"Um verdadeiro ícone africano, Fela viverá para sempre!"
Não há que perder os bons trajes quando o verão chama a porta... Massas de ar quente africano atravessando a península, um momento perfeito para que o Sr. Fela Kuti e sua banda desembarquem nas frescas orillas do nosso blog... Bem-vindo de volta, Afrobeat!
O que você pode dizer de Fela? La verdad que mucho... Figura venerada e controvertida onde las haya . Fela cantaba sobre a opressão e exploração, clavando sua mirada punzante na elite dirigente que disputava a abertura dos crânios das vozes opositoras quando viviam esimismadas em uma corrupção endêmica. Seu público era diverso e numeroso , abandonando os grandes povoados chabolistas que cercavam as cidades mais importantes do país, um número incipiente e crescente de estudantes e dissidentes políticos.
"Roforofo Fight" é um clássico ignorado que foi publicado pela primeira vez em 1972, pelo selo independente Jofabro , na forma dos vinilos titulados "Music of Fela Volume One" e " Volume 2" , respectivamente. Cada um deles consta de duas composições, uma enérgica e alegre (Roforofo Fight e Question Jam Answer) e outra "intensamente" tranquila (Go Slow e Trouble Sleep Yanga Wake Am) . Fela se decanta mais por mensagens em "Broken English" em vez de na língua Yoruba , deixando bem claro que seu objetivo é difundir suas mensagens metafóricas de alta volta mais allá da Nigéria , que resultam bem fortes em toda a África angloparlante .
Você e o instrumental? Você pode esperar com tipos como Tony Allen ou Lekan Animashaun animando o cotarro... simplesmente irresistível, é Afrobeat, o trance está servido... A premissa do bom músico é: Você pode cair e não tocar a nota correta (aqui não ocorre), mas o que nunca pode faltar, baixo conceito, é a paixão e isso na discografia de Fela Kuti and The Africa 70s viene grabado a fuego en la piel.... A música é a arma!
1. Roforofo Fight 2. Go Slow 3. Question Jam Answer 4. Trouble Sleep Yanga Wake Am ...... SINGLES ......
O quarto álbum de estúdio de Otis Redding supõe sua consagração entre os grandes do Soul . Para então, seu talento cresceu de forma exponencial e sua maestria como interpretar caiu fora de toda duda. Além disso, você já demonstrou em várias direções a energia desbordante que era capaz de transmitir e o sentimento que imprimiu em suas canções que ele havia transformado em um artista único. Encontramo-nos antes de um disco consistente, composto por um escolhido popurrí de temas de outros maestros que le sirvieron de inspiração entre aqueles que incluem “Chain Gang” de Sam Cooke, “Treat Her Right” de Roy Head, “It’s Growing” de Smokey Robinson ou “Nobody Knows You When You're Down Out” de Jimmy Cox. Além disso, inclui temas de música própria escritos com a ajuda de Steve Cropper, o qual tem uma contribuição notável para o disco , já que além de tocar a guitarra, é coautor de canções como “Just One More Day” que abre o álbum ou o clássico “Any Ole Way” .
Uma "nova" dose de Soul com mayúsculas , na qual um de nossos prediletos do gênero nos contagia de sua calidez, sua força, sua entrega, sua ternura, seu sentimento e sua paixão pela vida e pela música. En sus propias palabras... "Para cantar o Blues, você tem que senti-lo. Então tudo vem do coração"
Esta história começa no dia de 1973 com um jovem de 26 anos , de Indiana , que se apresentou na casa do famoso produtor Bob Johnston de forma inesperada, em um ato que bem poderia ser marcado como valentia ou entusiasmo próprio da juventude que por aquela época abordou nosso protagonista.
"Sou Bill Wilson e quero fazer um disco."
"Bem, você veio à casa errada. Você não pode simplesmente aparecer e fazer um disco!"
"Bem, você vai ouvir uma música que eu tenho?"
"Vou ouvir uma..."
E ouviu uma única canção, nada... Bob Johnston ouviu tudo e parece que o encantava , e que seguia suas próprias palavras: "The Fucker Could Real Write!"
Em seguida, pressione a maquinaria em marcha. Chamamos os músicos da sessão, o "crème de la crème" de Nashville, uma geração de ouro com nomes como Charlie Daniels, Charlie McCoy, Jerry Reed ou Pete Drake, entre outros.... E é que Bob não era um "don nadie" nesta música , muito pelo contrário, um produtor de renome por aquele que passou artistas de alta talla. Quien tem os discos "At Folsom Prison" de Johnny Cash, "Songs From A Room" de Leonard Cohen ou numerosos discos de Bob Dylan , que le eche un viewzo a las contraportadas e podrá ver seu nome escrito neles...
Depois da sessão, Wilson e Johnston voltaram a saber nada do outro. Mudanças na estrutura interna da Columbia Records fizeram com que o disco não tivesse uma promoção ou distribuição decente. Até o mesmo Bill Wilson custou fazer uma cópia de seu disco quando saiu à venda...
Baixas vendas e talento relegado à sombra...p orque los cuentos de hadas no tienen cabida neste mundo... Tompkins Square Labe l trae la luz de nuevo a esta gozada de álbum, reeditando-o em 2012.
Pinceladas gospel , trazos que evocam Guy Clark ou Townes Van Zandt e esse lado funky e sucio tão característico de los Allman ... "Ever Changing Minstrel" é a música de um trovador moderno com grande talento para a composição. Bendecido por uma voz polvorientada e profunda, dos que transmitem sem importar a mensagem e rodeado por uns músicos que bem podríam irse a um mercadillo e repartir talento a granel de tanto que sobra...
1. Rainy Day Resolution 2. Pay Day Give Away 3. To Rebecca 4. Black Cat Blues 5. Father Let Your Light Shine Down 6. Long Gone Lady 7. Following My Lord 8. Ballad Of Cody 9. The Good Ship Society 10.Ever Changing Minstrel 11.Monday Morning Strangers
Vernon "Lucky" Wray... quizá este nome de primeiras vezes não diz nada, mas este músico nascido em 1924, junto com seus outros dois irmãos, Dough y Link (este último se os sonará a muchos...) formou uma banda que mudou de nome em ocasiões específicas ( Lucky Wray and the Lazy Pine Wranglers ... Lucky Wray and the Palomino Ranch Hands ... Link Wray and the Ray Men ...).
O apelido de Wray foi revisto muito pelas décadas de 50 e 60, mas não houve nada no sucesso, "Rumble" , que Tarantino desenhou para sua obra cinematográfica "Pulp Fiction"? O estilo, na juventude dos irmãos Wray, foi fortemente marcado por um som de Rock and Roll "garajero" e cru, Rockabilly pouco hecho e altamente enérgico do que anos mais tarde, incluindo bandas como The Flamin' Groovies e inúmeras bandas punk ...
Em 1972, Vernon Wray tomou a decisão acertada (visto o resultado...) de calmarse, empaquetou todas as suas pertenências e se mudou para Tucson, Arizona . Todo o seu estilo foi tranquilo, mas sem energia e seus ganhos para fazer coisas. Tocamos pequenos concertos todas as noites da semana, interpretando canções de Bob Dylan, Hank Williams, John Prine ou Kris Kristofferson, além de composições próprias ... mas por todo o mundo agarrou uma daquelas pequenas alegrias folk-rock que tanto nos gustan. "Wasted" é totalmente diferente de tudo o que foi ouvido anteriormente. Uma rara country-rock publicada pela Verllont Records , com uma tirada de apenas 400 cópias . Naturalidad salpicada en fango , diez composições originais colmadas de sinceridade e arropadas pela voz suave e penetrante de Vernon junto a um panda de bons músicos, entre os que se encontram em seus irmãos. Ritmos pantanosos e canções solitárias em uma nova alegria difícil de encontrar. Anos que nos custaram conseguir uma cópia original e como disse a revista musical "Aquarium Drunkard"...
"Prezado por um bom motivo. Wasted, lançado em 72, é raro em mais aspectos do que apenas sua disponibilidade limitada – como um clássico perdido, é ouro puro..."
1. Facing All The Same Tomorrows
2. God Is Color Blind 3. Reaching Out To Touch 4. Lonely Son 5. Tailpipe 6. Faces In The Crowd 7. When I Start Drinking 8. Prologue #1 9. Underneath The Sycamore Tree
Quando recomendamos a alguém "Folksongs and Ballads" , o único disco de Tia Blake , a frase mais repetida é: "¡Me encanta¡ Más gente deveria conocerla y escucharla...". Bom, você pode aqui os traemos...
Um talento "folky" esquecido, frágil e minimalista...
A história de nossa protagonista, podemos retomar em muitas ocasiões frases... Uma jovem americana, motivada por uma amiga de sua irmã, deixa seu trabalho e decide viajar para França, mais concretamente para Paris. Mais uma vez, através de uma série de conhecidos e "casualidades", assim como por um forte interesse pela música, Tia Blake acaba agarrando esta "joyita" que encaixou perfeitamente na categoria de "clássico perdido"...
Sua voz evocadora e figura delicada atrai a atenção dos produtores Miche Bachelet e de Jean-Pau Smets, dueño del pequeño sello francés SFP (Societé Française de Productions Phonographiques). Um exercício de introspecção com guitarras, dobro e flauta , com o que constrói belas melodias irlandesas e outras canções sacadas do imenso arco tradicional. Grabado nas longas jornadas de 1971, junto com outros jovens músicos europeus, no estúdio Osian e publicou esse mesmo ano, exclusivamente em território francês.
Em 2011, o selo discográfico Water Music remasterizou e editou o disco original (muito apreciado entre colecionadores) com um bom número de extras, entre aqueles que incluem demos e ensaios das sessões de "Folksongs And Ballads" , e três cortes de Tia Blake em solitário gravados no estúdio CBC de Montreal em 1976...
Muchas webs en la red lo clasifican de psicodélico ...mas para nada é assim. Isto é puro Folk, encantador e descontraído, de atmosfera densa e que fará as delícias de todos os aficionados do género...
1. Betty and Dupree 2. Black Is the Color 3. Wish I Was a Single Girl Again 4. I Am a Man of Constant Sorrow 5. Jane Jane 6. Lost Jimmi Whalen 7. The Rising of the Moon 8. Hangman 9. Turtle Dove 10. Plastic Jesus 11. Polly Vaughn
*************** 12. My Father Is a Lonely Man [CBC Recording] - (previously unreleased) 13. Yellow Hair [CBC Recording] - (previously unreleased) 14. Country Boy [CBC Recording] - (previously unreleased) 15. Betty & Dupree [Rehearsal] - (previously unreleased) 16. Hangman [Rehearsal] - (previously unreleased) 17. White Bird [Rehearsal] - (previously unreleased) 18. take) Wish I Was a Single Girl Again [Rehersal Take 1] - (previously unreleased) 19. take) Wish I Was a Single Girl Again [Rehersal Take 2] - (previously unreleased)
999 - Quando seu álbum de estreia alcança o terceiro lugar nas paradas da Billboard e ganha três Grammys, como o Tuesday Night Music Club, você estabelece um padrão para lançamentos futuros. Para Sheryl Crow, no entanto, isso dificilmente parece ser um problema. Em 1996, seu segundo disco, homônimo, alcançou o sexto lugar nas paradas e incluiu sucessos como Everyday Is A Winding Road, If It Makes You Happy e Hard To Make A Stand. Então, em 1998, ela lançou o aclamado pela crítica Globe Sessions, que alcançou o quinto lugar nas paradas e ganhou dois prêmios Grammy. Esta gravação soundboard captura Sheryl em turnê pelo Japão para promover o álbum vencedor do Globe Sessions, em 20 de outubro de 1999
1987 - Como mencionado em vários posts anteriores, Jerry Garcia fez um retorno milagroso em 1987, escapando das portas da morte quando finalmente emergiu de um coma diabético. Depois de reaprender a tocar guitarra, Jerry voltou ao Grateful Dead e a banda embarcou em uma de suas melhores turnês em anos. Os shows do outono de 1987, especialmente aqueles no Madison Square Garden, foram especialmente memoráveis, com o show de 18 de setembro de 1987 (veja o mês passado) frequentemente sendo citado como um dos melhores da década. Logo após o término da turnê de outono, Garcia embarcou em uma nova aventura. Jerry se hospedou no histórico Teatro Lunt-Fontanne, no distrito da Broadway, em Nova York, de 15 a 31 de outubro. Garcia fez 18 shows em 13 dias, com 5 dias apresentando a tradicional matinê da Broadway e um show tardio. Cada show consistia em um set acústico seguido por um set elétrico. O teatro com 1.500 lugares que já abrigou a Noviça Rebelde e Hello Dolly nunca tinha visto nada parecido com o público que assistiu a um espetáculo de Garcia. Se você não teve a sorte de ver Garcia na Broadway, não se desespere. Você pode baixar esta gravação soundboard de 21 de outubro de 1987
1990 - Após uma breve turnê de 11 shows pela Costa Leste em setembro de 1990, que contou com as estreias de Vince Welnick e Bruce Hornsby, além de uma incendiária temporada de 6 noites no Madison Square Garden, em Nova York (o show completo de 16/9 e partes dos shows de 18, 19 e 20/9 já foram oficialmente lançados), o Dead cruzou o oceano em outubro para sua última turnê europeia. Embora a performance possa não ter sido tão boa quanto a do MSG, a turnê ainda encontrou a banda em boa forma, especialmente em seus estágios finais. Esta gravação de soundboard captura a banda em Frankfurt em 22 de outubro de 1990
BLOOD, SWEAT & TEARS FEATURING DAVID CLAYTON-THOMAS ''LIVE: A RIVETING 70 MINUTE CONCERT'' RECORDED AT THE STREET SCENE IN DOWNTOWN LOS ANGELES, OCTOBER 12 1980 1994 73:40 ********** 1 - Intro/0:25 2 - Agitato 6:19 (Bruce Cassidy) 3 - Nuclear Blues 4:08 (David Clayton-Thomas) 4 - Manic Depression 4:45 (Jimi Hendrix) 5 - Medley: 15:30 a. God Bless the Child 2:57 (Arthur Herzog, Billie Holiday) b. Lucretia MacEvil 1:12 (David Clayton-Thomas) c. Hi-De-Ho (That Old Sweet Roll) 5:33 (Gerry Goffin, Carole King) d. And When I Die 1:36 (Laura Nyro) e. Spinning Wheel 1:12 (David Clayton Thomas) f. You've Made Me So Very Happy 2:35 (Berry Gordy Jr., Brenda Holloway, Frank Wilson, Patrice Holloway) 6 - (Suite) Spanish Wine: 11:24 a. Introduction la Cantina/Piltch/2:31 (Rob Piltch) b. (Theme) Spanish Wine 1:03 (Bruce Cassidy) c. Latin Fire 3:32 (Bruce Cassidy, Dave Piltch, Vern Dorge, Bobby Economou, Richard Martinez, Earl Seymour) d. (Theme) Spanish Wine 0:15 (Bruce Cassidy) e. The Duel 0:20 (Bruce Cassidy, Dave Piltch, Vern Dorge, Bobby Economou, Richard Martinez, Earl Seymour) f. The Challenge 0:50 (Bruce Cassidy, Dave Piltch, Vern Dorge, Bobby Economou, Richard Martinez, Earl Seymour) g. Amor 1:24 (Bruce Cassidy, Dave Piltch, Vern Dorge, Bobby Economou, Richard Martinez, Earl Seymour) h. (Theme) Spanish Wine 1:04 (Bruce Cassidy) 7 - I'll Drown in My Own Tears 10:18 (Henry Glover) 8 - Gimme That Wine 11:30 (Jon Hendricks) 9 - Trouble in Mind; Shake a Hand 6:38 (Richard M. Jones); (Joe Morris) ********** David Clayton-Thomas - Lead vocals Bobby Economou - Drums Lou Pomanti - Keyboards Peter Harris - Guitar Wayne Pedziwiatr - Bass Bruce Cassidy - Trumpet Vern Dorge - Sax. Flute. Clarinet Earl Seymour - Baritone & Tenor Saxophone
"Live" é um álbum ao vivo da banda Blood, Sweat & Tears, gravado em 1980 e lançado em CD em 1995 pela Avenue Records, através da Rhino Records. Este álbum foi gravado no Street Scene, no centro de Los Angeles, em 12 de outubro de 1980. Este conjunto foi gravado cinco anos após o álbum "Live In Concert/Live And Improvised". Os sucessos da banda incluídos nesta coletânea foram compactados em um medley de 15 minutos, em vez das versões completas incluídas em seu álbum ao vivo anterior. O restante das músicas aqui são do álbum Nuclear Blues, para o qual eles estavam em turnê na época desta gravação. Uma exceção foi uma versão de 11 minutos e meio de "Gimme That Wine", originalmente lançada no álbum "Brand New Day" em 1977.
"O que é techno para você?" Esta é uma pergunta frequente feita ao produtor de techno Anthony Child, nascido em Midlands. Uma pergunta que, como ele próprio admite, frequentemente falha em responder com palavras. Como qualquer gênero, o techno é muitas coisas para muitas pessoas: uma trilha sonora para bons momentos hedonistas, uma plataforma que desafia os limites para a experimentação modernista, uma obsessão de longa data. Neste seu mais recente álbum, "Surgeon" , para o aclamado selo Tresor, de Berlim, Child apresenta ao ouvinte uma resposta sonora definitiva. Uma resposta que pode soar familiar aos fãs de seu estilo de produção duro, descomplicado, nítido, porém robusto, mas essa visão do techno é enganosamente idiossincrática e contém uma série de pistas importantes para revelar a verdadeira relação de Child com a música que tem sido sua...
O álbum abre com "Serpent Void", construindo habilmente a tensão com estrondos graves cavernosos e ritmos de dupla hélice lentamente ondulantes. Logo no início, somos apresentados a uma característica dominante do disco: o delay. Ao longo das nove faixas do álbum, o ouvinte é imerso em camadas e mais camadas de delays que se dissipam lentamente, ramificando-se e se afastando de centros rítmicos em loop como marcadores. Através desse processo, a pulsação sincronizada da bateria é capturada como eco e cuidadosamente trabalhada em uma paisagem sonora impressionista e misteriosa. Dessa forma, Shell~Wave se propõe a explorar a estranha intersecção entre a experiência humana subjetiva e o impulso mecânico indiferente de máquinas programadas. "Soul Fire" habita o mesmo território, mas nos empurra ainda mais em direção a um ataque rítmico total. Kicks 4/4 diretos nos mantêm firmes enquanto um loop de sintetizador agradavelmente distorcido esfaqueia e chia. A marca d'água sonora do álbum está sempre presente, uma onda de ecos colorindo o espaço e saindo da grade como fractais.
Há uma tentação em descrever Shell~Wave como um disco psicodélico, e certamente a ousada ênfase nos efeitos de distorção temporal se presta a essa análise: é, sem dúvida, uma viagem. O uso de delay e reverb intensos tem sido estilisticamente associado à música psicodélica desde seu início na cultura pop, e é justo argumentar que há algo inerentemente perturbador nesses sons. O delay, em particular, com sua capacidade de capturar um único momento no tempo e transportá-lo para a frente, ecoando de forma não natural para o futuro, é inegavelmente desorientador. Em Shell~Wave , Surgeon usa esse truque de deslocamento temporal com grande efeito. No entanto, temos a impressão de que, embora esses efeitos sejam uma parte importante do quadro, eles não são o objetivo principal. Em sua essência, trata-se de dance music e, nesse sentido, sua relação com a psicodelia é mais semelhante à dos manipuladores sonoros pioneiros da cena dub dos anos 1970. É música espacial, sim, mas, em sua essência, funcional: projetada para mover corpos e destruir sistemas de som.
Há ecos aqui não apenas do dub, mas também das propostas mais melancólicas da cena dubstep dos anos 2000. O gingado pesado e paranoico de "Divine Shadow" lembra a atmosfera subterrânea e melancólica de " Triangulation ", do Scuba , ou a mordida metálica e fria de "My Demons", do Distance. É possível até mesmo fazer comparações com os momentos mais clubber da obra de Shackleton, que induz ao transe. Surgeon e Shackleton parecem compartilhar uma preocupação com certas ideias espirituais. Os títulos das faixas de "Shell~Wave" indicam um interesse em crenças antigas, na natureza cíclica do tempo e na presença da divindade no mundo natural. Há um quê de sinistro aqui, no entanto. Os chutes contundentes e os sintetizadores apavorantes de "Forgotten Gods" poderiam facilmente compor a trilha sonora de uma descida ao caos rastejante de um abismo lovecraftiano.
Child falou sobre sua crença de que a música que ele faz como metade dos British Murder Boys se situa dentro do continuum Hidden Reverse da Inglaterra , uma linhagem que começou com os pioneiros industriais Throbbing Gristle e Cabaret Voltaire, e então se infiltrou na cena clubber através dos experimentadores ocultistas Coil. Colocada nesse contexto, sua música como Surgeon assume qualidades mais estranhas e talvez mais profundas. A marca intermediária do Shell~Wave , 'Dying', compartilha pelo menos alguns fios de DNA com o cover do Coil de 'Going Up', a música tema de Are You Being Served?. Em sua versão, o Coil adapta de forma pungente a peça camp de espuma de entretenimento leve, elevando-a a alturas celestiais, guiando o ouvinte em uma jornada para a vida após a morte. 'Dying', uma peça etérea e sem batidas, consistindo apenas de uma voz desencarnada e carregada de efeitos repetindo o título da faixa por três minutos, imagina de forma semelhante o espanto e a maravilha possivelmente experimentados no momento da morte. O efeito aqui é maravilhoso. Para o Cirurgião, ao que parece, há alívio na dissolução corporal.
Em Shell~Wave , no entanto, o tempo se move em círculos e 'Infinite Eye' nos mergulha de volta na balada com uma batida mecânica e impactante e chimbais insetóides, como os de uma cigarra. Talvez tenhamos voltado para onde começamos. Talvez estejamos em outro lugar completamente diferente. É irrelevante. A atração sombria e hipnótica de sua sequência de sintetizador se contorcendo e os murmúrios espectrais que assombram a mixagem obliteram com sucesso nossa lembrança de um mundo além da pista de dança. 'Triple Threat' continua em uma veia igualmente envolvente, uma pitada de mania se infiltrando em sua melodia estridente de duas notas. No entanto, uma mudança sutil de tom ocorre nas duas últimas faixas do álbum. 'Empty Cloud' e 'Fall' ainda são músicas dançantes altamente funcionais, mas um toque suave de melancolia as agita. Em particular, os pads sombrios que entram na segunda metade de 'Fall' induzem uma pontada agridoce de desejo. Mais uma vez, somos transportados para meados dos anos 2000 com um momento de introspecção ao estilo de Burial. A nostalgia pós-rave pela euforia da noite passada já espreita nas sombras.
Nos últimos doze meses, aproximadamente, houve conversas nos círculos da dance music sobre a possibilidade de um renascimento do dub-techno, e é totalmente plausível que a máquina de tendências em constante mudança da cultura club se digne a dar ao som uma cobertura mais completa nos próximos meses. Ouvindo Shell~Wave , tais questões não poderiam parecer menos importantes. Em primeiro lugar, não é um álbum de dub-techno no sentido codificado. É um disco de techno aprimorado e encantado por uma sensibilidade informada pelo dub. Crucialmente, no entanto, Shell~Wave se destaca orgulhosamente fora desse discurso. É uma declaração elementar sobre a relação pessoal de Anthony Child com um gênero que ele viveu e amou por mais de trinta anos. Encantador, misterioso e emotivo, o álbum fala de uma experiência do techno como um estranho veículo para a transcendência suprema. Uma experiência essencialmente humana, firmemente enraizada no poder libertador da pista de dança.
