..Resumindo, este é um álbum excelente em todos os aspectos e uma necessidade absoluta para todos os fãs do antigo Jazz Rock/Prog deste planeta. Infelizmente, na época de seu lançamento, ele recebeu muito pouca atenção e foi rapidamente removido das prateleiras, permanecendo como uma joia escondida por muitos anos. É ótimo vê-lo de volta à circulação.
Eu não conhecia esse álbum do Skin Alley. É verdade que tem algumas músicas muito boas, mas no geral não me empolga muito. Prefiro os trabalhos anteriores. Sinto falta da voz sutil e às vezes "indiferente" de Thomas Crimble. Embora possa parecer um pouco sem graça, eu pessoalmente gosto.
Branco
O Acordo Invisível: Uma Tarde com Skin Alley
Em uma tarde comum — uma daquelas em que o sol parece se arrastar indiferentemente através das cortinas — Acordo de Duas Libras? Caiu em minhas mãos como uma carta esquecida num bolso velho. O CD, empoeirado pelo tempo, tinha na capa um ratinho sorridente que parecia propor um pacto de "meio sorriso" e queijo envenenado... Você aceita ou não? Não sei se foi por curiosidade, teimosia ou puro romantismo, mas coloquei o disco no aparelho. E a dança começou.
Skin Alley não estava ali para me deslumbrar, ou para derrubar paredes com um solo diabólico de Hammond — embora "Bad Words and Evil People" tenha dado um golpe forte que você não esperava. Não. Este álbum foi instalado de uma maneira diferente: como a voz rouca de um amigo que, sem grandes gestos, conta uma história na penumbra. Acordo de duas libras? Não é uma ostentação. É uma viagem de segunda classe, num trem barulhento e quente, onde nos sentamos entre estranhos que contam suas vidas em olhares, suspiros e breves canções. Há jazz que serpenteia como fumaça, folk que cintila como vaga-lumes cansados e música progressiva que não explode: ela respira. Tudo junto, como uma receita imperfeita que, por alguma alquimia esquecida, tem um sabor bom. É perfeito? Não, você aspira ser um? Nenhum. Como aqueles amores raros que guardamos com carinho porque nunca prometeram nada além de um momento honesto.
Em " Sun Music" encontrei um refúgio. Um espaço onde o som se solta, se estica e finalmente deixa entrar um pouco daquela luz trêmula que Skin Alley parecia proteger com unhas e dentes. Momentos como esses não são fabricados: eles são vividos. E esse álbum, apesar dos tropeços e fios soltos, deixa sua marca. Pequenas queimaduras na memória. Quando o disco terminou de girar no prato, eu não sabia se tinha ouvido uma obra menor ou um sussurro de grandeza escondido atrás do barulho dos anos. Talvez ambos. Talvez, como tudo na vida, dependa do acordo que se está disposto a aceitar. E eu, sem hesitar, assinei. Com o coração. Com olheiras. E com o sorriso torto que aquele rato canalha da capa me deixou. Vejo você novamente.
01. Night Time 02. Bad Words and Evil People 03. Graveyard Shuffle 04. Nick's Seven 05. Skin Valley Serenade 06. So Glad 07. So Many People 08. Sun Music 09. The Demagogue-Sun Music
Chegando ao Seu Próprio Lugar "O rosto de ontem não é aquele que eu escolho ver, nem o rosto de alguém que se aproxima demais de mim. Eu tenho este meu próprio lugar, onde posso ir quando sinto que estou caindo, faremos o nosso melhor para garantir que você se sinta seguro se vier." O álbum de estreia do Caravan é um tour de force de musicalidade e sutileza. As músicas são extremamente harmoniosas e suavemente expressivas. "Joelhos nas pernas, dedos nos pés, pelos no peito, colete que coça, calças de lã, meias de náilon, botas de couro esmagando a grama. Ah, o gramado da vovó acabou de ser aparado a três metros de altura, coberto de ervas daninhas..." O material está majoritariamente no lado psicodélico do rock, e as passagens do órgão Hammond são simplesmente estupendas.
Psicodelia lânguida, guiada pelo teclado, mais adequada para um antro de ópio, embora ocasionalmente se lance para reinos mais agressivos/perturbadores. Não tão impressionante quanto o que veio depois, mas ainda assim é uma estreia sedutora, que captura bem a fumaça que se esvai do Verão do Amor.
Caravana e o Sussurro do Primeiro Amanhecer
Há discos que não se ouvem: sonham-se. E Caravan, aquele primeiro sussurro que a banda homônima soltou em 1968, é nada menos que o convite perfeito para vagar entre campos invisíveis e céus de aquarela. Não há pressa aqui, nem promessas exageradas: apenas uma pequena carroça rolando por caminhos que só os espíritos livres podem ver, carregando doces melodias, rock de câmara que flerta com a psicodelia e a nostalgia de alguém que sabe que seu lar está, acima de tudo, na jornada. Esta estreia, tão modesta quanto encantadora, não pretende incendiar o mundo: quer apenas acender uma tímida lâmpada no meio da neblina. E cara, ele consegue. Cada acorde, cada torção vocal, cada quebra melódica, soa como o murmúrio de um amigo em uma estação perdida, contando segredos enquanto o trem que você nunca pegará passa. A Caravan não aspira à grandiloquência; Suas armas são diferentes: uma inocência quase pastoral, uma ternura sincera, uma beleza que se revela lentamente, como um jardim escondido atrás de uma cerca de ferro enferrujada.
Hoje, nesta sessão sob o olhar da CULTO, deixei-me levar por esta carruagem de sonhos. E você, se ousar pular comigo, talvez descubra também que há jornadas que começam quando paramos de procurar destinos. Avançar, a estrada para Canterbury apenas começou.
Impressões Pessoais: As Águas Calmas da Primeira Viagem
Aqui estamos novamente, sob o céu familiar de recordes importantes. O álbum que hoje vos ofereço é, sem dúvida, uma peça fundamental no desenvolvimento do movimento de Canterbury. Da suavidade do jazz e dos primeiros sussurros da música progressiva inicial, nasce esta obra: um exemplo primoroso do melhor da "cena". Aqui surgem drama, paixão, finesse e elegância. A Caravan começou sua jornada em 1968 com esta esplêndida estreia. Um álbum que mistura rock psicodélico e jazz, alcançando um som único e sofisticado, muito semelhante ao de seus contemporâneos Soft Machine. Entre suas dobras deslizam elegantes passagens tingidas de tons jazzísticos, envoltas em atmosferas ácidas e psicodélicas. Poderíamos dizer que sua música é limpa, melódica, rítmica progressiva e, às vezes, com um peso sonoro que beira a gravidade.
Contracapa do acetato onde vemos a banda na fúria de '68 .
Minhas impressões não poderiam ser melhores. Depois de ter me perdido nas terras mágicas de In the Land of Grey and Pink, este primeiro álbum não deixa de me surpreender: já revela o germe de algo maior, de um universo ainda em construção. Aqui, a Caravan molda sua identidade: ainda verde em algumas áreas, mas já prodigiosa em intuição e instinto. As intenções são palpáveis nos arranjos, nas estruturas, nos pequenos gestos que delineiam uma visão concreta. Cada músico parece aventureiro, dedicado, inovador; embora ainda não totalmente maduro. O tempo e as obras futuras polirão o diamante que mal aparece aqui, mas Caravan é, sem dúvida, o primeiro batimento cardíaco autêntico de seu legado. Esta obra é a semente que o germe plantou, o ponto de partida de uma geração que sonhou com céus mais amplos. Um álbum essencial para mergulhar nas águas calmas e profundas do Caravan e começar a entender seu charme único. Até mais.
Gun é um furacão de ritmo e uma enxurrada de riffs de guitarra. E o Gun transforma sua música em um ataque incessante de metralhadoras e nunca recua. O álbum é tão poderoso que é difícil nomear meus favoritos, mas acho que “The Sad Saga of the Boy and the Bee” e “Rat Race” são os verdadeiros destaques. Todas as músicas são ricas e interessantes e, depois de meio século, Gun ainda está impecável.
Beijos Quentes de Tiros
Gun é um furacão de ritmo e uma enxurrada de riffs de guitarra. E o Gun transforma sua música em um ataque incessante de metralhadoras e nunca recua. O álbum é tão poderoso que é difícil nomear meus favoritos, mas acho que “The Sad Saga of the Boy and the Bee” e “Rat Race” são os verdadeiros destaques. Todas as músicas são ricas e interessantes e, depois de meio século, Gun ainda está impecável.
A arma é o sussurro e depois o grito. É o rugido primitivo que anuncia que o rock, aquele garoto rebelde nascido do blues, vestiu uma capa de aço e está lendo H.G. Wells enquanto coloca fogo em sua partitura.
Gun: O Evangelho do Riff Visionário
É a Londres psicodélica e agitada de 1968. Enquanto a Guerra do Vietnã queima as manchetes e a revolução jovem irrompe nas ruas, o rock começa a endurecer sua pele. Os hippies ainda sonham com flores, mas uma tempestade já está se formando no horizonte: a busca por algo mais pesado, mais escuro, mais monumental. Nessa encruzilhada, surge o Gun, uma banda com vida curta, mas impacto desproporcional. O trio britânico liderado pelos irmãos Paul e Adrian Gurvitz (baixo e guitarra, respectivamente), junto com o baterista Louie Farrell, lança seu álbum homônimo como se fosse uma granada psicodélica lançada diretamente no templo do rock convencional. E cara, isso deixa uma marca.
Impressões pessoais: The Devil Ran a 33 RPM
Hoje venho oferecer-lhes uma obra interessante, sugestiva e, por que não dizer, visionária. Esta estreia autointitulada do Gun apresenta uma performance peculiar que poderia ser definida como um exemplo inicial de Hard Prog ou Proto-Hard Prog: um tipo de rock psicodélico endurecido por riffs afiados, temperado com elementos sinfônicos e estruturado sob um molde progressivo. O resultado: um álbum cheio de nuances e texturas, mas também de força, melodia, loucura e sobriedade. A banda Gun estava à frente de seu tempo, e este disco é uma prova clara de como a música pode evoluir, se reinventar e concretizar uma visão ou conceito. É um álbum novo, original e preciso. Soa afiado, pesado e virtuoso. Sua arquitetura sonora é sustentada por arranjos de vanguarda e se mantém com a atitude de um rock progressivo em seus primórdios, ainda rudimentar, mas já cheio de ambição.
Na minha opinião, é um álbum impecável — talvez um pouco presunçoso em suas doses de lisergia, sim — mas ele consegue o que se propõe a fazer: atingir um clímax intenso e profundo. A experiência é delirante, mas não enjoativa, não se torna cansativa e é completamente agradável. Mudanças de tempo , arranjos pseudo-progressivos e riffs poderosos são seus principais pontos fortes.
Contracapa do acetato mostrando os irmãos Gurvitz e Louie Farrell
Minhas impressões aqui são tão grandiloquentes quanto o próprio conceito do álbum. Nada mudou desde a primeira vez que o ouvi: sua magia permanece intacta, seu feitiço não foi quebrado e sua força permanece tão firme quanto uma estátua de mármore elétrica. É um álbum que, para mim, transcendeu o cult; Sem ser uma obra-prima, deixa uma impressão indelével. Para um lançamento de 1968, é muito claro e voa para o território da vanguarda. Não é um álbum simples: tem um conceito ambicioso e é cheio de camadas sonoras que o tornam um deleite para ouvidos atentos. Se você ouvir com os sentidos bem despertos, apreciará todos os seus truques psicodélicos: mudanças de tempo, arranjos vãos, momentos sinfônicos, estética ART, foco proto-metal e até mesmo certos lampejos de lucidez à la Beatles, Cream ou até mesmo Black Sabbath. Não há muito mais a dizer. Basta ouvir a faixa "The Sad Saga of the Boy and the Bee" para entender o que quero dizer com Proto-Hard Prog. Até mais.
01. Race With the Devil 02. The Sad Saga of the Boy and the Bee 03. Rupert's Travels 04. Yellow Cab Man 05. It Won't Be Long (Heartbeat) 06. Sunshine 07. Rat Race 08 .Take Off
Uma versão atraente do rural-rock dos Deviants, com um toque espacial do Hawkwind para completar. "Do It" é espetacular e promete um álbum de indignação justificada alimentada por anfetaminas, mas o resto fica um pouco aquém desse objetivo louvável. Ainda assim, "o sonho está apenas começando e estamos vencendo".
Incrível... Punk-psych pesado? proto-punk psicodélico? proto-punk com som psicodélico pesado? De qualquer forma, isso é muito próximo do punk rock de meados do final dos anos 70, mas soa muito mais psicodélico; na verdade, é um pouco como Hawkwind, sem o estilo espacial.
Sim, do do do do do do do do do do do faça isso Faça isso, faça isso, faça isso, faça isso, faça isso, faça isso Vocês todos apenas fazem isso...
Never Neverland: Chutes, Distorção e Magia Proibida
Em algum lugar entre o fim da utopia hippie e o nascimento do punk, uma gangue de renegados à margem do establishment musical britânico decidiu incendiar as regras do rock. O ano era 1971 e as Pink Fairies , nascidas das entranhas psicodélicas dos Deviants e movidas por ácido, velocidade e contracultura, lançaram seu álbum de estreia Never Neverland no mundo , um álbum que não pedia permissão nem perdão.
Este álbum não apenas colocou as Pink Fairies no mapa: ele as lançou direto para o panteão cult, onde elas permanecem até hoje como aquelas profetisas desleixadas do caos lúcido. Com uma energia que antecipava a fúria do punk e uma atitude que exalava pura liberdade, Never Neverland era um manifesto sonoro disfarçado de jam psicodélica. "Do It" , talvez sua música mais emblemática, é hoje considerada uma peça fundadora do proto-punk: simples, direta, urgente. Mas o álbum não se resume a um único grito de guerra. “Teenage Rebel” carrega a bandeira do descontentamento juvenil com a indiferença daqueles que sabiam que o futuro não seria pacífico, e “War Girl” desce para caminhos mais psicodélicos, com ecos de rock espacial que lembram Hawkwind, seus irmãos festeiros galácticos.
O som do Never Neverland é um coquetel de acid hard rock, reverbs progressivos, atmosferas soltas e guitarras que parecem sair de um amplificador recém-saído de uma garagem. O álbum exala ecletismo, não por confusão, mas sim por determinação: as Pink Fairies sabiam o que estavam fazendo. Eles pegaram fragmentos do que estava no ar — psicodelia, rock de garagem, um pouco de jazz solto e atitude de rua — e transformaram tudo em um dispositivo de combate. As letras do álbum são outro dos seus eixos vitais. Há uma revolução, sim, mas não uma revolução panfletária; há humor, mas é ácido; há caos, mas coreografado. As Fadas Rosa não cantavam hinos, elas vomitavam visões. E fizeram isso com tanta dedicação honesta que, meio século depois, seu álbum ainda soa como um chute na porta da indiferença. Never Neverland é, sem dúvida, sua maior contribuição ao legado do rock underground britânico, e também uma cápsula do tempo do que o final dos anos 1960 poderia ter sido se tivesse sido conduzido com menos floreios e mais dinamite. Hoje em dia, ouvi-la não é apenas um ato de amor à música. É abrir uma brecha para o futuro, para o caos, para uma música que nunca quis se encaixar. É sobre entender como um disco pode ter o cheiro do futuro, exalar rebelião e exalar caráter. E nesse delírio elétrico e libertário, as Fadas Rosas conseguiram o impossível: cruzar a fronteira entre a lisergia do passado e a fúria do futuro.
Impressões pessoais: uma máquina do tempo pintada com spray
Houve um tempo — não muito distante, mas tão indistinto quanto uma fenda entre nuvens ácidas — em que Never Neverland passou por mim. Eu ouvi sem ouvir, como se minha antena ainda não estivesse sintonizada na frequência exata. Ou talvez — e gosto de pensar mais nisso — o disco tenha permanecido em silêncio, esperando o momento certo para falar comigo. Porque há álbuns que não gritam: eles sussurram das profundezas do tempo, e é preciso estar preparado para entendê-los.
Quando finalmente fiz isso, quando realmente parei, Never Neverland brilhou como uma estrela redescoberta. Não era mais um vestígio do passado: era uma chama viva, uma visão do futuro, uma peça magnética que ainda brilha na escuridão do estabelecido. Era como abrir um velho baú e encontrar dentro uma máquina do tempo pintada com spray e tatuada com estrelas. A faixa que mais me abalou foi Uncle Harry's Last Freak-Out , aquele delírio instrumental que parece ter sido canalizado de outra dimensão. Não é uma música: é uma porta. Um download. Uma espécie de exorcismo sônico. E ali eu entendi algo essencial: as Fadas Rosas não estavam fazendo pedras, elas estavam soltando feras, soltando raios, desenhando portais com distorção e um espírito rebelde.
Voltei ao disco várias vezes. Eu coloco isso no fundo, eu coloco isso na frente, eu coloco isso nos meus ouvidos e eu coloco isso na minha alma. E embora eu reconheça que ela tem seus altos e baixos — momentos em que a energia parece vacilar ou se voltar contrariamente — há algo nessa imperfeição que a torna mais humana, mais verdadeira. É um álbum com alma, e que, em tempos de fórmulas pré-fabricadas, vale seu peso em lisergia. Hoje Never Neverland é um desses álbuns que eu não apenas respeito: eu celebro. Porque me lembra que tudo o que fica para trás pode ser encontrado novamente. Essa música também nos espera. E há álbuns que têm aquele algo estranho, aquele algo especial, que não pode ser explicado ou analisado: pode ser sentido. E se acrescentarmos a isso o fato de que as Fadas Rosa originais estão aqui , as verdadeiras, todas juntas pela única vez... bem, isso já faz dela um artefato de culto, uma cápsula indomável, um testamento às margens. Obrigado por esperar por mim, Never Neverland . Não vou mantê-lo no limiar do esquecimento novamente. Até mais.
01. Do It 02. Heavenly Man 03. Say You Love Me 04. War Girl 05. Never Never Land 06. Track One, Side Two 07. Thor 08. Teenage Rebel
É um bom exemplo de uma sessão de gravação que deveria ter lançado um single em vez de um LP inteiro
Algumas das melhores baladas do Three Dog Night estão presentes aqui ("Out in the Country", "Your Song" e "Cowboy"). Eu pessoalmente acho que a versão de "Your Song" do Three Dog Night é superior à do Elton. "Mama Told Me" é claro que é um clássico! "Rock and Roll Window" e "Good Feeling (1957)" são trabalhos duvidosos?!
A banda cover mais famosa do mundo ataca novamente!
Não é fácil: guia de sobrevivência emocional
Nem todos os discos conquistam você no primeiro gole. Há alguns que, como os vinhos jovens, precisam respirar um pouco antes de mostrar sua verdadeira cor. It Ain't Easy foi um deles para mim. Chegar até ele foi, honestamente, uma pequena provação. Não por falta de vontade, mas porque a proposta me parece tão disparatada quanto irregular. Tem momentos doces, sim, mas também tem momentos difíceis que ficam presos na garganta como se você estivesse bebendo alcatrão com nostalgia. E, no entanto, aqui estou eu, escrevendo sobre isso, depois de cinco sessões — cinco! — onde a paciência desempenhou o papel de produtora musical. Vale a pena? Às vezes. "Rock & Roll Widow", por exemplo, me pareceu uma pequena joia que merece fones de ouvido e uma noite tranquila. Mas aí começam "Cowboy"e "Good Feeling", e juro que me sinto como se estivesse sendo enganado. A primeira me dá uma sonolência bíblica, e a segunda... bem, digamos que se Zappa tivesse defumado uma cumbia triste e depois a tivesse colocado no forno com queijo rançoso, talvez tivesse saído algo parecido. Não estou exagerando: minha voz é um tormento para mim, o canto de uma sereia bêbada e gripada. Precisei de cinco tentativas para digerir essa pista, e ainda não consigo engoli-la sem estremecer. Mas nem tudo é condenação. Há talento. Isso é óbvio. A banda tem o talento, o desejo e uma clara vontade de não ser rotulada. It Ain't Easy não quer ser um gênero único, quer ser uma colagem, um bufê de sons onde coexistem rock suave, baladas gritantes, riffs escorregadios e aquelas sutilezas que aparecem e vão como convidados que não dizem olá . Isso me lembra um pouco Traffic, Free, Spooky Tooth… bandas que também gostavam de criar seus próprios mapas sem seguir nenhuma bússola convencional.
O problema é que aqui, essa liberdade às vezes acaba trabalhando contra eles. Quando tudo acontece, também há espaço para algo irritar você. E para mim, pessoalmente, eles tiraram várias coisas de mim. Mas isto não é um julgamento, é uma confissão. Estou apenas começando a conhecer a banda, estou explorando com eles há três meses e esse foi meu primeiro mergulho. Talvez seja por isso que minha análise é mais visceral do que objetiva, mais emocional do que técnica. O que posso dizer é que, com o tempo, o álbum começou a me dar algumas piscadelas. Comecei a ver beleza em sua falta de jeito, charme em seus excessos e um estranho tipo de coesão em seu caos. Não é seu melhor trabalho, com certeza. Mas não é um mau começo se alguém quiser dar uma olhada em seu universo. Saiba apenas que a viagem será sinuosa, cheia de buracos e paisagens irregulares. Se tiver coragem, vá com calma. Ouça sem expectativas, sem preconceitos e talvez, só talvez, você encontre aquele sabor estranho que álbuns difíceis às vezes escondem. No final das contas, é disso que a música também se trata: aceitar a imperfeição, deixar-se tocar até mesmo por aquilo que lhe causa desconforto. Até mais.
01. Woman 02. Cowboy 03. It Ain't Easy 04. Out In The Country 05. Good Feeling 06. Rock & Roll Widow 07. Mama Told Me (Not To Come) 08. Your Song
Ano: julho de 1975 (LP 10 de setembro de 2021) Gravadora: Chrysalis Records (Reino Unido), CRVX 1422 Estilo: Hard Rock País: Londres, Inglaterra Duração: 37:39, 57:42
A edição deluxe remasterizada e expandida digitalmente inclui o set ao vivo do Record Plant e a faixa bônus "A Million Miles". Lançado originalmente em 1975, Force It é o quarto álbum de estúdio do UFO. Produzido por Leo Lyons, do Ten Years After, foi o primeiro álbum a entrar nas paradas dos EUA e permitiu à banda elevar o nível do rock. Contendo muitas faixas clássicas que ainda estão presentes no set ao vivo, como "Shoot Shoot" e "Let It Roll", esta versão deluxe remasterizada em 2 LPs inclui o set ao vivo do Record Plant, que antes não estava disponível em vinil. Mais direto e ousado do que seu trabalho anterior, Phenomenon, Force It apresenta mais uma mudança de estilo para o UFO, e o resultado é excelente... Force It, o segundo álbum do UFO em que Michael Schenker aparece (e seu quarto álbum no total), mostra ainda mais melhorias na composição e no som geral da banda. Phenomenon mostrou o início de algo grandioso, e Force It levou essa grandiosidade a outro nível. O Phenomenon ainda se apega um pouco ao som "space rock" que a banda começou a fazer, mas o Force It abandona completamente esse som, substituindo-o por um rock mais direto. Michael Schenker brilha e começa a mostrar seu verdadeiro estilo como guitarrista. Phil Mogg também demonstra um estilo vocal mais agressivo do que os álbuns anteriores. O álbum inteiro incorpora mais guitarras e grooves rápidos e sólidos, com melodia adicionada por Phil Mogg e bateria sólida por Andy. A faixa de abertura, "Let it Roll", pode ser a performance vocal mais agressiva de Phil até hoje, com ele gritando e berrando a letra, mas se sai muito bem. "High Flyer" é a única balada do álbum e desacelera as coisas, o que é uma boa adição ao Force It. "Out in the Street" é a música mais dinâmica, com pianos, mudanças de andamento e vocais excelentes. As grooveadas "This Kid's" e "Dance your Life Away" apresentam algumas das melhores performances dos membros da banda. Um dos melhores álbuns do UFO, recomendado para quem gosta de tocar guitarra bem e rock dos anos 70. O álbum inteiro pode ser tocado sem pular uma faixa, e poucos álbuns podem dizer isso. Por favor, faça um favor a si mesmo e confira!
01. A1 Let It Roll (03:55) 02. A2 Shoot Shoot (03:35) 03. A3 High Flyer (04:04) 04. A4 Love Lost Love (03:20) 05. A5 Out In The Street (05:12) 06. B1 Mother Mary (03:47) 07. B2 Too Much Of Nothing (03:58) 08. B3 Dance Your Life Away (03:31) 09. B4 This Kid's Including Between The Walls (06:12)
Live At The Record Plant, Los Angeles, 1975: 01. C1 Intro (01:13) 02. C2 Let It Roll (05:01) 03. C3 Doctor Doctor (05:15) 04. C4 Oh My (04:14) 05. C5 Built For Comfort (04:44) 06. C6 Out In The Street (05:28) 07. C7 Space Child (04:42) 08. D1 Mother Mary (04:40) 09. D2 All Or Nothing (04:44) 10. D3 This Kid's (04:38) 11. D4 Shoot Shoot (03:50) 12. D5 Rock Bottom (09:08)
Ano: 23 de agosto de 1967 (CD 1997) Gravadora: MCA Records (Canadá), MCASD-11602 Estilo: Blues Rock, Rock Psicodélico País: Seattle, Washington, EUA (27 de novembro de 1942 - 18 de setembro de 1970) Duração: 60:19
Paradas: EUA #5, Reino Unido #2, CAN #15, GER #17, NOR #3. EUA: 5x Platina; Reino Unido: Ouro. Uma estreia extraordinária do The Jimi Hendrix Experience, a Classic Rock Review nomeou Are You Experienced? como nosso Álbum do Ano pelo fenomenal ano musical de 1967. Neste álbum, o som é mais pesado e pesado do que qualquer outro de 1967, mas não é nem um pouco desfocado. Liderados pelo talento extraordinário de Jimi Hendrix, o Experience foi um ato inédito como grupo, especialmente quando se tratava da bateria selvagem e divertida de Mitch Mitchell. Junto com o baixista Noel Redding, este power trio lançou a estreia mais impressionante da história do rock e um dos maiores álbuns de todos os tempos. O som forjado no álbum sintetizou elementos do rock psicodélico de 1967 com rock tradicional, blues e soul. Tudo isso foi coroado pelo trabalho de guitarra proficiente e original de Hendrix, que usou técnicas e tecnologia de ponta para criar sons nunca antes ouvidos. Hendrix também compôs músicas sólidas, enraizadas em blues pesado e roots rock. Isso, juntamente com o ritmo frenético, mas sólido, de Redding e Mitchell, deu a Hendrix a tela perfeita para pintar suas obras-primas da guitarra. O produtor Chas Chandler ajudou a formar o Jimi Hendrix Experience na Inglaterra em 1966 e assinou com o grupo a Track Records, uma gravadora administrada pelos empresários do The Who, Kit Lambert e Chris Stamp. O grupo começou com três singles, gravados entre turnês pela Inglaterra no final de 66 e início de 67. Todos os três ("Hey Joe", "Purple Haze" e "The Wind Cries Mary") alcançaram o top 10 nas paradas do Reino Unido. O álbum original foi lançado no Reino Unido em maio de 1967 sem os três singles (ou lados B), mas a versão americana subsequente incluiu os singles para maximizar o impacto do grupo nos Estados Unidos, onde ainda eram relativamente desconhecidos. Por sugestão de Paul McCartney, o Experience estreou nos Estados Unidos no Monterrey Pop Festival em 18 de junho de 1967. Algumas das faixas não incluídas na versão americana (mas disponíveis em outras versões) incluem o blues puro "Red House", com sua guitarra solo lamentosa, e "Can You See Me", com influências do Cream, com vocais duplos sobre um rock forte e carregado de riffs. "Stone Free" é frenética, mas com um bom gancho, e "Highway Chile" tem um som mais moderno, com um shuffle funky e um padrão R&B.
01. Purple Haze (02:50) 02. Manic Depression (03:42) 03. Hey Joe (03:30) 04. Love Or Confusion (03:12) 05. May This Be Love (03:10) 06. I Don't Live Today (03:54) 07. The Wind Cries Mary (03:20) 08. Fire (02:43) 09. Third Stone From The Sun (06:44) 10. Foxey Lady (03:18) 11. Are You Experienced (04:15) 12. Stone Free (bonus track) (03:35) 13. 51st Anniversary (bonus track) (03:15) 14. Highway Chile (bonus track) (03:32) 15. Can You See Me (bonus track) (02:32) 16. Remember (bonus track) (02:48) 17. Red House (bonus track) (03:50)
Ano: 26 de maio de 1986 (LP 1987) Gravadora: Melodia Records (URSS), C60 26463 008 Estilo: Rock sinfônico, Art Rock País: Londres, Inglaterra Duração: 42:49
Powell faleceu em 5 de abril de 1998, após um acidente de carro enquanto dirigia seu Saab 9000 a 167 km/h, sob mau tempo, na rodovia M4, perto de Bristol. Ele namorava uma mulher casada que estava tendo problemas com o marido. Chateada, ela telefonou para ele e pediu que fosse rapidamente à sua casa, que ficava a aproximadamente 56 km de distância. Enquanto ele dirigia para a casa dela, ela ligou novamente e perguntou: "Onde você está?". Ele informou que estava a caminho e ela então o ouviu dizer "Oh, merda!", seguido de um estrondo. Gravado na Inglaterra em 1985 e no início de 1986, "Emerson, Lake and Powell" foi produzido por Lake e pelo engenheiro de som Tony Taverner. Além das oito faixas do álbum original de 1986, essas sessões produziram mais duas faixas que seriam incluídas em edições posteriores do álbum. Uma versão instrumental única do hit pop de Goffin/King, "The Loco-Motion", foi uma tentativa óbvia de obter alguma notoriedade no rádio, enquanto "Vacant Possession" é uma balada pop decente e melancólica, surpreendentemente deixada de fora do álbum propriamente dito. O álbum começa com sua faixa mais longa, "The Score", apresentando as fanfarras de Emerson e rudimentos animados de Powell durante uma introdução estendida de quase quatro minutos. Quando os vocais de Lake finalmente entram no meio da música, fica claro que esta faixa é uma continuação de um trabalho anterior com o refrão "Welcome Back My Friends to the Show That Never Ends", famosamente retirado da linha de abertura de "Karn Evil 9: First Impression, Part 2" do álbum Brain Salad Surgery de 1973 de Emerson, Lake e Palmer, bem como o título do subsequente álbum ao vivo de 1974 da turnê desse álbum. “Learning to Fly” está mais de acordo com uma canção pop de meados dos anos oitenta, impulsionada por motivos de sintetizador, baixo constante e ritmos simples de bateria com pouca ou nenhuma guitarra. Ainda assim, esta não é uma audição desagradável com boas melodias de Lake enquanto ele entrega uma letra ligeiramente profunda. “The Miracle” é uma canção longa, alimentada por narrativa, com uma entrada dramática e sombria que se eleva um pouco durante as seções de refrão. Mais tarde, a música se estabelece em um ritmo constante para a seção da ponte do meio desta canção de sete minutos. O segundo lado do álbum apresenta faixas de duração mais padrão, orientadas para o pop, começando com o único single do álbum, “Touch and Go”. Aqui temos sintetizadores de introdução e interlúdio cativantes interrompidos por versos conduzidos pelos vocais melódicos de Lake. "Love Blind" soa mais como uma montagem de trilha sonora do que como uma música padrão, embora a bateria de Powell esteja impecável do começo ao fim, enquanto "Step Aside" oferece uma pausa refrescante e um verdadeiro destaque deste segundo lado, como uma melodia jazzística única de piano onde os três membros trabalham bem a vibe, com Emerson liderando o caminho. Após a esquecível "Lay Down Your Guns", o trio limpa o paladar da melancolia com uma jam do dramático movimento clássico "Mars, the Bringer of War", uma música que Lake havia tocado com o King Crimson uma década e meia antes. Após uma curta turnê de divulgação do álbum, Emerson, Lake & Powell se separaram tão rapidamente quanto se formaram. Em 1992, a formação original do ELP se reuniu com Palmer para o álbum Black Moon, um álbum com um estilo semelhante ao deste álbum de Emerson, Lake & Powell.
01. A1 The Score (09:08) 02. A2 Learning To Fly (04:02) 03. A3 The Miracle (06:48) 04. B1 Touch And Go (03:38) 05. B2 Love Blind (03:10) 06. B3 Step Aside (03:46) 07. B4 Lay Down Your Guns (04:22) 08. B5 Mars, The Bringer Of War (07:51)
