Este é o segundo álbum do Chic , lançado em 11 de agosto de 1978, também produzido e composto por Nile Rodgers e Bernard Edwards .
O início deste evento é um tanto curioso: Rodgers e Edwards foram à boate Club 54 e os seguranças da porta não os deixaram entrar. Enfurecidos, foram à casa de Nile e compuseram uma música para desabafar sua raiva, que intitularam "Fuck Off" (a letra original era "aaaah fuck off!" ). Eles entenderam imediatamente que a música seria um sucesso, mas para isso teriam que mudar o título, então mudaram a letra para "aaaah freak out" ... e o grande sucesso estava a caminho. "Le Freak" alcançou o primeiro lugar nas paradas americanas em outubro daquele ano, vendendo mais de seis milhões de cópias até então e sendo o single mais vendido da história da gravadora Atlantic.
“C'est Chic” também apresenta outro single de sucesso fenomenal: “I Want Your Love ”. O álbum alcançou a quarta posição na Billboard e foi nomeado o melhor álbum de R&B do ano pela revista Billboard.
Músicos:
Bernard Edwards: bajo Nile Rodgers: guitarra Tony Thompson: batería Roy Figueroa: percusión Andy Schwartz, Raymond Jones, Rob sabino: teclados Marianne Carroll, Cherly Hong, Karen milne: Cuerdas Jon Faddis, Ellen Seeling: trompetas Alex Foster: saxofón Alfa Anderson, Luci Martin: voz Luther Vandross: voz
Chic é um grupo musical americano formado em 1976 pelo guitarrista Nile Rodgers e o baixista Bernard Edwards , a mais bem-sucedida e influente equipe de composição e produção da era disco. Edwards e Rodgers iriam escrever, arranjar, tocar e produzir discos influentes de disco e R&B para artistas consagrados como Sheila e B. Devotion, Diana Ross e Debbie Harry.
Nile Rodgers começou sua carreira como músico de estúdio, tocando na banda do famoso Apollo Theater de Nova York para artistas como Aretha Franklin, Ben E. King, Nancy Wilson, Parliament e Funkadelic . Em 1970, ele conheceu o baixista Bernard Edwards e eles formaram uma banda de rock chamada The Boys. Eles nunca conseguiram um contrato com uma gravadora porque as gravadoras os rejeitaram após descobrirem sua condição negra; de acordo com executivos de gravadoras, negros não podiam tocar rock.
Em 1977 Rodgers e Edwards, juntamente com o baterista Tony Thompson, formaram o grupo Chic , cujo álbum de estreia, aqui apresentado, foi lançado em 22 de novembro de 1977, alcançando a posição 27 nas paradas pop e a posição 12 nas paradas de R&B, impulsionados pelos sucessos “Dance, dance, dance” e “Everybody dance” .
Músicos:
Bernard Edwards: baixo Nile Rodgers: guitarra Tony Thompson: bateria Roy Figueroa: percussão Andy Schwartz, Raymond Jones, Rob Sabino: teclados George Young, Vito Rendace: saxofone tenor, flauta Jon Faddis: trompete Barry Rodgers: trombone Gloria Augustini: harpa Norma Jean Wright, Luci Martin: vocais Luther Vandross: vocais
Nile Rodgers , nascido em 19 de setembro de 1952, começou sua carreira como músico de estúdio, tocando na banda do famoso Apollo Theater em Nova York para artistas como Aretha Franklin, Ben E. King, Nancy Wilson, Parliament e Funkadelic . Em 1970, ele conheceu o baixista Bernard Edwards , formando a mais bem-sucedida equipe de compositores e produtores da era da música Disco: eles compuseram, arranjaram, tocaram e produziram discos de disco e R&B muito influentes. Em 1976, eles formaram o grupo musical Chic, com o qual Edwards e Rodgers gravaram álbuns de sucesso e foram uma influência inegável em dezenas de grupos e artistas solo
Este fabuloso box inclui as melhores faixas do Chic , versões raras, outtakes, remixes e músicas inéditas. Há material do Sister Sledge (outra banda que eles criaram e produziram), Carly Simon, Diana Ross, Debbie Harry, Sheila e B. Devotion , e até três músicas do álbum inédito de Johnny Mathis , produzido por Rodgers e Edwards em 1980. É uma experiência auditiva essencial não apenas para aqueles que cresceram ouvindo essa música, mas também para aqueles que desejam conhecer o trabalho dessa dupla de músicos e produtores, uma das mais influentes das décadas de 1970 e 1980.
1- Queen of the Night (2:06) 2 - Prisoner of the World (4:20) 3 - Publici Mores (2:28) 4 - Asylum (3:49) 5 - Crazy Fifties (2:44) 6 - Fever of the Night (1:48)
7 - Elektroshock One (2:36) 8 - Blood Sacrifice (10:43) 9 - Rock and Roll Love (3:11)
No desejo de explorar todo o universo da música "underground" italiana, tropeçamos neste álbum que certamente não pode ser atribuído à família do prog italiano, embora também não esteja nos antípodas. Um álbum bastante new wave ou pós-punk, como você quiser chamá-lo, mas certamente não despojado ou muito carregado de eletrônica como outros exemplos desse gênero musical (embora os teclados estejam ausentes, as duas guitarras e uma seção rítmica compacta e poderosa produzem um som encorpado e encorpado). Um álbum que, no entanto, é um prazer de ouvir. Muito bonito e com mudanças de ritmo que poderiam (distantemente) lembrar o prog é o instrumental "Elektroshock one". E o que dizer da longa suíte subsequente "Blood Sacrifice", de quase 11 minutos em esplêndida progressão sonora? Claro que você não espera isso de uma banda new wave, e mesmo aqui há traços distantes, mas não muitos, de prog rock... Então talvez este não seja totalmente o lugar errado para este álbum.
Los Creedence foi lançado e em 1969 foi inaugurado (em 5 de janeiro) a publicação de seu segundo álbum: Bayou Country. Apesar do sucesso de seu primeiro LP (#52 US), semelhanas de descontentamento entre os quatro membros apareceram devido ao fato de John Fogerty ter assumido o controle da banda em quase todos os níveis. "Houve um momento no que fizemos o primeiro álbum. Todos ouviram meus conselhos. Como Gravei Fogerty e Michael Goldberg da Rolling Stone em 1993. "Não creio que ninguém tenha pensado demais nele. Mas ao fazer o segundo álbum, Bayou Country, tuvimos um confronto real. Todos queriam cantar, escrever, inventar seus próprios arranjos, o que mar, ¿verdad? Isso foi depois de dez anos de luta (referido nos 10 anos anteriores ao CCR, como Blue Velvets e Golliwogs). Agora temos o centro de atenção. "Suzie Q" era tão grande como nunca antes tínhamos visto. Claro, realmente não era tão grande. Não queria voltar à lavagem de automóveis" . Em 2007, a cantante foi explicada a Joshua Klein da Pitchfork: "Decidí, estamos na mais pequena etiqueta discográfica. no mundo, não há dinheiro atrás de nós, não temos um administrador, não há publicitários. Basicamente, não tínhamos nada das máquinas de fabricação de estrelas habituais, então eu disse a mim mesmo que eu tinha que fazer isso com a música. Basicamente, eu queria fazer o que os Beatles fizeram".
Este disco surgirá um antes e um depois na carreira do grupo, sendo o primeiro dos grandes discos de Creedence Clearwater Revival. O som passará a ser muito mais definido e muito mais pessoal; bastante alejado do som mostrado em seu primeiro trabalho. Por outro lado, a maioria das músicas do grupo são composições próprias, de John Fogerty, e nenhuma versão como passou majoritariamente em seu primeiro disco. O álbum definirá o som de Creedence, encontrando aqui um dos grandes clássicos do grupo: "Proud Mary". Da fusão de todas as influências que John Fogerty teve neste disco. Uma fusão que abarcará todos os estilos: rock e blues principalmente. Se inspirará em Bo Diddley, Howlin' Wolf ou Elvis Presley e nesta mistura poderosa será este trabalho, quizás muito menos técnico e melódico que discos posteriores mas com a essência de Creedence já está totalmente definido. O que fará nos próximos trabalhos não será mais do que dar voltas sobre o que você havia lançado neste segundo álbum. Conscientes da importância do disco, o grupo foi transferido para os famosos RCA Studios de Hollywood, onde os Rolling Stones haviam gravado "Satisfaction". O disco foi capturado como se fosse tratado de um direto, com todos os membros do grupo tocando ao mesmo tempo. John Fogerty acabói o álbum, añadiendo e aperfeiçoando algumas zonas instrumentais e tudo o que se refere à voz. Como anédota, cabe dizer que quando os outros membros do grupo se perguntaram sobre "Proud Mary", eles dizem que John Fogerty sempre foi consciente de que acabou de escrever a melhor canção de Creedence Clerwater Revival. Esta afirmação foi arrependida para que um dia tenha caído por llegar, mas com o passo dos anos ele viu que grande razão levou John Fogerty com sua previsão.
Cara 1
1."Born on the Bayou"-5:16
2."Bootleg"-3:03
3."Graveyard Train"-8:37
Cara 2
4."Good Golly, Miss Molly" (Robert Blackwell, John Marascalco)-2:44
5."Penthouse Pauper"-3:39
6."Proud Mary"-3:09
7."Keep on Chooglin'"-7:43
40th Anniversary Edition CD bonus tracks
8. "Bootleg" (Alternate take)-5:48
9. "Born on the Bayou" (Live at Royal Albert Hall in London, England, September 28, 1971)-4:48
10. "Proud Mary" (Live in Stockholm, Sweden, September 21, 1971)-2:51
11. "Crazy Otto" (Live recording by KSAN at the Fillmore, San Francisco, California, March 14, 1969)-8:48
Depois de deixar Mott the Hopple em 1974, Ian Hunter decidiu seguir sua carreira de paciência. Em março de 1975, junto com Mick Ronson, guitarra dos Spiders From Mars que havia acompanhado Bowie nos anos anteriores, saca o álbum Ian Hunter , entrando a canção "Once Bitten Twice Shy" no Top 40 das listas britânicas. Tras este LP Hunter e Ronson deixaram de trabalhar juntos, devido à negativa de Hunter de tratar com o que era representante de Ronson, Tony DeFries. Seu segundo trabalho solitário, All American Alien Boy , foi mais focado na música soul, contando com a participação do saxofonista David Sanborn, Jaco Pastorius ao fundo, e com Freddie Mercury, Brian May e Roger Taylor nos coros de uma das canções (Queen foi telonero de Mott the Hoople). Em seu trabalho seguinte, Overnight Angels (1977), produzido por Roy Thomas Baker e com Earl Slick na guitarra, Hunter optou por um som mais duro para as guitarras. A discográfica Columbia Records decidiu não sacar o álbum no mercado americano. No álbum de 1979, You're Never Alone with a Schizophrenic , contou com Mick Ronson como produtor e guitarrista, e também participou de vários membros da E Street Band e John Cale. Das versões de músicas deste disco foram exitosas: no final de 1979, "Ships" foi interpretada por Barry Manilow, alcançando o top ten nos Estados Unidos e em 1997 a versão dos Presidentes dos Estados Unidos da América foi "Cleveland Rocks". Em 1980, a Chrysalis Records lançou um álbum duplo, Welcome to the Club , que incluía músicas diretas e de estúdio. Com Todd Rundgren na guitarra, Hunter fez uma gira de 11 concertos na Costa Este.
Seu primeiro álbum de estúdio dos anos 80 foi Short Back 'n' Sides (1981), produzido por Mick Ronson e Mick Jones do The Clash. A colaboração de Ronson no álbum seguinte, All of the Good Ones Are Taken (1983), foi reduzida a ser guitarrista em uma das canções. Depois de anos de silêncio, Hunter e Ronson lançaram juntos o álbum Yui Orta de 1990 , e ambos participaram junto com Queen e David Bowie no Concierto em tributo a Freddie Mercury, em abril de 1992. Um ano mais tarde, Mick Ronson faleceu de câncer de fígado. Hunter, escreveu e gravou a canção "Michael Picasso" como homenagem ao seu amigo, e a incluiu no álbum de 1996 The Artful Dodger (que os traemos hoje), que foi o próximo em Dirty Laundry de 1995. Também participou do trabalho póstumo de Ronson Heaven and Hull (1994) e no primeiro Concierto em Memoria de Mick Ronson em abril de 1994. Em 2000 aparece Missing In Action , compilado por material anterior no publicado. Em 2001 realizou uma gira pela América do Norte com Ringo Starr e a All-Starr Band, ao lado de Sheila E., Greg Lake, Howard Jones, Roger Hodgson e Mark Rivera. O próximo álbum de estúdio, Rant , de 2001, recebeu boas críticas, e depois foi lançado os álbuns ao vivo: Strings Attached e The Truth, The Whole Truth, Nuthin' But The Truth (em colaboração com Mick Ralphs, Joe Elliott e Brian May). Os últimos trabalhos de Hunter foram Shrunken Heads (2007), Man Overboard (2009), When I'm President (2012) e Finger Crossed (2016).
Muito satisfeito com a produção de Dirty Laundry, seu álbum do ano anterior, Hunter colaborou novamente com Björn Nessjö neste álbum, que foi lançado inicialmente solo na Noruega, porque Hunter sentiu que precisava de mais promoção antes de seu lançamento no Reino Unido e nos Estados Unidos. A canção "Michael Picasso", homenagem ao falecido Mick Ronson como decíamos antes, é uma das canções mais belas e sentidas que você já ouviu.
1. "Too Much" – 4:44
2. "Now Is the Time" – 4:54
3. "Something to Believe in" – 5:46
4. "Resurrection Mary" – 6:11
5. "Walk on Water" (I. Hunter, R. McNasty) – 3:48
6. "23A, Swan Hill" – 4:47
7. "Michael Picasso" – 5:45
8. "Open my Eyes" (I. Hunter, D. Bath) – 5:42
9. "The Artful Dodger" – 4:21
10. "Skeletons (In Your Closet)" (I. Hunter, D. Bath, H.J. Plain) – 4:00
11. "Still the Same" – 5:06
(Ian Hunter, excepto indicadas)
Ian Hunter - Voz principal, guitarras acústicas e elétricas, arpa
Darrell Bath - Guitarras acústicas, elétricas, voz
Continuando com a discografia de James Taylor, trouxemos para seu quarto álbum de solitário, para mim o mais flojo dos publicados em 70: One Man Dog, lançado em 1 de novembro de 1972. O LP é formado por 18 peças curtas e ensartadas e chegou ao número 4 na lista de álbuns da Billboard Pop USA. Também hubo uma mezcla cuadrafônica do álbum que incluía tomas vocais alternativas e versões alargadas de algumas músicas. Dos singles: "Don't Let Me Be Lonely Tonight" (#14 US) e "One Man Parade" (#67 US).
1."One Man Parade"
2."Nobody But You"
3."Chili Dog"
4."Fool for You"
5."Instrumental I"
6."New Tune"
7."Back on the Street Again" (D. Kortchmar)
8."Don't Let Me Be Lonely Tonight"
9."Woh, Don't You Know" (D. Kortchmar, L. Sklar, J. Taylor)
10."One Morning in May" (Tradicional)
11."Instrumental II"
12."Someone" (J. McLaughlin)
13."Hymn"
14."Fanfare"
15."Little David"
16."Mescalito"
17."Dance"
18."Jig"
(Autor de todos los temas J. Taylor, excepto indicadas)
Com sete álbuns nas costas e um sucesso decreciente (com uma qualidade mantida exceto alguns álbuns), o estilo e o pessoal da banda mudaram radicalmente com The Joker (#1 US, 1973), concentrando-se no rock direto e deixando para trás o lado psicodélico da banda. A canção principal foi convertida em número um e obteve o certificado de platina, trazendo mais de um milhão de vendas. Foi galardoado com um disco de ouro pela RIAA em 11 de janeiro de 1974.
Stephen Thomas Erlewine do AllMusic se classificou como The Joker com três de cinco estrelas, chamando-o de "tudo brilhante e divertido, mesmo de vez em quando realmente tonto". Ele também afirmou que "não é uma expansão da mente", mas concluiu dizendo que "sin embargo mantém suas vibrações tão bem que é difícil não sonhar ... sempre que você está na mesma onda que Miller, por suposto."
Blues? Jazz? Pop? Pedra? Gente? Não... é Tom Waits. E se nos dedicassemos a toda a sua discografia, encontraríamos muitos mais "estilos". Então isso é o início de tudo. Tras uma educação de "muy clase media" e "uma infância bastante normal" (em suas próprias palavras), liderou uma banda da escola, The Systems, que depois descreveu como "meninos brancos tratando de obter esse som Motown" e empezó a receber influências de Ray Charles, Wilson Pickett ou James Brown e assim como música country, Roy Orbison e, mais tarde, Bob Dylan foi para o centro de suas miradas, colocando transcrições de suas letras nas paredes de seu dormitório.
Em 1968, abandonou a escola secundária e começou a trabalhar em uma pizzaria (Napoleone), anotando frases e trozos de diálogo que ouvia os clientes, trabalhando também como bombero, na Guardia Costera ou como porteiro em uma cafeteria de San Diego (onde vivia com sua mãe desde que seus padres se separaram) na que havia atuações de músicos folk, começando o asímismo a atuar em alguns pequenos locais da cidade. Ganhou reputação e decidiu começar a viajar para Los Angeles para tocar em The Troubadour. Eu conheci Herb Cohen que ele ofereceu um contrato, mas como publicitário, para entender que estava mais interessado em suas canções do que em seu futuro possível como cantante. Foi transferido para Los Angeles em 1972, seguindo suas atuações em The Trobadour, onde conheceu David Geffen que sim lhe deu a oportunidade de gravar um álbum.
Closing Time, anunciado em março de 73, é o resultado de tudo isso. Um álbum produzido e arreglado pelo antigo amigo de Lovin' Spoonful Jerry Yester. Quizá isso é o que faz o LP de Waits com mais influências folk, embora a ideia original dele era que fuera "um álbum de jazz dirigido por um piano". Seu único single foi "Ol' '55", versionado no ano seguinte por seus companheiros de Asylum, Eagles, no álbum On The Border. Com aceitação moderada nos EUA e desapercebida no Reino Unido e no resto do mundo, Closing Time não entra nas listas, embora com os anos as críticas tenham sido francamente positivas:
Closing Time teve um público mais amplo através de versões: no mesmo ano de 1973, Tim Buckley lançou o álbum Sefronia, com uma versão de "Martha" , a primeira versão de uma canção de Waits de um artista conhecido. A versão de Buckley também foi incluída na compilação de tributos de 1995, Step Right Up: The Songs of Tom Waits. "Martha" foi versão nova em 1979 por Bette Midler em Saturday Night Live e por Meat Loaf em Welcome to the Neighbourhood (1995). "Ol' '55" foi gravado pelos Eagles para On the Border como você foi comentado. "Rosie" foi gravada por The Beat Farmers para seu álbum The Pursuit of Happiness de (1987). "Ice Cream Man" foi lançada em 1991 cantada por Screamin' Jay Hawkins para o álbum Black Music For White People e "Lonely" foi versionada diretamente por Bat For Lashes e incluída na edição de luxo de seu álbum Two Suns (2009). As versões de "I Hope That I Don't Fall in Love With You" podem ser encontradas em Step Right Up (por 10,000 Maniacs), a banda sonora de The Prince And Me (por Marc Cohn), a compilação de versões Scattered, Smoothered & Covered (por Hootie & the Blowfish) e um episódio de Ally McBeal, cantada por Jon Bon Jovi.
1."Ol' '55" 3:58
2."I Hope That I Don't Fall in Love with You" 3:54
3."Virginia Avenue" 3:10
4."Old Shoes (& Picture Postcards)" 3:40
5."Midnight Lullaby" 3:26
6."Martha" 4:30
7."Rosie" 4:03
8."Lonely" 3:12
9."Ice Cream Man" 3:05
10."Little Trip to Heaven (On the Wings of Your Love)" 3:38
11."Grapefruit Moon" 4:50
12."Closing Time" (instrumental) 4:20
(Todos los temas compuestos por Tom Waits)
Tom Waits - voz, piano, guitarra, armonio, clavicémbalo, celeste Delbert Bennett - trompeta Shep Cooke - guitarra, coros em "Old Shoes (& Picture Postcards)" Peter Klimes - guitarra, pedal steel guitar em "Rosie" Bill Plummer - contrabaixo John Seiter - bateria, coros em "Ol '55" e "Rosie" Arni Egilsson - baixo em "Closing Time" (Instrumental) Jesse Ehrlich - chelo em "Martha" Tony Terran - trombeta em "Closing Time" (Instrumental)
