Apple Jam: 2 great Albums and a fantastic EP : 'Off The Beatle Track' , 'Off the White Album', 'On The Wings Of A Nightingale' EP

 

Fora da trilha dos Beatles'Off the Beatle Track' apresenta recriações autênticas e afetuosas em Merseybeat de 14 faixas que John Lennon e Paul McCartney escreveram durante os primeiros anos dos Beatles e que foram repassadas a outros artistas britânicos ou nunca lançadas oficialmente pelos Fab Four durante os anos 60. (Há também uma música escrita por George Harrison aqui que foi demo em 1964, mas que permaneceu inédita até o álbum Anthology 1, de 1995.)Apple Jam é um quinteto de Seattle, Washington, que domina o som dos primeiros Beatles e utilizou equipamentos dos anos 60 para compor esta coleção reverente. Da versão Buddy Holly de "I'll Be On My Way" (lançada em 1963 por Billy J. Kramer e os Dakotas) e a versão "And I Love Her" de "A World Without Love" (que ficou famosa com Peter e Gordon), passando por números menos conhecidos como "Tip of My Tongue" e "One and One is Two", o disco é mais uma prova da magia da composição de Lennon e McCartney. Como bônus, a faixa de Harrison, "You Know What to Do", soa fantástica, toda trabalhada com o estilo vibrante da guitarra de Carl Perkins, que George usou com tanto sucesso de 63 a 65.As interpretações estelares da Apple Jam dessas músicas e de outras preciosidades há muito perdidas (como "From a Window", "I'll Keep You Satisfied" e "Nobody I Know") que os Beatles ofereceram fazem Off the Beatle Track soar como um álbum dos Fab Four, de 1965, há muito perdido. E enquanto outros artistas de lugares tão distantes como Espanha (Sgt. Pepper's Band), Reino Unido (Revolver) e Austrália (The Beatnix) tentaram um álbum semelhante com muitas das mesmas músicas, as interpretações da Apple Jam são mais atuais e estilisticamente mais variadas, tornando Off the Beatle Track um discozinho realmente bacana. Os fãs dos Beatles definitivamente vão querer conferir este. (Disponível em www.offthebeatletrack.com)- John M. Borack Nota: ****1/2

Crítica do álbum Apple Jam - Off The White

Nas asas de um rouxinol:

O EP inclui duas músicas: "On The Wings Of A Nightingale", escrita por Paul McCartney, e "Help Me To Help Myself", de John Lennon. As músicas foram gravadas em diversas versões, com a ideia de como teriam soado em épocas diferentes.

Além disso, há uma faixa bônus chamada "Instant Karma". No entanto, a música não consta na capa.

Ich gebe beiden Alben und auch der EP 🌟🌟🌟🌟🌟.

Eu fui fascinante davon, como a banda que foi criada pelos Beatles com as músicas e sua própria criatividade annäherte e um som criado, der eine Vorstellung davon vermittelt, wie es hätte klingen können. É mais fácil do que uma música ser pequena para copiar, com o Ziel, como o original para klingen.

Wer mais über die Band wissen möchte, einfach im Netz suchen, da finden sich Fakten zur Band. No EP tocado por Alan White (der früher schon auf verschiedenen Projekten der Beatles Musiker spielte) nas músicas vier und fun, sowie ich glaube ebenfalls auf ''Instant Karma''. Viel Spaß (Frank)

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Classic Psychedelic Rock & Pop Album: Pink Floyd - The Piper at the Gates of Dawn 1967

 

E se fosse independente, sem nenhuma outra versão do álbum disponível, poderia ser recomendado sem hesitação — as versões originais estéreo e mono sem edição do álbum (esta última totalmente nova em CD) receberam transferências digitais de última geração, e essas duas mixagens são diferentes o suficiente para que valha a pena ouvi-las. Os equilíbrios dos instrumentos em várias músicas às vezes são radicalmente diferentes. 

E fica claro que houve muitas ideias testadas na mixagem mono (que foi feita primeiro) que não chegaram à mixagem estéreo, além de outras ideias que eram exclusivas da versão estéreo. O único problema com este conjunto de dois CDs é que ele se destaca nitidamente na sombra de um Piper at the Gates of Dawn [Edição Deluxe com 3 CDs], mais caro e ambicioso, que inclui um par de outtakes, além dos cinco lados de singles lançados pela banda em 1967.

E qualquer pessoa interessada nas mixagens estéreo e mono de Piper seria quase certamente um público natural para aquele terceiro CD de material. Portanto, a maioria dos fãs do Floyd que comprariam este conjunto de CDs duplos deveria simplesmente ignorar a oferta e optar pelo conjunto de três discos.

Colagem de Syd Barrett 1965

Este último vem em um belo formato de livro de capa dura e oferece aos fãs do Pink Floyd inicial a chance de fazer algo pela primeira vez na era do CD (e pela primeira vez desde 1967 e talvez 1968) — mergulhar no som do Pink Floyd da era Syd Barrett. Isso inclui não apenas as mixagens estéreo e mono do álbum em dois discos digitais separados,

Colagem de Syd Barrett 1965

mas também os três primeiros singles da banda, além de duas versões alternativas inéditas (uma "versão alternativa" de "Matilda Mother" e "Take 6" de "Interstellar Overdrive"), além de um encarte reproduzindo a arte de colagem de Syd Barrett de 1965. É assim que se ouve este material — este conjunto de discos duplos deve ser deixado para os fãs neófitos tímidos que, se tiverem ouvidos, logo desejarão fazer o upgrade para o conjunto triplo. (Bruce Eder, allmusic.com)

Sou um grande fã de "Piper" e você não deveria compará-lo a outros álbuns do PF, simplesmente porque não é possível. Para mim, é único. E não apenas no universo do PF, mas em toda a história da música em geral. Seis estrelas de cinco para o disco estéreo e mono, e também para o terceiro disco. Aproveite! (Frank)

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70's Power Pop/Pop Rock: We All Together - Singles 1973-74

A banda peruana We All Together, embora desconhecida além de um núcleo de cultistas, esteve entre os principais expoentes do pop/rock beatlesiano no início dos anos 70. Liderados pelo cantor e compositor frequente Carlos Guerrero, que (junto com outros membros) havia participado da banda de rock peruana Laghonia, eles lançaram dois álbuns (com vocais em inglês) na primeira metade dos anos 70. Estes foram inspirados no lado mais leve dos Beatles do final dos anos 60, particularmente nas harmonias vocais, melodias e arranjos sofisticados que mesclavam teclados, violões e guitarras elétricas de forma graciosa.

Embora a influência de Lennon, McCartney e, por sinal, de Harrison, apareça na obra do We All Together, eles tinham mais afinidade com o melodismo envolvente de McCartney, a ponto de fazer covers de algumas de suas primeiras canções solo obscuras. Em seu segundo álbum, eles também recorreram a alguns riffs de rock progressivo britânico, embora a pegada dos Beatles permanecesse dominante. 

Com exceção do Badfinger, eles podem ter sido a melhor banda de sua época a tocar em um estilo assumidamente beatlesco. Seus álbuns, antes quase impossíveis de encontrar no Hemisfério Norte, foram relançados nos EUA no final dos anos 90. (Richie Unterberger, allmusic.com)

A coletânea Singles, de 2007, reúne as 13 faixas que nunca apareceram nos dois álbuns propriamente ditos do We All Together. Essa descrição sugere que Singles contém uma grande quantidade de material raro, o que não é bem verdade: os dois LPs foram relançados em CD e agraciados com faixas bônus que, por acaso, foram retiradas desses singles, então todas, exceto algumas, devem ser familiares aos fãs. Felizmente, essas poucas faixas — ao contrário dos álbuns propriamente ditos,

Essas faixas raras são em sua maioria em espanhol, com "We Live Too Fast" sendo a única em inglês — mantendo os altos padrões do grupo, oferecendo evocações maravilhosas de Paul McCartney e Badfinger. É o suficiente para os devotos entenderem, mas qualquer um que ainda não se apaixonou por We All Together encontrará nesta faixa uma boa introdução aos seus encantos. (ST Erlewine, allmusic.com)

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'60s Beat/Pop/Pop Rock/Psychedelic Pop: Tages - Studio 1967

 

O Tages estava mais bem equipado do que a maioria das outras bandas escandinavas para acompanhar os tempos após o declínio da era beat, considerando que, ao contrário da maioria dessas bandas, às vezes soava bem próximo de um grupo britânico de meados dos anos 60. Considerando a habilidade com que absorveram os estilos da Invasão Britânica, não é surpreendente que o álbum "Studio", de 1967, os mostre entrando em um pop psicodélico muito mais florido.

Com vários toques ornamentados na produção, caprichos saltitantes em grande parte da composição e toques de soul e orquestração nos arranjos. Talvez seja uma prova de que a psicodelia britânica de 1967 era mais difícil de assimilar e copiar do que o Merseybeat ou o mod, mas, embora este seja um conjunto de músicas cuidadosamente produzido e ambicioso, o material em si simplesmente não está à altura da provável inspiração. Nenhuma das músicas é ótima ou ruim; são apenas exemplos medianos de abordagens que estavam na moda, embora um toque de mod rock marcante tenha permanecido em "It's My Life". 

Mais típicas eram as faixas animadas em andamento médio, que soavam como equivalentes em áudio aos passeios agradáveis ​​de turistas descolados por Londres, sendo "People Without Faces", com orquestração barroca, uma das melhores. "It's in a Dream" lembra um pouco o Zombies do final da era, com sua combinação de teclados habilidosos com toques clássicos e pop/rock harmonizado, embora não esteja à altura de Odessey e Oracle. 

Não se pode criticar a habilidade na inserção de alguns truques de produção da época, como a guitarra psicodélica distorcida que dá lugar a sons renascentistas, harmonias nebulosas, toques de teclado e bipes invertidos em "Seeing with Love". Certamente, a faixa mais estranha é "She Is a Man", e não apenas em relação às guitarras invertidas, ecos psicodélicos e interrupção instrumental da conversa ambiente; certamente parece ser um retrato de um travesti, ainda que bastante confuso, três anos antes de "Lola", dos Kinks. (Richie Unterberger, allmusic.com)

Esta revisão de Richie Unterberger verwirrt mich etwas, muß ich zugeben. Nem um pouco de outro Meinung in Bezug nas músicas musicais do álbum habe, sondern weil mich seine Aussagen bezüglich de Songs ''She Is a Man'' doch ziemlich ratlos zurücklassen. Im besonderen der letzte Satz. Aber vielleicht liegt es auch an meinen 'Englisch' Kenntnissen. Wie auch immer: Vier Sterne für das Album von fünf möglichen. Viel Spaß!(Frank)

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DISCOS QUE DEVE OUVIR - Underdog - Rabies In Town 1984 (Germany, Heavy Metal)

 

Artista: Underdog De: Alemanha Álbum: Rabies In Town Ano de lançamento: 1984 Gênero: Heavy Metal Duração: 37:40 Tracks: 01. Nightmares (Bernard Leinweber, Mike Linster, Randy Engels) - 3:47 02. Needin' Your Love (Ritch Reinhold, Mike Linster, Randy Engels) - 4:06 03. Rabies In Town (Helmut Guegel, Angos Tura) - 3:42 04. I Do It (Mike Linster, Randy Engels) - 4:08 05. Under My Wheels (Michael Bruce, Dennis Dunaway, Bob Ezrin) - 2:21 06. Rock It On (Helmut Guegel, Mike Linster, Randy Engels, Angos Tura) - 3:58 07. Hey You (I'm Gonna Tear You Down) (Bernard Leinweber, Mike Linster, Randy Engels) - 4:21 08. We Like Rock 'N' Roll (Randy Engels, Joe Haas, Mike Linster) - 2:39 09. Too Late To Escape (Helmut Guegel, Mike Linster, Randy Engels) - 4:12 10. Goodbye Blue Sky (Helmut Guegel, Mike Linster, Randy Engels) - 4:26 Personnel: - Mike "Spider" Linster - lead vocals - Bernard T. "E.T." Leinweber - guitar - Helmut "Skull" Guegel - guitar - Randy "Eternal" Engels - keyboards - Joe "Van" Haas - bass - Kalla "Animal" Klein - drums + - The Loellettes (Phil Linster, Mikele Kakoko, Oliver Hellwig) - backing vocals - Alex Gietz - producer MUSICA&SOM ☝

Astor Piazzolla - Tango Nuevo: Hora Cero (1986)

 

O maestro Astor Piazzolla retorna ao navio. Desta vez, ele apresenta o que o próprio Astor considerou a melhor obra de sua carreira artística. Juntamente com seu quinteto Tango Nuevo, Piazzolla oferece sete joias originais do tango que mergulham no mundo sombrio da "Hora Zero", que se estende entre a meia-noite e o amanhecer.

Em 1986, Astor Piazzolla já era uma figura de renome mundial. Carregava nos ombros, ora com orgulho, ora com pesar, um peso absurdo: era o maior inovador do tango, o que lhe rendeu inimigos ferozes em sua própria terra e panegíricos incondicionais no exterior, como se cumprisse aquele decreto bíblico de que "ninguém é profeta em sua própria terra". O
marplatense fez com aquela música o que ainda faltava: extrair do tango sua fabulosa riqueza musical, retirando-o da categoria de mero artefato de dança, preservando, ao mesmo tempo, sua essência áspera, suja e malévola.
Seguindo esse objetivo, Astor começou como bandoneonista de Aníbal Pichuco Troilo e terminou nas grandes salas de concerto do mundo, tornando-se aluno de Nadia Boulanger (antes disso, havia sido aluno de Alberto Ginastera) e formando grupos de vários tamanhos e essências. Sim: Astor experimentou trios, quartetos, octetos, nonetos. Com instrumentos puros ou conectado. Com todos eles, ele fez maravilhas. Mas manteve uma preferência: o quinteto, formação com a qual talvez tenha alcançado seus maiores momentos.
É por isso que Tango: Zero Hour é um álbum de maturidade refinada. Lançado quatro anos antes de seu derrame, fez parte de dois álbuns consecutivos que ele gravou com Kip Hanrahan como produtor no selo Nonesuch-American Clavé (o outro, La Camorra, homenageou o início da era do tango).
Este álbum apresenta algumas partituras antigas que Piazzolla aperfeiçoou incansavelmente e outras inéditas e profundas, sem falta de humor e vigor. Ele é acompanhado por uma seleção de músicos que fizeram do período final de Piazzolla uma lenda: Fernando Suárez Paz (violino), Pablo Ziegler (piano), Horacio Malvicino Sr. (guitarra) e Héctor Console (contrabaixo).
O jornalista Fernando González, na capa interna do CD, define com precisão essa formação: "O quinteto já refletia o espírito de seu líder. Este foi um Astor cosmopolita e "erudito e apaixonado, elegante, mas também vigoroso. Às vezes, no contexto de uma única apresentação, Piazzolla e seu grupo podiam sugerir um conjunto de câmara, e outras vezes soar com a potência de uma orquestra de clube de bairro."
O catálogo de Piazzolla é imenso e, felizmente, continua a crescer, acompanhando o prestígio inabalável do músico em todo o mundo. Embora seja difícil ter uma perspectiva completa, não seria surpreendente nomear Tango: Zero Hour como a melhor gravação de Astor entre todas as que ele fez, mesmo acima daquelas com Agri como violinista ou daquelas da década de 1970. O veredito não é caprichoso, é preciso dizer, mas sim responde ao que o próprio Astor Piazzolla pensava e que aparece como epígrafe na contracapa do CD: "Esta é, sem dúvida, a melhor gravação que já fiz em toda a minha vida. Colocamos nossas almas nesta gravação." Palavras de Astor.

Fernando G. Toledo (oidofino.blogspot) 

 

 

Quinteto Tango Nuevo (com Oscar López Ruiz substituindo Horacio Malvicino)

 

 

Membros:

 

Astor Piazzolla: Bandoneon, arranjos
Horacio Malvicino: Guitarra Elétrica
Fernando Suárez Paz: Violino
Pablo Ziegler: Piano
Héctor Console: Contrabaixo 

Tópicos:

01- Tanguedia III
02- Milonga del Ángel
03- Concerto para quinteto
04- Milonga loca
05- Michelangelo '70
06- Contrabajíssimo
07- Mumuki

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Ricardo Soulé - Ricardo Soulé ( 1985)

 

Um álbum um tanto esquecido na discografia de Ricardo Soulé, difícil de encontrar. Refiro-me ao seu terceiro álbum solo, gravado pela gravadora EMI em 1985. Ele é acompanhado por Julio Rodríguez no baixo e Alejandro Pensa na bateria. O álbum inclui músicas como "El tren esta partendo" e "Aunque está de traje y limousine". Rock clássico e baladas, com um certo toque pop dos anos 80, sob a marca inconfundível do grande Soulé.

Pioneiro do rock argentino, Ricardo Soulé iniciou sua paixão pela música aos 6 anos de idade, quando aprendeu a tocar o violino de seu pai. A maior parte de sua carreira se desenvolveu enquanto membro do Vox Dei, entre 1969 e 1981, período em que Soulé participou como compositor de "La Biblia" e de alguns dos álbuns mais importantes do grupo, como "Jeremías Pies de Plomo". Em 1976, iniciou uma breve carreira solo, com o apoio de Carlos Calabro na bateria e Enrique Avellaneda no baixo. Após lançar "Vuelta a casa", retornou com "Vox Dei" até o final de 1981. Após deixar o grupo, retomou sua carreira solo, publicando "Romances de gesta" em 1982 e "Ricardo Soulé" em 1985. Apesar de ser um grande compositor da nossa música, seus álbuns não alcançaram muito sucesso comercial. Em 1991, lançou "Osadía", uma obra gravada na Espanha com acompanhamento de cordas. Somente em 2006 lançou um novo álbum, desta vez gravado ao vivo e intitulado "Soulé en Río Turbio". No final de 2008, Soulé lançou um novo álbum de estúdio chamado "Buddy Middler" com sua banda La Bestia Emplumada, composta por Soulé na guitarra e vocal, seu filho Gabriel Soulé na guitarra e backing vocal, Colautti no baixo e Nable na bateria. Em outubro de 2011, Ricardo, novamente com La Bestia Emplumada, lançou um novo álbum chamado "Dolmen", que conta com a participação especial de Chizzo Nápoli em uma das faixas. Em 2015, Fonocal lançou "Vulgata", seu oitavo álbum solo, indo além do clássico álbum conceitual para se posicionar como autor de um tratado filosófico-teológico em tom rock, abrangendo temas como o Profeta Elias, El Cid e os Caminhos de Santiago.

 

 

Integrantes:

Ricardo Soule: Guitarras, voz
Julio Rodríguez Saavedra: Baixo
Alejandro Pensa: Bateria

Músicas:
01- El tren esta partiendo
02- Dulces ojos claros
03- Madre tierra, vuelvo al vientre
04- Melancolia de estar asi
05- Irrealidades simples
06- El canto de las ballenas
07- El rock del egoista
08- Es un impostor
09- Una vez tendra que ser
10- Aunque este de traje y limousine

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Javier Martinez - Corrientes (1994)

 

Em 1993 Javier Martinez formou uma nova banda, a Javier Martínez Blues Band, acompanhada por Antonio García López no baixo, Carlos Vidal nos teclados, Pino Callejas na guitarra e Enrique Weimann na gaita. Este excelente grupo gravou seu álbum "Corrientes" em 1994, uma canção de rock e blues com letras bem portenhas e uso extensivo de lunfardo.

Javier Martinez: Músico, poeta urbano, boêmio, artista (1946 - 2024)

Javier começou sua carreira musical em La Cueva, o lendário bastião do rock nacional. De lá, ele surgiu como líder do Manal, entre 1967 e 1973. Uma vez dissolvido esse trio histórico, ele se juntou ao La Pesada del Rock and Roll, grupo de Billy Bond, com o qual gravou dois álbuns.
Após se estabelecer em Barcelona, ​​ele retornou ao país para a reunião do Manal em 1980, mas esse projeto durou menos de um ano. No final de 1981, ele iniciou uma carreira solo que o levaria a lançar "Sol del sur" em 1983 e se apresentar no BARock em 1982. Ele retornou à Europa, desta vez se estabelecendo na França. Ele permaneceu lá até seu retorno final em 1987.
Embora o Guinness Book não registre, Martínez detém o recorde mundial de maior tempo na bateria: 41 horas e meia, parando apenas 5 minutos por hora para se alimentar. O evento aconteceu em 1985, patrocinado pela Prefeitura de Toulon e apoiado por muitos músicos do mundo todo que vieram acompanhá-lo.
Em 1993 formou a Javier Martínez Blues Band, acompanhado por Antonio García Lopez (baixo), Enrique Weimann (gaita), Pino Callejas (guitarra) e Carlos Vidal (teclados). "Estou cercado por uma seleção dos melhores músicos de blues da Argentina", declarou (Clarín, 04/10/93). O fruto dessa união foi “Corrientes” (1994), um álbum de “rock and roll e letras portenhas, daí o lunfardo”. Em 1994, Manal retornou novamente com Medina, mas sem Gabis.
Em 2003 lançou “Basta de boludos”, seu quarto álbum solo. Esta obra foi assinada como Manal Javier Martínez, “porque eu inventei essa palavra”. Naquele momento, ele reconheceu que não se reuniria com seus antigos companheiros de banda. A banda que o acompanhava era composta por Maxi Delli Carpini (guitarra), Javier Acuña (teclados) e Oscar “Mono” López (baixo). E a partir daquele momento ele continuou tocando o repertório de Manal e de sua carreira solo.

 

"Corrientes é um álbum de blues moderno. Em som e concepção, com convidados de alto nível e uma distribuição muito boa, o que não é alheio ao fato de ter sido gravado sob a produção de Rinaldo Rafanelli e pelo selo Daniel Grinbank (DG Discos), então dono da estação FM mais popular do país. O próprio Martínez ficou muito satisfeito: "O som é fresco, primitivo e selvagem... um retorno às origens e uma fuga da sofisticação excessiva", disse ele em uma entrevista. "É um álbum clássico, mas não inovador."

A faixa de abertura é a cativante “Corrientes”, a faixa de abertura do álbum, um ótimo blues que lembra o antigo “Avenida Rivadavia” do título, mas totalmente moderno, lindamente executado pelo piano, baixo e guitarra de Pappo. Em seguida vem “Amor Secreto”, outro blues animado, impulsionado pela guitarra e pelo som de Hammond. E então, “I Want to Be Better” muda um pouco a vibe, migrando para um estilo de rock mais poderoso e direto, incomum para Martínez. “The Cave Guys” é uma viagem nostálgica ao passado, com imagens vívidas daqueles tempos e seus personagens; Por outro lado, “El Tiempo Nunca Vuelve y Vivirlo es lo Mejor” é um R&B oposto ao anterior, com brilhantes passagens de piano e violão.

Em termos gerais, o álbum mantém a mesma vibração musical, é rápido e cheio de swing, às vezes intercalado com outras músicas mais lentas. Outras coisas a serem observadas são as guitarras funky em “Amor Intemporal”, o “cheiro” do antigo clássico de Booker T. & MG, “Green Onions” em “San Telmo Harlem”; o solo de bateria em “Juan Despierta Ya”, e o encerramento formal de “Rouge Et Champagne”, um blues com grande participação de “Negro” García López.

Quanto à letra, não encontraremos grandes variações. Como sempre, Javier Martínez coloca música em suas reflexões e experiências. Amor, mulheres, sociedade, tempo, todos os temas que ele aborda com seu jeito inusitado de cantar . Javier Martínez é um músico que sempre amou o blues e encontrou seu lugar nesta década, com este LP e seu sucessor, Swing (1998). E se você realmente quiser ouvir esse artista talentoso além do que Manal era, ambos os LPs são imperdíveis."

Músicos:

Javier Martinez: Bateria, vocais

Pino Callejas: Guitarra
Carlos Vidal: Teclados
Antonio García Lopez: Baixo
Enrique Weimann: Gaita

Músicos convidados:

 

Pappo: Guitarra nas faixas 1 e 9
Carlos García López: Guitarra na faixa 14
Willy Crook: Saxofone na faixa 6

 

Temas:

01- Corrientes
02- Amor secreto
03- Quiero estar mejor
04- Los tipos de la Cueva
05- El tiempo nunca vuelve
06- Como siempre
07- Amor intemporal
08- Casanova
09- San Telmo Harlem
10- Hoy dejé el escabio
11- Juan despierta ya
12- La felicidad de las almas
13- Mujer del viento
14- Rouge et champagne
15- Los tipos de la Cueva (Instrumental)

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Hour Glass - Power of Love (Great 2nd Album US 1968)

 

Power of Love foi o segundo álbum de estúdio da Hour Glass, lançado em março de 1968 pela Liberty Records, o último do grupo com os homônimos da The Allman Brothers Band. Após o fracasso do primeiro álbum, a Liberty Records permitiu maior independência ao grupo, que havia sido praticamente excluído da tomada de decisões sobre o primeiro álbum pela gravadora e pelo produtor Dallas Smith. No entanto, com a decisão da gravadora de manter Smith como produtor, o grupo, especialmente Duane Allman, mais uma vez se sentiu limitado pelas expectativas da gravadora em relação ao álbum.

Com Smith no comando, Gregg Allman continuou em evidência. O jovem Allman, que havia visto apenas uma de suas composições no álbum anterior, contribuiu com sete das doze faixas. As demais eram duas de Marlon Greene e Eddie Hinton e uma de Spooner Oldham e Dan Penn, John Berry e Don Covay, e John Lennon e Paul McCartney. O grupo executou toda a instrumentação, com Duane Allman adicionando cítara elétrica ao cover de "Norwegian Wood (This Bird Has Flown)" dos Beatles, um elemento essencial de sua apresentação ao vivo. Neil Young, do Buffalo Springfield, escreveu o encarte, descrevendo sua experiência assistindo à sessão de gravação da faixa "To Things Before" do álbum, observando Gregg Allman liderar o grupo ao longo da música. Após o fracasso do álbum em entrar nas paradas, o Hour Glass viajou para o Fame Studios em Muscle Shoals, Alabama, na tentativa de refinar ainda mais seu som. No entanto, Dallas Smith e a Liberty Records não gostaram das faixas de rock blues produzidas pelo grupo e com as quais o grupo retornou a Los Angeles, pois estavam a anos-luz da música pop que Smith imaginava que eles tocariam. Além disso, ver-se excluído do grupo não era o ideal para Smith, mesmo que suas relações com o grupo estivessem tensas.

O Hour Glass se separou logo depois, com Gregg Allman retornando à Califórnia para cumprir os termos do contrato do grupo com a Liberty. Em dupla com uma banda de estúdio, Allman gravou material suficiente para um álbum, embora tenha levado quase um quarto de século para que isso surgisse. [Wikipedia] Agora, a coisa está um pouco mais próxima disso. O grupo realmente não está soando como no Whiskey, mas a execução da banda é bem ousada, e a guitarra de Duane está bem à frente e próxima, e ele está mostrando uma verdadeira invenção dentro das restrições do som pop que o produtor buscava. Ele também toca uma cítara elétrica na faixa mais estranha aqui, um cover instrumental de "Norwegian Wood", dos Beatles. Desde os primeiros compassos da faixa-título, percebe-se a mensagem de que este é um grupo com algo a dizer musicalmente, mesmo que esta mensagem em particular não seja a verdadeira — os floreios de guitarra, o órgão e o piano ousados ​​de Paul Hornsby e os vocais carismáticos de Gregg Allman cativam o ouvinte mais do que 98% do pop psicodélico e soul-pop da época.  As faixas extras incluídas como bônus são muito mais importantes, consistindo em músicas cortadas para um álbum solo nunca lançado de Gregg Allman (destinado a impedir que a Liberty processasse a banda pela separação e saída do grupo), onde ele soava muito mais como o vocalista da Allman Brothers Band do que jamais tivera a chance de fazer com a Hour Glass, em músicas que incluíam o futuro clássico dos Allman Brothers, "It's Not My Cross to Bear". 

Personnel:
♦ Gregg Allman – organ, piano, guitar, vocal (all tracks)
♦ Duane Allman – guitars, electric sitar (tracks 1-6, 8-12)
♦ Paul Hornsby – piano, organ, guitar, vocal (tracks 1-12)
♦ Johnny Sandlin – drums, guitar, gong (tracks 1-12)
♦ Pete Carr – bass guitar, guitar (track 7), vocal (tracks 1-12)
♦ Several unknown studio musicians on horns, guitars, backing vocals, drums, bass guitar, keyboards and percussion (tracks 13-18)
♦ Bruce Ellison - Engineer (all tracks)

01. "Power of Love" (Spooner Oldham, Dan Penn) - 2:50
02. "Changing of the Guard" - 2:33
03. "To Things Before" - 2:33
04. "I'm Not Afraid" - 2:41
05. "I Can Stand Alone" - 2:13
06. "Down in Texas" (Marlon Greene-Eddie Hinton) - 3:07
07. "I Still Want Your Love" - 2:20
08. "Home for the Summer" (Marlon Greene-Eddie Hinton) - 2:44
09. "I'm Hanging Up My Heart For You" (John Berry, Don Covay) - 3:09
10. "Going Nowhere" - 2:43
11. "Norwegian Wood (This Bird Has Flown)" (John Lennon, Paul McCartney) - 2:59
12. "Now Is The Time" - 3:59

Bonus Tracks:
13. "Down in Texas" (alternate version) (Marlon Greene-Eddie Hinton) - 2:21
14. "It's Not My Cross to Bear" - 3:36
15. "Southbound" - 3:41
16. "God Rest His Soul" (Steve Alaimo) - 4:02
17. "February 3rd" (Composer Unknown) - 2:56
18. "Apollo 8" (Composer Unknown) - 2:37
All songs by Gregg Allman, unless noted.

Tracks 1-12 constitute the original album.

Tracks 13-18 from the 1969 sessions for Gregg Allman's unreleased first solo album for Liberty (present on 1992 re-release only).