uma hora com a emissora, alguns apenas dando entrevistas e outros fazendo apresentações completas. Em 25 de outubro de 1991, há 31 anos, Chris Difford e Glenn Tilbrook passaram pelo Hard Rock Cafe para visitar Muni, promover seu álbum recém-lançado e tocar um breve set acústico. Esta transmissão em FM captura tudo, incluindo um bônus especial com Heart cantando Parabéns para Você para a emissora.
**with Elvis Costello, Steve Miller, Jackson Browne, Edie Brickell and the New Bohemians, Cheech Marin
1990 - Em 26 de outubro de 1990, há 34 anos, Neil Young apresentou o 4º evento beneficente anual da Bridge School (que não teve show em 1987) no Anfiteatro Shoreline em Mountain View, Califórnia. O lineup incluía Elvis Costello, Steve Miller, Jackson Browne, Edie Brickell and the New Bohemians e Cheech Marin. Esta gravação soundboard captura o show de Neil naquele dia, juntamente com o enocre com todos os seus convidados.
1992 - Em agosto de 1991, os Spin Doctors lançaram seu álbum de estreia, Pocket Full Of Kryptonite, mas ele mal recebeu atenção comercial ou da crítica. Demorou quase um ano para que o público se interessasse pelo álbum, impulsionado pela MTv exibindo vídeos de Two Princes e Little Miss Can't be Wrong. As vendas dispararam repentinamente, com o álbum recebendo disco de ouro em setembro de 1992 e alcançando triplo disco de platina em junho de 1993. O disco alcançou a terceira posição nas paradas da Billboard, e os dois singles mencionados anteriormente chegaram ao top 20. Aliás, o título do álbum vem de um verso da faixa de abertura, Jimmy Olsen's Blues, que não entrou nas paradas quando foi lançada originalmente, mas acabou entrando no Top 100 da Billboard após o grande sucesso comercial da banda. Esta gravação soundboard captura a banda no auge do sucesso comercial, em Brookville, Nova York, em 27 de outubro de 1992
BLOOD, SWEAT & TEARS ''THE COMPLETE COLUMBIA SINGLES, DISC ONE'' JANUARY 7 2014 112:30 ********** DISC ONE 1 I Can't Quit Her Al Kooper / Irwin Levine 3:35 2 House in the Country Al Kooper 3:06 3 You’ve Made Me So Very Happy Brenda Holloway / Patrice Holloway / Berry Gordy, Jr. / Frank Wilson 3:31 4 Blues, Pt. 2 David Clayton-Thomas / Bobby Colomby / Steven Katz / Fred Lipsius / Blood, Sweat & Tears 5:27 5 Spinning Wheel David Clayton-Thomas 2:41 6 More and More Don Juan / Pea Vee Smith 2:43 7 And When I Die Laura Nyro 3:27 8 Sometimes in Winter Steve Katz 3:10 9 Hi-De-Ho Gerry Goffin / Carole King 3:59 10 The Battle Dick Halligan / Steve Katz 2:42 11 Lucretia Mac Evil David Clayton-Thomas 3:06 12 Lucretia's Reprise Blood, Sweat & Tears 2:18 13 Go Down Gamblin' David Clayton-Thomas 2:48 14 Valentine's Day Steve Katz 3:58 15 Lisa, Listen to Me David Clayton-Thomas / Dick Halligan 2:41 16 Cowboys and Indians Dick Halligan / Terry Kirkman 3:08 ***** DISC TWO 1 So Long Dixie Barry Mann / Cynthia Weil 4:27 2 Alone Lou Marini 4:15 3 I Can’t Move No Mountains Michael Gately / Robert John 2:56 4 Velvet Jeff Kent 3:29 5 Roller Coaster Mark James 3:21 6 Inner Crisis 5:41 7 Save Our Ship Georg "Jojje" Wadenius / Cynthia Weil 3:43 8 Song for John Lou Marini 2:55 9 Tell Me That I’m Wrong Patricia Cosby 2:29 10 Rock Reprise David Bargeron / Jerry Fischer / Jerry Lacroix 2:14 11 Got to Get You Into My Life John Lennon / Paul McCartney 3:16 12 Naked Man Randy Newman 3:59 13 No Show David Clayton-Thomas 3:35 14 Yesterday’s Music Ron McClure 5:14 15 You’re the One David Clayton-Thomas 3:13 16 /Heavy Blue 5:23
O Blood, Sweat & Tears não é estranho às rádios de oldies, mas mesmo assim, eles só têm alguns singles em rotação constante: "You've Made Me So Very Happy", "Spinning Wheel", "And When I Die" e talvez "Hi-De-Ho". "You're the One", um single Top 10 da Adult Contemporary de 1976, raramente é ouvido e é apenas uma das muitas músicas lançadas nos lados A e B de singles lançados entre 1968 e 1976, todos compilados no conjunto duplo de 2014 do Real Gone, The Complete Columbia Singles. É bem sabido que o Blood, Sweat & Tears começou como uma banda de jazz-rock aventureira liderada por Al Kooper, mas é menos conhecido que o grupo era bastante inconstante no final, especialmente durante os poucos anos em que o vocalista David Clayton-Thomas esteve ausente em carreira solo. Esta é a música que compõe o segundo disco deste conjunto e o curioso é que até mesmo os lados A durante este tempo refletem como o grupo continuaria a deriva em sua odisseia do jazz. Fãs dos clássicos antigos provavelmente não acharão isso atraente, mas adicionar esses singles modernos, junto com alguns dos momentos mais selvagens do início, transforma The Complete Columbia Singles em algo raro e necessário na discografia do BST: um retrato completo do auge do grupo, do início ao fim.
BLOOD, SWEAT & TEARS ''THE COMPLETE COLUMBIA SINGLES, DISC TWO'' JANUARY 7 2014 112:30 ********** DISC ONE 1 I Can't Quit Her Al Kooper / Irwin Levine 3:35 2 House in the Country Al Kooper 3:06 3 You’ve Made Me So Very Happy Brenda Holloway / Patrice Holloway / Berry Gordy, Jr. / Frank Wilson 3:31 4 Blues, Pt. 2 David Clayton-Thomas / Bobby Colomby / Steven Katz / Fred Lipsius / Blood, Sweat & Tears 5:27 5 Spinning Wheel David Clayton-Thomas 2:41 6 More and More Don Juan / Pea Vee Smith 2:43 7 And When I Die Laura Nyro 3:27 8 Sometimes in Winter Steve Katz 3:10 9 Hi-De-Ho Gerry Goffin / Carole King 3:59 10 The Battle Dick Halligan / Steve Katz 2:42 11 Lucretia Mac Evil David Clayton-Thomas 3:06 12 Lucretia's Reprise Blood, Sweat & Tears 2:18 13 Go Down Gamblin' David Clayton-Thomas 2:48 14 Valentine's Day Steve Katz 3:58 15 Lisa, Listen to Me David Clayton-Thomas / Dick Halligan 2:41 16 Cowboys and Indians Dick Halligan / Terry Kirkman 3:08 ***** DISC TWO 1 So Long Dixie Barry Mann / Cynthia Weil 4:27 2 Alone Lou Marini 4:15 3 I Can’t Move No Mountains Michael Gately / Robert John 2:56 4 Velvet Jeff Kent 3:29 5 Roller Coaster Mark James 3:21 6 Inner Crisis 5:41 7 Save Our Ship Georg "Jojje" Wadenius / Cynthia Weil 3:43 8 Song for John Lou Marini 2:55 9 Tell Me That I’m Wrong Patricia Cosby 2:29 10 Rock Reprise David Bargeron / Jerry Fischer / Jerry Lacroix 2:14 11 Got to Get You Into My Life John Lennon / Paul McCartney 3:16 12 Naked Man Randy Newman 3:59 13 No Show David Clayton-Thomas 3:35 14 Yesterday’s Music Ron McClure 5:14 15 You’re the One David Clayton-Thomas 3:13 16 /Heavy Blue 5:23
Felix Manuel, o DJ e produtor mais conhecido como Djrum , tem um jeito com truques de mão. Em uma entrevista com o Resident Advisor, ele explicou algumas de suas técnicas de mixagem favoritas. Uma delas é usar um disco ambiente para encenar uma mudança dramática de energia. Outra é o crab, um truque do hip-hop old school em que você usa o polegar e três dedos para tocar o crossfader, provocando o próximo disco em pequenos e rápidos movimentos. Movimentos como esses permitem que Manuel, armado com nada mais do que uma bolsa de discos, um mixer e três toca-discos (estilo batalha de configuração), mova-se agilmente por dubstep, drum'n'bass, breakcore, house, techno, hip-hop, trip-hop, drone, jazz, soul, clássico, gabber, o que for — tudo em um set. Pule para qualquer ponto em seu recente mix essencial da BBC, que arrasa...
...ouvir 62 discos em duas horas, e você vai entender a ideia. Alguém mais já conseguiu arranhar a voz de Arthur Russell com bumbos galopantes?
Under Tangled Silence , o terceiro álbum de Manuel, realiza um feito semelhante, mas com um efeito mais sutil e poético. Assim como seus sets de DJ, o álbum se inspira em todos os cantos de seu universo musical, canalizando tanto sua formação em piano clássico quanto seus momentos transformadores em squat raves londrinas. Mas, diferentemente da barulhenta e barulhenta de sua discotecagem, Under Tangled Silence destila esses sons em algo fluido, harmonioso e tecnicamente virtuoso. Sua fineza rítmica conduz a maior parte do álbum, mas este não é exatamente um disco de dança; é um levantamento mercurial do que soa como as emoções mais profundas de Manuel, entregue com um nível de nuance raro na música eletrônica.
No coração do álbum está uma síntese hábil de tradições musicais totalmente distintas. Manuel toca piano desde os sete anos de idade, mas só gradualmente incorporou o instrumento aos seus discos. Em 2016, ele disse a um entrevistador que as partes de piano em seu EP Forgetting haviam sido "basicamente compostas, em vez de improvisadas", acrescentando que a improvisação "ainda não havia se infiltrado adequadamente na minha produção". Aqui, o piano é o instrumento principal do álbum, em grande parte aparentemente improvisado. (Manuel diz que "Waxcap", a segunda faixa do álbum, começou como uma improvisação jazzística que ele posteriormente desenvolveu.)
Há também outros instrumentos ao vivo. Manuel toca harpa, percussão e mbira, e conta com a antiga colaboradora Zosia Jagodzinska para toques suaves de violoncelo. Mas a fusão de jazz, música clássica e dance music vai além da instrumentação, chegando aos arranjos, tanto em músicas individuais quanto no álbum como um todo. Enquanto a maioria das músicas dance funciona em frases de oito ou 16 compassos, atraindo o ouvinte para um groove hipnótico, Under Tangled Silence raramente se repete por mais do que alguns compassos de cada vez. Inclinando-se e ziguezagueando, mergulhando e planando, as composições de Manuel se movem como um murmúrio de pássaros.
O álbum tem a mesma qualidade subjacente que faz os sets de DJ de Manuel, que alternam gêneros, funcionarem: um ritmo e uma energia ousados, mas suaves, um senso de narrativa imprevisível, mas intuitivo. Cada música traça seu próprio caminho sinuoso e, em seguida, se junta perfeitamente à seguinte para formar uma forma maior e lindamente sinuosa. Se você traçasse o arco do álbum graficamente, pareceria uma caligrafia, cheia de saltos, loops e curvas elegantes.
No entanto, o caminho que segue é cuidadosamente traçado. "A Tune for Us" e "Waxcap" preparam o cenário, misturando o espiritualismo ao estilo de Alice Coltrane (címbalos brilhantes, blocos de madeira, cordas sedosas) com elementos do clube britânico (batidas pós-dubstep, uma linha de baixo vários tons mais sutil que um Reese). "Unweaving" consiste em pouco mais do que Manuel ao piano, com o som dos pedais em movimento. Essa faixa é um limpador de paladar para uma seção intermediária impulsionada por batidas lentas, parte dancehall ("L'Ancienne"), parte gqom ("Galaxy In Silence"), embora, a esta altura do álbum, os elementos tradicionais do gênero tenham perdido qualquer relevância real.
Outra pausa — ou "Reprise", como Manuel a chama — traz notas sombrias de Sigur Rós ou Stars of the Lid antes de embarcar na sequência final do álbum. Na sequência final de faixas, Manuel executa seu maior truque até agora: usar elementos dos estilos mais caóticos da dance music para criar algo que é, por vezes, alegre, romântico e melancólico. "Three Foxes Chasing Each Other" e "Let Me" flertam com elementos de breakcore e gabber, todos com andamentos impetuosos e bumbos de metralhadora — mas também com mbira, piano e o som de crianças brincando. O ritmo solto do dubstep de "Out of Dust" oferece um respiro rápido, mas então a pressão aumenta como uma chaleira fervendo. O álbum termina com "Sycamore", um épico de 11 minutos e 170 BPM que é ao mesmo tempo frenético e relaxante, ritmicamente alucinante e emocionalmente rico, sinuoso e ziguezagueante, mas sempre uma jornada suave.
Esse tipo de equilíbrio delicado é a essência deste álbum, e é algo que Manuel só recentemente aperfeiçoou. Seus discos ao longo da década de 2010 foram impecavelmente produzidos e ricamente imaginados, mas frequentemente sinalizavam um potencial que não alcançavam. Alguns se aproximavam de convenções de clubes do Reino Unido que pareciam abaixo dele (mas não estavam isentos de seus pontos altos, como "LA", de 2016). Mais frequentemente, suas tentativas de emoção e vulnerabilidade simplesmente ultrapassavam o alvo. A combinação de cordas tristes e batidas de clube poderia soar um pouco melodramática. Alguns dos samples de palavras faladas — que não há neste álbum — exageravam ("Eu te mostrarei minhas cicatrizes/Você me mostrará as estrelas").
Olhando para trás, seu trabalho anterior parece uma longa e paciente jornada em direção a uma meta ambiciosa, da qual Manuel se aproximava a cada novo disco — até que, de repente, ele chegou. Talvez esse aparente salto tenha a ver com ele perder quase o trabalho de um álbum durante a COVID e ser forçado a começar do zero. Talvez tenha sido apenas uma questão de anos de trabalho e dedicação a um som que finalmente valeu a pena. De qualquer forma, Meaning's Edge , lançado em outubro passado pela Houndstooth (o braço de gravadora da boate Fabric de Londres, que também lançou este álbum), representou uma mudança radical em sua música. Esse foi seu melhor disco até aquele momento e foi superado um mês depois pelo que pode permanecer sua melhor faixa: um remix de 10 minutos, multitempo e multigênero, de "Ganzfeld", do Objekt, que um DJ chamou de "a rapsódia boêmia da cena da música eletrônica". Com Under Tangled Silence , Djrum se superou novamente. É um bálsamo, um devaneio, um portal confiável para um lugar mais encantador e um dos álbuns eletrônicos mais deslumbrantes dos últimos anos.
“Adoro ter musas na minha vida”, disse a pianista e cantora Eliana Glass, de 27 anos, à Tone Glow em uma entrevista em abril sobre a produção de E. Glass . “Você se inspira nelas, e algum elemento delas fica gravado na música para sempre.” Seu novo álbum mostra como escolhas simples na prática artística de uma pessoa podem brilhar com a luz de muitas conexões passadas. Glass tem uma voz marcante — suave, vigorosa e pé no chão, com uma subcorrente excitável que demonstra seu entusiasmo pelo canto como ofício. Ela usa as ferramentas metódicas e maleáveis do jazz vocal para explorar as maneiras como a vida de outras pessoas reverbera na nossa — por meio de suas canções, suas palavras ou simplesmente suas presenças. A reverência do álbum pelas diversas…
...os relacionamentos que a inspiraram são mais evidentes em sua constelação de pontos de referência musicais, tanto explícitos quanto tangenciais. Glass interpreta obras de Carla Bley, Karin Krog (“Sing Me Softly the Blues”) e Annette Peacock (“Dreams”), e em “Song for Emahoy” canaliza a contemplação suave e cromática da freira e pianista etíope Emahoy Tsege Mariam Gebru. A austeridade assombrosa dos arranjos de Glass em músicas como “All My Life” e sua atenção aos contornos emocionais de cada sílaba, às vezes a posicionam como uma espécie de Patty Waters da Geração Z. Glass seguiu um caminho não convencional em sua educação musical, mais interessada na liberdade de quebrar regras de Nina Simone ou Elizabeth Fraser do que no manual típico para um estudante de jazz vocal. Essa curiosidade é palpável em E , que evita qualquer modo singular para, em vez disso, perseguir a diversão da descoberta, adaptação e homenagem. Até mesmo uma música mais direta como "On the Way Down", coescrita com Costa, irmão de Eliana, irradia um espírito generoso, como se pertencesse a um canto intimista, em vez de confinada a um álbum solo. Todos os tipos de pessoas habitam essas músicas.
Glass destaca seu processo em Mi, fazendo-o parecer circular, como se uma vida plena fosse vivida dentro da lista de faixas do álbum; quando ela encontra o caminho para as mesmas palavras ou progressões de acordes em várias músicas, parece alongar um músculo ou recair em um velho hábito. A contenção da instrumentação (principalmente piano, baixo e bateria), apesar da extensão formal do álbum, significa que qualquer pequena mudança na atmosfera espectral pode sugerir algo profundo. Uma camada adicional de gravações de campo na sinistra "Dreams" relembra aquelas manhãs proustianas, quando tudo no mundo parece momentaneamente novo, indelével e estranho. Glass é uma nostálgica, em certo sentido, mas o passado que ela busca não está trancado. À medida que você se familiariza com suas tendências como improvisadora, você se pega esperando dolorosamente que ela resolva cada frase em seu piano: sentindo, pensando e lembrando junto com ela, assim como ela faz, por sua vez, junto com suas próprias musas.
" E " pode ser angustiante em um momento e instigante no seguinte. Em "Human Dust", Glass canta e fala a peça da artista conceitual Agnes Denes, um longo texto que descreve a vida, a família e as realizações de um homem morto exposto ao lado de seus restos mortais calcificados. A música é engraçada e hipnótica — não apenas por seu estranho casamento entre forma e conteúdo, que faz sua voz se prolongar em suas peculiaridades, mas porque qualquer pessoa com uma educação musical voraz se identificará com a compulsão de cantar de uma placa de museu (ou, digamos, de uma caixa de cereal) só porque pode. "Eu também decorei", disse Glass sobre o texto de Denes, que ela adaptou a uma melodia improvisada. "Esta vida [no texto] deve ser internalizada para que os fatos estejam em algum lugar dentro de mim." Ela faz com que interpretar a arte de outras pessoas e seus efeitos em nossas almas (uma provação infame e inescrutável) pareça tão natural e essencial quanto respirar.
O ângulo vicário e exploratório da música de Glass lhe confere uma energia mais nerd do que a mística contida de suas inspirações mais antigas; a magia pode parecer mais mundana quando você se concentra no que está por trás da cortina. Exercícios imagéticos sussurrantes como "Solid Stone", embora bastante reflexivos, soam musicalmente discretos, incapazes de preencher o vasto mundo interior que o álbum evoca. Mas as gravações de Glass têm nuances táteis que um estilo mais contido não conseguiria alcançar. "Good Friends Call Me E" é o centro narrativo do álbum, uma reflexão trêmula sobre apegos de infância, términos e crescimento pessoal. A música soa atemporal, mas sua perspectiva como cantora e compositora – a maneira como ela constrói uma identidade a partir de detalhes vulneráveis e discursivos (“bons amigos me chamam de E como meu pai faz”), deixando a melodia se esvair, divagar e se repetir, como se estivesse desabafando com alguém próximo – é sutilmente contemporânea. Ela administra o intervalo estranho entre os sons vocálicos consecutivos de "E" do título ("me-E") com uma obstinação que transforma sua primeira inicial em um emblema.
A música atinge uma veia emocional rica para uma pessoa na faixa dos 20 anos: uma atitude de maturidade conquistada a duras penas por alguém ainda jovem o suficiente para apreciar mudanças sísmicas em seu autoconceito a cada ano que passa. "Eu chorei demais e não consigo mais chorar", ela canta. Um verso como esse nunca é estritamente verdadeiro — sempre há mais choro para chorar —, mas pode parecer verdadeiro, e Glass é habilidosa em isolar os momentos que a oprimem, percebendo exatamente quando uma nuvem escura que a envolve está pronta para se dissipar em uma clareza nova e surpreendente. Quando ela repete "Good Friends Call Me E", no final do álbum, a melodia é mais solta e leve. Você perceberá os diferentes caminhos que ela percorre nas letras e se perguntará sobre quais amigos ela estará cantando desta vez. Seu estudo arregalado de sua tradição musical improvisada é um canal ideal para a introspecção. É um processo de sempre reinventar a roda, cometendo erros imprevisíveis até aprender a prevê-los — assim como crescer.
…Com seu LP de estreia, a dupla Teen Mortgage, de Washington, DC, entrega um rock sujo de primeira, perfeito para qualquer ocasião que precise de acordes poderosos e harmonias desgrenhadas. Devil Ultrasonic Dream é composto por 11 músicas extremamente cativantes — quase exclusivamente com menos de 3 minutos de duração — com guitarra estridente, versos motorizados e refrões enormes e harmonizados. As letras focam em tópicos como festas, ocultismo, festas onde coisas ocultas podem acontecer e guerra de classes. Os ouvintes entrarão neste álbum completamente sóbrios e sairão com uma onda de cervejas pela pura insistência de seus ganchos cantadores e energia indomável. É um rock deliciosamente dopado que soa como um AC/DC grunge, só que com menos misoginia e mais abuso de substâncias. Ou talvez soe…
...como os Misfits clássicos, com vocais de cortar a garganta, acesso a equipamentos de gravação modernos e uma bagagem extracurricular muito menos odiosa.
Ambas as bandas são comparações especialmente adequadas porque suas apresentações estúpidas e reputações monotemáticas podem obscurecer sua variedade sutil, o quão coesas eram e a dificuldade do que faziam. A guitarra estridente e os vocais latidos de James Guile, combinados com a bateria agressiva de Edward Barakauskas, simbolizam o hard rock, mas, em sua essência, Devil Ultrasonic Dream é um álbum pop do início dos anos 60. São faixas e mais faixas de canções bem elaboradas, verso-refrão-verso, que explodem dos alto-falantes e entram na sua cabeça. Barakauskas frequentemente se junta a eles quando as músicas atingem o refrão ou emprega alguns gemidos de apoio "uau-uau" que ajudam a ancorar as melodias no interior da sua cabeça. As músicas compartilham temas líricos, culminando em uma faixa de encerramento mais longa. No entanto, não há um arco de duração de álbum, pseudoconceito ou razão verdadeiramente convincente — além da duração e da qualidade do material — para consumir esta música em uma única audição. Quem já acompanhou os lançamentos mono de bandas da época da Invasão Britânica reconhecerá essa sensação. Tudo é agradável e faz sentido em conjunto, mas as partes não se somam para formar uma soma grandiosa e unificadora.
No entanto, aqueles que decidirem bater cabeça por 30 minutos seguidos não ficarão entediados. Embora não haja mudanças sísmicas no som do Teen Mortgage de uma música para outra, há variedade suficiente para diferenciá-los claramente. Geralmente, essas fraquezas definidoras são divertidas. "Party" usa panning em sua introdução para um efeito de chamar a atenção. Em vez dos efeitos sonoros ou da guitarra que abrem a maioria das faixas, "I Don't Wanna Know" começa com um suspiro nebuloso e quase inaudível que se repete como uma picada vocal do começo ao fim. É um truque bem parecido com o vocal agudo de "Where Is My Mind", do Pixies, mas o Teen Mortgage nunca o leva para o centro do palco, optando por esmaecer a música — e o álbum — com segundos de feedback discordante. "Personal Hell" abre com o que deve ser uma homenagem a "El Scorcho", do Weezer, já que o Teen Mortgage é companheiro de turnê de Rivers Cuomo e companhia. “Ride” acelera um pouco mais o ritmo do que outras faixas, enquanto os ingredientes básicos — guitarra, bateria, harmonia para duas pessoas — mantêm as coisas frescas.
Além de ser a música mais rápida do álbum, "Ride" exemplifica os pontos fortes do Devil Ultrasonic Dream . O primeiro é a guitarra de Guile. Seja um solo incendiário ou estabelecendo a melodia de uma música, ele está em ótima forma do começo ao fim. O outro é como a música do Teen Mortgage soa completa, apesar de ser uma banda de duas pessoas. "Ride" começa com um riff rápido e scratch que detona em uma bomba de guitarra antes que as coisas fiquem altas. É um momento que parece e soa como a chegada estrondosa de uma banda completa. A estrutura inteligente da música e a personalidade da bateria de Barakauskas merecem muito crédito por essa sensação em "Ride", mas é uma qualidade que se mantém válida para o resto do álbum também. Fazer música cativante e alta, capaz de levar uma multidão a fazer mosh ou levantar o punho enquanto grita em uníssono, não é tarefa fácil para ninguém, mas é especialmente impressionante quando são apenas dois caras suados tocando a melodia
… O novo LP de Colin Miller , Losin' , é mais um exemplo de um Tar Heel entrando no Drop of Sun Studios e saindo com o melhor álbum de sua carreira. Há algo na água nas Carolinas; gravações recentes como Big Ugly , de Fust, Watch Me Drive Them Dogs Wild , de Merce Lemon , Manning Fireworks , de MJ Lenderman , e Dulling the Horns , de Wild Pink, são uma boa amostra do currículo potente e quase infalível do produtor/engenheiro/mixer Alex Farrar, todos os quais ganharam vida ou cruzaram a linha de chegada no estúdio de Asheville no último ano. Miller tem circulado por essa comunidade há algum tempo. Ele é o baterista da banda ao vivo de Lenderman, The Wind, e seu disco de estreia, Haw Creek , de 2023 — chamado…
...de um bairro da zona leste de Asheville — era um retrato notavelmente empático de sua cidade natal. "Just to Be Around You" era coloquialmente minimalista, mas imediatamente familiar. "I did donuts outside of your work at the Dollar Tree. I know you saw me, and the morning light kissed my dirt bike" soou como um fim de semana que ainda acontecia em algum lugar, mas em nenhum lugar em particular. Haw Creek era fragmentado e despojado, apresentando samples de breakbeat mais alinhados com a era lo-fi de Hovvdy do que, digamos, com o country rock que transborda de Drop of Sun hoje em dia. Era música de cantor e compositor, com um forte componente de compositor — faixas como "Sweetheartmetalbaby" e "Never Wanna" funcionavam porque suas conexões eram muito ternas, muito emocionais para serem ignoradas. Você podia cantar na boca de um grito e os sons de Haw Creek ecoavam de volta.
O contemporâneo Appalachian Songbook está em boas mãos, graças a compositores como Miller. Losin' é um tremendo motivo de luto, lugar e vidas lembradas como placas de trânsito. Miller gravou o álbum em homenagem ao seu falecido senhorio, transformado em figura paterna, Gary King, que faleceu em julho de 2022. Ele alugou a casa de King por 13 anos e se tornou o zelador da propriedade (e de King), cortando plantações de tabaco e observando automóveis enferrujados caírem na terra. Você pode sentir King, que já foi motorista de caminhão, dono de oficina mecânica e frequentador de clubes de carros em Asheville, nessas nove músicas. A família e os amigos de King venderam seus pertences aos poucos por dois anos, enquanto Miller permanecia na propriedade, compondo a música que se tornaria Losin' .
Losin' é uma atualização completa do material de Haw Creek , e Miller se aprimorou em todas as áreas pertinentes — canto, composição, execução, tudo. "Porchlight", que se desvia e sofre com o pedal steel de Xandy Chelmis, é um conto de desilusão amorosa, perdido na tradução, como um navio na noite. Mas nosso narrador não é um idiota abandonado. Ele pode estar esperando por uma antiga paixão em casa, mas alguém em Beaumont, Texas, está igualmente apaixonado por ele. Lenderman troca de papéis com Miller e se posiciona atrás da bateria, soltando-se em uma caixa que chocalha como uma caixa de estalos. "Porchlight" é uma faixa com harmonias que poderiam rugir em 105.5: a rotação diária do Outlaw, e "Darlin', you know you're still my #1 tube-top angel" pode muito bem ser considerada a letra do ano.
Em vinhetas de folk de quarto colorido e caipira, Miller doma o sofrimento da vida mesquinha com uma linguagem rural falada na escuridão da vida adulta sentimental ("É um bom dia no ferro-velho, é um dia ruim para o meu coração"). Uma faixa como "Cadillac" soa naturalmente atemporal, arranjada com renderizações de acidentes na NASCAR, vidros escuros, risadas dentuças e rotinas de "chupando café, Pall Malls e oxigênio". A micro e a macroculpa invadem como uma onda de calor de verão, mas é possível encontrar esboços da imagem amada de King nas fraquezas, enquanto Miller canta "lá se vai toda a minha esperança por você" e seus vocais se acumulam em duplas, talvez triplas, antes de se fixarem nos solos de guitarra de Lenderman — linhas escurecidas com a quantidade certa de lama.
O fundo de "4 Wheeler" é envolto em decorações ambientais, e os dedilhados da guitarra vibram sobre falhas desbotadas do sintetizador. Miller contagia os passantes com a perda, cantando: "Vi você perder chorando no jogo beneficente, vi você perder o fôlego na caverna da cerveja. Então, beba uma cerveja para me provar que você consegue dirigir mais rápido na chuva". "Hasbeen", de dois minutos, é um instantâneo nebuloso e submerso da dor cotidiana temperada com guitarras de rock and roll. "Eu era um motor enferrujando na floresta lá atrás" torna a música profunda até que ela se torna repentinamente comum, enquanto Miller se acomoda em si mesmo e fica sobrecarregado na faixa de drive-thru de um Wendy's. Ele retorna para lá na teimosa e surrada "Little Devil", limpando seu relógio no estacionamento antes de voltar para casa, enrolando-se em um fio de telefone fixo e brincando de fofo com um amante que está indo embora: "Você é meu anjinho country, você é meu querido diabinho".
Essa paixão boba esmaece em "I Need a Friend", um apelo suave e animado por graça. O pedal steel de Chelmis faz as perguntas que Miller responde, e a música termina com um reconhecimento sem rodeios: "Talvez eu só precisasse ser o primeiro a ir embora". Em "Lost Again", Miller se preocupa com as danças do casamento enquanto gira no gramado da frente. A estrutura é porosa o suficiente para preencher o vazio, e sua vulnerabilidade é primordial. "Nenhum Ford Mustang vai te arrastar de volta para mim", declara Miller, transformando "Lost Again" em "Wild Horses" do paraíso caipira. É sua maior homenagem a King, cuja ausência aquece nos detalhes que passam despercebidos: "Eu não preciso de outra manhã de Natal, eu não preciso de outro bolo de aniversário. Eu só preciso de você aqui por um segundo".
“Losin'” não é apenas uma verdade nominal, mas um encapsulamento de tudo o que o segundo disco de Miller almeja. Suas músicas chegam em fluxo, oscilando entre relacionamentos fracassados e vidas fracassadas, e suas letras são rabiscadas como poesia borrada em cartões-postais em trânsito. Tudo o que é sentimental está fora do lugar, até mesmo os anjos de neve e as bolas de discoteca adormecidas, mas tudo retorna suavemente ao centro — porque a verdade sobre o luto é que ele é tão doloroso quanto um resfriado comum. Ele toca tudo e todos, mas desaparece, o que também deve ser celebrado. Aquele copo do qual King bebeu, argumenta Miller, se encherá novamente. Há algo na memória que mantém a luz acesa. Quando as guitarras se curam e retornam, o mesmo acontece com as partes de você que um dia desapareceram.
Em "Thunder Road", um tributo cantado a Springsteen e King (ambos, eu diria, trovadores amados com legados em pé de igualdade), um Miller de olhos arregalados brilha em paz, e merecidamente: "Estou pensando em você, e você pode colocar seus sapatos debaixo da minha cama a qualquer momento." Parece que ele encontrou sua voz depois de perder aquela que o guiou amorosamente por tanto tempo, enquanto uma amizade bem cuidada se rende ao inevitável — mas não sem gestos merecidos de gratidão desgastada. Losin' mergulha no que é injusto e infeliz, e a pior parte da piada da morte é estar muito envolvido na piada. Mas, se você tiver sorte, suas risadas furarão o sinal vermelho e o levarão a um lugar mais doce do que o paraíso que o espera nos trilhos.
