quarta-feira, 14 de maio de 2025

CARAVAN ● Waterloo Lilly ● 1972 ● Reino Unido [Canterbury Sound]

Lançado em maio de 1972, "Waterloo Lilly" é o lançamento mais esquecido do CARAVAN na sua idade de ouro e é um de seus melhores álbuns. Este álbum veio após a saída de David Sinclair, e Steve Miller preenche os teclados. A banda se move em uma direção Jazz-Rock mais direta, em comparação com a caprichosa abordagem Canterbury de lançamentos anteriores. No entanto, há bastante boa composição e humor para justificar o nome CARAVAN. Este álbum também mostra o quão bem a banda foi capaz de equilibrar músicas Pop relativamente simples com exercícios Progressivos complexos em harmonia. Tem todas as características musicais anteriores da banda, como o trabalho de guitarra fluido (mas moderado) de Pye Hastings, piano jazzístico, linhas de baixo complexas e um alto grau de improvisação. É também neste álbum que Pye Hastings assume pela primeira vez o papel de líder da banda, e o faz de forma dramática com várias composições excelentes.

O álbum começa com a divertida "Waterloo Lily" de Richard Sinclair, uma excelente faixa que exibe apropriadamente a inteligência lírica de CARAVAN e as habilidades de Rock voltadas para o Jazz. Essa música é uma das melhores deles (de qualquer período), e a entrega vocal suave de Richard Sinclair é impecável. A próxima faixa, uma suíte, "Nothing at all / It's coming Soon / Nothing at all (reprise)" é uma fusão bastante morna, que apresenta com destaque o piano de Steve Miller. A música tem alguns bons momentos espalhados ao longo de seus 10 minutos de duração, mas é bastante branda e esparsa, sem direção. Depois disso vem a música Pop de Steve Miller, "Songs and Signs". Esta é uma música relativamente monótona, mas é bem tocada e está um pouco acima da maioria do Pop.

O lado dois apresenta um som muito mais tradicional. "Aristocracy" de Pye Hastings vem primeiro, uma canção que não data há trinta anos. Impulsionada por uma guitarra forte e uma melodia sólida, esta faixa é seriamente cativante e tem uma letra muito boa. O verdadeiro destaque do álbum vem na fantástica suíte de Pye Hastings "The Love in Your Eye". Este é um destaque de todos os tempos do CARAVAN, e um concerto básico, e mostra a banda em sua forma mais sinfônica. Apresenta o incrível trabalho de flauta de Jimmy Hastings, um arranjo de cordas no início de Colin Fretcher (que adiciona um som realmente grandioso) e músicos convidados em oboé, sax tenor, sax soprano e trompete. Esta é provavelmente a maior contribuição de Pye Hastings para o repertório da banda, que troca solos nesta peça altamente estruturada e nunca enfadonha que dura doze minutos e meio. Cada membro recebe espaço adequado para brilhar, notável guitarra elétrica ultra-suave de Pye Hastings e piano elétrico jazzístico de Steve Miller. O álbum fecha com uma das melhores canções Pop do Caravan, "The World is Yours" de Pye Hastings. Surpreendentemente, isso nunca foi lançado como single, pois é super cativante e realmente é uma bela faixa.

Concluindo "Waterloo Lily" marca o ponto mais jazzístico do CARAVAN, e é um sucesso, menos alguns trechos chatos de "Nothing at All". Pye Hastings realmente tem a chance de brilhar e a aproveita. Muitos puristas não gostam deste lançamento por ser muito jazzístico e um passo longe de suas raízes, mas este é realmente seu último álbum tradicional. Em 1973, "For Girls Who Grow Plump in the Night". é uma ruptura maior com Canterbury do que isso. Depois de "Waterloo Lily", Richard Sinclair saiu, e esse é o verdadeiro ponto de virada da banda. Recomendado para qualquer fã de música de Canterbury ou Jazz-Rock.

Tracks:

01. Waterloo Lily (6:47)

02. Nothing at All / It's Coming Soon / Nothing at All (reprise) (10:25)

03. Songs and Signs (3:39)

04. Aristocracy (3:03)

05. The Love in Your Eye / To Catch Me a Brother / Subsultus / Debouchement / Tilbury Kecks (12:31)

06. The World Is Yours (3:41)

Time: 40:06

Bonus tracks on 2001 Deram remaster:

07. Pye's June Thing (2:57)

08. Ferdinand (2:57)

09. Looking Left, Looking Right (5:37)

10. Pye's Loop (1:21)

Musicians:

- Pye Hastings / acoustic & electric guitars, lead vocals (3-5a,5d,7-9)

- Steve Miller / grand piano, Wurlitzer electric piano, electric harpsichord, Hammond organ

- Richard Sinclair / bass, lead vocals (1)

- Richard Coughlan / drums & percussion

With:

- Phil Miller / 2nd lead guitar (2)

- Lol Coxhill / soprano saxophone (1,2)

- Jimmy Hastings / flute & tenor saxophone (5b)

- Mike Cotton / trumpet (5b)

- Barry Robinson / oboe (5a)

- Colin Frechter / strings arrangement (5a)

CIRCUS 2000 ● An Escape From a Box ● 1972 ● itália [Psych Rock/Psychedelic Prog]

O CIRCUS 2000 foi formado em 1970 na cidade italiana de Torino, e lançou dois álbuns completos junto com alguns singles antes de se separar em 1973. O disco de estréia auto-intitulado "Circus 2000" parece ser influenciado por JEFFERSON AIRPLANE e pelo som hippie Rock da Califórnia. Outra banda que eles também podem lembrar instantaneamente é o holandês EARTH AND FIRE principalmente devido à voz semelhante de Silvana Aliotta. Sua voz é pura atitude desenfreada, sensual, com um pouco de sotaque para adicionar ao efeito. Alguns podem achar a voz dela um pouco irritante às vezes, pois é incomum, mas se você gosta dos cantores das bandas acima, tudo bem.

A sonoridade da banda nesse segundo disco "An Escape From A Box" é mais próxima do Rock Progressivo, mas ainda com influência do Rock hippie de época com letras estereotipadas e guitarras alucinantes. Pode-se descrever algo com Psych-Blues-Rock do que Space Rock ou Psych puro, eles ocasionalmente entram no território do BIG BORTHER AND THE HOLDING COMPANY também. A banda é muito boa com uma bateria nítida e um som de guitarra ousado e, felizmente, eles ocupam algum espaço e se estendem às vezes. A banda sempre evita se tornar superpesado com muitos toques leves. "Need" de quase 9 minutos se destaaca com notas únicas encharcadas de wah-wah alternavam com três acordes dedilhados concisos, tocados de forma limpa, alternando com o vocal incrível de Silvana. Várias seções de solos de guitarra meio blues aqui e ali. Depois, há uma construção vocal emocional que leva a uma seção espacial de baixo/bateria rápidos sobre harmonias vocais sem palavras antes de algumas tablas terminarem a faixa suavemente. Alguns momentos, como as primeiras partes acústicas de "Hey Man", têm um toque Folk. O álbum traz um som agradável, polido e nítido para 1972 e não posso enfatizar o suficiente o bom equilíbrio que eles alcançam entre momentos "leves" e "pesados". Por melhor que Silvana seja, ela não ofusca os músicos da banda que brilham não apenas pelo que tocam, mas pela maneira como tocam: cuidadosos, matizados, eficazes. Outro destaque do disco é "When The Sun Refuses To Shine" são destaques e sua abordagem psicodélica enebriante.

Este é um álbum de época muito bom e você não precisa ser um fã Prog italiano para curtir. Qualquer fã de hippie Rock britânico e americano se satisfará com este álbum. Mesmo os fãs de Acid-Folk como a estréia de "Holderlin's Traum" devem gostar, embora CIRCUS 2000 seja mais pesado. A edição VM-015 apresenta um bom som, mas poucas informações, simplesmente uma inserção desdobrável com letras e uma minúscula biografia em italiano.

Tracks:

01. Hey Man (6:15)

02. You Aren't Listening (4:58)

03. Our Father (6:12)

04. Need (8:36)

05. When The Sun Refuses To Shine (7:42)

Time: 33:03

Musicians:

- Silvana Aliotta / lead vocal, percussion

- Marcello Quartarone / electric & acoustic guitar, vocal

- Gianni Bianco / bass, vocal

- Franco Lo Previte / drums

CURVED AIR ● Phantasmagoria ● 1972 ● Reino Unido [Eclectic Prog]

Uma continuação incrível para "Second Album", o álbum "final" com (mais ou menos) a formação original (a banda teve problemas para manter os baixistas), a diferença aqui, é claro, a banda estava com seu terceiro baixista, Mike Wedgwood (mais tarde no CARAVAN, gravando os álbuns "Cunning Stunts" e "Blind Dog at St. Dunstans"). "Phantasmagoria" é álbum mais elaborado do que antes, graças à inclusão de cordas e trompas, para não mencionar um álbum mais jazzístico.

As duas primeiras músicas, "Marie Antoinnette" e "Melinda (More or Less)" são baladas impressionantes que estão firmemente no território familiar do CURVED AIR. Essas duas músicas dão mais combustível ao fogo de Sonja Kristina que foi uma das melhores vocalistas femininas! "Not Quite the Same" é um número bastante sujo sobre masturbação, enquanto "Cheetah" é uma peça instrumental dominada pelo violino de Darryl Way. "Ultra-Vivaldi" é a vez de Francis Monkan brilhar, onde ele dá uma versão eletrônica de Vivaldi em seu sintetizador VCS-3 (claro que não foi a primeira vez que a banda explorou Vivaldi, como demonstrado em "Air Conditioning", seu estréia).

O lado dois mostra a banda sendo mais experimental. Por exemplo, um experimento de Monkman chamado "Whose Shoulder You Are You Locking" que envolveu Sonja Kristina modificando eletronicamente sua voz em um sintetizador e computador, que acabou soando como um vocoder (eu entendo que este experimento também envolveu um dos caras que trabalhou para Electronic Music Studios, a mesma empresa responsável pelos sintetizadores VCS-3/Synthi "A" ), e tenho certeza que isso deu à Electronic Music Studios (EMS) a ideia de desenvolver um vocoder. "Over and Above" é um maravilhoso número jazzístico, dominado por vibrafones, com muitos metais e cordas. Existem algumas passagens peculiares que lembram Frank Zappa ou GENTLE GIANT. "Once a Ghost Always a Ghost" é o número final, outro número peculiar, com passagens e trompas mais jazzísticas. Enfim, mais um grande disco desses ingles!!!

Tracks:

01. Marie Antoinette (6:20) ◇

02. Melinda (More or Less) (3:25) ◇

03. Not Quite the Same (3:44)

04. Cheetah (3:33)

05. Ultra-Vivaldi (2:22) ◇

06. Phantasmagoria (3:15) ◇

07. Whose Shoulder Are You Looking Over Anyway? (3:24) ◇

08. Over and Above (8:36) ◇

09. Once a Ghost, Always a Ghost (4:25)

Time: 39:04

Musicians:

- Sonja Kristina / vocals (1-3,6-9), acoustic guitar (2)

- Francis Monkman / guitar (1,4), electric piano (1,8), harpsichord (2,4,9), piano (3,6), synth (3,8), organ (6,8), tubular bells & gong (8), percussion (9)

- Darryl Way / violin (2-4,6,8), piano (1), synth (1,3), vocals, tubular bells (1), Mellotron (1)

- Mike Wedgwood / bass, acoustic (6) & electric (9) guitars, vocals (1,6,8,9), percussion (9)

- Florian Pilkington-Miksa / drums, percussion (9)

With:

- Annie Stewart / flute (2)

- Crispian Steele-Perkins / trumpet (3,8)

- Paul Cosh / trumpet (3,8)

- Jim Watson / trumpet (3,8)

- George Parnaby / trumpet (3)

- Chris Pyne / trombone (3)9

- Alan Gout / trombone (3,8)

- David Purser / trombone (3,8)

- Steve Saunders / trombone (3,8)

- Frank Ricotti / xylophone (8), vibes (8,9), congas (9)

- Mal Linwood-Ross / percussion (9)

- Colin Caldwell / percussion (9)

- Jean Akers / percussion (9)

- Doris the Cheetah / cheetah roar (4)

DELIRIUM ● Lo Scemo e Il Villaggio ● 1972 ● Itália [Rock Progressivo Italiano]

DELIRIUM é uma banda clássica no Prog italiano que lançou apenas três álbuns nos anos 70 e muitos singles, alguns muito famosos na época. "Lo Scemo e il Villaggio" é seu segundo trabalho e foi gravado após a saída do cantor e compositor Ivano Fossati, um dos mais importantes artistas solo da Itália, mas definitivamente afastado de suas raízes musicais progressivas. Isso não aconteceu com a banda que ele deixou, em vez disso, insistiu em explorar os vastos cenários do gênero Prog em ascensão. Eles foram os primeiros na Itália a produzir um álbum progressivo de tal qualidade como "Dolce Acqua" em 1971, juntamente com alguns pioneiros como LE ORME (Collage), NEW TROLLS (Concerto Grosso) e I GIGANTI (Terra in Bocca).

Com o seu segundo lançamento fixam o seu comportamento musical em torno de duas tonalidades particulares: Jazz/improvisações e interlúdios sinfónicos. Outros críticos apontaram que as principais referências inglesas podem ser encontradas em JETHRO TULL (para flauta, principalmente) e KING CRIMSON (para saxofone, frequentemente tocado à la "Islands"). Eles não estão muito longe da realidade, a banda tinha (e tem) um estilo único de abordar a cena Prog que é completamente diferente do que teria sido o tradicional clima sinfônico italiano.

A estrutura do álbum é feita da mistura alternada entre baladas mais simples/curtas (e mais suaves - às vezes alegres) com melodias "mais pesadas" e mais complicadas. "Tremori Antichi", "La Mia Pazzia", "Dimensione Uomo" e a mais próxima "Pensiero per un Abbandono" são as canções quentes aqui. A última é a melhor na minha opinião pessoal e digna de menção especial pelas melodias maravilhosas, letras delicadas e poéticas e para a mais variada gama de teclados: do piano clássico ao órgão e mellotron.

No lado "Hard" dos álbuns, há músicas mais "complexas" e longas começando com a abertura "Villaggio" (5,13 mns) que representa um dos picos do álbum com seus interlúdios jazzísticos e "Tullian" com cores equilibradas por órgão, sax e uma boa seção rítmica. A faixa mais "estranha" e Progressiva é "Gioia, Disordine, Risentimento" (7,17 mns) que começa com um alegre "jingle" logo decaindo em dissonâncias mais sombrias e alternando algumas pausas enquanto era tocada ao vivo em um pub local. Há de fato os barulhos e as vozes de poucos clientes e fãs batendo palmas emocionados ao ver a banda. "Sogno" (5.46) reproduz a fórmula de uma forte injeção jazzística no sax e até piano na segunda metade, após uma abertura mais melódica e "convencional" enquanto "Culto Disarmonico" (3.44 mns) é outro interessante "pastiche" jazzístico.

Concluindo temo aqui um disco repleto de intervenções jazzísticas e com ótimos momentos progressivos. Vale a conferida!

Tracks:

01. Villagio (5:14)

02. Tremori Antichi (2:23)

03. Gioia, Disordine, Risentimento (7:20)

04. La Mia Pazzia (3:28)

05. Sogno (5:48)

06. Dimentione Uomo (4:37)

07. Culto Disarmonico (3:45)

08. Pensiero Per Un Abbandono (4:37)

Total: 37:12

Musicians:

- Mimmo Di Martino: acoustic guitar, vocals (4,6,8)

- Ettore Vigo: piano, organ, vocals

- Martin Grice: saxophones, flutes, vocals

- Marcello Reale: bass, double bass, vocals

- Peppino Di Santo: drums & percussion, gong

Emerson, Lake & Palmer ● Trilogy ● 1972 ● Reino Unido [Symphonic Prog]

Lançado em junho de 1972, pela Island Records, "Trilogy" é o terceiro álbum de estúdio do trio Emerson, Lake & Palmer. Eles passaram a maior parte de 1971 em turnê, que fez uma pausa em setembro para que pudessem gravar um novo álbum no Advision Studios com Eddy Offord retomando seu papel de engenheiro. O álbum apresenta "Hoedown", um arranjo da composição de balé de Aaron Copland que se tornou uma das favoritas ao vivo. "Trilogy" é provavelmente o álbum mais progressivo e completo do ELP, e ao contrário de todos os outros álbuns do trio, todas as faixas do atingem seu mais alto padrão.

Abrindo o álbum divida em três partes "The Endless Enigma" é uma trilogia soberbamente trabalhada que abre sombria e tenebrosa, uma batida de coração, e o sintetizador de Emerson soando inicialmente como um pássaro noturno chamando. Em seguida, Emerson apresenta um piano frenético, sintetizador e, brevemente, uma zourka antes que a faixa acelere e fique mais pesada. A zourka é um instrumento de sopro tunisiano com uma palheta dupla, cerca de 30 cm de comprimento e com 8 orifícios para os dedos. A clara voz de tenor de Lake então entra, apoiada por alguns graves fortes em alguns lugares. "Fugue" vem logo à seguir da primeira parte e quebra totalmente o ritmo da peça. Esta peça tem um excelente toque de piano de Emerson com o baixo de Lake tocando bem ao fundo e o triângulo de Palmer adicionando um toque legal; o som do piano Steinway é excelente. Em seguida a terceira parte baseada no piano, apresenta um sintetizador de fanfarra que introduz a seção final, que se desenvolve em um crescendo poderoso. O fato de "The Endless Enigma" raramente ser tocada ao vivo é provavelmente a única razão pela qual não ganhou o reconhecimento que merece como uma das melhores peças do ELP. "From the Beginning" é uma bela faixa acústica com Greg Lake nos vocais e violão. Embora tenha uma estrutura simplista, é uma peça finamente trabalhada. O violão de Lake e a voz clara fazem justiça à música. Esta é a canção de amor de um homem: não sentimental e prática. A melodia é adorável, ele traz a guitarra elétrica, que soa quente e ligeiramente como SHADOWS, e então Emerson traz um sintetizador lindo que assobia e borbulha suavemente sobre o dedilhado de Lake. "The Sheriff" é uma boa e Como o nome sugere, tem uma sensação de faroeste musicalmente, e liricamente o faroeste é de fato o tema. Esta é uma peça musical bem trabalhada, pois transmite muito bem o clima pretendido. O onipresente piano honky-tonk de Emerson faz uma aparição satisfatória no final. Como curiosidade, se você ouvir atentamente o solo de Carl Palmer no início de "The Sheriff", poderá ouvir onde ele comete um erro, murmura "Shit" e começa de novo. "Hoedown" é a interpretação do trio para "Hoe-Down" do compositor americano moderno Aaron Copland, de sua partitura de balé "Rodeo". Em vez de violinos, temos Hammond de Emerson e sintetizadores assumindo a liderança. Emerson descaradamente emprestou de compositores clássicos, simplesmente porque gostava da música e reconhecia uma boa melodia quando a ouvia. A peça é contagiante, e você quase pode imaginar os vaqueiros saltitando. Algumas das músicas de Copeland são maravilhosas, e Emerson mais tarde também emprestou "Fanfare For The Common Man" de Copeland para "Works, Volume 1".

A faixa-título é uma longa faixa amplamente instrumental, pesada nos sintetizadores. Ela abre sobre o piano Steinway nítido e claro, e soa muito Gershwinesca. Mais tarde, Emerson traz Hammond e sintetizadores e realmente agita de uma maneira muito agradável durante uma longa seção instrumental, antes dos vocais de Lake voltarem brevemente. Esta faixa funciona excelentemente bem. A percussão de Palmer é, como sempre, magnífica. "Living Sin" é uma faixa de sonoridade pesada e sombria. Com Lake rosnando baixo em sua garganta em alguns lugares, ele dá a esta faixa um tom muito decadente: "Se você nunca viu isso chegando, Te prendi com a chegada da Coca-Cola, Agradável e escorregadia." É uma faixa mais direta do tipo ATOMIC ROOSTER. "Abaddon's Bolero" é presumivelmente a interpretação musical de ELP da profecia em Apocalipse. Abaddon é hebraico para "destruidor" e, de acordo com o Apocalipse, Abaddon é o rei anjo destruidor que sobe do Abismo destrancado com um exército de anjos caídos e demônios, domina os governos humanos e assume o controle da Terra (mas não para a eternidade). O exército assume a forma de gafanhotos de coroa dourada com caudas de escorpião, dentes de leão e rostos de humanos com cabelos de mulher, e sua missão é torturar por cinco meses usando suas picadas todos os humanos que não carregam o selo de Deus na testa. Se você é um fã de ELP, essas criaturas podem soar um pouco familiares. Isso porque eles são um tanto parecidos com a mantícora persa, a besta mítica - e epítome da tirania e do mal - apresentada no segundo álbum do ELP "Tarkus". A estrutura da faixa é muito simples, com apenas um breve desvio do tema principal, mas a construção gradual até o clímax gritante do sintetizador é hipnótica.

Em resumo "Trilogy" talvez seja o melhor trabalho do ELP, superando até mesmo "Brain Salad Surgery" e se você quer descobrir o que o ELP tem de melhor, comece por aqui.

Tracks:

1. The Endless Enigma (Part One) (6:42) ◇

2. Fugue (1:57) ◇

3. The Endless Enigma (Part Two) (2:05) ◇

4. From the Beginning (4:17)

5. The Sheriff (3:23)

6. Hoedown (Taken from Rodeo) {Aaron Copland, arranged by E, L & P} (3:47) ◇

7. Trilogy (8:54) ◇

8. Living Sin (3:14)

9. Abaddon's Bolero (8:08) ◇

Time: 42:27

Bonus track on 2004 Sanctuary remaster:

10. Hoedown (live) (4:06)

Musicians:

- Greg Lake: vocals, bass, electric & acoustic guitars, addit. keyboards (9), lyricist & producer

- Keith Emerson: grand piano, Hammond C3, synths (Moog IIIC & Minimoog model D), zukra (1)

- Carl Palmer: drums & percussion

DE Under Review Copy (D'AGE)

D'AGE

Grupo formado em 1984, em Almada, apenas por António Dias da Silva (guitarra, voz). Depois de um período a solo, os D’Age passam em 1985 a constituir-se como banda, integrando, para além do seu membro fundador, Rui Jacob (baixo), Rui Rodrigues (elemento dos UHF, guitarra) e José Cabral (bateria). Actuaram ainda esse ano, pela primeira vez, no Bar Copázio, em Almada, terra que os viu nascer. Em 1986, a banda coloca uma maqueta nas rádios, de cujos temas sobressai "Numa Corrida" que haveria de ser editada posteriormente em disco. Esta promoção permite-lhe abrir os concertos dos GNR, Sétima Legião e UHF. Mudam, entretanto, de formação, continuando a tocar ao vivo. No ano seguinte classificam-se em 3º lugar no Festival Luso-Galaico do Bar Luís Armastrondo, no Porto. Ainda em 1987, João Roque entra para o lugar de Rui Rodrigues. Apresentam ao vivo temas como "Numa Corrida", "Corridas de café", "Sombras", "O Tigre" e "Aparições". Ficam em 3º lugar no 1º Festival Luso-Galaico de Rock ao vivo. O grupo termina em 1988 mas regressam dois anos depois. Em Novembro de 1990 o grupo era formado por Toné, Rodrigues, Jacob e o baterista João Pedro. Em 1991, entram em estúdio para gravar o álbum "Todo Este Mar" com o selo Polygram. Toné, Rui Rodrigues, João Pedro e Rui Jacob são os músicos. Contam ainda com a participação de Abel Chaves, Gabriel Gomes (Sétima Legião) e ainda de Carlos Maria Trindade. O álbum, produzido por Nódoa Negra e Marsten Bailey, foi editado em 1992. A dispersão dos diversos músicos motiva uma apresentação em duo no Festival de Teatro de Almada, em 1994. Os ex-Essa Entente Paulo Sousa e Paulo Neto integram o grupo por essa altura, reforçando o line up da banda. Em finais de 2006 os D’Age apresentam o concerto "Histórias Curtas" no Teatro Extremo e, já em 2007, em duas noites, no Teatro Azul em Almada. Em Novembro apresentam-se na Biblioteca Municipal de Penamacor. No ano seguinte, depois de mais de uma década de silêncio, agora numa versão a solo de António Dias da Silva, chegando mesmo a editar um disco ao vivo, captado numa actuação realizada em 26 de Junho desse ano, no Santiago Alquimista.

DISCOGRAFIA

TODO ESTE MAR [LP, Polygram, 1992]

TODO ESTE MUNDO [7"Single, Polygram, 1992]

HISTÓRIAS CURTAS [CD, Edição de Autor, 2008]

DE Under Review Copy (D.W.ART)

D.W.ART

António Duarte e Manuela Duarte formaram os DWART em 1985. O duo de pop experimental mixmedia fez as suas primeiras (e polémicas) aparições no palco do clube Rock Rendez-Vous, em espectáculos de performance e em festivais de Arte (1985/87). Exemplos: Alternativa Zero, Cascais; Performarte, Torres Vedras; Teatro do Século, Lisboa; RTP (programa de Vasco Pinto Leite sobre arte e sinestesias) - com Nuno Rebelo. Para a definição estética, disciplina inicial do projecto, oportunidades de actuações ao vivo, muito contribuiram a amizade e o apoio de Jorge Lima Barreto e Vítor Rua, Manoel Barbosa, Nuno Rebelo e António Palolo. Os DWART estão incluídos numa colectânea em vinil, editada pela Dansa do Som, com os melhores momentos do Concurso de Música Moderna do Rock Rendez-Vous/1985. Algures no espólio do clube desaparecido, ficou por editar em disco a bobine master do álbum "D.A.R.", com as gravações (históricas), ao vivo e em estúdio, de um projecto concebido por Manoel Barbosa para dois músicos (António Duarte e Bernardo Devlin) e sete performers, que esteve dois dias em cena no palco e na pista de dança do RRV. Em 1987, António e Manuela Duarte mudaram-se para Macau. O testemunho das aventuras musicais dos DWART no Oriente está repartido por largas dezenas de cassetes digitais (DAT), na sua maioria jam-sessions em estúdio com músicos de Macau e de Portugal, ou com nómadas aventureiros: Chineses, portugueses, filipinos, franceses, alemães, brasileiros, mexicanos... Passavam uns tempos no território e acabavam por dar nas vistas tocando no clube de Jazz. Na fase mais interessante dessa experiência multiétnica nasce o trio Battu Ferengi: António Duarte - teclados, percussões e instrumentos chineses; Manuela Duarte - piano; Joaquim Castro - flautas e saxofones. Os Battu Ferengi deram vários concertos no JazzClub de Macau e no clube China Pop, tendo gravado o album "Ohpah" (world music). Na actual fase D.W.Art é, basicamente, António Duarte: sintetizadores analógicos, teclado sampling, vocoder, piano eléctrico, caixas de ritmo, percussões, baixo, guitarra, bandas magnéticas (DAT), e software audio e musical para macOS. São deste período (1998/2001) os albuns "Elektrix" (em masterização) e "Red Tapes", ambos misturados no estúdio DimSum, Lisboa, no início de 2002. [A Magia dos Anos 80]

COMPILAÇÕES

MÚSICA MODERNA PORTUGUESA 02 [LP, Dansa do Som, 1985]

SONS E TEMAS: ROCK RENDEZ VOUS [CD, Dansa do Som, 1994]

POEMAS CANTADOS DE CAETANO VELOSO

Pardo

Caetano Veloso

Nego

Teu rosa é mais rosa que o rosa da mais rosa rosa

Veio um beijo preto

Sangue sob a pétala

Veio um papo reto

Língua sobre a úvula

Nêgo

Nenhum orixá poderá desmanchar o que houve lá

Pra que me quereres?

Homens e mulheres há

Por que tanto queres

Não me querer, querer

Sou pardo e não tardo a sentir-me crescer o pretume

Sou pardo e me ardo de amores por ti sem ciúme

Sou pardo e não tardo a sentir-me crescer o pretume

Sou pardo e me ardo de amores por ti sem ciúme

De amores

Nego

Parque Industrial

Caetano Veloso

Retocai o céu de anil

Bandeirolas no cordão

Grande festa em toda a nação

Despertai com orações

O avanço industrial

Vem trazer nossa redenção

Tem garotas-propaganda

Aeromoça e ternura no cartaz

Basta olhar na parede

Minha alegria num instante se refaz

Pois, temos o sorriso engarrafado

Já vem pronto e tabelado

É somente requentar e usar

Porque é made, made, made

Made in Brazil (vamos votar)

Porque é made, made, made

Made in Brazil

Retocai o céu de anil

Bandeirolas no cordão

Grande festa em toda a nação

Despertai com orações

O avanço industrial

Vem trazer nossa redenção

A revista moralista

Traz uma lista

Dos pecados da vedete

E tem jornal popular que

Nunca se espreme

Porque pode derramar

É um banco de sangue encadernado

Já vem pronto e tabelado

É somente folhear e usar

Porque é made, made, made

Made in Brazil (Vamos votar na pilantragem)

Porque é made, made, made

Made in Brazil (Mais uma vez)

Porque é made, made, made

Made in Brazil

DISCOGRAFIA - ANCESTRY Rock Progressivo Italiano • Italy

ANCESTRY

Rock Progressivo Italiano • Italy

Biografia do Ancestry
O ANCESTRY é um quarteto italiano que aprendeu a tocar covers de RUSH e LED ZEP; no entanto, logo desenvolveu seu próprio estilo, na linha do prog sinfônico italiano tradicional. Atualmente, eles são: Fabrizio Sicuteri (teclados, vocais), Fabio Venturini (guitarras, backing vocals), Federico Ruoppolo (bateria) e Maurizio Bellofiore (baixo). Altamente melódica, sua música às vezes pega emprestado de bandas como GENESIS e PENDRAGON, mas seu material mais interessante apresenta o lirismo e os sabores composicionais de BANCO, PFM e YES. A voz calorosa do vocalista, que alternadamente canta em inglês e italiano, combina perfeitamente com a música.

Seu álbum de estreia (autointitulado) apresenta uma variedade de influências bem misturadas das bandas acima, enquanto seu segundo álbum, "Discendenze", tem uma influência decididamente mais do YES (pense no YES de meados e final dos anos 70). No geral, seu material é uma mistura de passagens líricas e enérgicas, com teclados ora lúdicos, ora melancólicos. Apresenta melodias vocais cativantes intercaladas com riffs de guitarra enérgicos e muitos momentos solenes. Em sua maior parte suave e tranquila, a música apresenta frequentes mudanças de direção, o que a torna imprevisível e bastante interessante. É de bom gosto, altamente sinfônica e definitivamente italiana (leia-se "romântica").

Particularmente recomendada se você gosta de art rock sinfônico melodioso de complexidade moderada.