sábado, 7 de junho de 2025

ERIC CLAPTON - Concerto na Accor Arena (Bercy) em 26 de maio de 2024

Fui lá como alguém que visita um tio distante e velho, a quem dizem que não sobreviverá ao inverno, com apreensão, mas também com indulgência e respeito pelo serviço prestado à nação, o do blues. Eu sabia que Eric Clapton (79 anos, com nougat) era aleijado pela artrite e surdo como uma porta, o que não era um bom presságio.

E aí, surpresa! É um jovem que entra no palco, com um andar descontraído, elegante em seu paletó azul, escova impecável, que imediatamente pega sua Stratocaster personalizada com a bandeira palestina. Alguns arpejos para verificar o som, depois os primeiros acordes do instrumental "Blue Dust" , um blues lento tocado em uníssono com Doyle Bramhall II , fiel braço direito (embora canhoto) por duas décadas, óculos escuros e camisa de babados. O entrelaçamento das linhas de guitarra evoca o espírito das sessões de Layla com Duane Allman .

Depois de um sóbrio "bonsouâr, boa noite" , entramos na pegada pesada com dois clássicos do blues, "Key to the highway" (atribuída a Big Bill Broonzy ) e "Hoochie Coochie Man", de Willie Dixon . O som é forte, mas não saturado, bem mixado, bem renderizado, e já é um festival de coros, os dois guitarristas, depois Tim Carmon no órgão Hammond e o inabalável Chris Stainton no piano, com uma cabeleira loira e óculos na ponta do nariz. As intervenções dos dois backing vocals em "Hoochie Coochie Man" fazem o título deslizar para um gospel soul mágico. Estamos tranquilos, os dedos são ágeis, percorrendo o braço, e acima de tudo a voz está lá, rachada como deveria ser, suave ou gutural. Clapton nunca foi considerado um grande cantor, discordo! Ele se contenta com o que tem, e o faz bem. 

A banda então arrasa com a soberba "Badge" , uma música da época do Cream , coescrita com George Harrison . Em seguida, uma nova composição, "Prayer of Child" , em referência a Gaza, projeta imagens de campos de refugiados nas telas enquanto o palco mergulha na escuridão. A mensagem é sóbria, sem discursos, o que é melhor, porque geralmente quando Clapton se envolve em política é para dizer bobagens!

Depois vem o set acústico. Hein, o quê, já? Não é um bom presságio... Com "Back home" , um título recente, em tom folk, depois o clássico blues "Nobody knows you when you're down and out" (adoro), a belíssima "Tears in heaven" com um andamento mais acelerado, as colcheias no ar quase dando um toque reggae, sempre aclamada como deveria ser pelo público, e "Golden ring", retirada do álbum Backless (1978). Para esses quatro títulos, Nathan East , de rosto redondo e sempre alegre, troca o baixo por um contrabaixo, Doyle Bramhall é mais discreto na guitarra elétrica.

Retomamos a música, e não por pouco, com a funky e estrondosa "Got to get better in a little while", da época de Derek & Dominoes , uma versão bem louca de 10 minutos, com refrãos à beça, incluindo Sonny Emory na bateria, que deve ter comprado um lote de pratos Neil Peart por um preço baixo. Se a batida é viril, não é pesada, é concisa, eficaz, e a qualidade do som nos permite apreciar as nuances dos rufos e a execução do chimbal. A transição é um pouco áspera com "Holly mother" , uma balada flácida do álbum August (não é exatamente uma referência), escrita em homenagem a Richard Manuel, do grupo The Band , uma versão, no entanto, salva por um longo refrão final. Mesmo que tivéssemos optado pelo marshmallow lento, ainda teríamos preferido a sublime "Wonderful tonight" .

O resto será lindo, com dois covers de Robert Johnson . Primeiro "Crossroad", em uma excelente versão com andamento mais lento, quase mais rock, e o longo blues "Little queen of spades" , onde novamente os solistas competem. Nathan East se aproxima do microfone para cantarolar "Close to home" , de Lyle Mays . Acompanha-se com seu baixo, leve e arejado, Clapton no apoio, discreto, que interfere com algumas cocottes funky, e o riff de "Cocaine" explode na nossa cara. A plateia, até então entusiasmada, mas sabiamente sentada (sem fosso), levanta-se e aflui ao palco. Doyle Bramhall tirou uma Stratocaster para a ocasião, cujo verniz lascado deixa apenas a madeira crua, ao lado da qual a guitarra de Rory Gallagher parece em boas condições! Todos cantam seu refrão, Chris Stainton maltrata seu teclado e, quando não há mais nada, ainda há mais.

Os músicos saem do palco. Ainda estamos um pouco preocupados, mas eles voltam para o blues "Antes que me acusem" , antes de finalmente se curvarem. Hum... Agora estamos realmente irritados. Quando as luzes de uma sala se acendem novamente, significa que não haverá uma sequência. Conferi meu Rolex: 1h30 de show!

Bem, ainda fomos brindados com uma primeira parte, o vocalista e guitarrista Rover (Thimothée Régnier, seu apelido em francês), com um físico à la Leslie West , acompanhado apenas por um baterista, para um mini-set de músicas concisas, em tom power-pop. É um exercício perigoso abrir para uma estrela, como estou dizendo, uma lenda. Demos a ele uma boa recepção, francamente merecida. Abrir para os shows do Clapton na França , isso fica ótimo no currículo.

Para esta turnê comemorativa de seu 60º aniversário, Eric Clapton não tocou seus clássicos (sem "Layla" , "Sunshine of your love" , "I shot the sheriff" , "After midnight" ...), mas optou por escolher aqui e ali, entre as épocas, a tradição, as repescagens, as faixas inéditas, privilegiando amplamente o blues. Ele não é falante, sabíamos disso, está confirmado. Apenas um "Faz tempo que não vou à França, é uma pena, afinal, voltarei se tiver  tempo..." diante da torrente de aplausos que jorrava. Ele parecia surpreso, suas mãos pareciam dizer não, não, me incomoda, só vim tocar uma musiquinha para você ... Ele permanece ereto em seu metro quadrado de carpete, cantando bem longe do microfone. Depois de todos esses anos, continuamos impressionados com a agilidade e a velocidade de sua guitarra, reconhecível entre mil. 

Eu estava prestes a pintar com spray "Clapton (ainda) é deus" na parede do metrô, quando os caras da RATP chegaram na plataforma, havia cinco ou seis deles com o cachorro, e eu não tinha os tênis certos para correr...

Aprendemos duas coisas naquela noite:  Eric Clapton está em ótima forma e gosta de dormir cedo. Isso provavelmente explica o porquê.



DIRE STRAITS EXPERIENCE - Zénith de Paris, 06/11/2024

Isso é inédito. Eu nunca tinha assistido a um show do que se chama de Banda Tributo . Um rápido lembrete: uma Banda Tributo (ou banda cover) é um grupo de músicos geralmente experientes, que tocam apenas covers de uma banda famosa, de forma bastante oficial, muitas vezes com o endosso do grupo original (seria estúpido recusar, considerando os royalties). Exemplos abundam: Led Zeppelin , Queen , The Doors , Beatles , Pink Floyd , Supertramp, U2,  Springsteen, Joe Cocker ... 

Até onde eu sei, ainda não há cover - Rika Zaraï . Mas até encontrei uma versão minha na rua, num festival de música. Quem tocou melhor? Aquele idiota.  Alguns chegam a se parecer visualmente com seus ídolos, kitsch, outros chegam a repetir nota por nota um show específico, de uma data específica, como é o caso de uma das muitas bandas cover  do Genesis .

Lembro-me de David Gilmour elogiando a apresentação de uma das duplas, dizendo que elas eram quase melhores! Outros, que na época subiam ao palco completamente chapados, diziam: se vocês querem saber do que seríamos capazes sóbrios, vão ouvi-los!  

Existem muitas bandas cover do Dire Straits  Fire Straits , sTraits , Money For Nothing , DS:UK , Calling Mark , Brothers in Band , Dire Strat s… O caso do Dire Straits Experience é um pouco diferente, no sentido de que um membro do grupo realmente participou do Dire Straits Chris White , que parece bom (o bastardo) com quase 70 anos, saxofonista de 1986 e do álbum "Brothers in arms" . Que reuniu ao seu redor seis músicos para cobrir exclusivamente o repertório de Mark Knopfler , incluindo o cantor e guitarrista Terence Reis * , que tem a pesada tarefa de ser frontman. A configuração do grupo retoma a da turnê "Alchemy"  : baixo / bateria / piano / teclado / 2 guitarras. E White nos saxofones (soprano, alto, tenor) e flauta transversal.

O show foi no Zenith, em Paris, um local com 1.500 lugares, e o som estava quase perfeito. Lembro-me de ouvir Mark Knopfler solo lá em 1996; o som era simplesmente horrível... A primeira parte ficou por conta de Gaëlle Buswel , [=> foto à direita] um bom blues rock, numa configuração com dois violões.

A banda começa com "Telegraph Road" , era preciso ousar, uma faixa de 14 minutos, seguida por "Solid Rock" , depois "Tunnel of Love" (e pronto, mais um bom quarto de hora!) em arranjos muito próximos de "Alchemy" . Admito que a princípio é estranho. Ouvimos, mas não vemos Dire Straits . E não conseguimos evitar comparar, procurar a pequena fera, se ela vai fazer isso, fazer aquilo, como vai lidar com tal passagem de refrão... Mas, uma vez que nos damos conta de que não, essas não são as músicas de verdade, nos concentramos apenas na música.

O que é muito bom, primeiro porque os músicos são muito bons, mas acima de tudo porque as músicas são excelentes! E perceber que o pai Knopfler produziu dezenas de títulos sublimes, canções muito bem escritas e construídas, cuja duração e complexidade não eram a norma nos anos 80, os da atroz chegada da MTV. 

Obviamente, um grande destaque é dado às músicas com saxofone (o Shuffle teria ficado feliz!), "Your latest trick"  (grande ovação),  "On every street" , "Two young lovers" e "Goin' home" . Não estamos no exercício estrito de copiar: o segundo guitarrista não se contenta com o ritmo, ele assume a sua parte do refrão, e o sax intervém em faixas que não o tinham originalmente. Portanto, novos arranjos e, portanto, faixas ainda mais longas! Em particular, versões belíssimas de "Romeu e Julieta" (com, obviamente, o National Steel) e "Private investigation" . Não tenho medo de afirmar que, às vezes, a cópia é melhor que o original!

Também interessante é o cover de duas músicas do álbum de estreia, "Wild West End" e "Lady Writer", tocadas por quatro, a formação original do Dire Straits , onde realmente encontramos o som dos dois primeiros álbuns. Gostaríamos de ter ouvido mais, já que "Down To The Waterline" e "Once upon a time" estão ausentes do repertório. Seria uma boa ideia tocar exclusivamente os dois primeiros LPs!

"Sultans of Swing" também começa com quatro músicos , antes da entrada dos teclados no terceiro verso, e aqui, novamente, a parte central é reorganizada, mais alongada, com um diálogo sax/guitarra, depois guitarra/órgão, antes do longo crescendo do refrão de guitarra. Esta seria minha única crítica, tocando o sax em uníssono neste solo de guitarra icônico, que de repente se vê um pouco submerso na mixagem.

Da mesma forma, uma "So far away" que começa em modo calipso, no xilofone, antes das guitarras emergirem numa versão mais rock que a original. Como bis, somos brindados com uma versão abrasiva de "Money for nothing" e, em seguida, com a instrumental "Goin' home" (trilha sonora do filme Herói Local). Um dos hábitos irritantes de Knopfler eram os finais das músicas que nunca terminavam, clímax prolongado, como se a faixa precisasse ser longa para atingir um 747. Uma falha felizmente não reproduzida.

Se você não viu o Dire Straits em seu auge (o que é o meu caso), antes dos shows se tornarem circos de estádio (e é por isso que Knopfler desistiu), esta experiência de tributo simplesmente permite que você se divirta, com músicos de primeira linha que estão claramente se divertindo muito. É um pouco mais caro do que um show best-of, mas pelo menos tem gente de verdade tocando!  

Terence Reis  disse que foi inicialmente convidado para substituir Mark Knopfler (que estava em turnê solo) em um show beneficente em 2011, e que deveria apenas cantar. Depois, foi finalmente convidado para tocar guitarra também. A formação de ex-integrantes da banda, reunida pelo tecladista Alan Clarke , continuou, antes de se transformar no Dire Straits Experience, a mando de Chris White .  

Para Bruno, em entrevista a Terence Reis , sobre seu equipamento: "Uma Gibson Chet Atkins de nylon antiga, uma Ovation Adamas dos anos 80 e, claro, uma National. No meio do show, tocamos quatro e eu tenho uma Integrity Strat que montei com peças de reposição da Musikraft. Tenho duas Strats, a Candy Apple Red e a Sunburst, e uma Integrity Tele. Elas são baseadas nas especificações da Schecter do Mark. São muito diferentes das Fenders. O luthier Ivan Leschner fez para mim um clone da Pensa Suhr MK-1. E dependendo da turnê, levo minha Gibson Les Paul R8 VOS'58. Fora isso, sempre levo minha Steinberger GLT2T de 1984-1985 . " 



EMBRYO ● Rocksession ● 1973

 

Artista: EMBRYO
País: Alemanha
Gêneros: Jazz-Rock, Fusion, Krautrock
Álbum: Rocksession
Ano: 1973
Duração: 39:42

EMBRYO (não confundir com as bandas italianas e suecas de Death Metal de mesmo nome) é um coletivo musical de Munique que, liderado pelo ex-organista de R&B e Jazz Christian Burchard, que já contou com a participação de mais de 400 músicos desde sua fundação em 1970.

Aqui temos "Rocksession" - quinto álbum na discografia do EMBRYO - que assim como o álbum anterior, "Steig Aus" continuou a se aprofundar cada vez no terreno do  Jazz-Fusion, a fim de consolidar seu espaço na cena vanguardista alemã. A derivação estilística que havia sido sutilmente intensificada em cada um de seus três primeiros álbuns finalmente se concretizou no emocionante e revigorante trabalho "Steig Aus", e agora "Rocksession" tem a missão de reforçá-la. Este é um álbum é repleto de vibrações etéreas e entusiasmo vibrante do início ao fim. Os padrões de frenesi psicodélico e explosão são atenuados em comparação com os três primeiros álbuns da banda, mas a energia e o impulso permanecem patentes e relevantes para o som nuclear da banda. Um dos principais focos das entregas instrumentais é deixar cada indivíduo brilhar sem quebrar o clima geral. O exotismo afro-muçulmano de "A Place to Go!" exibe um colorido étnico surpreendente, reciclado por meio de uma aura de mistério. "Entrances" é uma peça longa, com duração de um quarto de hora, com o tecladista Jimmy Jackson destacando-se em seu eletrizante trabalho de órgão Hammond, enquanto Burchard exibe um recurso de complexidade com seus truques e preenchimentos de síncope inteligentes. Edgar Hofmann assume um papel mais proeminente em "Warm Canto", onde toca violino (seu instrumento mais recorrente). O motivo básico é belíssimo, com um tom relaxante que permite à banda explorar sua faceta introspectiva. O solo de órgão é principalmente uma expansão do motivo do violino, enquanto as solos simultâneos de guitarra e piano elétrico são baseados em progressões fluidas de acordes, executadas com facilidade insuspeita. Em determinado momento, a entrada do vibrafone força o violino a retomar o motivo principal e remodelá-lo em conjunto com a guitarra: essa interação traz um calor particular aos minutos finais da faixa. "Dirge" é mais uma faixa franca e introspectiva que expõe o lado reflexivo da banda, adicionando uma vibração Funky que é gerida de forma primorosa. Dessa forma, "Dirge" complementa e completa a aura sublime que já havia sido exibida na faixa anterior. 

Embora não seja tão explosivo quanto "Steig Aus", "Rocksession" é um excelente exemplo do EMBRYO no auge de sua carreira. Recomendado para qualquer amante do Krautrock jazzístico.

Faixas:
01. A Place To Go (4:25)
02. Entrances (15:35)
03. Warm Canto (10:07)
04. Dirge (9:35)

Músicos:
- Christian Burchard: bateria
- Jörg Evers: baixo
- Edgar Hofmann: saxofone e violino
- Jimmy Jackson: órgão
- Dave King: baixo
- Siegfried Schwab: guitarra
- Mal Waldron: piano elétrico



MAHAVISHNU ORCHESTRA ● Birds of Fire ● 1973

 

Artista: THE MAHAVISHNU ORCHESTRA
País: Reino Unido
Gêneros: Jazz-Rock, Fusion
Álbum: Birds of Fire
Ano: 1973
Duração: 39:44

Podendo ser classificado como uma continuação do Birds inovador "The Inner Mounting Flame", esse segundo trabalho da MAHAVISHNU ORCHESTRA pode ser para muitos ouvidos, ainda melhor que a estréia da banda. Mesmo que o impacto do brilhantismo dos músicos tenha diminuído, a banda parece mais equilibrada (ou seja, com menos solos de um milhão de notas por minuto do guitarrista John McLaughlin e a presença do tecladista Jan Hammer mais perceptível).

A faixa-título de abertura é basicamente, mais do mesmo, com uma execução impetuosa tanto do violinista Jerry Goodman quanto de McLaughlin. Essa música contém um dos melhores momentos de solo de McLaughlin, e bateria de Billy Cobham está excepcional. "Miles Beyond" é uma peça eclética. Começa incrivelmente com Hammer liderando no piano elétrico, mas então, com um estrondo, McLaughlin e Goodman assumem o controle com alguns solos pesados, seguidos por uma ótima palhetada acústica. "Celestial Terrestrial Commuters" é mais um daquelas peças em que Goodman e McLaughlin despejam versos inflamados um após o outro, embora com muita interação entre os dois. "Sapphire Bullets Of Pure Love", de 21 segundos, obviamente não é uma peça substancial, mas "Thousand Island Park" é um dueto acústico deslumbrante estrelado por McLaughlin e Hammer. Uma das melhores faixas da banda, começa em modo reflexivo antes de cada músico mostrar sua verdadeira genialidade com algumas passagens deliciosas. "Hope" é uma peça curta e envolvente que começa de forma bastante interessante, mas nunca chega a lugar nenhum. "One Word" é a jam Progressiva épica que, felizmente, envolve todos os cinco membros desta banda brilhante tocando no auge de suas capacidades coletivas. Alguns dos movimentos e mudanças de ritmo são impressionantes, Cobham está com sua incrível personalidade de sempre e Laird também ganha destaque. As notas de McLaughlin são ótimas, o som alterna entre Funk e Rock, e os três solistas principais trocam linhas de solo que variam do Jazz à vanguarda e ao clássico indiano, antes de Cobham fazer um ótimo solo de bateria. "Sanctuary" é uma peça atmosférica com uma pegada improvisada interessante, mas talvez um pouco longa demais, enquanto "Open Country Joy" é pura genialidade, começandp com um riff acústico suave e deslumbrante com solo de violino, antes que a banda volte com Goodman e McLaughlin à frente, como de costume, e então, quando Mac ameaça levar as seis cordas longe demais, a peça retorna à sua introdução suave. "Resolution" é outra peça forte, embora breve, com guitarras, encerrando o álbum." 

Uma verdadeira obra-prima do gênero Fusion, "Birds of Fire" seria o último álbum da primeira encarnação das ideologias da MAHAVISHNU ORCHESTRA. Imperdível para qualquer fã do gênero.

Faixas:
01. Birds of Fire (5:41)
02. Miles Beyond (Miles Davis) (4:39)
03. Celestial Terrestrial Commuters (2:53)
04. Sapphire Bullets of Pure Love (0:22)
05. Thousand Island Park (3:19)
06. Hope (1:55)
07. One Word (9:54)
08. Sanctuary (5:01)
09. Open Country Joy (3:52)
10. Resolution (2:08)

Músicos:
•  John McLaughlin: guitarras
•  Jan Hammer : piano, Fender Rhodes, orgão
•  Jerry Goodman: violinos
•  Rick Laird: baixo
•  Billy Cobham: drums

 drums



ABACUS ● Everything You Need ● 1972


Artista: ABACUS
País: Alemanha
Gênero: Heavy Prog, Krautrock
Álbum: Everything You Need
Ano: 1972
Duração: 49:11

Talvez dentre os álbuns clássicos do período Polydor/Zebra do ABACUS, "Everything You Need" (seu segundo trabalho), possa ser considerado medíocre. A suíte de cinco partes que cobre o lado B, na verdade compõe-se de apenas cinco músicas discretas amarradas juntas e "embaladas" como uma única unidade. 

A peculiar "Paranoia Agency" é facilmente o ponto alto da peça. "Ivan Hood The White Knight" pode ser considerada a parte mais Prog aqui, talvez como uma música (muito) periférica do JETHRO TULL.

Faixas:
01. Anyway We Can - 4:33
02. Slide Away - 4:55
03. Ivan Hood The White Knight - 3:54
04. Thing We Do - 6:17
05. Everything You Need - 20:25
06. What A Day - 4:35
07. Good Old Rock'n Roll - 4:35
08. Herman The German Live - 4:24

Músicos:
- Chris Williams / vocals, acoustic guitar
- Hans Rolf Schade / guitar, vocals, moog
- Christoph Perutzky / piano, organ, synth
- Klaus Kohlhase / bass
- Konstantin H Bommerius / drums





AGITATION FREE ● Malesch ● 1972

 

Artista: AGITATION FREE
País: Alemanha
Gênero: Krautrock
Álbum: Malesch
Ano: 1972
Duração: 41:52

Esta banda de Berlin ganhou status de lenda, com base em seus apenas três lançamentos históricos, o que é um pouco comparado com os trabalhos de POPOL VUH, AMON DUUL II, TANGERINE DREAM, KRAFTWERK ou CAN. Na verdade muitos músicos passaram por AGITATION FREE antes de se juntarem as bandas citadas.

Por razões diversas, a banda, formada em 1967, só consegue  gravar um álbum no final de 1971 (o que não os torna pioneiros em termos de Krautrock) mas nessa altura, eles tinham adquirido uma sólida experiência tocando em jams de Psychedelic Rock, mas muitas vezes entrando na música eletrônica. Embora "Malesch' tenha uma aura não merecida com os primeiros álbuns que exploram a fusão de Rock e música mundial, ele mantém muito de sua paixão de longa data, composiçções experimentais sobre temas "FLOYDianos" e sons cósmicos, bem como a abertura de "You Play For Us Today", ou os efeitos de guitarra selvagens de "Sahara City', na fronteira livres de improvisações jazzificadas. As peças étnicas são na sua maioria para separar as faixas, como as orações de abertura e fechamento de "Sahara City"ou canto do muezim fechando a faixa "Khan El Khalili", estamos lidando principalmente com sintetizadores de Hoenig e dispositivos eletrônicos, mas ele compartilhou os teclados junto com Peter Hamel no órgão em algumas faixas.

Os efeitos eletrônicos são selvagens na abertura "Ala Tul" mantendo uma boa paisagem sonora "FLOYDiana", um zumbido eletrônico estranho, primeiro pulsa, em seguida, tornar-se como um mosquito, te assombrando, antes de guitarras e bateria entrarem lentamente para nos dirigir na longa "Khan El Khalili", onde nos perdemos nos meandros dos sonhos da AGITATION FREE 

Certamente "Malesch" é um ícone em Krautrock, apesar de sua reputação étnica. Junto com a EMBRYO, foi um dos três grupos convidados para tocar para as Olimpíadas de Munique no final daquele verão.

Faixas:
01. You Play For Us Today (6:08)
02. Sahara City (7:42)
03. Ala Tul (4:50)
04. Pulse (4:43)
05. Khan El Khalili (8:10)
06. Malesch (8:10)
07. Rücksturz (2:09)

Músicos:
- Peter Michael Hamel / keyboards
- Michael Hoenig / synthesizer, keyboards
- Michel Gunter / bass
- Uli Pop / bongos
- Burghard Rausch / drums, keyboards, vocals
- Jorg Schwenke / guitar
- Lutz Ulbrich / guitar, keyboards 





AINIGMA ● Diluvium ● 1972


Artista: AINIGMA
País: Alemanha
Gênero: Krautrock
Álbum: Diluvium
Ano: 1972
Duração: 41:25

Pouco se sabe sobre a banda alemã AINIGMA além de ter surgido na Bavária alguns anos antes de lançar esse único disco pelo selo independente Arco e que anos mais tarde seria relançado pela gravadora Little Wing.

Por estar imersa na cena do Krautrock a banda AINIGMA é comumente associada ao Rock Progressivo, mas a verdade é que a música que apresentam no disco, está mais para uma mistura de Blues-Rock, Hard e Rock psicodélico, algo como uma mistura da também alemã FRUMPY com os americanos do VANILLA FUDGE. O som é levado pelo órgão e pela guitarra em longos trechos instrumentais e as letras estão em inglês.

A produção não é das melhores, o que traz à mente  outro clássico cult, a banda NECRONOMICON. "Diluvium" é lembrado como um dos mais álbuns mais "dark" do gênero apresentando uma linha de psicodelismo pesada, com abundantes improvisos, riffs furiosos de guitarras, melodias marcantes e dinâmicas, e um órgão Hammond cativante.

Os músicos do AINIGMA eram muito jovens, com idade entre 15-17 anos apenas. Diante disso, tem que se admirar a maturidade na composição e abordagem musical. A juventude possivelmente pode ser ouvida na voz do vocalista e na simplicidade dos arranjos, no entanto, as músicas são muito bem executadas. O som geral é sombrio e melancólico, com muitos órgãos de sonoridade crua e guitarra dominando as texturas, baixo e bateria atacando as ansiosas visões auditivas.

Os destaques vão para a balada "All Things are Fading" e a faixa de abertura "Prejudice", uma melodia Thrash bastante poderosa. Na longa faixa-título talvez os músicos se aventurem um pouco longe demais nas vastas aberturas dos oceanos improvisados para manter o golpe interessante.

Esse único trabalho do AINIGMA é recomendado para colecionadores de música pesada psicodélica "dark" e bandas underground da Alemanha.

Faixas:
01. Prejudice (5:33)
02. You Must Run (7:31)
03. All Things Are Fading (5:15)
04. Diluvium (17:51)
05. Thunderstorm* (5:15)

Músicos:
- Michael Klüter: Drums, Percussion, Vocals
- Wolfgang Netzer: Guitar, Bass Guitar
- Willi Klüter: Organ, Electric Piano, Lead Vocals




Alan Sorrenti ● Aria ● 1972

 

Artista: Alan Sorrenti
País: Itália
Gênero: Rock Progressivo Italiano
Álbum: Aria
Ano: 1972
Duração: 40:26

Alan Sorrenti foi um artista muito importante de Nápoles. Ele tinha uma mãe galesa e morou no País de Gales quando criança.

Lançado em 1972, esse é seu primeiro trabalho em pela Harvest Records. "Aria" é um álbum muito bom, com dois lados bem diferenciados: o primeiro contém apenas a longa faixa-título, uma suíte onírica começando com violão e baseada na maravilhosa voz instrumental de Sorrenti, e culminando na parte final com um memorável solo de violino de Jean-Luc Ponty. O lado 2 é mais suave, com três faixas, duas das quais ("Vorrei incontrarti") também apareceram como single. O álbum fez sucesso na Itália, e Alan Sorrenti foi um dos poucos artistas solo a competir com outros grupos Progressivos nos festivais ao ar livre da época. O álbum também foi lançado no exterior, mas com pouco sucesso.

Esse disco é uma obra de arte surpreendente incluindo o longo épico que preenche todo o primeiro lado, uma obra de arte surpreendente de mais de 19,40 minutos! Muito difícil de entender por sua complexa intriga vocal e provavelmente não pode ser a xícara de chá de todos. Ele também foi comparado como aquele que come um mellotron. Tão estranho pareceu ao público sua maneira experimental aventureira de cantar e construir uma obra tão acústica. Mellotron, hammond e harpa de sintetizador estão aqui, mas nunca muito alto, nunca sombreando vocais e instrumentos acústicos. Alan Sorrenti também é comparado a Tim Buckley pelas harmonias vocais estendidas. É uma experiência agradável enriquecida pela maravilhosa contribuição de Jean-Luc Ponty no violino no épico autointitulado. Uma atuação memorável! As letras também são excelentes e poéticas, com um imaginário onírico e fantástico de amor, perdido e (quase) inalcançável. O segundo lado apresenta quatro melodias mais curtas ainda de alto padrão de qualidade. "Vorrei Incontarti" tem a sua contribuição mais melancólica para o mundo. Fantástica! Uma melodia mais simples, mas intimista, educada e relaxante como poucas realmente são, e as outras faixas valem a pena serem ouvidas, mas, não são para os amantes do Prog mainstream...

Faixas:
01. Aria (19:49)
02. Vorrei Incontrarti (4:58)
03. La Mia Mente (7:36)
04. Un Fiume Tranquillo (8:01)

Músicos:
- Alan Sorrenti / vocals and acoustic guitar
- Antonio Esposito / drums and percussions
- Vittorio Nazzaro / bass guitar and lead classic guitar
- Albert Prince / organ hammond, accordion, mellotron, synth harp
- Tony Bonfilis / bow bass
- Jean Costa / trombone
- André Lajdi / trumpet
- Martin Paratore / spanish dancer
Guest musician:
- Jean Luc Ponty / violin (1)




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