O nono álbum de estúdio de Richard Bona , Heritage (2016), é dedicado à tradição afro-cubana, aquelas músicas que viajaram com escravos da costa oeste do continente africano até o Caribe. Um número dolorosamente grande de homens e mulheres africanos foram arrancados de suas aldeias, despojados do pouco que tinham e levados à força para plantações na América para serem explorados. A música era tudo o que eles podiam levar e manter nas novas terras. Heritage é uma série de ritmos cubanos tão deliciosos quanto rítmicos, cadenciados, envolventes, dançantes e festivos, que se sucedem. O virtuoso multi-instrumentista é acompanhado por Mandekan Cubano para produzir um álbum memorável: Osmany Paredes (piano e teclados, Cuba), Luisito Quintero (percussão, Venezuela), Rey Alejandre (trombone, México), Dennis Hernández (trompete, Cuba) e Roberto Quintero (percussão, Venezuela). Um conjunto em que o montuno dialoga com o jazz e o folclore da África Oriental. Daí o nome Mandekan , um ritual ancestral influenciado pelas línguas Douala, Bambara e Mandinga.
"Aka Lingala Te" é a faixa de abertura do álbum, cantada na língua Douala, uma espécie de salmo coral complementado por percussão e baixo que dá lugar a "Bilongo", a peça emblemática do cubano Guillermo Rodríguez Fiffe (conhecido no México como "La negra Tomasa"), arranjada por Osmany Paredes. "Matanga", "Essèwè Ya Monique", "Ngul Mekon" e "Eva" exploram elementos melódicos e rítmicos de Camarões que Mandekan Cubano executa em cumplicidade com as vocalizações e superposições de percussão, violão e coral de Bona. O álbum atinge seus melhores momentos nas faixas afro-cubanas: "Jokoh Jokoh" (songo com reflows de timba), "Cubaneando" (sons de mambo/timba) e "Santa Clara con Montuno" (variação changüí com um instigante tumbao de piano que termina em um refrão son montuno). "Muntula Moto" é um cha-cha-cha com elegantes solos de trompete e trombone. "Kivu" também se refugia no cha-cha-cha do argumento do piano que mambes com a seção de metais. O álbum termina com "Kwa Singa", uma sugestiva faixa de hip-hop que termina com uma sandunga. Um trabalho extraordinário que mais uma vez confirma a capacidade de Richard Bona de misturar culturas e influências sem perder um pingo de elegância e sofisticação.
tracks list: 01. Aka Lingala Tè 02. Bilongo 03. Matanga 04. Jokoh Jokoh 05. Cubaneando 06. Essèwè Ya Monique 07. Santa Clara con Montuno 08. Ngul Mekon 09. Muntula Moto 10. Eva 11. Kivu 12. Kwa Singa
Faleceu no sábado, 2 de maio, o cantor Idir , pilar da cultura cabila e amazigh (berbere), que internacionalizou a música cabila. Idir era um feminista, um homem capaz de se inspirar na poesia e nas histórias da cultura cabila, aceitando a modernidade, uma modernidade que fala da sua capacidade de realizar colaborações sem precedentes com artistas de diversos horizontes em álbuns com títulos evocativos como Les Chasseurs de lumière (1993), Identités (1999), La France des couleurs (2007) e Ici et ailleurs (2017). Idir era um contrabandista da língua cabila, uma língua ameaçada pela austera política de arabização do governo argelino. Foi ele quem espalhou pequenos pedaços da Cabília pelo mundo. Em princípio, Hamid Cheriet, nome verdadeiro de Idir ('viverá' em berbere), não deveria ter se dedicado à música. "A música me escolheu ", ele disse uma vez. Nascido em 1949 em Aït Lahcène, a 35 quilômetros de Tizi Ouzou, capital da Grande Cabília, este filho de um pastor estudou geologia. Mas a música berbere, que ela ouviu durante toda a infância e juventude, atrapalhou e decidiu seu destino muito cedo, mesmo que quase por acaso: em 1973, a cantora Nouara, que deveria apresentar sua composição "A Vava Inouva" na Rádio Argel, na língua berbere, língua e identidade que ela sempre defendeu, adoeceu e Cheriet teve que substituí-la. Ele então parte para cumprir seu serviço militar na Argélia. Enquanto ele estava em serviço, sua música começou a se tornar cada vez mais famosa, a ponto de se tornar um sucesso internacional. A música foi transmitida em 77 países e traduzida para 15 idiomas.
Em 1976, já radicado na França, lançou seu primeiro álbum, com o mesmo título de seu single de sucesso, que se tornou o primeiro best-seller internacional vindo do Norte da África. A canção homônima "A Vava Inouva", que evoca as noites nas aldeias cabilas, rapidamente deu a volta ao mundo; "Ssendu" era a canção de ninar cantada pelas famílias argelinas no exílio francês, e "Zwit Rwit" era a música número 1 nos casamentos cabilas, que mais tarde foi regravada em árabe por Cheb Khaled. Embora não tenha uma discografia numerosa (só publicou, além de A Vava Inouva , outros sete álbuns de estúdio), é consenso considerá-lo o embaixador da música berbere e da região da Cabila e um artista de popularidade e influência sem precedentes. De fato, ele desapareceu por uma década, entre 1981 e 1991. No entanto, no outono de 1999, aproveitando o impulso dado por seus compatriotas Cheb Mami e Khaled, ele fez seu retorno com o álbum Identités . Ela mistura música popular argelina com ritmos retirados de gêneros ocidentais. Seu desejo de misturar culturas o levou a cantar com músicos de diferentes horizontes culturais, musicais ou geográficos, como Karen Matheson, Manu Chao, Dan Ar Braz, Zebda, Maxime Le Forestier ou Gnawa Diffusion, Thierry Titi Robin, Gilles Servat, Frédéric Galliano, Geoffrey Oryema e a Orquestra Nacional de Barbès. Em 2018, 38 anos depois de deixar sua terra natal, ele retornou à Argélia para celebrar o Ano Novo berbere, "Yennayer", e em 2019 apoiou publicamente os protestos que acabaram forçando a derrubada do presidente Abdelaziz Bouteflika. Homenagens têm sido feitas na França, desde o Ministro da Cultura, que declarou que "a alma cabila ressoou na voz do poeta ", até a Prefeita de Paris, Anne Hidalgo, que também destacou: "Seu compromisso humanístico, seu compromisso com a cultura cabila, permanecerá em nossos corações. Sua voz magnífica ressoará por muito tempo na prefeitura, onde celebramos o Ano Novo Berbere tantas vezes . "
tracks list: 01. A Vava Inouva 2 – feat. Karen Matheson 02. A Tulawin (Une algérienne debout) – feat. Manu Chao & Khalida Messaouadi 03. Un homme qui n'a pas de frère – feat. Zebda 04. Exil (Daγrib) – feat. Geoffrey Oryema 05. Tizi Ouzou – feat. Brahim Izri & Maxime Le Forestier 06. Révolution (Tagrawla 2) – feat. Gnawa Diffusion 07. Fable (Tamaçahuts 2) – feat. Thierry Titi Robin 08. Illusions (Awah Awah 2) – feat. Gilles Servat & Dan Ar Braz 09. Le Jour du don (Tiwizi 2) feat. l´Orchestre National de Barbès 10. Mémoires (Cfiγ 2) – feat. Frédéric Galliano & Ramata Doussou Bagayoko
O ABBA é facilmente um dos grupos musicais mais influentes de todos os tempos. Atingindo o auge da popularidade na década de 1970 , este é um grupo que muitas pessoas ainda ouvem com fervor hoje. De fato, suas músicas antigas agora entretêm uma geração inteiramente nova de pessoas, pessoas que se apaixonaram genuinamente por suas canções.
Embora todos tenham suas favoritas, geralmente há algumas músicas que a maioria das pessoas concordaria prontamente que estão entre as melhores. Afinal, toda banda tem um álbum de grandes sucessos .
Dê uma olhada na lista e veja se alguma das suas favoritas está nela. Quem sabe você decide ouvir uma ou mais músicas pelos links fornecidos e descobre algo totalmente novo que nunca ouviu antes.
Por outro lado, você pode se lembrar de um momento favorito que é trazido de volta à vida através da música deles. Claro, esta lista é subjetiva. Você pode ter um momento favorito completamente diferente daquele que ficou em primeiro lugar nesta lista específica.
No entanto, é tudo uma brincadeira, então se você é fã do ABBA, ou mesmo se está apenas curioso, vá em frente e dê uma olhada (e ouça) você mesmo.
10. Fernando (1975)
Quem não amaria uma música que falasse sobre encontrar um amor perdido? É basicamente a isso que esta música se refere. O fato de ser cantada com o estilo característico do ABBA a torna ainda mais atraente.
Definitivamente não é como uma típica canção de amor, soando mais como uma celebração após a vitória de uma grande batalha do que qualquer outra coisa. Sua natureza comemorativa imediatamente eleva seu ânimo e faz você pensar em finalmente estar nos braços daquela pessoa que faz seus joelhos fraquejarem.
Não se engane, não é de forma alguma uma balada. É uma canção de rock e foi feita para ser cantada como tal. Dito isso, isso não torna o significado menos comovente.
9. Money, Money, Money (1975)
Não existe uma pessoa viva que não tenha passado por pelo menos alguns dias em que sentiu que, não importa o quanto trabalhasse, não importa quanto dinheiro ganhasse, nunca seria o suficiente.
Esta música fala sobre a necessidade e o desejo de ter muito dinheiro, em contraste com a realidade de não ter o suficiente para todos. É algo com que quase todo mundo se identifica de uma forma ou de outra, e é justamente isso que a torna tão popular.
8. SOS (1975)
Esta é outra canção de amor, mas é feita de uma forma bastante atrevida. Fala sobre a necessidade de enviar um SOS como se você fosse um navio perdido no mar, só que falando sobre fazer isso para encontrar um amor perdido.
A maioria das pessoas se identifica com ela porque já passou por pelo menos algumas vezes na vida em que sentiu que estava afundando e precisava de alguém para lhes dar um bote salva-vidas, geralmente na forma de um novo interesse romântico. É exatamente aí que essa música atinge o alvo e, portanto, ressoa com um grupo muito grande de pessoas.
7. The Name Of The Game (1977)
Esta é uma música com um ritmo animado, mas a letra conta uma história completamente diferente. Na verdade, ela se relaciona a encontrar alguém com quem você acha que poderia se envolver romanticamente, apenas para descobrir que a pessoa em questão não sente o mesmo.
A música recebeu esse título por causa dos jogos que as pessoas às vezes praticam para manipular os sentimentos dos outros. Quando você olha para ela nesse contexto, ela assume um significado muito mais sombrio do que a batida da música permite que você acredite inicialmente.
6. Take A Chance On Me (1977)
Por outro lado, esta é uma música sobre ganhar a confiança de alguém. Ela fala sobre se apaixonar por alguém e querer que essa pessoa o ame tanto quanto você a ama. A pessoa na música está pedindo a essa pessoa que se arrisque e permita que ela mostre que seus sentimentos são genuínos.
5. Mamma Mia (1975)
Você já ouviu alguém completamente frustrado com alguma coisa dizer "Mamma Mia"? É basicamente a isso que essa música se refere. Uma das letras principais da música é "here we go again" (lá vamos nós de novo), aludindo à ideia de ficar completamente pasmo com algo que acontece repetidamente.
O que a torna atraente é que a música é tocada de forma divertida. O ritmo não poderia ser mais animado e a canção é contada quase de forma irônica, fazendo com que tudo pareça muito mais divertido do que normalmente é na realidade.
4. The Winner Takes It All (1980)
Esta é definitivamente uma das músicas mais lentas pelas quais o grupo é famoso, sendo também um dos seus sucessos de rock posteriores . Se você acha que é sobre alguém vencendo um concurso, pense novamente. Na verdade, é uma música de cortar o coração sobre o vencedor e o perdedor em um relacionamento romântico, onde a pessoa que consegue o que quer sai com tudo e a outra fica desolada e destruída. Se você nunca ouviu isso antes, talvez seja uma boa ideia ter lenços de papel à mão antes de ouvir.
3. Dancing Queen (1976)
Quem não gosta da ideia de ouvir uma boa música que te dá vontade de dançar? Dancing Queen foi um dos sucessos mais populares da era disco dos anos 1970, chegando a quase todos os lugares do gênero que existiam. Ela ainda é popular no rádio hoje, por razões óbvias. Seu som animado é viciante, fazendo você querer ouvi-la repetidamente.
2. Slipping Through My Fingers (2008)
Esta é outra canção triste, que fala sobre o desejo de se apegar a alguém que você ama, mas vê-lo literalmente escapar por entre os seus dedos a cada momento. Foi lançada para o filme Mamma Mia , de 2008 , que teve como destaque a música do ABBA. No filme, é usada para descrever os sentimentos da mãe ao ver sua filha crescer e se casar. Dito isso, pode ser usada com eficácia para qualquer situação em que uma pessoa ama alguém e sente que essa pessoa está se distanciando cada vez mais.
1. Super Trouper (1980)
Esta é uma música fofa com um significado muito tocante. Em sua essência, ela fala sobre ter um relacionamento com alguém tão especial para você que só de pensar nela você se impulsiona a realizar coisas que você achava que não conseguiria. Ela fala sobre como ver essa pessoa especial e passar tempo com ela te ajuda a superar os momentos mais difíceis da vida, algo que todos entendem muito bem.
Se você é fã de música country, provavelmente já ouviu falar de "Aaron Dupree Tippin". Aaron nasceu em julho de 1958 em Pensacola, Flórida, mas depois se mudou para a Carolina do Sul, onde cresceu. Ao longo de sua adolescência, Tippin ganhava a vida como cantor, apresentando-se em vários clubes locais. No entanto, a paixão de Tippin pela música não impediu suas façanhas acadêmicas, já que ele também trabalhou como piloto comercial e encanador antes de completar 20 anos. Em 1986, Tippin mudou-se para Nashville , onde expandiu sua carreira musical tornando-se compositor na Acuff-Rose. Sua estadia na Acuff-Rose marcou o início de sua ascensão como um dos músicos country mais famosos dos EUA. Aaron Tippin assinou contrato com a RCA Nashville, onde lançou seu primeiro single de estreia de sucesso, "You've Got To Stand For Something", em 1991. Sua trajetória musical o levou da RCA Nashville para a Lyric Street e a possuir um estúdio de gravação pessoal, o Nappit Records. Desde 1990, Tippin lançou nove álbuns de estúdio, com mais de trinta singles figurando nas paradas da Billboard dos EUA . Ao longo de sua carreira, ele conquistou um total de seis discos de ouro e um de platina.
10. My Blue Angel
A música número 10 da nossa lista é "My Blue Angel", lançada em 1993. Esta canção foi escrita por Aaron Tippin, Phillip Douglas e Kim Williams e está contida no álbum "Read Between The Lines". "My Blue Angel" ganhou imensa popularidade e alcançou a posição 16 na parada de canções country canadense RPM e a 7ª na Billboard Hot Country Tracks and Singles dos EUA. Nesta canção, o músico está em um estado deplorável após maltratar sua amante , empurrando-a para os braços de outro homem.
9. That’s as Close as I’ll Get to Loving You
A música "That's as Close as I'll Get to Loving You" foi lançada em 1995 como o single de maior sucesso do álbum "Tool Box". O sucesso chegou ao topo das paradas da Billboard nos EUA e chegou ao 10º lugar nas paradas canadenses. Tippin e Paul Jefferson coescreveram esta música, que abre os ouvintes para um mundo de emoções amorosas que podem deixá-lo em um estado pensativo. A música pinta um cenário de amor sem esperança — um estado de amar alguém que não pode estar com você porque foi levado ou está longe. A peça explica que, nesse estado, tudo o que você pode fazer é imaginar e sonhar com alguém que não será uma realidade em sua vida.
8. There Ain’t Nothing Wrong With The Radio
A música está incluída no álbum "Read Between the Lines", lançado em fevereiro de 1992. É um dos singles principais do álbum e permaneceu por mais tempo (3 semanas) nas paradas americanas. A música narra como o músico continuou a dirigir seu carro velho e desgastado simplesmente porque a funcionalidade do rádio não foi prejudicada. O músico ainda podia ouvir sua música country favorita e, portanto, não se importava com a aparência antiga do seu carro.
7. Working Man’s Ph.D.
A sétima faixa da nossa lista é "Working Man's Ph.D.", que alcançou a 7ª e a 6ª posição nas paradas dos EUA e Canadá, respectivamente. Esta faixa foi o primeiro single do álbum "Call of The Wild" e foi lançada em junho de 1993. Nesta música, Aaron Tippin explora e descreve a vida natural de um trabalhador. Se você acredita na perfeição através da prática, então esta é a música certa.
6. What This Country Needs
Esta foi uma das melhores músicas lançadas por Tippin em 2017. Embora o título soe como um chamado rebelde, Tipping usa a palavra "Country", referindo-se à indústria da música country. Nesta música, Tipping aconselha que o mundo da música country precisa de um pouco mais de guitarra e animação.
5. I Got It Honest
Encontramos essa fantástica canção de reflexão no álbum "Looking Back at Myself" de Tipping, lançado em 1994. A canção alcançou a 15ª e a 9ª posições nos principais outdoors de música country dos EUA e Canadá. Na música, Tippin reflete sobre seu passado e suas experiências profissionais. A jornada não foi fácil, mas Tippin se dedicou a ganhar dinheiro honestamente. Tudo o que ele tem é fruto do seu trabalho árduo, e essa deve ser a história de todos. Nada é mais gratificante do que desfrutar dos frutos do seu trabalho.
4. Where The Stars & Stripes & The Eagle Fly
"Where The Stars & Stripes & The Eagle Fly" é, sem dúvida, uma das músicas mais significativas para Tippin. A música foi lançada durante os ataques de setembro de 2000 e conta com a participação da Cruz Vermelha no auxílio humanitário a famílias em dificuldades. Durante esse período, a música arrecadou US$ 250.000 e foi muito apreciada por seus fãs. Tippin compôs a música em colaboração com Casey Beathard e Kenny Beard para apresentar uma visão patriótica dos Estados Unidos.
3. I Wouldn’t Have It Any Other Way
Este sucesso de Tippin está contido em seu empolgante álbum "Read Between Lines", lançado em junho de 1992. "I Wouldn't Have It Any Other Way" alcançou o Top 5 na parada americana de sucessos country e a quarta posição na parada canadense. Comparada com sua canção "You've Got To Stand For Something", esta canção pode ser considerada um ritmo acelerado de individualismo e manifestação brilhante.
2. Kiss This
Tippin compôs esta música em parceria com Phillip Douglas. A música está presente em seu álbum "People Like Us", lançado em 2000. A canção narra como uma mulher descobriu que seu parceiro a estava traindo e decidiu se vingar dele. "Kiss This" manteve-se no top 70 por 33 semanas nas paradas de sucesso country. Mesmo assim, esta música foi o terceiro e último single a alcançar o topo da carreira musical de Tippin.
1. You’ve Got To Stand For Something
Nossa faixa favorita na lista de músicas de Aron Tippin é "You've Got To Stand For Something". Embora tenha sido seu primeiro lançamento, a música deixou uma marca considerável e o carinho de seus fãs. A faixa foi extremamente popular entre os soldados na Guerra do Golfo, que cantavam músicas inspiradas por sua letra. Na música, o compositor narra como seu pai o ensinou a sempre defender suas convicções morais. A música alcançou o topo das paradas de sucesso country e foi um divisor de águas na jornada musical de Tippin.
Natural de Espinho, nascida em tempo de férias de uma família de Viseu, ligada à tauromaquia, Maria Zulmira Casimiro de Almeida (1914-1970), imortalizada no teatro, cinema e discos como Mirita Casimiro estreou-se nos palcos em 1935, cantando na revista “Viva a Folia!”, no Teatro Maria Vitória, em Lisboa. Seguiram-se outras peças de teatro de revista, comédias e operetas (são exemplos “A Catraia do Bolhão” ou “A Senhora da Atalaia”) antes de uma experiência no cinema que lhe dariam um papel e uma canção que para sempre ficariam associados à sua memória.
Com argumento de José Galhardo, Alberto Barbosa e Vasco Santana (com quem a atriz e cantora se casaria poucos anos depois), “Maria Paopila”, com realização de Leitão de Barros e canções de Fernando de Carvalho, Raúl Ferrão e Raúl Portela, apresentava uma narrativa que propunha um confronto entre a cidade e a vida numa aldeia do interior, temática que, traduzindo o êxodo rural que atraía gentes para os grandes centros urbanos, foi comum a vários filmes, peças de teatro, romances e canções no Portugal de então. O filme, de 1937, tinha por protagonista uma mulher vinda de um aldeia beirã cuja viagem a Lisboa a fará encontrar o amor, pensar o papel da honra e, no fim, vencer pela força da honestidade.
Fez então história uma canção que se escuta no comboio que a leva a Lisboa, na qual Mirita Casimiro canta o “adeus à serra” e convoca todo um novo quadro de vida que tem pela frente. Editada num 78 rotações d’A Voz do Dono, como “Canção da Papoila”.
Nascida em Lisboa, Berta Cardoso (1911-1997) estreou-se a cantar, com apenas 16 anos, no Salão Artístico de Fados, no Parque Mayer. O sucesso imediato garantiu-lhe ali trabalho regular, sendo, pouco depois, uma das primeiras fadistas profissionais a ter frequentemente presença em novas produções de teatro de revista. Já na década de 30 ganha lugar entre as vozes que conhecem primeiras campanhas de internacionalização do fado, com sucessivas temporadas bem sucedidas no Brasil, que cimentam um estatuto que em Portugal, ao mesmo tempo, a consagra no Retiro da Severa.
Berta Cardoso grava pela primeira vez em Madrid em 1931, em registos editados pela Odeon nos quais é acompanhada por Armandinho e Georgino de Sousa. Continua a gravar nos anos seguintes. E data de 1936 um disco de 78 rotações no qual regista, numa das faces, “Uma Hora, Duas Horas”, de Silva Cardoso e Jaime Santos, e “Cruz de Guerra”, um fado canção de Armando Neves e Miguel Ramos.
“Cruz de Guerra” parte de um poema de alma trágica assinado por Armando Neves que que venceu o Prémio Literário Antero de Quental (promovido pelo Secretariado de Propaganda Nacional do Estado Novo). As palavras evocavam memórias da presença de soldados portugueses nos campos de batalha da I Guerra Mundial, observando uma mulher que perdeu de um filho, dor que ela sabe ser partilhada por muitas outras mães em situação comum.
Este disco, que corresponde à primeira das três vezes que Berta Cardoso gravou “Cruz de Guerra”, conquistou um êxito tremendo e durante anos foi presença regular na programação da Emissora Nacional. Apesar de ter entretanto concluído os estudos em enfermagem, Berta Cardoso nunca deixou de cantar, mantendo atividade até 1982.
Uma das primeiras vozes portuguesas a conhecer a sua voz fixada em disco foi Maria Alice, nome artístico de Glória Mendes Leal Carvalho, nascida em 1904 perto da Figueira da Foz. Mudou-se com 14 anos para Lisboa onde se estreia a cantar em finais da década de 20, no retiro Ferro de Engomar. Por essa altura estava já gravar discos, lançando uma série de títulos de 78 rotações na viragem para os anos 30.
Data de 1936 a edição daquele que ficou registado como o seu maior êxito. Trata-se de “Perseguição”, um fado com música de Carlos da Maia, irmão de um revolucionário republicano, eleito deputado logo em 1911, que tinha sido assassinado na chamada “noite sangrenta” em 1921. A letra era de Avelino de Sousa. E, na verdade, este fado tinha já sido gravado pela própria Maria Alice em 1927, numa altura em que o lisboeta Teatro Taborda era frequentemente usado como “estúdio”.
Apesar de gravado em 1927, o fado levou anos a chegar a disco, ao que parece porque a gravação andou perdida (sendo localizada pelo técnico de som da Valentim de Carvalho, Hugo Ribeiro, apenas em 1977, sendo essa versão então editada no álbum de Maria Alice “Fados dos Anos 20 / 30”).
A segunda gravação de “Perseguição” surgiu na verdade na face B de um 78 rotações que apresentava, no lado A, “Minha Mãe”, de Armando Neves e Júlio Proença. E foi esta gravação, captada em 1936, a que de facto se transformou num êxito tão grande que marcaria a discografia de uma voz que, já tinha protagonizado duas significativas passagens pelo Brasil e era então presença frequente nas emissões de rádio.
Nos anos 40 Maria Alice integra a Troupe Music-Hall mas, depois do casamento, opta por se retirar da vida artística.
Teve uma infância difícil. Nascida em Mafra, a viver em Lisboa desde os quatro anos de idade, Beatriz Costa aprendeu a ler por si mesma, trabalhou como empregada doméstica e bordadeira desenvolvendo desde cedo uma paixão pelo teatro desde que começara a frequentar o Parque Mayer, acabando por se estrear, em 1923, como corista na revista “Chá e Torradas”, então em cena no Éden. Não mais deixou o teatro. Fez uma digressão no Brasil, passou por mais palcos lisboetas, fez amizade com grandes vultos da cultura portuguesa de então e, em 1927, deu mais ainda nas vistas quando fez um ousado corte de cabelo àgarçonne, que seria daí em diante uma imagem de referência. Chegou ao cinema em 1928 e, cinco anos depois, vestiu a pele da menina Alice Costa na “Canção de Lisboa”, de Cottinelli Telmo, filme que amplificou a sua popularidade como atriz e também como cantora.
É já sob o impacte do sucesso da “Canção de Lisboa” que, em 1936, dá por si numa nova produção teatral que lhe dará um dos maiores sucessos de toda a sua carreira na música. Com música de Raul Ferrão e letra de Alberto Barbos, José Galhardo, Vasco Santana e Amadeu do Vale, a canção “Arre Burro” (que tinha o título da própria revista) explora uma ideia de cultura e saber popular em clima de ruralidade, algo que caracterizou várias personagens que o teatro e o cinema então exploravam num tempo em que se começava a dar um êxodo do campo para as cidades. A canção surgiu em disco, apresentando no lado B o “Fado do 17”, da mesma revista (e com os mesmos autores) cuja letra permite uma leitura de propaganda ao regime (dado como pacificador) mas, ao mesmo tempo, pode levantar uma eventual (mas discreta) paródia aos tempos que corriam.
Revista em dois atos, juntando um total de 25 quadros, “Arre Burro” esteve em cena no Teatro Variedades incluindo o elenco, além de Beatriz Costa, as figuras igualmente célebres de Vasco Santana e António Silva, que com ela haviam contracenado na “Canção de Lisboa”.
