Há 22 anos, em 5 de junho de 2003, o Metallica lançava St. Anger, oitavo álbum de estúdio da banda americana.
Foi o último disco de Metallica lançado através Elektra Records e com a colaboração final entre a banda e produtor de longa data Bob Rock, com quem haviam trabalhado desde 1990. Este é o único álbum da banda que não apresenta um baixista oficial, pois Jason Newsted deixou o Metallica antes das sessões de gravação -- Rock tocou as partes baixas do álbum em seu lugar, com o baixista Robert Trujillo entrando na banda somente após o fim das gravações.
As sessões começaram em 23 de abril de 2001, mas foram adiadas quando James Hetfield entrou na reabilitação para alcoolismo, entre outros vícios, e as gravações não foram retomadas até 2002 -- todo o processo de desenvolvimento do projeto é tema do documentário Metallica: Some Kind Of Monster (2004). Com grande influência do new metal , produção crua e sem solos de guitarra, St. Anger rompeu com o estilo de assinatura do Metallica. A arte de capa foi criada pelo colaborador frequente do Metallica, Pushead.
O lançamento de St. Anger estava previsto para o dia 10 de junho de 2003, mas foi adiantado em cinco dias devido a preocupações com a distribuição não licenciada dos arquivos na internet por meio de sites como a Napster. Apesar das críticas, estreou em #1 nas paradas de 14 países, incluindo nos Estados Unidos. Após o lançamento, o Metallica passou dois anos em turnê para promover o álbum. Em 2004, o single principal, "St. Anger", ganhou um Grammy de Melhor Performance de Metal. Até hoje, o álbum vendeu quase 6 milhões de cópias ao redor do mundo.
Há 31 anos, em 6 de junho de 1994, Vangelis lançava Blade Runner: Original Motion Picture Soundtrack, trilha sonora do artista grego para o filme Blade Runner.
Dirigido pelo cineasta britânico Ridley Scott, o longa Blade Runner chegou aos cinemas em 1982 apresentando uma distopia futurista que inspirou muitas outras obras. Sua trilha sonora, composta por Vangelis, evoca o futurismo sombrio do filme com um som emotivo baseado em sintetizador, inspirando-se nas partituras de jazz do clássico filme noir, bem como na textura do Oriente Médio e em elementos neoclássicos. Em 1983, a trilha sonora foi indicada ao BAFTA e ao Globo de Ouro como melhor trilha sonora original.
O lançamento oficial da trilha sonora de Blade Runner, porém, foi adiado por mais de uma década após uma versão orquestral, lançada em 1982 pela New American Orchestra, ter sido rejeitada tanto pelo músico grego quanto por Ridley Scott. O primeiro lançamento de 1994, por sua vez, omitiu grande parte da trilha sonora de Blade Runner e incluiu composições não utilizadas no filme. Somente uma edição de 25 anos lançada em 2007 incluiu mais material inédito e um disco com novas músicas inspiradas no filme.
Lançado pelos selos da East West na Europa e Atlantic nos Estados Unidos, Blade Runner: Original Motion Picture Soundtrack foi aclamada como um trabalho influente na história da música eletrônica e um dos melhores trabalhos de Vangelis. De qualquer forma, várias gravações piratas contendo versões mais abrangentes da partitura, bem como qualidade de som superior ao lançamento original de 1994, circularam amplamente.
Há 25 anos, em 6 de junho de 2000, o Queens of the Stone Age lançava Rated R, segundo álbum de estúdio da banda americana.
O trabalho mistura stoner rock, alternativo e metal e contém inúmeras referências a drogas e álcool. Apresenta a estreia do baixista Nick Oliveri e do vocalista Mark Lanegan, que também contribuíram com composições. Dois singles foram lançados do álbum: "The Lost Art Of Keeping A Secret" e "Feel Good Hit Of The Summer", com o primeiro ajudando a banda a alcançar certa popularidade nos Estados Unidos.
Rated R teve um modesto desempenho comercial: não chegou ao Billboard 200, principal parada americana, atingindo o #16 na parada de Heatseekers, com artistas novos. Foi o álbum de estreia do Queens Of The Stone Age no Reino Unido, atingindo o #54 na parada britânica. A versão em vinil do álbum foi lançada com o nome de Rated X e troca a cor azul da capa por vermelho.
Há 20 anos, em 6 de junho de 2005, o Avenged Sevenfold lançava City Of Evil, terceiro álbum de estúdio da banda americana.
O marcou uma virada significativa na carreira do grupo, afastando-se do metalcore e aproximando-se de uma sonoridade mais voltada ao heavy metal tradicional e ao hard rock. Com produção de Andrew Murdock junto com a própria banda, o álbum foi gravado no Capitol Studios e nos Conway Recording Studios, ambos em Los Angeles, durante o segundo semestre de 2004.
Com um desenvolvimento cuidadoso, City Of Evil adotou uma abordagem épica e melodiosa, com influências claras de bandas como Iron Maiden, Guns N’ Roses e Metallica. Suas composições se afastam do gutural e abraçam vocais limpos, solos virtuosos e arranjos complexos. As letras transitam entre temas como corrupção, redenção, morte e crítica social, sempre com um tom dramático e grandioso.
Entre os singles mais notáveis estão “Bat Country”, “Beast And The Harlot” e “Seize The Day”. Por sua vez, a capa do álbum, que mostra a mascote Deathbat com uma espada cravada em um trono de ossos, representa o lado sombrio e mítico da sonoridade proposta, além de reforçar a identidade visual marcante da banda.
Lançado pela Warner Bros. Records, City Of Evil foi bem recebido pela crítica, que reconheceu a ousadia da banda em reinventar sua estética sonora. Comercialmente, o disco foi um sucesso, alcançando a posição #30 na Billboard 200 e vendendo mais de 2,5 milhões de cópias mundialmente, com certificações de platina nos Estados Unidos. O álbum consolidou o Avenged Sevenfold como um dos principais nomes da nova geração do heavy metal, sendo frequentemente citado como responsável por introduzir o gênero a uma nova audiência e por revitalizar o metal melódico no século XXI.
Há 14 anos, em 6 de junho de 2011, o Arctic Monkeys lançava Suck It And See, quarto álbum de estúdio da banda britânica.
Gravado nos estúdios Sound City, em Los Angeles, sob produção de James Ford, o trabalho rompeu com o som carregado do álbum anterior do grupo, Humbug (2009), ao preferir um som mais orgânico: a maior parte do material foi gravada ao vivo, após muitos ensaios, com pouco uso de overdubs.
Esteticamente, foi uma tentativa da banda em soar mais vintage, o que também se reflete nos temas das canções. O álbum trouxe quatro singles: "Don't Sit Down 'Cause I've Moved Your Chair", "The Hellcat Spangled Shalalala", "Suck It And See" e "Black Treacle". O título do trabalho ("chupe e veja"), no entanto, foi censurado em alguns países, inclusive nos Estados Unidos, originando-se de uma expressão britânica que significa algo como "tentar algo novo".
Suck It And See estreou em #1 no Reino Unido, entrando no top 10 das paradas de mais 15 países -- chegou ao #14 nos Estados Unidos. O álbum recebeu majoritariamente avaliações positivas da crítica, embora sua capa -- em creme minimalistas inspirada no White Album (1968), dos Beatles -- tenha sido considerada por alguns veículos como uma das piores da história.
Há 11 anos, em 6 de junho de 2014, o RIVAL SONS lançava Great Western Valkyrie, quarto álbum de estúdio da banda americana.
Primeiro trabalho com o baixista Dave Beste, mostra a banda explorando suas influências do hard rock e do blues rock das décadas de 1960 e 1970. O álbum gerou três singles: "Electric Man", "Open My Eyes" e "Good Things". Para promover o disco, a banda fez uma turnê pela Europa e América do Norte com participações em festivais de música e talk shows.
Great Western Valkyrie recebeu críticas bastante positivas, destacando a evolução da banda, embora tenha um desempenho comercial bastante restrito: o álbum não entrou na Billboard 200, nos Estados Unidos, mas chegou ao top 40 de diversos países europeus -- #14 no Reino Unido.
“You And I”, de Rick James, é a jam de festa definitiva. A faixa está cheia de energia, atitude e FUNK. E 37 anos após seu lançamento original, ela ainda me deixa animado e em clima de festa sempre que a ouço. É um sucesso absoluto de balada. O groove dinâmico e de alta octanagem te acerta em cheio no sacroilíaco. E os instrumentos de sopro estão a todo vapor. Essa faixa me faz sentir saudades dos dias em que muitos artistas de música popular tinham músicos de sopro de verdade em suas bandas.
O groove explosivo também ostenta uma linha de baixo irresistível e de tirar o fôlego, um clavinete funky e licks de guitarra perversos; e o guitarrista Freddy Rapillo entrega um solo de guitarra suave e jazzístico. James traz seu charme impetuoso patenteado para sua performance vocal comovente. Além disso, as backing vocals femininas ajudam a adoçar o groove. Esta é uma daquelas faixas que soa melhor no máximo — seja no seu carro, na balada ou na sua sala de estar.
“You And I” foi escrita e arranjada por James. Foi o primeiro single de seu álbum de estreia duplo-platina Come Get It! (1978). A canção passou duas semanas no topo da parada de singles de R&B dos EUA e alcançou a posição #13 nas paradas pop; e subiu para #3 na parada de dance dos EUA. O segundo single do álbum, "Mary Jane", também teve um bom desempenho nas paradas, alcançando #3 na parada de singles de R&B dos EUA e #41 na parada de singles pop. A coleção, que foi lançada pela sub-gravadora da Motown, Gordy Records, chegou ao #3 na parada de álbuns de R&B dos EUA e #13 na parada de álbuns pop.
James escreveu e compôs todas as músicas de Come Get It!, exceto "Mary Jane", que ele coescreveu com o tecladista Billy Nunn. James coproduziu o álbum com o produtor e engenheiro de som da Motown, Art Stewart. A formação da Stone City Band para Come Get It! foi Billy Nunn (teclados, vocais de apoio), Freddy Rapillo (guitarra), Andy Rapillo (baixo), Bobby Nunn (teclados, vocais de apoio), Richard Shaw (baixo, vocais de apoio), Lorenzo Shaw (bateria), Mike Caputy (bateria), Sascha Rose (vocais de apoio); Levi e Jackie Ruffin (vocais de apoio), Vanessa Brooks Nunn (vocais de apoio), e os instrumentos de sopro foram fornecidos por Michael e Randy Brecker, sax e trompete, respectivamente.
O álbum lançou com sucesso a carreira solo de James e o colocou firmemente no mapa da cena musical popular. Ele lançou vários outros grandes sucessos de funk e R&B, incluindo o sucesso crossover "Super Freak". Fora do estúdio, James se destacou no palco como um artista ao vivo carismático e emocionante; e ele eventualmente se tornou um dos maiores nomes do funk. O falecido músico/intérprete provavelmente era conhecido tanto por sua personalidade de bad boy quanto por sua música.
Malina Moye é uma das artistas em ascensão mais dinâmicas da cena musical atual. A talentosa guitarrista vem impressionando as pessoas com sua considerável destreza no braço da guitarra e habilidades prodigiosas como artista ao vivo. O som de Moye é uma fusão potente de funk e rock. E além de suas impressionantes habilidades de guitarra, a nativa de Cleveland, Ohio, também é uma cantora e compositora talentosa.
Em outubro do ano passado, Moye lançou seu último EP Rock & Roll Baby , que é uma maravilhosa coleção de seis músicas de funk, rock e soul. Seu primeiro single, "K-yotic", apresenta o lendário mestre do funk Bootsy Collins. A música é uma fatia irresistível de funk-rock, com Bootsy trazendo seu charme pateta característico à mistura. A música estreou em #5 na parada Billboard Twitter 140 e em #11 na parada de vendas Hot Singles da Billboard . E o álbum desembarcou no Heat Seekers da Billboard
. E em fevereiro, Moye lançou o segundo single do EP, "Are You The One", que é uma balada R&B/rock soberba. Outra ótima faixa é a feroz funk-rocker "Run Free", na qual ela se solta com alguns fogos de artifício deslumbrantes no braço da guitarra. Além disso, Rock & Roll Baby ostenta um cover fantástico da música "Foxey Lady", de Jimi Hendrix. Moye entrega uma performance de guitarra arrebatadora neste clássico do rock.
E a musicista recrutou alguns talentos de primeira linha para seu disco. A baixista Rhonda Smith tocou em "K-yotic", e o ás do estúdio Alex Al deu o baixo para o corte hard rock "A Little Rough". E o famoso baterista do P-Funk e James Brown, Frankie "Kash" Waddy, tocou em "K-yotic". Ele também apareceu no vídeo da música junto com o colega do P-Funk, Bootsy.
A estrela de Moye tem crescido constantemente nos últimos anos. Ela vem recebendo o amor de muitos fãs de música ao redor do mundo, e uma série de publicações musicais notáveis a têm enchido de elogios. A revista Guitar World a elogiou como uma das "10 guitarristas que você deveria conhecer" e descreveu Rock & Roll Baby como "insanamente boa". E a revista Billboard chamou a colaboração de Moye com Boosty de "explosiva" e escreveu o seguinte sobre ela: "Se Moye conseguir o que quer, ela inaugurará um renascimento do funk, rock e R&B na música mainstream". Em janeiro, Moye estampou a capa da revista Gitar Plus , que a aclamou como a "Rainha do Funk Rock".
E além de gravar, Moye tem arrasado no palco. Ela é uma artista ao vivo carismática que sabe como cativar o público. Suas apresentações ao vivo também são marcadas por seu estilo de tocar não convencional; ela toca com a mão esquerda e dedilha de cabeça para baixo. A guitarrista tem uma Fender Stratocaster especial feita sob medida para se adequar ao seu estilo único de tocar.
Uma das notáveis saídas de concerto de Moye foi sua participação na Experience Hendrix Tour em 2012 e novamente em 2014, que prestou homenagem ao falecido gênio da guitarra. Como artista nessas turnês, ela teve a oportunidade de tocar ao lado de aclamados guitarristas como Buddy Guy, Jonny Lang, Kenny Wayne Shepherd, Eric Gales, Zakk Wylde e Robert Randolph. E Moye foi a única guitarrista convidada para se apresentar na turnê de 2012.
Ela também se apresentou no show tributo ao Rock and Roll Hall of Fame para Chuck Berry naquele mesmo ano. E ela teve o privilégio de tocar "God Save the Queen" na guitarra no mundialmente famoso Goodwood Festival of Speed em homenagem ao jubileu de 60 anos da Rainha da Inglaterra.
E em 2010, Moye tocou uma interpretação emocionante do Hino Nacional na guitarra no jogo esgotado Vikings/Cowboys na frente de 65.000 pessoas. Ela foi a primeira mulher afro-americana a tocar o Hino Nacional na guitarra elétrica em um evento esportivo profissional. E no ano passado, ela apresentou sua faixa "A Little Rough" no The Arsenio Hall Show . Além disso, Moye fez turnês com vários artistas famosos, incluindo Robin Thicke, Boyz II Men, Journey e Lyfe Jennings.
E além de ser uma grande musicista e performer, Moye é uma empreendedora de sucesso. Ela fundou sua própria gravadora em 2004, chamada WCE Records, e lançou seu álbum de estreia aclamado pela crítica, Diamonds & Guitars (2009), pela gravadora. E ela é a primeira guitarrista canhota afro-americana a se juntar à estimada lista de patrocinadores da Fender Guitars, que inclui Eric Clapton e John Mayer.
Em 2013, Moye e sua gravadora, WCE Records, assinaram um acordo global de distribuição e parceria de marketing com o Brody Distribution Group, distribuído pela Red (uma divisão da Sony Corporation). Seu último EP, Rock & Roll Baby , foi lançado sob esta nova parceria.
Moye está conquistando seu próprio nicho no cenário musical com uma combinação vencedora de talento, estilo, garra e perspicácia para os negócios. A multitalentosa musicista/empreendedora é uma nova voz empolgante na cena musical e, sem dúvida, inspirou legiões de meninas e jovens a considerarem uma carreira na música — especialmente como guitarristas incríveis.
Vídeo de "K-yotic"
Apresentando a música original "Hustler's Blues" ao vivo
A banda de R&B/funk/jazz Pleasure é amplamente conhecida por seu clássico funk com baixo, "Glide". A faixa é adorada por fãs de funk e baixistas. No entanto, a banda criada em Portland, Oregon, gravou uma série de outras faixas estelares que mal são tocadas atualmente. "Glide" meio que ofusca o resto da obra da banda, o que é uma pena, pois preciosidades como "Space Is the Place Place" costumam ser esquecidas.
Não confundir com a composição homônima do inovador do jazz de vanguarda Sun Ra, "Space Is the Place", do Pleasure, é um groove contagiantemente funk. A faixa transborda funk e soul. E a musicalidade é impecável. O trabalho de baixo de Nathaniel Phillips é suave, fluido e muito funk. O guitarrista Douglas Lewis oferece um pouco de funk no braço da guitarra, incluindo um solo ardente. O arranjo vocal bacana tem um toque antigo de Earth, Wind & Fire, com o vocalista Sherman Davis entregando uma performance vocal forte e cheia de soul. O falecido e grande Bruce Carter trabalha sua mágica rítmica na bateria.
A música tem uma mensagem positiva sobre encontrar paz interior através do transporte mental da negatividade do mundo e da descoberta de um novo espaço : "Em busca de um groove externo/Você não precisa se mover/Você encontrará um lugar."
"Space Is The Place" é uma faixa do quinto álbum do Pleasure, Future Now , lançado em 1979. A música foi escrita por Nathaniel Phillips e pelo percussionista Bruce Smith. O álbum também contém o maior sucesso da banda, "Glide". Há também vários outros cortes fortes nesta impressionante coleção.
A formação do Pleasure , quando gravaram Future Now, era a seguinte: Nathaniel Phillips (baixo, vocais); Bruce Carter (bateria); Donald Hepburn (teclados, vocais); Marlon "The Magician" McClain (guitarra, vocais de apoio); Bruce Smith (percussão, backing vocals); Dennis Springer (saxofone tenor); Sherman Davis (vocal principal, backing vocals); Michael Hepburn (teclados, vocais); e Tony Collins (trompete, flugelhorn). E o guitarrista Douglas Lewis, que tocou em "Space Is The Place" e "Universal", se tornaria oficialmente membro da banda no álbum seguinte do Pleasure, " Special Things" (1980).
A atração principal era o Guns N' Roses , para uma reunião que certamente seria muito lucrativa. Mas quem abriu para a banda foi o Generation Sex . Com um nome desses, era de se esperar uma apresentação libidinosa. Mas não. É uma contração de Generation X e Sex Pistols .
Um quarto atrasado, Billy Idol e Tony James , respectivamente vocalista e baixista do Gen X , Paul Cook e Steve Jones , baterista e guitarrista dos Sex Pistols , irromperam no palco . Logicamente, deveria ser uma explosão. E é. Billy Idol , 67 anos, com nougat, todo sorrisos, magro, ele ainda parece bem, seu cabelo ainda escovado e seus lábios sedutores como Elvis. Tony James é bastante magro, com uma cabeleira grisalha e Ray Bans. Atrás de sua bateria que ele martela como um selvagem, Paul Cook está suando profusamente, suas rugas mais profundas que o Grand Canyon. Steve Jones , ostentando uma camiseta flocada com a falecida Elizabeth II, tem um tamanho de barriga igual aos outros três juntos.
O telão atrás do palco exibe imagens de arquivo dos palhaços de meados dos anos 70. Vemo-los jovens e imprudentes, tendo que ousar confrontar a própria imagem. Finalmente, havia um futuro. Abriram com "Pretty Vacant", dos Pistols , e em uma hora de show, despejaram 13 músicas, alternando entre os dois repertórios. Billy Idol não cantou músicas de sua carreira solo, embora tenha uma bela coleção de sucessos.
O som é imundo pra caramba, com um pouco de eco na voz, uma guitarra muito avançada, mal conseguimos ouvir Tony James , que, aliás, só toca em uma corda. Tivemos direito a um corte do som, deixando os caras tocando no vazio (ninguém os avisou?), o que não pareceu incomodá-los! Eles já viram outras. Tivemos "Ready steady go" , "Dancing with myself" , "Silly things" , a essencial "God save the Queen" , Steve Jones toma a palavra para evocar seu amigo Sid Vicious antes de tocar "My Way ".
Billy Idol estava visivelmente encantado por estar ali, falando com a plateia, andando de um lado para o outro do palco, mas como o Generation Sex era apenas uma banda de abertura, a logística era mínima, apenas o meio do palco estava iluminado, sem holofotes, deixando o cantor nas sombras a maior parte do tempo. É quase um escândalo. Mas os caras deram tudo de si e o público retribuiu. Esses caras são verdadeiros heróis, se recuperaram de tudo, ainda acreditam nisso e acreditarão até o último suspiro.
Mudança de cenário. Vinte roddies trocam de equipamento, um cara aspira o palco. Propaganda subliminar da Dyson? Às 19h45, o Guns sobe ao palco. Eles só vão sair daqui a 3,5 horas.
Axl Rose tem cabelo curto, um loiro nada original. Slash parece mumificado no tempo, espelho Ray-Ban, cartola improvisada e cachos castanhos. O mesmo cabeleireiro de Brian May ? Muitas vezes filmado de um ângulo baixo para realmente apreciar o queixo triplo. Duff McKagan, hiperclasse no baixo, com um colete estampado com "Generation Sex", pegará o microfone para um cover de "TV Eyes" dos Stooges, enquanto Axl trocará de camiseta, usando cerca de dez diferentes durante o show. Richard Fortus toca a segunda guitarra, clone de Ron Wood , os mesmos gestos, tocando com as pernas dobradas, quase bunda no chão, cabelos negros.
E nas sombras ao fundo do palco, como se estivessem acometidos por uma praga, Franck Ferrer na bateria (que faz um bom trabalho, sóbrio), Dizzy Reed nos teclados e Melissa Reese nos sintetizadores e backing vocals. Com exceção de duas faixas, não ouviremos nada dos teclados (piano e órgão Hammond), que estão totalmente submixados. No final, os rodies preparam um piano de cauda para Axl em "November Rain" , belíssimo.
O Guns fará uma revisão de sua discografia, com o primeiro clímax em "Welcome to the jungle" e alguns covers como "Live and let die" do Wings (grande ovação), "Down on the farm" do UK Subs e "Wichita Lineman" de Jimmy Webb . No final de "Civil War" , com a bandeira ucraniana ao fundo, Slash soltará o riff de "Woodoo Child" . E em "Rocket Queen" , ele fará o truque da caixa de diálogo, sempre um efeito impressionante para quem não conhece "Do you feel like we do" de Peter Frampton. Slash , que é a estrela da noite em termos de aplausos, leva 95% do refrão. No entanto, Richard Fortus me pareceu mais inspirado, com apenas três refrões, mas perfeitamente construídos, cheios de nuances (os dois guitarristas brigam em "Knockin' on heaven's door" ), quando Slash muitas vezes se fecha em pura virtuosidade técnica, no exagero da velocidade, como em seu momento "Solo" , que lembra "Boogie chillum" de Freddy King , sem o swing, que beira a demonstração inútil.
Axl Rose tenta correr de uma ponta a outra do palco, rodopiando como um dervixe, sem parecer sem fôlego, lança alguns sorrisos sarcásticos, fala pouco. Mas ele manteve o balanço dos quadris, seus olhares insolentes, é bonito de ver. No entanto, ficamos surpresos com a falta de cumplicidade entre os músicos, cada um parece estar tocando em seu canto, uma impressão reforçada pelas duas telas verticais (que ideia!) cujo formato só permite enquadrar um músico por vez. Obviamente, há uma disputa de longa data entre Axl e Slash . A única vez durante o show em que o primeiro dá um tapinha no ombro do segundo, parece ser interpretada como uma intrusão em seu espaço, tipo, o que diabos você está fazendo aqui, cara?
Axl Rose canta em três registros vocais, o baixo é impecável, ele ainda consegue gritar bastante, mas tudo o que é voz de cabeça (50% do repertório) sentimos que é muito doloroso, ele não consegue mais fazer isso, no título "Coma" , bem no final, foi quase patético, chegou a ser constrangedor. Depois de três horas, o grupo parece exausto, os músicos não têm mais fé, sentimos que se forçam, por desafio, orgulho, mas a dinâmica não está mais lá. Uma dinâmica infelizmente sobrecarregada por longos intervalos entre cada título, as luzes se apagam e depois voltam. Apenas a tela central permanece acesa para transmitir clipes animados, esse tipo de decoro não é realmente a minha praia, prefiro ver o grupo interagir. Todos esperam "Paradise City" terminar e ir para casa.
O repertório calibrado avança como uma escavadeira , o bom e velho rock pesado intercalado com baladas poderosas (e duas faixas acústicas, incluindo a belíssima "Patience" ). O grupo não hesita em estender o molho – muitas citações , na introdução, na coda – várias peças passam alegremente o quarto de hora, guitarras à vontade. Eu teria apreciado alguns covers de rock antigo ou blues. A performance do Guns , embora tecnicamente impecável, deixa um gosto residual de inacabado. Slash passa o primeiro terço do show mecanicamente entregando seus solos, sozinho no fundo do palco, em seu canto, e só consegue esboçar um sorriso quando os outros saem do palco – ele termina com uma pirueta nas mãos.
Um show de rock é sobre música, mas também, e acima de tudo, sobre uma atmosfera, um espírito. Espírito, você está aí?
