"Isto é Detroit! E é isso que Fun House representa para mim, a própria definição do rock 'n' roll de Detroit e, por extensão, o álbum de rock definitivo da América" --- Jack White
Detroit era muito Detroit , embora infelizmente hoje não seja nada mais do que uma sombra do que foi. " Motor City" não era "apenas" indústria, era muito mais... Ela esconde um grande legado musical alimentado pela imigração em massa que ocorreu em meados do século passado. Nesse gigante de concreto, asfalto e fábricas antigas, havia muitas preciosidades musicais espalhadas, talvez até demais... e uma delas era "Fun House".
Visceral, primitivo... cada uivo, dedilhar ou golpe é um gesto de paixão incontrolável, capaz de despertar em seu cérebro emaranhado uma voz que ruge destruição e chuta para libertar seus instintos . "Fun House" é cru e afiado , os Stooges rompem com o estabelecido (apenas um ano depois de Woodstock ), criam uma obra-prima brutal que escorre suor e atitude... nada seria o mesmo novamente...
"...fui machucado e não me importo"
A voz de Iggy está pegando fogo , como as gaitas do Blues mais cru e energético que já surgiu dos becos e clubes da imponente Chicago . Captar essa voz foi um fator determinante e o produtor (Don Gallucci) , muito consciente disso e com bom faro, decidiu que o vocalista deveria ser gravado ao vivo, com o resto do grupo , microfone na mão conectado a um mini amplificador de PA. Uivos, rosnados e gritos eletrificam a atmosfera e atingem os tímpanos... Bendita selvageria!
Disco 1 1. Down on the street
2. Loose 3. TV eye 4. Dirt 5. 1970 (I feel alright) 6. Fun house 7. LA blues
Disco 2 (Outtakes and Rare Mixes)
1. T.V. Eye (Takes 7 & 8) 2. Loose (Demo) 3. Loose (Take 2) 4. Loose (Take 22) 5. Lost in the Future (Take 1) 6. Down on the Street (Take 1) 7. Down on the Street (Take 8) 8. Dirt (Take 4) 9. Slide (Slidin' the Blues) (Take 1) 10. 1970 (Take 3) 11. Fun House (Take 2) 12. Fun House (Take 3) 13. Down on the Street (bonus single) 14. 1970 (bonus single)
Maturidade e ousadia, pureza e cautela no A&R Studios, 799 7th Avenue, Nova York. Os experientes Sabicas e o talentoso Joe Beck, juntamente com jovens músicos importantes da cena jazz/rock de Nova York, produziram um álbum encantador e inovador. Aqui está a lista dos protagonistas:
Sabicas ( guitarra); Joe Beck (guitarra elétrica); Diego Castellón (guitarra base); Tony Levin (baixo); Donald McDonald (bateria); Domingo Alvarado (voz); Warren Bernhardt (órgão, piano) -----------------------------------------------------------------------------------------------------------
Sabicas (Agustín Castellón Campos, 1912-1990) foi e é uma lenda do violão flamenco. Ele nunca teve professores, não sabia ler música e ninguém o ensinou, e daí? Apenas dois anos após receber seu primeiro violão, Niño Sabicas (ganhou esse apelido porque quando criança comia feijão cru) já estava no palco e com o tempo se tornaria um completo inovador e revolucionário do instrumento de seis cordas.
"Com Sabicas descobri um som limpo que nunca tinha ouvido antes, uma velocidade que também desconhecia até aquele momento e, finalmente, uma maneira diferente de tocar" --- Paco de Lucía
O início da Guerra Civil forçou nosso protagonista ao exílio . Assim começou uma jornada através do oceano onde, junto com Carmen Amaya, ele excursionou pela América do Sul, levando o som do Flamenco com ele e espalhando-o para o resto do mundo. Quando tinha cerca de cinquenta e cinco anos, mudou-se para Nova York, onde tocou regularmente em concertos como solista. Foi ali, num desses recitais, que Paco de Lucía o descobriu durante sua primeira turnê com o bailarino José Greco . A partir daí, a admiração que o jovem gênio algecirense professava pelo maestro Sabicas foi uma constante. O cigano navarro exerceu assim uma influência incalculável sobre toda uma nova geração de guitarristas...
"Não gosto de Jazz nem de Rock. Fiz isso porque meu irmão, Diego, queria explorar outros gêneros para vender mais..." --- Sabicas
Sabicas desmentiu " Rock Encounter" e Camarón duvidou de "The Legend of Time ". Este último vendeu mal. O que é "Rock Encounter" então? Sacrilégio, heresia, profanação...? Deixamos isso para os "puristas". Não caiamos no erro, não sejamos obtusos e desfrutemos de um exemplo superlativo de fusão, um disco essencial, um álbum à frente do seu tempo , germe e precursor hipnótico de pilares como "El Patio" de Triana ou o já citado "La leyenda del Tiempo" de Camarón, entre muitos outros...
É sobre estradas solitárias, sobre galpões rachados, sobre melancolia afogada em um vidro, sobre botas empoeiradas, sobre garrafas de uísque vazias de desânimo, sobre quartos na penumbra, sobre olhos de coruja incomodados pela luz do dia, sobre mentes aflitas que se perguntam, sobre corações atormentados que não "entendem", sobre dor transformada em beleza...
"Live at The Old Quarter Houston, Texas" foi gravado em uma noite quente e úmida de verão em 1973 . Sozinho com seu violão no pequeno bar "The Old Quarter", em um ambiente muito intimista, diante de cerca de cem pessoas, Townes parece acessível e descontraído , compartilhando anedotas e piadas entre as músicas com os privilegiados presentes. Guitarra na mão , a sensação se inverte e, embora permaneça próxima, a sensação de solidão que transmite é avassaladora.
Honestidade como recompensa...
Como uma de suas grandes influências, Hank Williams , Townes cantou cada verso com profunda intensidade e emoção , obtendo a recompensa mais gratificante: um público atento e deslumbrado. O ar condicionado não estava funcionando e as portas do bar estavam abertas numa tentativa vã de aliviar o calor. Ocasionalmente, era possível ouvir ônibus ao fundo (havia uma estação próxima), mas nada disso era um obstáculo, nada conseguia ofuscar a maravilhosa performance de um dos melhores cantores e compositores dos Estados Unidos. Uma janela para a alma humana, um trovador nos tempos modernos .
Disco 1:
1. Announcement
2. Pancho & Lefty 3. Mr. Mudd & Mr. Gold 4. Don't You Take It Too Bad 5. Two Girls 6. Fraternity Blues 7. If I Needed You 8. Brand New Companion 9. White Freight Liner Blues 10. To Live Is to Fly 11. She Came and She Touched Me 12. Talking Thunderbird Blues 13. Rex's Blues 14. Nine Pound Hammer
Disco 2:
1. For the Sake of the Song
2. Chauffeur's Blues 3. No Place to Fall 4. Loretta 5. Kathleen 6. Why She's Acting This Way 7. Cocaine Blues 8. Who Do You Love? 9. Tower Song 10. Waiting 'Round to Die 11. Tecumseh Valley 12. Lungs 13. Only Him or Me
"Não é uma coletânea, já que apenas uma faixa foi lançada, e de forma alguma uma reedição, já que o disco original não existia. O lançamento de 2006 da Art Yard, "Salah Ragab and the Cairo Jazz Band present Egyptian Jazz", é um álbum de estreia por si só. Levou apenas mais de trinta anos para ser descoberto." --- The ICrates Magazine
Resumimos uma nova alegria escondida em nossa lista. Um casamento perfeito entre a música oriental e ocidental . Uma genial mistura de música tradicional norte-africana e jazz , um disco que não há que perderse e que se busca tesouros musicais desconhecidos e chamativos, ¡aún menos!.
Mas, quem é Salah Ragab? ... Pues bien, Salah Ragab foi o líder e máximo responsável pela seção de Música de todo o exército egípcio no final dos anos 60. Depois dessa carga tão sobrio se "ocultou" um compositor e músico multi-instrumentista , um baterista de Jazz apaixonado que estudou teorias de Jazz e Improvisação com o também músico e compositor americano Osman Karim . Mas Salah Ragab, antes de tudo, foi um inovador desconhecido, um pioneiro que formou a primeira e mais famosa Big Band do seu país: The Cairo Jazz Band.
Em 1968, Dio El Paso criou a primeira banda de jazz egípcia . Salah contou com mais de 3.000 músicos profissionais em seu mando del Alto al Bajo Egipto. De entre todos eles eleitos para um grupo de 25 , os mais destacados. A banda foi formada por cinco saxofones, quatro trombetas, quatro trombones, piano, baixo, bateria e percussão e outros vários instrumentos orientais. Muitos dos melhores músicos do país se encontram entre seus filas , sem embargo no tocaban mais que himnos e marchas militares e precisas, desconocían todo o que tuviera que ver mais allá.
Assim, nosso protagonista se colocou à mão na obra e reservou um edifício para a banda em sua entrada, coletou um cartel no que Lucía se inscreveu orgullamente em "Jazz House" . Todo o grupo de "elegidos" não tinha outra obrigação ou deveria instruir e dedicar-se manhã e tarde a desenvolver suas habilidades musicais no Jazz.
E vai que você o faça... A seção rítmica é energética e os solos são poderosos. “Salah Ragab e a Cairo Jazz Band apresentam Jazz Egípcio” é excelente e sóbrio ao mesmo tempo.
A banda havia conquistado uma legião de seguidores fiéis na carreira , seus concertos eram dinâmicos . Seus músicos no estado de graça têm capacidades que crescem exponencialmente quando combinam suas habilidades. Se você era bom no estúdio, direto era simplesmente genial...
Em julho de 1971 foi lançado "Live At the Fillmore East" , um explosivo tesouro musical direto com o que a banda conjugou, no final, a recepção fenomenal da crítica com algumas vendas fantásticas. Com seus dois primeiros discos de estúdio, "The Allman Brothers Band" (1969) e "Idlewild South" (1970) , os Allman tiveram relativamente pouco impacto comercial, mais além dos estados seguros, pesar de sua qualidade e da boa opinião por parte da crítica. A estrada proporcionou praticamente tudo, ele se converteu em ícone e leu, mas também o fez um labirinto mortal. Dos meses depois dessas capturas que aqui são traemos, o irmão Duane Allman morreu tragicamente em um acidente de moto e menos de um ano depois, e apenas três meses de tudo, o bajista Berry Oakley levou o mesmo destino em outro acidente...
"A&R Studios; New York 26th August 1971" é uma das últimas aparições da The Allman Brothers Band com sua formação original . Um show não só para aqueles afortunados que puderam fazer com uma entrada, mas também para aqueles que sintonizaram a lendária rádio neoyorquina WPLJ FM . Uma deliciosa experiência sonora e documento histórico, o legado de uma banda que foi um passo mais allá... "Ladies and Gentlemen...The Allman Brothers Band...!"
01. Statesboro Blues 02. Trouble No More 03. Don't Keep Me Wonderin' 04. Done Somebody Wrong 05. One Way Out 06. In Memory of Elizabeth Reed 07. Stormy Monday 08. You Don't Love Me 09. Soul Serenade 10. You Don't Love Me
11. Soul Serenade (Em memória do Rei Curtis) 12. Hot 'Lanta
Um clássico do underground rock. Grande álbum; desfrutem!
Se o Milesago tivesse uma seção chamada "Melhores Planos", esse grupo certamente ganharia um Guernsey. No papel, parecia um time dos sonhos, com quatro dos melhores músicos da Australásia reunidos em um "supergrupo" com a intenção de conquistar o mundo. Considerando o talento envolvido, este deveria ter sido um grande grupo que fez coisas grandiosas, mas, como tantas vezes aconteceu no OzRock, a realidade provou ser drasticamente diferente.
Vince Maloney, Johnny Dick, Teddy Toi e Doug Parkinson foram veteranos de algumas das principais bandas da Austrália e da Nova Zelândia na década de 1960:
Vince Melouney (às vezes escrito Maloney) esteve na formação original do The Aztecs de 1963 a 1965, mas saiu em 1965 (junto com o restante da banda) após uma disputa financeira. Ele e seu colega asteca Tony Barber formaram uma dupla de curta duração, seguida por uma temporada com Tony Worsley & The Fabulous Blue Jays. Vince então formou sua própria banda, The Vince Maloney Sect, que se tornou a banda da casa no programa pop Kommotion de meados dos anos 60. Mudando-se para a Inglaterra, passou vários anos como guitarrista principal na formação britânica do The Bee Gees, no final dos anos 60, com o baterista Colin Petersen.
Johnny Dick juntou-se ao Max Merritt & The Meteors em 1963 na Nova Zelândia e veio para a Austrália com eles em 1965, ao lado de Teddy Toi. Após a separação dos Aztecs originais de Thorpe, ele e Teddy abandonaram o barco e se juntaram aos "novos" Aztecs, que duraram até 1966. Mais tarde, ele se juntou a "Parko" no aclamado Doug Parkinson In Focus.
Teddy Toi era um baixista muito respeitado, já um veterano do rock'n'roll, cujo currículo remontava à Nova Zelândia no final dos anos 50 com Sonny Day & the Sundowners e incluía uma passagem pela segunda formação do The Aztecs em 1965-66.
Doug Parkinson foi (e ainda é) um dos melhores cantores masculinos da Austrália. Ele começou sua carreira em uma banda de colégio, The A Sound, depois no grupo pop de Newcastle, The Questions, que evoluiu para Doug Parkinson In Focus com Johnny, Duncan McGuire e Billy Green, alcançando um hit no Top 20 em 1968 com sua soberba interpretação de "Dear Prudence", dos Beatles, e vencendo a Batalha dos Sons de Hoadley em 1969.
Após cerca de três anos com os Bee Gees no Reino Unido, Vince deixou a banda devido às inevitáveis "diferenças musicais" e teve uma breve passagem pelo Ashton, Gardner & Dyke (famoso por "Resurrection Shuffle") antes de fechar um contrato solo com a MCA. Ele decidiu montar um supergrupo de hard rock nos moldes do Led Zeppelin para gravar o álbum. A primeira oferta foi feita a Teddy Toi, um velho amigo e colega que estava fazendo estúdios em Londres na época. Em junho de 1970, ele convidou Johnny e Doug para acompanhá-lo ao Reino Unido, uma viagem possibilitada pela vitória do In Focus na Batalha dos Sons de Hoadley — o primeiro prêmio era uma viagem à Inglaterra.
Eles reuniram um conjunto de material original de peso e gravaram o álbum em Londres, embora este só tenha sido lançado em 1971, logo após a separação. Retornaram à Austrália em dezembro de 1970 em meio a uma onda de entusiasmo. Gabando-se de que se tornariam a maior banda do mundo imediatamente, a banda encontrou resistência de um público cético, situação que não foi amenizada pela declaração de Doug à Go-Set de que "Em três semanas, Fanny Adams será a melhor banda que já pisou neste planeta". Talvez fosse simplesmente uma ideia à frente do seu tempo (embora outros grupos, como The Dave Miller Set, estivessem trilhando esse caminho com sucesso). No fim das contas, seu estilo de rock pesado, blues-prog, foi (segundo nos dizem) ofuscado por suas bandas de apoio na época, aparentemente zombando das alegações do grupo.
Segundo Ian McFarlane, as tensões dentro da banda eram altas, como era de se esperar de uma apresentação tão estrelada. Fizeram algumas aparições notáveis, incluindo o Festival de Myponga em janeiro de 1971, e no início do ano o MCA lançou um single do álbum, "Got To Get A Message To You" (que era uma música original do grupo, não a música dos Bee Gees que dá nome ao álbum), acompanhado de "They're All Losers, Honey". Mas, meses depois de retornar, a banda se autodestruiu. A gota d'água foi um incêndio na discoteca Caesar's Palace, em Sydney, que destruiu todo o equipamento. Parkinson saiu em paz, e o MCA ficou tão irritado com Doug que o proibiu de gravar pelos dois anos seguintes.
Doug finalmente montou uma nova versão do In Focus e, mais tarde, seguiu uma carreira solo de sucesso no circuito de rock e clubes, na TV e nos palcos. Ao longo da década de 1970, Melouney trabalhou com uma série de bandas, incluindo The Cleves, Flite, Levi Smith's Clefs, Jeff St John Band, John Paul Young and the All Stars e Rockwell T. James and the Rhythm Aces. Em 1999, ele se reuniu com os Bee Gees para o show "One Night Only" na Austrália — a primeira vez que tocaram juntos desde que Vince deixou a banda trinta anos antes.
Teddy Toi e Johnny Dick tocaram no álbum solo de Lobby Loyde, "Plays with George Guitar", e depois se juntaram a Loyde em uma nova versão do The Wild Cherries. Teddy passou a integrar o supergrupo de Sydney, Duck, em 1972-73, seguido por alguns anos na versão final do The Aztecs, e Johnny teve uma longa e bem-sucedida passagem como baterista do The All-Stars, apoiando Stevie Wright e, posteriormente, John Paul Young.
O LP de Fanny Adams, uma obra de arte belíssima, é hoje um item de colecionador muito procurado, mas foi recentemente relançado em CD (ainda que pirata) por uma gravadora alemã, e se você conseguir encontrá-lo, não se decepcionará. A estrondosa "Ain't No Loving Left" também está incluída na soberba coleção Golden Miles da Raven
Se você gosta de rock psicodélico esse é o álbum; em minha opinião este está tranquilamente entre os dez mais na categoria de álbuns de rock psicodélico. Sublime! Desfrutem!
O grupo foi formado em 1966 em San Antonio, Texas, por Rod Prince e Roy Cox. Buscando formar uma "banda de rock de ponta" baseada no conceito de guitarras duplas, Prince e Cox recrutaram Todd Potter, ginasta, saxofonista e guitarrista.
Com a adição de Danny Segovia, a formação original do Bubble Puppy estava completa. O nome "Bubble Puppy" foi tirado de "Centrifugal Bumble-Puppy", uma brincadeira infantil fictícia de "Admirável Mundo Novo", de Aldous Huxley. A estreia ao vivo do Bubble Puppy foi como banda de abertura do The Who em San Antonio.
Após várias mudanças na formação, a formação final do Bubble Puppy ficou com Rod Prince e Todd Potter nas guitarras solo, Roy Cox no baixo e David "Fuzzy" Fore na bateria. Em 1967, o Bubble Puppy mudou-se para Austin, Texas, e assinou um contrato de gravação com a International Artists, de Houston, casa do 13th Floor Elevators e do Red Krayola.
O Bubble Puppy alcançou o Top 20 dos EUA em 1969 com o single "Hot Smoke & Sassafras". O nome foi uma frase mal interpretada, retirada de um episódio de "The Beverly Hillbillies". O single alcançou a 14ª posição na Billboard 100. A música também foi regravada internacionalmente, pelo The Mooche, no Reino Unido.
Em 1969, o Bubble Puppy lançou seu único álbum completo, A Gathering of Promises. No entanto, apesar do sucesso inicial do Bubble Puppy com o single "Hot Smoke & Sassafras", eles enfrentaram inúmeros conflitos com artistas internacionais e se separaram da gravadora em 1970.
O Bubble Puppy foi fortemente influenciado por contemporâneos da Costa Oeste, como Moby Grape, misturando harmonias de três partes e composições sólidas com uma pitada saborosa de frenesi de guitarra fuzz. Esta foi uma das primeiras bandas de guitarra dupla na história do rock (as outras duas que me vêm à mente foram The Yardbirds e Wishbone Ash).
Muitas grandes bandas texanas do final dos anos 1960 e início dos anos 70 não tiveram gravações de qualidade, e esta é uma delas. Mas a música é tão boa que quase não importa. Aliás, o Bubble Puppy foi para Los Angeles e gravou outro LP com o nome Demian.
Um dos lugares onde a música psicodélica floresceu no final da década de 1960 foi o Brasil. A banda brasileira mais popular era Os Mutantes, mas também havia uma série de outras que davam um toque brasileiro aos sons distantes de artistas britânicos e americanos como Beatles, Rolling Stones, Jefferson Airplane e Jimi Hendrix. Um desses artistas era o Bango, que lançou este impressionante álbum homônimo de hard rock psicodélico em 1970 (estreando aqui em CD), que soa como Led Zeppelin, se sua estreia tivesse sido em 1967, e eles fossem brasileiros. O álbum apresenta uma tonelada de guitarras pesadas e distorcidas, órgão selvagem e vocais lamentosos, às vezes em inglês e às vezes em português. Há também algumas músicas mais leves, semelhantes em natureza à tropicalidade psicodélica de Os Mutantes. É uma das melhores reedições do gênero, e os fãs de hard-psych deveriam comprá-la. Minha única reclamação é que o encarte não conta muito sobre a banda. O grupo teve vida curta e deixou apenas este disco, mas é muito elogiado pelos adeptos da psicodelia. Eles são comparados ou associados ao grupo de bandas brasileiras que surgiu na vizinhança de Os Mutantes, a banda premium de psicodelia do Brasil, mas a verdade é que acho que o Bango tem personalidade própria e um som de garagem incrível.
O grupo "Bango" era, na verdade, outro nome, usado apenas para este álbum, adotado pela banda "Os Canibais". "Os Canibais" eram nos anos 60 (na verdade, ainda são) uma banda de pop leve, mas, segundo suas próprias palavras, decidiram gravar um álbum que refletisse as influências da época (final dos anos 60), mais pesado, com mais passagens instrumentais, etc. e com equipamentos mais adequados (Fenders, bateria Ludwig, etc.). Suponho que eles não usaram o nome "Canibais" neste álbum para não causar algum tipo de choque aos seus fãs, acostumados ao som pop leve tradicional a que estavam associados. A última vez que ouvi este álbum... bem, talvez tenha sido há 10 anos, mas vou baixá-lo para refrescar a memória e tentar fazer alguns comentários adicionais.
Lançado originalmente em 1970 (MUSIDISC HI-FI 2236 Mono 1970 Original BRASIL Press), este é um psych brasileiro extrapesado, com guitarras arrasadoras e músicas autorais bem elaboradas. Este é um dos álbuns mais procurados do Brasil no universo do hard psych, e você talvez já conheça uma faixa do álbum Love Peace & Poetry: Brazilian Psychedelic Music, que é um verdadeiro destaque. Cada faixa é um sucesso. Para muitos colecionadores underground, este é o álbum psych definitivo, então precisava de uma boa reedição.
O grupo Bango gravou apenas um álbum, no início dos anos setenta, para depois se dissolver. Integrava o Bango os músicos Fernandinho (guitarra solo), Elydio (baixo), Roosevelt (piano e órgão), Max (bateria) e Aramis (guitarra, violão e vocal), formados pelos Canibais. O álbum do Bango foi lançado originalmente pelo selo brasileiro Musidisc. O som da banda é uma mistura de Os Mutantes, hard rock e progressivo, com forte presença de fuzz-guitarras, teclados (órgão, principalmente) e vocais em português e inglês. Com qualidade internacional, o disco contém um repertório variado, com rock pesado, country rock à la '2001', os já citados mutantes, e pop. Das músicas, os destaques do disco são as faixas 'Inferno no Mundo' (fuzz-guitarras no talo), 'Rolling Like a Boat' (um rock & boogie com tecladinhos garageiros), 'Motor Maravilha' (as influências mais fortes dos irmãos Baptista) e 'Rock Dream' (pesado e pesado, com agudos e vocais berrados). A última faixa, "Ode To Billy", um solo de bateria, é uma música longa. CD inédito no Brasil, o álbum foi relançado em vinil na Alemanha pelo selo Shadocks, de Berlim.
Bango é supostamente uma raridade muito procurada no mercado de colecionadores de psicodélicos; presumivelmente, os discos de psicodélico-rock brasileiros não tiveram uma distribuição tão ampla quanto, digamos, o Quicksilver Messenger Service, cujos discos proporcionam uma experiência sonora muito semelhante. A aura de colecionador e a linhagem internacional deste álbum não devem, no entanto, induzir ninguém a pensar que se trata de algo além de um disco psicodélico comum. Dê crédito à banda pela arte de capa assustadora – quatro cabeças sangrando em uma bandeja apoiadas nas asas de um enorme abutre – e por dominarem um inglês rudimentar, que eles brandem na imitação de "Rolling like a Boat". Mas não espere nada revolucionário ou surpreendente: Bango atende a todas as expectativas que se tenha do gênero psicodélico-rock sem nunca as transcender. Com Os Mutantes, isso não é verdade. Essa banda brasileira inovadora apresentou uma mistura deslumbrante de influências estilísticas, unidas por um senso de humor irreverente e imprevisível, uma musicalidade impecável e inventiva e melodias memoráveis. Já o álbum do Bango consiste em releituras espirituosas, porém um tanto ineptas, de canções conhecidas como "Black Is Black", dos Los Bravos, ou "Time Won't Let Me", dos Outsiders, em um idioma diferente. Se você prefere "Motor Maravilha" a "Black Is Black", é só porque já ouviu "Black Is Black" dez mil vezes.
Além dos humildes prazeres de ouvir um gênero musical, de ouvir desconhecidos executarem uma fórmula musical apreciada, os únicos prazeres que possuir um disco como este pode proporcionar advêm de sua raridade (você pode impressionar outros colecionadores por ter descoberto algo assim) e de seu exotismo (você pode se convencer de que algo profundo está acontecendo porque não consegue realmente entender o que é). Ambos os prazeres são ameaçados pelo eventual relançamento de tudo e pela capacidade que a internet oferece de distribuir tudo em todos os lugares. Os colecionadores têm seu fetiche pelo vinil para se apegar, mas não podem mais fingir que é a qualidade da música que autoriza sua loucura. Com a desmistificação de músicas outrora raras como Bango, aqueles interessados em música pela música e não por acumular artefatos talvez se sintam menos tentados a perder tempo tentando imaginar como soa uma curiosidade impossivelmente obscura e se dediquem mais a apreciar a música brilhante que está à vista de todos.
Um cruzeiro pelo samba, Hendrix, Tropicália, Beatles, garage rock e até — pasmem! — música indígena, com uma tarde inteira de parada em cada local. Com tudo já descoberto, você, ouvinte, está livre para relaxar e aproveitar o sol... Lançado originalmente em 1970, Bango captura a exuberância lúdica de algumas das melhores músicas daquela época. De fato, é arquetípico, a essência do psych rock brasileiro, tão perfeitamente destilado que poderia muito bem estar disponível em forma de pílula. Dos riffs pesados de guitarra e trinados de órgão de "Inferno No Mundo" aos americanismos confusos de "Only", Bango apresenta uma síntese calculada de um movimento musical fundamentalmente não calculado — é esse tipo de cálculo que transforma experimentos musicais em gêneros.
Dito isso, Bango não é um disco ruim do gênero e certamente consegue soar como o rock psicodélico brasileiro. Embora o refrão de "Rolling Like a Boat" lembre o mais estelar "Inferno no Mundo" (só que sem o brio da original de Tina Turner ou o desespero bruto do cover de Creedence Clearwater Revival), os frenéticos estrondos vocais em "Rock Dream" criam um contraponto divertido (e uma imitação aceitável de Mick Jagger após um punhado de speed). Se você leu sobre o Brasil em guias de viagem, esta viagem provavelmente oferece tudo o que você poderia esperar. Por outro lado, a música é estruturada em torno dessa mesma qualidade, eliminando as surpresas para criar um produto tão refinado que se torna parte do ambiente. Este grupo teve vida curta e deixou apenas este disco, mas é muito bem avaliado pelos seguidores da psicodelia. Eles são comparados ou associados ao grupo de bandas brasileiras que surgiu nas proximidades de Os Mutantes, banda premium de psicodelia do Brasil, mas a verdade é que acho que o Bango tem personalidade própria e um som de garagem tremendo.
As poucas coisas que ouvi sobre o álbum da banda brasileira Bangos, de 1970, eram mais ou menos assim: "fuzz matador, órgãos vibrantes, psicodélico pesado, blá, blá". Qualquer um que já tenha lido uma resenha de alguma reedição obscura de rock psicodélico quase certamente encontrará esses adjetivos, já que são usados de forma tão vaga quando se fala de qualquer música que se enquadre no amplo espectro da psicodelia.
A primeira faixa deste álbum, Inferno no Mundo, já havia sido incluída na coletânea Love, Peace & Poetry: Brazilian Psychedelic Music e, de fato, faz jus às descrições mencionadas. A faixa abre com uma breve introdução de vozes tocadas em fita cassete em velocidade média e então explode em uma linha de baixo ascendente com solos de guitarra realmente incríveis, evocando as imagens perfeitas para combinar com o título da música.
No que diz respeito ao rótulo psicodélico pesado, há apenas três outras músicas no álbum de dez faixas (Rock Dream, Only e Ode to Billy) que poderiam ser interpretadas como matadoras ou cheias de distorção. O que acho incrível no Bango é a capacidade deles de interpretar uma gama eclética de influências americanas e britânicas em letras em inglês e português, resultando em um álbum que, embora tenha apenas 29 minutos de duração, exibe uma diversidade de estilos que abrange desde Motor Maravilha, influenciado por Los Bravos (Black is Black) e Stones Under my Thumb (Stones Under my Thumb), até a influência aberta de Rolling Like a Boat (Rolling on the River), de Ike e Tina (Rolling Like a Boat).
Em 1970, o auge da música psicodélica havia praticamente acabado nos Estados Unidos, mas em outros lugares esses sons inevitavelmente demoravam mais para chegar a lugares como o Brasil. Lembre-se, sem internet, sem downloads. Uma banda como Bango permitiu que essas influências se infiltrassem e então se lançou. "Mas Senti" começa com um violão suavemente dedilhado e evolui com órgão, guitarra elétrica e algumas harmonias bastante doces. Tirando a letra em português, a música não soaria deslocada em uma coletânea psicodélica da costa oeste ao lado de bandas como Quicksilver Messenger Service e It's a Beautiful Day.
Para mim, porém, o Bango soa melhor quando não se parece com ninguém. É em faixas como "Marta, Zeca, The Priest, The Mayor, The Doctor and Me" que eles realmente pegam essas influências externas, misturam com sons mais indígenas e as transformam em algo altamente original, assim como os contemporâneos da Tropicália, Os Mutantes, fizeram. Altamente recomendado!
Álbum duplo do mesmo grande prog alemão de um dos fundadores mais influentes da cena de rock progressivo alemão dos anos 70. Como muitas das gravações do selo Brain, este carrega um aspecto pesado de Kraut rock underground, com sons de órgão pesados e efervescentes, guitarra elétrica imponente e ótima interação entre baixo e bateria. Este álbum também carrega uma ótima pegada ao vivo, com um som agradável de sala de concerto aberta por toda parte. A música de JANE é sempre comovente... fundindo aspectos do rock clássico e espacial em algumas definições sonoras maravilhosas. Sempre adorei as jams deste álbum ao vivo... um álbum pequeno e substancioso... ah, sim, também foi gravado por Conrad Plank!
Tracklist: CD1 01 All My Friends (4:58) 02 Lady (3:38) 03 Rest Of My Life (4:42) 04 Expectation (5:32) 05 River (3:51) 06 Out In The Rain (6:22) 07 Hangman (11:55) 08 Fire, Water, Earth & Air (4:00) 09 Another Way (5:41) 10 Daytime (9:41) 11 Hightime For Crusaders (5:07) CD2 01 Windows (19:20) 02 Lady (3:29) 03 Fire, Water, Earth & Air (3:37) 04 Another Way (5:07) 05 River (4:02) 06 Out In The Rain (5:46) 07 Hangman (14:06) 08 Windows (23:03)
Line-up: Klaus Hess - lead guitar, vocals, Taurus bass pedals Martin Hesse - bass, vocals Peter Panka - drums, vocals Manfred Wieczorke - keyboards, vocals
Tracks 1-01 to 2-01 recorded live at Niedersachsenhallen, Hannover, Germany, on August 13th, 1976 and originally released as BRAIN 80.001-2. Tracks 2-02 to 2-08 recorded live at Grosser Sendesaal des WDR, Cologne, Germany, on January 8th 1977 for WDR's 'Nachtmusik' programme.
Difícil de definir, esta banda do Tennessee mistura reflexões country-rock (no estilo de Dead ou Mountain Bus) com experimentos progressivos que ocasionalmente lembram um Majic Ship mais bem-treinado, ou mesmo Elton John. O lado um voa para fora das armadilhas com a abertura escaldante "Uncle Bob White", com violões acústicos dedilhados furiosamente, pandeiro e a melhor gaita tocando este lado de Stevie Wonder. "Thank You, Maggie" também não é ruim, com sua melodia ponderada e eletrônica sutil. "Our Passage Home", que fecha o lado, também é notável, explorando uma veia verdadeiramente progressiva com suas linhas de baixo no estilo McCartney, mudanças de tempo, guitarra ácida e cordas. O álbum é menos interessante nas canções country-rock genéricas, e eu gostaria de ter ouvido mais da eletrônica que enfeita "Song Of The Sea", por exemplo, mas esta certamente está crescendo. Talvez o mais estranho sobre o disco seja o fato de ter um vocalista masculino chamado Dana; Só dá para imaginar a provocação que ele recebeu no parquinho. Muito obrigado, Adam, pelo esforço.
Rich Mountain Tower era uma banda do Tennessee. Eles lançaram três álbuns, sendo este o de estreia. Lançado em 1971, este é Southern Rock avant la lettre, de verdade. O álbum tem mais semelhanças com Crosby, Stills & Nash do que qualquer outro álbum dos Allman Brothers. Quem curte The Ozark Mountain Daredevils também pode gostar. Algumas harmonias excelentes e, se você conseguir ignorar a sensibilidade hippie deste álbum, algumas músicas maravilhosas que certamente vão te conquistar.
Faixas:
Uncle Bob White (Paul) 5:11
Circle Sky Moon Mix (Haspel, McNamee) 4:19
Thank You Maggie (Paul) 3:48
If You Dont Look Back (Haspel) 3:16
Our Passage Home (Paul) 3:40
Side two:
He Ain't Got No Color, Boys (Carr, Paul, Tuccillo, Garrett) 4:09
Song of the Sea (Paul) 2:55
The Same Thing Applies to Me That Applies to You (Paul) 3:50
One Last Farewell (Paul) 2:42
Marie (Paul) 2:36
Rich Mountain Tower - He Ain't Got No Color, Boys (1971)
Rich Mountain Tower:
David Carr - Lead /Rhythm Guitar
Sandy Garrett - Bass/Acoustic Guitar, Lead & Backing Vocals
