"Música serena que contempla a beleza profusa e atemporal que ela engendra ." A voz suave e os sons fluidos da kora do griot senegalês Ablaye Cissoko , combinados com o setar, a percussão e a viola da gamba de Constantinopla , nos levam a uma maravilhosa jornada interior, pintando um afresco contemporâneo na encruzilhada das tradições musicais persa e mandinga. O trio de Constantinopla está situado na confluência de gêneros e épocas. É claro que a antiga capital turca, que fica entre o Oriente e o Ocidente, é uma inspiração para o grupo sediado em Montreal. Mas a própria ideia de fusão e interculturalidade é o que o grupo incorpora perfeitamente. Depois de 20 anos na estrada e quase o mesmo número de álbuns, o grupo, formado em 1998, continua suas explorações musicais. O fundador, de origem iraniana, Kiya Tabassian, acompanha-se com o setar persa. Sua voz combina elegantemente com a percussão de seu irmão, Ziya Tabassian (mais recentemente substituído pelo percussionista de Montreal Patrick Graham ) e a viola da gamba de Pierre-Yves Martel . Os irmãos Tabassian chegaram a Quebec quando eram adolescentes, mas nunca esqueceram seu treinamento em música persa. Seu fraseado oriental se confunde com a kora de Ablaye Cissoko, com quem participaram de mais de 100 concertos e gravaram dois álbuns, Jardins Migrateurs (2015) e Traversées (2019).
A fusão entre o misticismo do deserto africano e os poetas dos antigos impérios persas parece quase natural. Baseado em Saint-Louis, uma bela cidade colonial localizada às margens do Rio Senegal, Ablaye Cissoko é o herdeiro direto dos griots Mandinka. Desde 1986, ele tem sido um explorador global, experimentando várias colaborações (um excelente exemplo é o encantador Mabrouk com Majid Bekkas e Khalid Kouhen) e, em particular, com o trompetista alemão Volker Goetze, radicado em Nova York, criando sua própria escola de kora, "Kordaba". De "Rêveries" a "Traversées", Ablaye Cissoko e Kiya Tabassian relatam todos os movimentos, todas as partidas ("Départs") em direção a Isfahan, no Irã ("Vers Isfahan"). Nessa jornada, eles visitam a poesia do místico sufi Amir Khusrau, passando por pérolas da Espanha renascentista em "Recercada Quinta", uma peça majestosa decorada com toques barrocos onde a viola da gamba marca o ornamento mais encantador. A suavidade do seu timbre, a delicadeza das suas linhas melódicas e a fluidez dos seus dedos são a base do virtuosismo de Cissoko. O simples encontro de cordas e vozes entre Constantinopla e Ablaye relembra as fontes da beleza do ser. Então, a travessia conjunta dos lugares-comuns da imaginação soa como um longo suspiro diante da marcha inexorável da vida e do tempo. Sublime.
Adele frequentemente se refere a Adele Laurie Blue Adkins. Para quem não conhece, ela é uma cantora e compositora inglesa que, por acaso, é uma das artistas mais vendidas do mundo, como demonstram seus mais de 120 milhões de discos vendidos, mesmo estando ativa desde 2006. Por isso, há muitas opiniões sobre quais músicas da Adele são as melhores, mas não há como negar que ela é uma das melhores quando se trata de baladas poderosas .
10. All I Ask
Adele é famosa por ter sofrido um bloqueio criativo enquanto trabalhava em seu terceiro álbum, "21". Como resultado, seu empresário consultou o produtor Rick Rubin para saber sua opinião, que era de que ele não acreditava em nenhuma das músicas que ela havia escrito naquele momento. Isso deu a Adele o ímpeto para ir a Los Angeles para trabalhar com diferentes artistas e produtores. "All I Ask" é um dos resultados, criado por Adele com Bruno Mars e outros artistas. Nunca foi single, mas sua excelência pode ser vista em como conseguiu entrar nas paradas de sucesso em vários países.
9. When We Were Young
Falando nisso, "When We Were Young" é um dos resultados da colaboração mencionada, tendo sido criada por Adele e pelo artista canadense Tobias Jesso Jr. A canção foi recebida com positividade universal ou quase universal, embora pelo menos um crítico tenha brincado sobre sentir uma crise de meia-idade por causa dela. Isso pode ser atribuído ao fato de que "When We Were Young" é sobre o medo de envelhecer. Algo que afeta a todos nós, mais cedo ou mais tarde.
8. Hometown Glory
"Hometown Glory" tem a distinção de ser o single de estreia de Adele. Aliás, supostamente é a primeira música que ela compôs. Além disso, diz-se que "Hometown Glory" foi concluída em apenas dez minutos. Apropriadamente, Adele a compôs em reação à tentativa de sua mãe de convencê-la a deixar seu subúrbio natal para cursar a universidade.
7. Rumour Has It
"Rumour Has It" não é a música mais alegre, o que faz sentido, já que Adele não estava no seu melhor momento quando a compôs. Muitas pessoas a interpretaram como um ataque à mídia. Algo que talvez não seja surpreendente, considerando a perseguição que esta última faz às celebridades. No entanto, "Rumour Has It" não é isso. Em vez disso, Adele a compôs porque estava irritada com seus amigos que acreditavam nas coisas que liam sobre ela nos tabloides.
6. Set Fire to the Rain
"Set Fire to the Rain" teve uma recepção positiva em seu lançamento inicial. No entanto, sua versão ao vivo teve uma recepção ainda melhor, como demonstrado pelo fato de ter ganhado um Grammy de Melhor Performance Pop Solo. Algumas pessoas acharam "Set Fire to the Rain" exageradamente dramática, mas, considerando suas altas vendas, parece seguro dizer que muitas outras pessoas gostaram bastante da música.
5. Chasing Pavements
Às vezes, artistas produzem obras que vão muito além do que indivíduos interessados esperariam com base em impressões iniciais. Um excelente exemplo seria "Chasing Pavements", um dos singles do álbum de estreia de Adele, "19". Tanto o nome quanto o tema vieram de um incidente em que ela deu um soco em seu namorado infiel. Algo que a levou a pensar que estava perseguindo uma "calçada vazia" enquanto caminhava sozinha depois.
4. Skyfall
Os temas de James Bond podem ou não valer a pena ouvir. No entanto, são sempre exemplos notáveis de trilhas sonoras de filmes britânicos, o que faz sentido devido à posição da franquia James Bond na indústria cinematográfica britânica. Independentemente disso, 2011 deixou bem claro que Adele havia conseguido, o que, por sua vez, resultou em seu convite para criar o tema de Bond para o então inédito Skyfall. O resultado lembrou muito seus antecessores, sendo sombrio e melancólico.
3. Someone Like You
Talvez sem surpresa, "Someone Like You" surgiu porque Adele estava lidando com seus sentimentos sobre um relacionamento fracassado. Segundo a história, ela estava com alguém com quem pensava que se casaria. No entanto, o relacionamento fracassou porque a pessoa não queria isso. Pior ainda, descobriu-se que ele queria isso, mas não com Adele, pois ficou noivo de outra pessoa poucos meses após o término. Independentemente disso, "Someone Like You" permitiu que Adele se reconciliasse com tudo. Além disso, rendeu uma ótima música em 2011.
2. Hello
"Hello" é o single principal do terceiro álbum de Adele, "25". Como tal, pode ser considerada uma espécie de música de retorno, já que houve um intervalo considerável entre os dois álbuns. Há muitos artistas que lutaram nessas circunstâncias. No entanto, Adele não foi uma delas, pois "Hello" provou ser um sucesso ridículo em um período muito curto de tempo. Isso pode ser visto em como foi o primeiro single a vender mais de um milhão de cópias digitais em uma única semana. Além disso, isso pode ser visto em como alcançou o topo das paradas em 36 países. "Hello" não foi particularmente inovador, mas provou ser exatamente o que as pessoas esperavam de Adele.
1. Rolling in the Deep
"Rolling in the Deep" é o single principal do segundo álbum de Adele, 21. Ele ostenta uma mistura de influências como blues e gospel , com o resultado de que se tornou uma das músicas crossover de maior sucesso já lançadas. Como prova, considere o fato de que "Rolling in the Deep" vendeu mais de 20,6 milhões de cópias, o que é mais do que suficiente para torná-la uma das vendas digitais mais vendidas por aí. Como tal, não é exagero dizer que esta é uma música que fez muito para impulsionar Adele ao estrelato internacional, especialmente porque se saiu tão bem fora de seu país de origem. Em termos de assunto, "Rolling in the Deep" é sobre as emoções tumultuadas de um amante desprezado. No entanto, o que teria sido banal com um manuseio mais pobre acabou sendo absolutamente incrível, o que significa que merece sua posição número um nesta lista.
O Ace of Base foi fundado em Gotemburgo, Suécia, em 1990. No entanto, a banda era inicialmente conhecida como Tech Noir. Os irmãos Silas Bergen e Malin Bergen, ao lado de sua irmã Jenny, formaram o grupo. Ulf Ekberg estava tocando com outro grupo. Logo, todos os cantores gostaram de trabalhar uns com os outros, então eles criaram o Ace of Base. Eles gravaram sua primeira demo e a levaram para muitas gravadoras diferentes na Suécia. Infelizmente, nenhum deles queria assinar com o grupo. Então eles foram para a Mega Records em Copenhague, que adorou seu estilo e assinou com o grupo. De acordo com seu site , uma das coisas legais sobre essa banda é que eles mantêm suas letras descomplicadas e divertidas . Eles querem que seus ouvintes aproveitem a batida, fiquem felizes e não leiam nenhum significado profundo em suas músicas. Mesmo que as pessoas tenham lido muito em uma de suas músicas. É uma fórmula que funciona desde que eles venderam 30 milhões de álbuns e 15 milhões de singles. Eles também têm uma base de fãs devotados, os Acers, que viajam anualmente a Gotemburgo de todos os cantos do mundo para celebrar a banda. O álbum de estreia do Happy Nation, também conhecido como The Sign nos Estados Unidos, ainda detém o título de álbum de estreia mais vendido de todos os tempos no Guinness Book of Records, lançado em 2 de abril de 1994. Em 25 de janeiro de 2011, o grupo lançou seu último álbum, Playlist: The Very Best of Ace of Base. Estas são as dez melhores músicas do Ace of Base de todos os tempos.
10. Travel to Romantis
A música começa com um overdub de lançamento de um ônibus espacial antes de evoluir para uma batida cativante com um ritmo techno suave. É uma música alegre sobre alguém que está prevendo o futuro com seu parceiro. Romantis, sem dúvida, é uma referência à cidade mítica de Atlântida
9. Beautiful Morning
Os riffs de guitarra leves e etéreos no início da música e os vocais de Jenny criam um hino otimista para começar o dia com positividade e esperança. Outras músicas que celebram as primeiras horas de vigília, como "Beautiful Blues", do The Eels Mr. E, contam com letras simples e uma batida inspiradora e descomplicada que não incomoda ninguém antes da primeira bebida da manhã.
8. Always Have, Always Will
Ao ouvir essa música, dá vontade de cantar Sugar Pie Honey Bunch. Em vez de depender de batidas mais sintetizadas, a música do Ace of Base é uma reminiscência de máquinas de refrigerante e sock hops. No entanto, eles ainda mantêm uma pegada moderna, então não soam ultrapassados.
7. Lucky Love
Amor puro, como o que você vivenciaria no ensino médio, é a letra desta música. O arranjo captura a sensação de se apaixonar rapidamente e saber que encontrou a pessoa certa para passar a vida inteira. Perto do meio da peça, há um breve interlúdio de piano, adicionando um toque romântico à música.
6. Never Gonna Say I’m Sorry
Uma das coisas que muitas pessoas deixam de fazer é viver a vida sem pedir desculpas. A letra desta música celebra as pessoas que vivem para si mesmas sem serem más com os outros. Ao longo da letra, há mais do otimismo e das lições positivas simples do Ace of Base. A música do grupo permite que o ouvinte se perca nas batidas enquanto ouve afirmações em vez de cinismo.
5. Life Is A Flower
Ao ouvir essa música, você ouve uma lista de gratidão com música. Muitas vezes, as pessoas estão tão absortas em todas as coisas que dão errado que esquecem quantos motivos temos para ser gratos. Além disso, trata-se de manter um sorriso para atrair coisas boas para a sua vida, em vez de deixar que tudo te pese. A adição dos violinos contribuiu para o brilho e a letra da música, já que sua leveza soa como uma brisa de verão.
4. All That She Wants
A letra desta música é complexa, visto que o grupo sueco não estava familiarizado com gírias e coloquialismos americanos. A letra pode ser mal interpretada e, de acordo com o Songfacts , havia rumores de que era sobre uma mulher na Dinamarca que usava homens para engravidar em troca de dinheiro extra para a assistência social. Sem dúvida, é sobre uma mulher que namora compulsivamente. É uma música única no repertório do grupo, pois é uma das poucas músicas que as pessoas analisaram e se perguntaram sobre o significado e se havia elementos mais sombrios.
3. Don’t Turn Around
Embora a maioria das músicas do grupo seja baseada em positividade, esta música é sobre empoderamento. Embora a instrumentação da música seja uma fusão de batidas eletrônicas e etéreas, um toque único é quando há um breve e inesperado momento de rap. A letra é um hino poderoso para as mulheres se manterem fortes durante os términos, sem olhar para trás e pensar no que deu errado.
2. Beautiful Life
A primeira vez que essa música foi tocada para o público foi quando o Florida Marlins venceu o Jogo 7 da Série Mundial de 1997. Além disso, ela apareceu em dois filmes: Eu os Declaro Marido e Larry e Uma Noite no Roxbury .
1. The Sign
Em 29 de outubro de 1993, esta música alcançou o primeiro lugar nas paradas pop. Passou quatorze semanas no topo da parada de rádio Pop Songs da Billboard. Além disso, passou seis semanas não consecutivas no primeiro lugar na Billboard Hot 100. Foi a música número um de 1994 e a música de maior sucesso da Artista Records até então.
Takeaways
Embora algumas pessoas possam achar o estilo musical do Ace of Base meloso demais, eles definitivamente têm um lugar nas crônicas da música pop. Quando eram famosos, o grunge começava a dominar as paradas, seguido por outra onda de punk. Isso permitiu que se destacassem e irradiassem positividade em uma década musical tão diversa. Anos depois, o grupo ainda detém muitos dos recordes que quebrou nos anos 90 e permanece no topo de muitas playlists da década
Metal progressivo é o nome dado ao subgênero que uniu as experimentações musicais do rock progressivo dos anos 1970 com o peso e distorção do heavy metal dos anos 1980. Nessa categoria estão juntas bandas com sons tão díspares quanto Symphony X e Opeth, clássicas como Dream Theater e inovadoras como Mastodon. O desafio é agregar ao metal elementos como o jazz, folk e música erudita e daí sair um resultado coeso, o que nem sempre ocorre, fazendo com que o estilo seja conhecido principalmente pelos seus excessos. Porém, o gênero também conta dentre suas características com a habilidade técnica de seus músicos, além da criatividade e inovação de seus compositores.
O paradigma do prog metal foi definido nos anos 1990 por bandas dos Estados Unidos e Europa. Embora nunca tenha sido um estilo massificado, conquistou seu nicho de fãs e influenciou diversos artistas ao longo dos anos. O Brasil não chegou a produzir um grande nome no gênero, embora características do prog estejam presentes nas duas mais famosas bandas nacionais, Angra e Sepultura. É certo que há uma grande quantidade de grupos de progressivo de inquestionável qualidade, mas ainda assim não há um grande representante nacional do estilo. Lacuna que pode ser preenchida com o trabalhando da banda cearense Jack The Joker.
Será cedo para dizer que a banda está aí para suprir essa lacuna? Após o ouvir o segundo e mais recente disco dos caras, creio que não.
Jack The Joker é um quinteto surgido em Fortaleza. A banda lançou seu debut In the Rabbit Hole em 2014 e surpreendeu tanto pelo virtuosismo técnico de seus integrantes quanto pela altíssima qualidade das composições: intrincadas, complexas, ora mais extremas e pesadas, ora mais suave e acústicas, mas sempre coesas, sem se perder na virtuose de seus músicos. A banda vem divulgando seu trabalho principalmente através da internet. Seus discos estão disponíveis em plataformas de streaming, You Tube, download, venda física, além de intensa atividade no Facebook oficial onde divulgam seus shows, lançamentos e vídeos.
Dois anos após a estreia, a banda lança seu segundo disco, Mors Volta. Dizem que o segundo álbum é um teste. Os primeiros discos, em geral, são reuniões de composições que foram amadurecidas ao longo dos primeiros anos de ensaio e apresentações de uma banda, já o segundo chega com menos tempo e mais exigência para compor um trabalho inteiro, fechado e redondinho para lançamento. É quando a banda mostra a que veio, mostra seu poder de composição e capacidade de manter ou até superar a qualidade inicial. Jack The Joker passa no seu teste? Com louvor.
Mors Volta é superior a seu antecessor, mostra um banda com sua identidade definida, mas sem abandonar a criatividade com composições ainda mais coesas. A banda escolheu investir em peso e groove que permeiam todo o álbum, dando um ar de jam a certos trechos e chegando a ser quase dançante na canção "Brutal Behavior". É difícil dizer, no meio tantos músicos talentosos, quem se sai melhor, como os guitarristas Lucas Colares e Felipe Facó, milimetricamente técnicos, ou a capacidade do vocalista Raphael Joer, que consegue ir do gutural ao agudo, mas é preciso destacar a cozinha formada por Vicente Ferreira, cuja bateria executa dos movimentos complexos aos mais simples com precisão e o baixo de Lucas Arruda, que injeta groove com seus slaps nos momentos certos de cada canção.
O disco impressiona desde seu início com as viradas de bateria que lembram muito a introdução de "The Wolf is Loose" do Mastodon, mas que segue numa pegada que lembra essa fase mais pesada de prog metal que o Symphony X vem mostrando desde Paradise Lost, com a diferença que o Jack The Joker tem mais ritmo e menos interesse em compor baladas. O que não quer dizer que a banda não tenha um lado mais melódico.
Se em seu primeiro disco já haviam mostrado bom gosto ao enxertar instrumentos acústicos em algumas composições, em Mors Volta ela se guarda para o final. "Venus & Mars", canção de encerramento, é a mais ambiciosa do disco, tem 24 minutos de duração e busca um síntese de toda a musicalidade apresentada pela banda: peso, groove, jams instrumentais, virtuosismo correndo solto, somados à adição de trechos acústicos belíssimos com flautas e violões construindo momentos contemplativos na canção, sem dúvida a melhor composição do disco. Tudo isso embrulhado numa capa cuja arte me remete ao primeiro álbum do Black Sabbath, além de uma altíssima qualidade de gravação. Basta uma audição atenta ao trabalho e todos os instrumentos se mostram claros e límpidos aos ouvidos, ressaltando o talento de cada músico.
Jack The Joker é uma banda que faz bonito e tranquilamente pode ser colocada ao lado dos grandes nomes do metal progressivo como Dream Theater, Opeth e Symphony X, sem ficar devendo em nada aos clássicos. Só o que falta agora é o mundo e os headbangers do Brasil conhecerem esse nome promissor do metal
Se você acha que as eleições estadunidenses dividiram as pessoas, experimente irromper em uma assembleia de fãs de power metal e perguntar se o Sonata Arctica anda prestando ou não. Caso os frequentadores comecem a exibir facas e tacos de beisebol, jogue umas cópias do Silence (2001) ou do Winterheart’s Guild (2003) para restaurar a paz.
Este prólogo serviu apenas para lembrar que estamos tratando aqui de uma das bandas mais polêmicas do power metal. Não por causa das coisas que diz, mas por causa da música que faz. Já faz tempo que adotaram um direcionamento único que se mostrou uma faca de dois gumes: transformou-os num nome bastante autêntico do gênero, mas alienou parte da comunidade de fãs.
The Ninth Hour, nono trabalho de estúdio dos finlandeses, dá seguimento a essa lógica. O som geral dele reproduz aquela coisa peculiar que o Sonata virou nos últimos dez anos. Ao mesmo tempo em que entrega faixas bem sonolentas, mostra também alguns retornos à era clássica da banda.
“Closer to an Animal”, a abertura e primeiro single, tem uma introdução promissora, mas logo se perde em clichês comerciais nos quais os artistas de power metal apostam para que seus vídeos ultrapassem 100 mil visualizações no YouTube em um prazo razoável.
“Life” é, para The Ninth Hour, o que “Love” foi para o lançamento anterior, Pariah’s Child (2014): boba (a própria letra admite), levinha, lenta e emotiva. E por incrível que pareça, isto não é uma crítica. É uma das faixas que eu jogaria no meu carrinho de compras se o disco fosse um mercado. Mas para uma faixa que, segundo a banda, foi tão alterada durante as gravações, eu esperava mais … A ela, faz companhia “We Are What We Are”, que traz a tímida participação do flautista Troy Donockley, do Nightwish, e uma mensagem de preservação da Terra e essa coisa toda.
“Fairytale” esboçaria uma leve reação por parte de quem prefere o antigo Sonata Arctica. Não tem nada de fritação, mas a velocidade e o peso elevados chamam a atenção. Mais atenção ainda chama a letra, com uma clara mensagem anti-Trump – posicionamentos do tipo são bem raros no power metal em geral. O site oficial do quinteto coloca até uma citação do ditador Joseph Stalin ao final da letra desta canção! “Till Death’s Done Us Apart” é reminiscente dos dois álbuns anteriores – e talvez por isso, agrada também. É marcada por uma alternância de momentos lentos e frenéticos.
A primeira faixa que realmente se destaca no álbum é “Rise a Night”. Tem velocidade, pedais duplos e duelos de guitarra e teclado pra saudosista nenhum botar defeito. Só poderia ter recebido uma performance mais inspirada de Tony. Ela é seguida por “Fly, Navigate, Communicate”, que mescla com maestria os elementos antigos e modernos da banda. Os próprios membros consideraram-na tão estranha que inicialmente preferiram que ela não fosse incluída no disco ou que fosse lançada como bônus – graças a Dio, não cometeram o que seria um erro imperdoável.
Entre “Candle Lawns” e “White Pearl, Black Oceans – Part II, ‘By the Grace of the Ocean'”, os japoneses – sempre eles – ganham um ótimo presente: “The Elephant”. Um instrumental forte e rápido cria a base para uma letra com mais uma mensagem crítica sobre guerras, mencionando o mito do bombardeio a Berlim em 1945 que supostamente matou o único elefante do zoológico da capital alemã.
Você pode até achar “White Pearl, Black Oceans – Part II, ‘By the Grace of the Ocean'” chata em seus primeiros minutos (se não tiver um mínimo de paciência, pode ser que nem chegue a ela), mas dê uma chance, ouça a segunda metade e delicie-se com um dos melhores momentos da banda em anos, com um duelo de guitarra e teclado inspirado pelas fritações de Jani Liimatainen e Mikko Härkin em Silence. Aparentemente, os protagonistas da história não morreram, como sugere a letra da primeira parte. A moça sobreviveu ao naufrágio e o rapaz não morreu ao se jogar no mar. O que isso tem a ver com o álbum? Nada. Por que o vocalista, tecladista e compositor Tony Kakko resolveu inventar uma continuação com final alegrinho para uma história que já estava teoricamente encerrada de forma cinematograficamente trágica? Não sei. Mas é uma baita música…
Os patinhos feitos do álbum ficam por conta de “Among the Shooting Stars”, “Candle Lawns” e “On the Faultline (Closure to an Animal)” (que reprisa a introdução), além do insosso cover de “Run to You”, de Bryan Adams, que tirou da canção o que ela tinha de melhor: aquele “quê” de anos 1980. Todas tão emocionantes quanto uma corrida de barcos encalhados.
Alguns poderiam apontar o dedo para este que vos escreve com o manjado (e patético) argumento “vai lá e faz melhor”. Ora, é uma recomendação tola, pois a própria banda já o fez! É verdade que The Ninth Hour tem momentos memoráveis, mas eu não o indicaria para alguém que ainda não os conhece. Inclusive na discografia mais recente do grupo, já nesta fase de exploração de um caminho inédito no gênero, podemos encontrar itens mais respeitosos.
Além disso, considere o seguinte: um grupo de headbangers finlandeses reclusos em uma cabana no meio da exuberante natureza escandinava para criar um álbum que fale da natureza. Endless Forms Most Beautiful parte II? Coincidências à parte, se o trabalho se propunha a colocar na mesa questões relevantes sobre o impacto do homem na natureza hoje, acertou na trave. É uma compilação de faixas que tratam do tema de forma mais ou menos contundente, mas a capa e o marketing da obra sugeriam algo bem mais coeso e aprofundado.
Nenhum fã do Sonata Arctica deverá desprezar The Ninth Hour, sob pena de perder algumas pérolas. Mas até o mais fissurado deles precisa perceber quando o ídolo não está com a bola toda. Aqui, o quinteto definitivamente não está.
