CRONICA - JEFFERSON AIRPLANE | Takes Off (1966)

 

Uma das figuras emblemáticas do acid rock californiano, triunfante no festival de Woodstock, porta-estandarte de uma próspera contracultura americana. Jefferson Airplane é uma daquelas bandas que definiram uma era.

O grupo foi formado no verão de 1965 em São Francisco, quando a cidade começava a se tornar um foco de protestos, experimentação artística e revolução social. Nas ruas de Haight-Ashbury, entre cafés populares, acontecimentos beatniks e as primeiras ondas psicodélicas, uma nova geração busca quebrar as amarras. Foi nesse turbilhão que Marty Balin, um jovem cantor criado ouvindo pop e jazz, decidiu fundar um grupo na encruzilhada de gêneros. Ele uniu forças com o guitarrista Paul Kantner, um ativista de esquerda e leitor de ficção científica, para lançar as pedras fundamentais do Jefferson Airplane.

Para dar palco à sua música e a esse movimento emergente, Marty Balin também fundou um clube: o Matrix Club, localizado na Fillmore Street. Foi lá, nesta modesta sala com aparência de laboratório de som, que o Jefferson Airplane deu seus primeiros shows e forjou sua identidade. Matrix rapidamente se tornou um marco na cena psicodélica de São Francisco, logo recebendo uma constelação de artistas promissores, incluindo Grace Slick.

Em torno de Marty Balin e Paul Kantner logo gravitaram Jorma Kaukanem (guitarra solo), Jack Casady (baixo), Skip Spence (bateria, mais tarde substituído por Spencer Dryden) e a cantora Signe Anderson, cuja voz calorosa ancora o grupo em suas raízes folk-blues. Diferentemente de outras bandas da época, o Jefferson Airplane não nasceu em uma garagem, mas nos clubes boêmios da Costa Oeste.

Os Estados Unidos em 1965 estão divididos: a Guerra do Vietnã se arrasta, as lutas pelos direitos civis abalaram o país e uma juventude cada vez mais politizada rejeitou os valores conservadores dos mais velhos. Em São Francisco, esse protesto assume uma forma particular, misturando espiritualidade, drogas psicodélicas, arte experimental e utopia comunitária. Jefferson Airplane, com suas guitarras amplificadas, letras carregadas de metáforas e atitude rebelde, está prestes a se tornar a trilha sonora de um sonho acordado... ou de uma viagem coletiva. Era uma época em que as pessoas ainda acreditavam que a música poderia mudar o mundo.

Também em 1965, quando a cena de São Francisco começou a atrair a atenção de grandes gravadoras, o Jefferson Airplane se tornou uma das primeiras bandas psicodélicas da Costa Oeste a assinar com uma grande gravadora: a RCA Victor. Um golpe de mestre para a época. Enquanto outras gravadoras hesitam diante dos supostos excessos dessa juventude rebelde, a RCA percebe o potencial de uma geração em ruptura. O grupo, ainda em processo de formação, entrou em estúdio no início de 1966 com o engenheiro Dave Hassinger, conhecido por seu trabalho com os Rolling Stones.

Antes mesmo do lançamento do álbum, a banda lançou seu primeiro single: "It's No Secret", uma música composta por Marty Balin, que incorpora perfeitamente a mistura de romantismo folk e energia elétrica que a banda quer transmitir. A música teve um pequeno sucesso local, o suficiente para despertar a curiosidade da imprensa musical e dos programadores de rádio underground. Este é um primeiro passo, modesto mas promissor, que permitirá que o álbum veja a luz do dia em boas condições.

O resultado: Takes Off , um primeiro álbum na encruzilhada do folk rock e da psicodelia nascente, bem antes da explosão colorida do verão de 1967. Gravado ao longo de alguns meses, entre janeiro e fevereiro de 1966, o álbum foi lançado em agosto do mesmo ano. Embora continue muito influenciado pelos Byrds, Lovin' Spoonful e Bob Dylan, ele revela uma voz única, pronta para se libertar dos códigos. O som é claro, às vezes ainda sábio, mas já esticado em direção a outra coisa.

Takes Off abre com o ameaçador "Blues from an Airplane", anunciando imediatamente um tom mais sério do que o esperado. O grupo navega entre o folk-rock animado ("Let Me In", "Run Around"), o romantismo elétrico ("Bringing Me Down", "Don't Slip Away") e baladas mais problemáticas ("Come Up the Years"), conduzidos pela voz vibrante de Marty Balin e as harmonias de Signe Anderson. O single "It's No Secret", com seu refrão claro e cativante, captura o espírito do álbum: entre a acessibilidade pop e a urgência contida. O cover tranquilo de "Let's Get Together", doce e despojado, coloca o Jefferson Airplane de volta ao movimento emergente de paz e amor.

Algumas faixas mergulham em uma veia mais sombria: o cover hipnótico e áspero de "Tobacco Road" mergulha no blues de garagem, enquanto "Chauffeur Blues", cantada por Signe Anderson, se destaca como um momento cru e natural. Por fim, "And I Like It", uma conclusão contida de Jorma Kaukonen, dá um vislumbre das possibilidades futuras do grupo que, sem saber, inventou o acid rock. Takes Off ainda não é uma explosão psicodélica, mas sim a decolagem controlada de uma banda em formação, no alvorecer de uma nova era. Um disco ancorado em seu tempo e já pronto para se libertar dele.

Takes Off permanece até hoje como um testemunho precioso de um grupo em gestação, ainda ancorado nos códigos folk-rock de sua época, mas já movido por uma nova tensão. Um álbum de transição, imperfeito mas sincero, onde por trás de cada música podemos sentir a impaciência por uma decolagem mais ampla. Este primeiro voo ainda não fez os céus tremerem, mas já está traçando uma trajetória única. Por mais imperfeito e hesitante que seja, Takes Off se torna uma pedra angular do ainda embrionário rock psicodélico.

Mas à medida que a aventura começa a ganhar força, uma mudança ocorre. Signe Anderson, que acabou de se tornar mãe, não quer se comprometer com as longas turnês que aguardam o grupo. Ela deixou a Jefferson Airplane no outono de 1966, em uma atmosfera pacífica. Sua saída abre caminho para outra voz feminina, com uma granulação mais áspera e um carisma incandescente. Uma chegada que perturbaria o equilíbrio do grupo e incendiaria o cenário do rock psicodélico. A verdadeira decolagem ainda está por vir.

Títulos:
1. Blues From An Airplane  
2. Let Me In   
3. Bringing Me Down
4. It's No Secret         
5. Tobacco Road       
6. Runnin' Round This World          
7. Come Up the Years          
8. Run Around           
9. Let's Get Together
10. Don't Slip Away  
11. Chauffeur Blues <
12. And I Like It

Músicos:
Signe Anderson: Vocal, Percussão
Marty Balin: Vocal, Guitarra Base
Paul Kantner: Guitarra Base, Vocal de Apoio
Jorma Kaukonen: Guitarra Solo
Jack Casady: Baixo
Skip Spence: Bateria

Produzido por: Matthew Katz, Tommy Oliver

CRONICA - FAIRPORT CONVENTION | What We Did On Our Holidays (1969)

 

Depois de um álbum de estreia autointitulado no início de 1968 e uma participação no primeiro Wright Festival no mesmo ano, que lhes rendeu o apelido de "English Jefferson Airplane", o Fairport Convention se separou de sua cantora Judy Dyble. Ela se juntaria ao seu namorado na época, Ian McDonald, em Giles, Giles & Fripp antes de se tornarem King Crimson. Cientes de que ter um cantor lhes permitira se destacar um pouco da multidão, o jovem quinteto (eles não tinham nem vinte anos) fez audições. Sem hesitar, a escolha recaiu sobre Sandy Denny, que então tocava com The Strawbs, sabendo que ela os venceria, já que havia esmagado todos os seus concorrentes durante sua apresentação. Sem muita demora, o agora sexteto retornou ao estúdio para gravar seu segundo álbum, What We Did On Our Holidays .

Dessas sessões surgiu o primeiro single, “Meet On The Ledge”, composto pelo guitarrista Richard Thompson. Originalmente concebida como uma canção de amor disfarçada de parábolas, esta canção folk de ritmo médio e refrão cativante será mais tarde considerada um símbolo de passagem para a vida após a morte. Enquanto Thompson e o baixista Ashley Hutchings eram os principais compositores do grupo, inspirados pela cena folk americana, onde gostavam de fazer covers de músicas pouco conhecidas de Bob Dylan e Joni Mitchell, Sandy Denny não tinha intenção de ficar em segundo plano. O álbum abre com sua composição "Fotheringay". Uma linda balada de inspiração medieval que faz a ponte entre o folk americano e o britânico, com uma pegada atemporal que nos leva de volta ao passado, carregada pela voz suave e emocional da cantora e pelas guitarras entrelaçadas.

O recém-chegado também empurrou o grupo para o folclore britânico, adaptando duas canções tradicionais ("Nottamun Town" e "She Moves Through The Fair"), dando início ao estilo pelo qual eles agora seriam lembrados. A primeira é uma faixa cativante onde as vozes se entrelaçam, acompanhadas por violões e um baixo minimalista que marcam o ritmo. Surpreendentemente, mas com sucesso, o grupo adiciona um interlúdio instrumental inspirado na música indiana. A segunda é uma balada com toques de folk psicodélico que lembram Jefferson Airplane. Richard Thompson parece estar acompanhando essas novas influências, como indicado pelo acordeão que ele adiciona à sua "No Man's Land", uma cativante faixa de folk rock onde influências americanas e britânicas também se encontram.

Mas essa mutação ainda é apenas requintada aqui, e a música americana continua sendo a principal influência de What We Did On Our Holidays . Veja este Rhythm 'n' Blues de Hutchings, que segue o arquétipo desse tipo de título. Sua originalidade está nas vozes de Iain Matthews e Sandy Denny trabalhando em uníssono. No entanto, está claro que o cantor está liderando a dança e que seus dias dentro do grupo estão contados. Mesmo harmonizando, ela quase consegue tirar o pobre Matthews de sua própria composição, "Book Song", uma balada entre Folk e Country onde sentimos a influência dos Byrds. A voz de Denny não é a única atração do Fairport Convention; Os solos de guitarra delicados e melódicos de Richard Thompson, muito diferentes do que era feito na Inglaterra na época, ainda são muito precisos. É a voz de Denny e a guitarra slide de Thompson que carregam "The Lord Is In This Place", um instrumental de blues gospel que é mais verdadeiro que a vida. 

A bela balada "I'll Keep It With Mine", que Bob Dylan deu a Judy Collins, demonstra mais uma vez os talentos vocais de Sandy Denny, que, com seu poder apaixonado, se estabelece como um equivalente inglês da alta sacerdotisa Grace Slick. A crescente e vaporosa "Eastern Rain", uma faixa inédita de Joni Mitchell, é mais uma prova da originalidade que o grupo está começando a demonstrar em sua abordagem de apropriação de músicas de outras pessoas. E se a sombra dos Byrds paira sobre o folk rock de ritmo médio "Tale In Hard Time" de Thompson, também podemos sentir a personalidade inglesa dos músicos emergindo. Por fim, gostaríamos de mencionar o curto instrumental acústico "End Of A Holiday", que destaca o discreto segundo guitarrista da banda, Simon Nicol.

Com What We Did On Our Holidays , a Fairport Convention se estabeleceu como possivelmente a melhor banda de folk rock da Inglaterra. Mas acima de tudo, embora ainda de forma bastante discreta, abriu as portas para um Folk Rock britânico, diferente do seu equivalente americano pelas suas raízes mais antigas. Embora o sucesso tenha sido relativo, estava claro, dado o nível musical, que não ouviríamos o último de Fairport Convention e Sandy Denny...

Títulos:
1. Fotheringay
2. Mr Lacey
3. Book Song
4. The Lord Is in This Place…How Dreadful Is This Place
5. No Man’s Land
6. I’ll Keep It with Mine
7. Eastern Rain
8. Nottamun Town
9. Tale in Hard Time
10. She Moves Through the Fair
11. Meet on the Ledge
12. End of a Holiday

Músicos:
Sandy Denny: vocais, violão, teclados
Iain Matthews: vocais, percussão
Richard Thompson: violão, piano, acordeão, cítara
Simon Nicol: violão, autoharpa, dulcimer
Ashley Hutchings: baixo
Martin Gamble: bateria, tabla, violino
+
Claire Lowther: violoncelo

Produção: Joe Boyd

CRONICA - VAN MORRISON | Blowin Your Mind! (1967)

 

Nome verdadeiro George Ivan Morrison, Van MORRISON é um cantor/compositor/multi-instrumentista norte-irlandês nascido em 31 de agosto de 1945 em Belfast. Antes de ter uma longa e bem-sucedida carreira solo (seu 47º álbum de estúdio está previsto para 13 de junho de 2025), ele deu os primeiros passos no THEM (que é creditado, entre outras coisas, com o hino atemporal "Gloria") entre 1964 e 1966. O nativo de Belfast então deixou o grupo para se dedicar à carreira solo.

Recém-assinado com a Bang Records, Van MORRISON parte para Nova York para gravar seu primeiro álbum solo. Na ocasião, ele conta com o apoio do produtor Bert Berns. O álbum em questão é intitulado  Blowin Your Mind!  e foi lançado em setembro de 1967.

Este primeiro álbum tem um tom geral de blues/soul/rock e Van MORRISON já mostra um bom vislumbre de seu potencial, sua força marcante. Ele já tirou do bolso "Brown Eyed Girl", um poderoso hino do Folk-Rock/Blues-Rock que imediatamente cativa os ouvidos graças às melodias encantadoras e encantadoras, alguns sons exóticos com cheiro caribenho, coros que efetivamente apoiam a cantora norte-irlandesa, vocalmente imperial e sem nada a invejar de um certo John FOGERTY, por exemplo. Este título estabeleceu o nome de Van MORRISON nas paradas pela primeira vez, alcançando a posição 10 nos EUA, a posição 12 na Holanda, a posição 13 no Canadá e a posição 60 na Grã-Bretanha. Nada mal para uma primeira vez! Mais 2 singles foram lançados e, embora não tenham tido o mesmo impacto nas paradas, valem a pena ouvir. "Spanish Rose", que ainda alcançou o 18º lugar na Holanda, é uma música Folk/Pop-Rock com aromas exóticos que lembram a América Latina e "Ro Ro Rosey" é uma composição Garage-Rock/Blues-Rock bem trabalhada, com guitarras suculentas e algumas notas de gaita que lhe dão um lado cru, selvagem e terroso, tornando-a cativante. Mas Van MORRISON realmente se superou em "TB Sheets": aqui está uma peça de Blues elétrica, crua e melódica que é tão natural quanto você poderia desejar, estendendo-se por 9'65 com arranjos perfeitos, um Van MORRISON que fala de uma forma encantatória, comovente e tocante, enquanto faz algumas pequenas pausas silenciosas, torna-se ofegante, alucinante, até mesmo épico. Essa faixa é, na minha humilde opinião, um dos destaques do álbum junto com “Brown Eyed Girl”. Dito isso, no gênero Electric Blues, a música de andamento médio "Who Drove The Red Sports Car?" » agarra você pelas entranhas graças a guitarras tão alucinantes quanto brilhantes, um piano colorido para dar suporte a tudo, um Van MORRISON em transe, além de uma atmosfera de cabaré e facilita o desejo de escapar da vida cotidiana. "He Ain't Give You None", outra música mid-tempo, mas mais decididamente Blues-Rock, mostra uma bela sensibilidade, ao mesmo tempo em que parece despreocupada, calorosa e o ex-THEM soube cativar ao vestir para a ocasião o traje de um contador de histórias descontraído. Duas versões completam o álbum: "Goodbye Baby (Baby Goodbye)", composta pela dupla Wes Farrell/Bert Russell e popularizada por Solomon BURKE em 1964, traz Van MORRISON dando uma boa interpretação no registro Rhythm & Blues, colocando todo seu coração nisso, dando tudo de si. Quanto a "Midnight Special", é uma canção folclórica tradicional que remonta originalmente a 1923 e é aqui apresentada em uma versão blues/soul, admiravelmente atualizada no contexto de 1967 graças às guitarras e teclados brilhantes, vocais de apoio femininos que dão um suporte perfeito à cantora e um baixo muito estrondoso.

Vale ressaltar que este primeiro álbum foi lançado na época sem o consentimento de Van MORRISON (ele teria assinado o contrato com a Bang Records sem tê-lo estudado com cuidado suficiente). Ele claramente não estava satisfeito com o conteúdo do álbum (ele aparentemente planejava gravar 8 faixas e lançar 4 singles) e não é difícil imaginar que essa situação a deixou infeliz. No entanto,  exploda sua mente!  é um primeiro álbum muito sedutor e atraente. Vocalmente, Van MORRISON foi brilhante e, além disso, ofereceu faixas calorosas, inspiradas e viciantes. Se este álbum não estourou as paradas (182º nos EUA), ele lançou a carreira solo de Van MORRISON de forma duradoura e ainda não tínhamos ouvido tudo, pois o melhor ainda estava por vir...

Lista de faixas :
1. Brown Eyed Girl
2. He Ain’t Give You None
3. T.B. Sheets
4. Spanish Rose
5. Goodbye Baby (Baby Goodbye)
6. Ro Ro Rosey
7. Who Drove The Red Sports Car?
8. Midnight Special

Formação :
Van Morrison (vocal, guitarra, gaita)
+
Eric Gale (guitarra)
Al Gorgoni (guitarra)
Hugh McCracken (guitarra)
Russ Savakus (baixo)
Paul Griffin (piano)
Garry Sherman (órgão)
Gary Shester (bateria)

Gravadora : Bang Records

Produtor : Bert Berns

CRONICA - FIVE AMERICANS | I See The Light (1966)

 

No início dos anos 60, Oklahoma não era exatamente um bastião de rocha. Terra de planícies, rodeios e música country, é lá, entre dois tornados e três postos de gasolina, que surgem jovens determinados a agitar escolas, estações de rádio locais e casas de dança. Guitarras baratas, amplificadores altos, camisas passadas: a juventude local colide com a invasão britânica para criar, à sua maneira, um garage rock febril, sujo e sincero.

Foi nesse cenário hostil que nasceram os Five Americans, um grupo formado em Durant em 1962, composto pelo cantor/guitarrista Mike Rabon, o baixista Jim Grant, o tecladista John Durrill, o baterista Jimmy Wright e o guitarrista Norman Ezell. Inicialmente, eles se chamavam The Mutineers e excursionavam pelos campi tocando músicas de Bo Diddley e Duane Eddy. Mas com a chegada dos Beatles, tudo mudou: figurinos elegantes, harmonias vocais, melodias pop. O rock 'n' roll americano está se tornando anglicizado, e eles também.

Em 1963, direção Dallas. O grupo refinou sua identidade sonora em torno de um instrumento ainda pouco utilizado no rock: o Vox Continental, um órgão ácido de som nasal que se tornaria sua assinatura. Eles rapidamente chamaram a atenção da gravadora texana Abnak Records, que lhes permitiu lançar vários singles sob seu novo nome: The Five Americans.

E é aí que o inesperado acontece: a Hanna-Barbera, gigante da animação, entra no mundo da música e aposta nela. Em 1966, seu primeiro álbum, I See The Light , foi lançado. E é um choque.

O álbum abre com a faixa-título, um verdadeiro choque elétrico. O riff do órgão é louco, a bateria é reta como um trilho, os vocais são cheios de paixão. Dois minutos de tensão de garagem, projetados para pistas de dança e rádios transistorizados. O onipresente Vox Continental deixa sua marca: um som estranho, quase psicodélico, que flutua entre um carrossel giratório e um sonho acordado.

Mas não é apenas um truque. O órgão cria atmosferas inteiras, nebulosas e cinematográficas. Sem ele, as peças poderiam ter permanecido anedóticas. Com ele, elas se tornam encantadoras.

O resto do álbum revela um espectro de tensões adolescentes. Leger, “The Losing Game” explora o desgosto. "Goodbye" é sobre um término amargo. Próximo aos Byrds, "I Know They Lie" traz angústia interior. Um cover de “Twist And Shout”, mais sujo e urgente do que nunca, abala os padrões.

Mais adiante, "She's-A-My Own" retorna a uma ternura desajeitada, como um pop suave de ginásio, enquanto "The Train" evoca partida, fuga ou talvez um sonho em outro lugar. "It's A Crying Shame", uma pequena bomba de garagem esquecida, ressurge com fúria.

O lado B continua: "I'm So Glad" pende para uma balada descontraída. A revigorante "Don't You Dare Blame Me" assume o ar de uma declaração de independência e "The Outcast" toca em um país desesperado onde uma gaita vaporosa se esconde. O álbum termina com "What'd I Say", um cover selvagem, caleidoscópico e estonteante do clássico de Ray Charles.

O álbum poderia ter sido o trampolim para um reconhecimento mais amplo. Mas em 1967, a divisão musical da Hanna-Barbera fechou. Os cinco americanos não têm escolha a não ser retornar a Abnak para continuar sua aventura e esperar encontrar sua fortuna.

 I See The Light continua sendo um disco precioso. Um objeto raro, nervoso e inebriante. Ele captura um ponto de virada: o do rock adolescente que oscila entre a despreocupação dançante e as visões caleidoscópicas. Um carrossel pop que gira em alta velocidade, pouco antes do cenário começar a distorcer.

Mas mal lançado, esse álbum de pop adolescente já parece fora de compasso. Em Los Angeles, escondido nas sombras, um grupo chamado The Doors também se prepara para explorar as possibilidades do órgão, Farfisa, dessa vez, em um registro mais adulto, mais pesado, mais teatral e mais sombrio.

Eles estarão prontos para fazer qualquer coisa para cruzar as portas da percepção.

Títulos:
1. I See The Light     
2. The Losing Game 
3. Goodbye    
4. I Know They Lie   
5. Twist And Shout   
6. She’s-A-My Own  
7. The Train   
8. It’s A Crying Shame         
9. I’m So Glad
10. Don’t You Dare Blame Me         
11. The Outcast         
12. What’d I Say

Músicos:
Mike Rabon: Vocal, Guitarra
Jim Grant: Baixista
John Durrill: Órgão
Jimmy Wright: Bateria
Norman Ezell: Guitarra

Produção: Os Cinco Americanos

CRONICA - CHOCOLATE WATCHBAND | No Way Out (1967)

 

Às vésperas do Verão do Amor, a Califórnia está fervendo. Na Costa Oeste, as praias ainda cheiram a cera e danças lentas e açucaradas, mas nos clubes enfumaçados, outro som ressoa. Chega de baladas e refrãos adolescentes para dançar em vestidos de bolinhas. Abram caminho para guitarras sujas, gritos nasais e olhares sombrios. O rock de garagem explodiu em uma constelação de bandas anônimas e furiosas, eletrificadas pelos Stones, Kinks e Yardbirds, determinadas a fazer sua própria bagunça.

Em São Francisco, a cena psicodélica estava começando a florescer: Jefferson Airplane, Grateful Dead, Quicksilver... mas à sombra desse iluminismo nascente, as garagens californianas vibravam com uma tensão mais visceral. É a música de crianças frustradas, jovens garotos brancos que ainda não têm as chaves para a viagem mística, mas que sabem gritar sua raiva em um microfone mal sintonizado. Entre essas combinações incríveis, está a Pulseira de Chocolate.

O grupo nasceu em 1965 em Los Altos, não muito longe de São Francisco, sob a liderança do guitarrista Mark Loomis. Fã dos Stones, dos Animals e do R'n'B britânico, ele queria formar uma banda capaz de rivalizar com a energia dos ingleses, mas que também injetasse uma boa dose do suor californiano. Ele recrutou Gary Andrijasevich na bateria, Bill Flores no baixo, Rich Young no órgão e, acima de tudo, David Aguilar nos vocais, a personificação viva do rock selvagem, um cruzamento entre Jagger e um beatnik furioso.

Rapidamente, sua reputação no palco os precedeu: shows destrutivos, atitude incendiária, visual de gangue perfeitamente estudado. Suas influências são claras: os Stones, eles. Mas a Watchband não copia: ela digere, suja, explode formatos. E quando eles cruzam o caminho de Ed Cobb, produtor da Tower Records, as coisas mudam. Indo para o estúdio para um álbum que seria lançado em setembro de 1967 pela Tower.

E é aí que o problema começa. Sob a liderança de Ed Cobb, o grupo gradualmente se viu privado de seu próprio recorde. A formação muda: Danny Phay deixa o grupo, Rich Young também, substituído por um tecladista anônimo. Dave Aguilar às vezes é afastado do microfone em favor de Don Bennett, um músico de estúdio. Sean Tolby se juntou a Loomis na guitarra, Tim Abbott veio depois, enquanto Bill Flores foi substituído por Bill “Flo” Flores (sem parentesco, apenas um apelido persistente) ou outros baixistas intercambiáveis. Um verdadeiro jogo de cadeiras musicais.

E acima de tudo, Ed Cobb impõe sua marca até o fim: escolhe o título do álbum, No Way Out , e impõe seu próprio repertório. Em todo o álbum, apenas uma faixa é da própria banda. Escrita por Dave Aguilar, é "Gone and Passes By", um bom meio-termo entre "Mona", de Bo Diddley, e um desejo de se perder em Katmandu, carregado por uma cítara caleidoscópica, uma gaita esfumaçada e um vocal misterioso. Uma verdadeira joia, provavelmente a peça mais original do disco de 33 rpm.

O resto? Covers e composições impostas, escritas por outros, às vezes até gravadas sem os integrantes da banda. A pulseira está na capa… mas às vezes não está nas pulseiras. Um verdadeiro assalto artístico.

E, no entanto, apesar dessa mentira nos bastidores, No Way Out continua sendo um disco surpreendentemente agradável de ouvir. Irregular, improvisado, às vezes instável, mas incrivelmente em sintonia com o pop psicodélico que abalou a Costa Oeste em 1967.

Quanto aos covers, somos brindados com “In the Midnight Hour” (Wilson Pickett), “Come On” (Chuck Berry) e “Dark Side of the Mushroom” (Buffalo Springfield). Entre soul e folk rock, o Watchband traz boas versões... mas nada de tirar o fôlego.

É nas composições que o álbum realmente decola. Começamos com "Let's Talk About Girls", um acid rock garage soporífero e úmido, habitado pela sombra de Love e Jefferson Airplane. Depois vem a corrosiva e brutal "Are You Gonna Be There (At the Love-In)", 100% Stony, assim como a raivosa e rítmica faixa-título, que termina em sons alucinatórios. "Expo 2000" varia os humores e os tempos: um instrumental louco que nos impulsiona para uma estratosfera ácida, com sotaques quase góticos. Por fim, "Gossamer Wings" conclui o álbum: uma balada hispânica de ritmo médio, melodias outonais, uma atmosfera estranha, até vagamente perturbadora.

Apesar das reviravoltas, das frustrações, dos membros ejetados e da falta de sucesso comercial real, a Chocolate Watchband não desiste. O grupo em breve fará um segundo esforço. Mais livre? Mais caótico? Continua.

Títulos:

1. Let’s Talk About Girls
2. In The Midnight Hour
3. Come On
4. Dark Side Of The Mushroom
5. Hot Dusty Roads
6. Are You Gonna Be There (At The Love-In)
7. Gone And Passes By
8. No Way Out
9. Expo 2000
10. Gossamer Wings

Músicos:
David Aguilar, Don Bennett: Vocais
Gary Andrijasevich: Bateria
Bill Flores: Baixo
Mark Loomis, Sean Tolby: Guitarra
? : Órgão

Produção: Ed Cobb

CRONICA - IVORY | Ivory (1968)

 

Nos meandros do rock psicodélico dos anos 60, Ivory se destaca como uma pérola esquecida, uma joia à margem dos grandes sucessos da época. Formado em Los Angeles no final da década de 1960, o trio é formado pela vocalista (e provavelmente baterista) Christine Christman, pelo tecladista/vocalista Mike McCauley e pelo guitarrista/vocalista Kenny Thomure. Lançado em 1968 pelo selo Tetragrammaton, seu único álbum autointitulado continua sendo um testemunho pungente da era psicodélica americana, muitas vezes eclipsada pelos gigantes do gênero.

O trio funde os estilos de The Doors e Jefferson Airplane, misturando o peso e a atmosfera assustadora do primeiro com a energia vocal e o poder da voz de Grace Slick no segundo. A banda consegue capturar a essência do rock psicodélico em toda a sua diversidade, desde faixas de garage elétrico até peças mais intimistas e folk.

Desde a abertura "Silver Rains", o tom está definido: uma guitarra fuzz áspera e um órgão Farfisa rastejante abrem caminho para uma paisagem sonora densa e hipnótica. O canto de Christine Christman, ao mesmo tempo frágil e poderoso, nos mergulha em um turbilhão emocional onde reflexão pessoal e purificação espiritual se misturam.

Esta entrada evoca uma forma de catarse, uma chuva purificadora onde a introspecção e a melancolia se combinam com uma urgência palpável. O órgão que serpenteia e explode no refrão, apoiado por uma guitarra saturada, dá a este título uma intensidade formidável.

O grupo então nos leva para um território mais jazzístico com “Free And Easy”, uma faixa sombria que destaca toques de blues, mas mantém a energia crua característica do grupo.

Mais adiante, “I, Of The Garden” dá lugar a um piano boogie, mas mantém essa atmosfera densa, psicodélica e áspera. Por outro lado, a menos agressiva "A Light" nos mergulha em uma mistura fascinante de órgão cósmico e guitarra ácida, criando um espaço sonoro onde nos perdemos voluntariamente entre ondas crescentes e ventos eletrizantes.

O álbum pode ser mais calmo em faixas como "Losing Hold" e "A Thought". Baladas introspectivas onde harmonias vocais e arranjos delicados lembram influências folk picantes. "A Thought" é particularmente impressionante, com seus sinos suaves e harmonias vocais que flutuam no ar, um verdadeiro momento de leveza. O jazz aparece novamente em "All In My Mind", onde a liberdade de expressão é sentida por meio de arranjos mais livres e arejados.

"Last Laugh", com seus toques de R&B e ritmo efervescente, nos projeta em um universo quase festivo, tingido de uma certa estranheza própria da atmosfera alucinógena do disco de 33 rpm. E, finalmente, o álbum termina com a pungente “Grey November”, uma balada desencantada que evoca solidão, nostalgia e os fantasmas de um passado que se recusa a desaparecer. A música termina com uma nota selvagem e comovente, destacando a alma de Ivory.

Apesar de seu potencial, Ivory não alcançou o sucesso que merecia. Os anos foram cruéis para o grupo. Kenny Thomure desapareceria do radar, enquanto Mike McCauley se juntaria ao The Heartfixers nos anos 80. Christine Christman, por sua vez, tentaria um retorno ao pop em 1975 com Woman Of The World , mas não obteve sucesso. No entanto, Ivory continua sendo um testemunho valioso de uma banda que, sem dúvida, merecia muito mais reconhecimento no cenário musical da época.

Este álbum é uma visita obrigatória e urgente. Ele incorpora a quintessência do rock psicodélico e merece um lugar entre os clássicos frequentemente esquecidos desta era de ouro.

Títulos:
1. Silver Rains
2. Free And Easy
3. Losin’ Hold
4. Laugh
5. A Thought
6. I, Of The Garden
7. All In My Mind
8. A Light
9. Last Laugh
10. Grey November

Músicos:
Christine Christman: Vocal
Mike McCauley: Teclado, Vocal
Kenny Thomure: Guitarra, Vocal

Produção: Les Brown Jr.