Nº1 Like a Virgin – Madonna, Fevereiro 9, 1985

 Producer: Nile Rodgers

Track listing: Material Girl /Angel / Like a Virgin / Over and Over / Love Don’t Live Here Anymore / Dress You Up / Sho-Bee-Doo / Pretender / Stay

9 de fevereiro de 1985
6 semanas

Ex-dançarina e figura constante na cena clubber de Nova York, Madonna Louise Ciccone ficou conhecida simplesmente como Madonna com o lançamento de seu álbum de estreia homônimo em 1983. Madonna , impulsionada por singles de sucesso como "Holiday", "Borderline" e "Lucky Star", alcançou a oitava posição. A imagem sensual da cantora e seu irresistível dance-pop fizeram dela uma das novas artistas dos anos 80. Após o sucesso surpreendente de Madonna , uma legião crescente de fãs aguardava ansiosamente o próximo passo da cantora.

Para seu segundo trabalho, Madonna recorreu ao ex-integrante do Chic, Nile Rodgers. "Quando eu estava fazendo o disco, fiquei simplesmente emocionada e feliz por trabalhar com Nile Rodgers", diz Madonna. "Eu não imaginava que faria tanto sucesso ou teria o impacto que teve."

Rodgers ainda se lembra da primeira vez que viu a cantora se apresentar em um pequeno clube em Nova York, em 1983. "Fui ver outra mulher cantar", diz ele. "Mas quando cheguei lá, Madonna estava no palco. Adorei a presença dela e nos conhecemos logo depois. Eu ficava pensando: 'Caramba, ela é uma estrela?', mas ela não era na época." A admiração era mútua. "Eu idolatrava Nile por causa de toda aquela coisa do Chic", diz ela. "Eu não conseguia acreditar que a gravadora me deu o dinheiro para que eu pudesse trabalhar com ele."

O álbum foi gravado na Power Station, em Nova York, em um ritmo relativamente rápido. Rodgers também tocou guitarra, e seus antigos companheiros de banda do Chic, o baixista Bernard Edwards e o baterista Tony Thompson, apareceram em várias faixas. As sessões geralmente só começavam à tarde. "Eu ia ao clube de natação no Upper West Side, nadava e andava de lá até o estúdio de gravação", lembra Madonna. "Só começávamos antes das 13h, porque Nile era festeiro e ficava acordado a noite toda, então não tínhamos manhã para trabalhar."

Como Rodgers lembra, Madonna era "uma pessoa muito trabalhadora e incrivelmente tenaz". A certa altura, o produtor ameaçou abandonar o projeto, irritado por achar que Madonna havia tratado um funcionário do estúdio de forma injusta. "Eu estava no elevador e ela se aproximou, sorriu para mim e disse: 'Nile, quero saber uma coisa: isso significa que você não me ama mais?' E então nós dois começamos a rir. Então percebemos o quão ridículos estávamos sendo. Foi isso. Não tivemos uma briga séria depois disso."

Outro momento emocionante no estúdio ocorreu quando Madonna fez um cover do sucesso de Rose Royce de 1978, "Love Don't Live Here Anymore". Rodgers conta: "Madonna nunca havia se apresentado com uma orquestra ao vivo antes. Eu gostava muito de fazer tudo ao vivo, então simplesmente disse: 'Madonna, vá lá e cante, e nós a seguiremos.'" No início, Madonna hesitou, mas o show ao vivo acabou produzindo resultados memoráveis. "Ela cantou, se emocionou e começou a chorar, mas deixei registrado", diz Rodgers.

Inicialmente, nem Madonna nem Rodgers gostaram muito de "Like a Virgin", escrita pela dupla de compositores Billy Steinberg e Tom Kelly, e trazida à atenção de Madonna pelo executivo de A&R da Warner Bros. Records, Michael Ostin. "Lembro-me de ouvir uma demo e os caras que a compuseram estavam cantando", diz Madonna. "Parecia muito idiota e idiota. Eu pensei: 'Meu Deus', mas todo mundo estava dizendo que era uma ótima música e eu pensei: 'Me dá nojo'." No entanto, Madonna logo mudou de ideia. "É estranho porque eu não conseguia tirar da cabeça depois de tocá-la, mesmo não tendo gostado muito", diz ela. "Parecia muito meloso para mim, mas foi crescendo em mim. Comecei a gostar mesmo, minhas pequenas engrenagens começaram a clicar e pensei: 'Isso pode ser muito legal'. Mas minha primeira reação foi: 'Isso é muito estranho'."

Rodgers credita Madonna por reconhecer o potencial da música. “Madonna teve uma visão. Ela sabia que 'Like a Virgin' seria o primeiro single daquele álbum. Como ela era mulher e tinha noção do que as meninas gostam e sentem, ela se deixou levar pela música”, diz ele. “Eu gostava do lado mais sexy dela, voltado para os homens. Gostei mais de 'Material Girl'.”

A escolha de Madonna para o primeiro single acabou acertando em cheio, com "Like a Virgin" se tornando seu primeiro hit número um em 22 de dezembro de 1984. Uma semana após o single encerrar sua permanência de seis semanas no topo da Hot 100, Like a Virgin se tornou o primeiro álbum número um de Madonna, graças em parte ao segundo single, "Material Girl", que estava subindo na Hot 100 e eventualmente alcançou a segunda posição. Os singles subsequentes do álbum, "Angel" e "Dress You Up", também alcançaram o top cinco.

OS CINCO MELHORES
da semana de 9 de fevereiro de 1985

1. Like a Virgin, Madonna
2. Born in the U.S.A., Bruce Springsteen
3. Make It Big, Wham!
4. Agent Provocateur, Foreigner
5. Purple Rain, Prince and the Revolution

David Crosby : Here If You Listen

 

Aproveitando a colaboração contínua com Michael League, David Crosby manteve sua carreira criativa para trabalhar com ele novamente — além de duas mulheres que cantaram em uma música do álbum Lighthouse — em seu quarto álbum em cinco anos. (Sim, ele realmente dobrou sua produção.) Ele chegou a dar os créditos a Becca Stevens, Michelle Willis e League, nessa ordem, na capa de Here If You Listen , embora sob seu nome muito mais importante, mas ainda assim. A idade não afetou o talento do homem.

O álbum é verdadeiramente uma colaboração, com todos contribuindo para a composição ou criando suas próprias composições. As vozes se misturam em todos os lugares e, embora a dele seja a mais notável, os músicos estão servindo à música, não Crosby. Assim como ele conseguiu provar em RCP, ele prospera quando está em uma banda. Com uma exceção, o quarteto fornece toda a instrumentação, e nenhuma delas inclui percussão de qualquer tipo.

“Glory” apresenta cada vocalista em uma mixagem exuberante, mas não superprocessada; de fato, a produção é impecável ao longo deste álbum. “Vagrants Of Venice” ostenta um riff circular de Becca e letras colaborativas e poéticas. “1974” é uma das duas demos vintage recentemente alteradas aqui; vocais sem palavras, presumivelmente daquele ano, se espalham sobre um dedilhado característico antes que os outros se juntem para preencher a faixa. O pianista do Snarky Puppy, Bill Laurance, fornece a base para “Your Own Ride”, onde Crosby aborda diretamente sua mortalidade em uma canção para seu filho mais novo. A liricamente minimalista “Buddha On A Hill” é mais notável por fornecer o título do álbum, que francamente é repetido muitas vezes, mas a combinação de guitarra e solo vocal é impressionante.

Becca compôs um poema de Jane Tyson Clement para sua própria música em "I Am No Artist", uma afirmação surpreendente considerando o histórico de Crosby, mas não é sua música. "1967" é a outra demo vintage aumentada, com seus familiares marcadores de posição "dun-dun" sobrepostos por três versos repetidos de prosa antiguerra, desaparecendo em hammer-ons à la Michael Hedges. (E sim, adoraríamos ouvir mais demos como esta.) Crosby sozinho forneceu a letra para "Balanced On A Pin", outra meditação sutil sobre mortalidade e potencial, enquanto League assume a liderança na feminista "Other Half Rule". Considerando tudo o que aconteceu até agora, "Janet", de Willis, é um desvio de funk dissonante, e o cover de "Woodstock" é uma destilação vocal do original de Joni e do cover da CSNY, mas mais na linha do primeiro.

Esse tipo de coisa funciona melhor como destaque de um show do que como faixa de um álbum. De fato, a dupla fez uma curta turnê de divulgação do álbum, uma noite da qual foi comemorada em CD e DVD quatro anos depois, e que termina com essa mesma capa. O set é basicamente inspirado no novo e em Lighthouse , com um desvio inicial para "Regina", de Stevens, de um de seus álbuns solo, e um toque de clássicos mais jazzísticos de Croz. "What Are Their Names" é um trecho a capella de um minuto, mas "Déjà Vu" é estendido para dez minutos. Ao longo do programa, ele está com uma voz excelente e se divertindo muito, e fica claro que sua mistura natural não foi uma invenção de estúdio.

Guns N’ Roses : Lies

 

No final de 1988, as fitas (e CDs) do catálogo da Geffen, número 24148, vendiam de hora em hora. Parecia que toda criança e seus irmãos mais velhos precisavam de Appetite For Destruction — junto com …And Justice For All , do Metallica — e os pôsteres, broches, camisetas e adesivos também venderam bastante. Logo, outro catálogo da Geffen, número 24198, estava saindo das lojas junto com seu irmão mais velho. GN'R Lies foi uma espécie de solução temporária, um EP glorificado e, inicialmente, com preço adequado.

O lado "ao vivo" durou apenas 13 minutos e reproduziu o agora raro EP Live ?!*@ Like A Suicide de 1986, lançado enquanto a banda preparava Appetite . Na verdade, eram demos apimentadas com o barulho enlatado da plateia, mas a maioria dos jovens ouvintes foi enganada. "Reckless Life" é bem esnobe, assim como o cover de "Nice Boys", do Rose Tattoo. Alguém está buzinando em "Move To The City", o que abafa a arrogância dessa música, de outra forma fraca, mas "Mama Kin", do Aerosmith, é uma demonstração bastante precisa de suas raízes. A introdução profana de Axl prova que ele não entendeu a letra da música.

O segundo lado de todas as novas faixas acústicas os colocou bem à frente não apenas da tendência Unplugged , mas da concorrência, provando que eles realmente eram musicalmente adeptos. "Patience" é a primeira surpresa, já que praticamente ninguém assobiava nas músicas naquela época, e Axl cantou a maior parte direto, guardando o uivo para a coda. "Used To Love Her" é uma piada malfeita, mas ainda é cativante pra caramba, um pouco descendente de "Dead Flowers" dos Stones . A reformulação de "You're Crazy" é surpreendente e muito bem-sucedida, mais lenta e funky, mas ainda nervosa. "One In A Million" é a música que irritou todo mundo com consciência, pois criticou igualmente as autoridades, estrangeiros e minorias. Tem mais assobios e um pouco de guitarra fuzz, e as partes da música que não ofendem — como a faixa de apoio e cerca de metade da letra — são realmente muito boas. Em vez disso, Axl se preocupou em fazer declarações, e a reação negativa foi tanta que a música foi propositalmente deixada de fora das expansões de luxo de Appetite For Destruction três décadas depois, embora continue disponível. Não seria a última vez que Axl torpedearia o respeito que a banda conquistou.

O lado dois é o que faz Lies valer a pena manter, embora as mensagens contraditórias na música, bem como em toda a capa em estilo tabloide, os tenham impedido de ganhar mais respeito. No entanto, a essa altura, eles praticamente dominavam o cenário, tanto que todas as bandas aspirantes faziam questão de incluir baladas poderosas em seus álbuns seguintes.

Nilsson : Nilsson Schmilsson

 

O mundo estava finalmente pronto para Harry Nilsson, e ele também. Ligados ao produtor em ascensão Richard Perry, que havia trazido Barbra Streisand firmemente para os dias atuais, eles se mudaram para Londres e recrutaram craques dos Beatles como Jim Gordon, Jim Keltner, Klaus Voormann e Gary Wright para criar Nilsson Schmilsson . Apesar da foto borrada de uma foto nada sexy do artista de roupão segurando um cachimbo de haxixe em frente a uma geladeira aberta, este foi o ápice de sua jornada pop.

Ainda assim, a foto da capa prepara muito bem a animada "Gotta Get Up", completa com alguns sonhos dentro do contexto, antes que ruídos de carro gravados continuem a história em "Driving Along", o que proporciona mais uma oportunidade de observação. Apesar do som otimista dessas faixas, um cover de "Early In The Morning", acompanhado apenas por um órgão de patas, sugere que nosso herói está preso de alguma forma. De repente, horas se passaram e "The Moonbeam Song" nos faz refletir não apenas sobre o céu, mas também sobre "pedaços de porcaria". Instrumentos de sopro não eram novidade nos álbuns de Nilsson até então, mas o arranjo comovente de Jim Horn em "Down" é firmemente contemporâneo.

Embora o lado um seja curto, é um disco forte até agora, mas o lado dois é onde tudo vai para a estratosfera. Foi necessária a visão de Harry para transformar "Without You", do Badfinger , de uma faixa mediana de álbum em uma lamentação crescente e o modelo para todos os que vieram depois. Ele segue com a pateta "Coconut", uma música feita para os Muppets, se é que alguma vez houve uma. Após uma versão animada de "Let The Good Times Roll", de Shirley & Lee, "Jump Into The Fire" dobra o desafio de um acorde de "Coconut" por sete minutos, martelando o riff em submissão sobre um baixo audivelmente desafinado enquanto Henry Hill observa os helicópteros . O levemente choramingando "I'll Never Leave You" fornece um final levemente paranoico, mas quando você considera que foi uma sobra de The Point!, faz mais sentido.

Se algo fez de Harry um nome conhecido, foi Nilsson Schmilsson . Mas ele tinha algo a cumprir, o que era uma tarefa impossível. Mesmo assim, ele deveria ter se orgulhado disso. (O CD expandido que viria a seguir incluía alguns bônus interessantes: uma "Without You" ainda mais elaborada em espanhol; "Lamaze", uma faixa que soa como "Smile" e se dissolve em risadas após uma recitação; uma versão de 1968 de "Gotta Get Up", ainda em tom vaudeville; uma "Moonbeam" alternativa; e duas músicas que seriam retrabalhadas em álbuns futuros.)

Frank Zappa : Playground Psychotics

 

Depois de preparar e lançar doze horas de músicas reunidas ao longo de sua carreira, o próximo grande projeto de Frank foi dedicado à era Flo & Eddie da banda. O Playground Psychotics combinou gravações de campo com trechos de shows para criar um retrato em widescreen do que ele chamou de "Um Dia Típico na Estrada".

Cada disco começa com vários minutos de diálogos indexados capturados por seu confiável gravador portátil, capturando a banda e os roadies em conversas em aviões, hotéis e nos bastidores. Um segmento é uma entrevista com o gerente do hotel onde ocorreu o infame "incidente do tubarão da lama". "Diptheria Blues" é uma jam de camarim com Aynsley Dunbar em uma garrafa de uísque. Muito do humor, no palco e fora dele, é claramente visual, então os amantes de piadas internas e humor de banheiro estarão no paraíso. As coisas ficam realmente malucas quando ouvimos gravações com reproduções de gravações capturadas em gravadores de outros membros da banda, culminando no segmento final do disco dois. Parte disso foi extraído do videoteipe The True Story Of 200 Motels , documentando brevemente a causa e o resultado da saída de Jeff Simmons da banda, não querendo ser alimento para a tese de Frank às custas de sua musicalidade.

Os trechos musicais são muito mais interessantes, com mais músicas do show do Rainbow Theater que terminou com Frank sendo jogado para fora do palco, o que não ouvimos aqui. Enquanto o Pauley Pavilion é listado como outra fonte, a única música ouvida daquele show é um curto segmento de "Divan" do que se tornaria "Sofa". Em vez disso, grande parte da música vem da temporada de Fillmore , incluindo músicas mais antigas e um "Billy The Mountain" de trinta minutos (junto de dois shows) que é realmente ouvível. Um dos principais pontos de venda deste álbum fora dos fiéis de Zappa é uma mixagem alternativa (e edição) do que os fãs dos Beatles conheciam como o lado quatro de Some Time In New York City de John & Yoko , documentando sua aparição especial com os Mothers. Apesar de receber novos títulos de músicas como "Aaawk" e "A Small Eternity With Yoko Ono", "Well" ainda é o único segmento de verdadeiro apelo musical.

Devido à abordagem antropológica, Playground Psychotics será principalmente de interesse para fanáticos que podem suportar Flo & Eddie. Embora enfiar vários meses de material em dois CDs não seja uma tarefa fácil, um contexto mais amplo certamente era necessário. De fato, os dois sets da banda no Carnegie Hall em outubro de 1971 foram lançados em um pacote de quatro CDs quarenta anos depois, em mono de som decente e incluindo uma apresentação do combo doo-wop e banda de apoio The Persuasions. ( Carnegie Hall foi relançado pouco mais de oito anos depois como um conjunto de três discos que omitiu o segmento Persuasions.) Ouvir as transições e dinâmicas tocadas mostra o quão quente a banda era, mas você também tem que suportar as tentativas de humor dos vocalistas. "Magdalena" é ainda mais repulsiva aqui, e 15 minutos são dedicados a "The Mud Shark". Há uma suíte "Divan" mais completa (incluindo "Stick It Out", oito anos antes de Joe's Garage ) com muitos palavrões em inglês e alemão. Além disso, “King Kong” dura meia hora para acomodar solos — embora abandone o compasso 3/8 depois do primeiro minuto ou algo assim — e “Billy The Mountain” agora tem 47 minutos.

Isso foi muito bom, mas os conhecedores ficariam ainda mais satisfeitos dez anos depois com The Mothers 1971. Este conjunto de oito CDs abrangeu todos os quatro sets não editados do Fillmore (incluindo John & Yoko, sem expurgos) e o show completo do Rainbow, com outras dezesseis músicas de Scranton e Harrisburg no meio para apresentar uma espécie de show virtual. Com tantas repetições do material, "Billy The Mountain" surge como uma obra importante, embora boba, e quase podemos começar a apreciar a musicalidade da suíte "Shove It Right In"; é uma pena que a letra seja tão pueril. Se você quiser ouvir uma versão obscena de "My Boyfriend's Back", aqui está sua chance. Acontece que Don Preston só tocou nos bis no Fillmore, o que certamente ajudou a esfriar o humor petulante de Frank. Don está totalmente a bordo no Rainbow, liderando a abertura "Zanti Serenade", estendida por mais dez minutos aqui. “Wonderful Wino” ainda está no set, e o bis foi “I Want To Hold Your Hand”, depois da qual podemos ouvir Frank batendo no chão de concreto.

Dire Straits : Live 1978-1992

 

Apesar das ofertas de milhões de dólares e da longevidade contínua da maioria dos músicos, o Dire Straits nunca se reuniu desde que a turnê On The Night terminou em 1993. Desde então, vários membros tocaram juntos em bandas cover esquizóides, e Guy Fletcher trabalhou regularmente com Mark Knopfler, mas o autor não compareceu à introdução deles no Hall da Fama do Rock & Roll.

As décadas seguintes viram algumas coletâneas, mas nenhuma remasterização expandida. Mesmo quando o box set The Studio Albums 1978-1991 reembalou o vinil em 2013, não incluiu o EP Twisting By The Pool ou qualquer outro dos poucos lados B que não faziam parte do álbum, todos isolados. A comoção que se seguiu não mudou o conteúdo do conjunto sete anos depois, quando o mesmo título foi lançado em CD. (Cada álbum vinha em uma capa de réplica simples, cada uma com um encarte semelhante à capa interna, com letras, quando aplicável.)

Ainda assim, os álbuns de estúdio contavam apenas parte da história, então as pessoas responsáveis ​​por essas coisas tiveram a chance de dar uma surra nos fãs com o Live 1978-1992 , que reuniu — e, em alguns casos, expandiu — os álbuns oficiais ao vivo da banda, reforçados por um show do cofre. (A embalagem era um pouco mais elaborada do que a caixa de estúdio, com capas de réplica gatefold mais resistentes e um livreto com fotos e um ensaio bajulador.) Alchemy , que já era mais longo em CD do que o cassete e o LP, ganhou três músicas para preencher quase duas horas. (Eles cortaram um minuto da introdução de "Going Home", o que foi uma pena.) On The Night foi expandido em uma hora para se espalhar por dois discos com a adição de sete faixas. O EP British Encores também foi incluído na caixa, repetindo desnecessariamente "Your Latest Trick" e não dobrando as outras três músicas nos discos On The Night , onde elas poderiam ter cabido.

O Live At The BBC foi o mesmo de sempre — embora tenha ganhado cerca de um minuto para acomodar a apresentação dos membros da banda por um DJ —, mas o grande atrativo foi o primeiro lançamento de Live At The Rainbow , gravado no lendário teatro londrino ao final da turnê Communiqué . É um show maior do que o que se ouve na BBC — não os membros, apenas o tamanho da sala e o ambiente — e eles parecem um pouco cansados, mas ainda engajados.

Felizmente, eles melhoram conforme o set avança. Eles tocam a maior parte do primeiro álbum e metade do segundo, e ainda estão próximos dos arranjos do álbum neste momento; sem ainda contratar um tecladista, "Portobello Belle" ainda não foi enfeitado. Estranhamente, apesar da presença de "Lady Writer" no set, eles ainda estão tocando "What's The Matter Baby?". O público consegue ouvir as primeiras versões de "Les Boys" (prefaciada por uma introdução quase apologética), "Solid Rock" (ainda não chegou lá), e o mais surpreendente e satisfatório, "Twisting By The Pool" três anos antes. Esta última configura um bis de quatro clássicos, onde eles são acompanhados por Phil Lynott do Thin Lizzy e Tony de Meur do The Fabulous Poodles .

Todd Rundgren : New Cars and Arena

 

Um dos desvios mais estranhos — e certamente inesperados — da carreira de Todd Rundgren foi sua breve passagem como vocalista do The New Cars. Essa banda cover repleta de estrelas incluía os originais do Cars, Greg Hawkes e Elliot Easton (recém-saídos de uma década com o Creedence Clearwater Revisited), além dos regulares do Rundgren, Kasim Sulton e Prairie Prince. Todd fez um trabalho decente copiando os estilos vocais de Ric Ocasek e Ben Orr, como ouvido em It's Alive . Este álbum ao vivo apresentou os sucessos familiares do Cars, além de "I Saw The Light" e "Open My Eyes", mas eles desperdiçaram a chance de tocar "You're All I've Got Tonight", "Bye Bye Love" e "Moving In Stereo" em ordem. Eles criaram três novas músicas; ninguém vai confundir "Warm", "More" ou "Not Tonight" com as originais de Ocasek (esta última em sua versão ao vivo ou em estúdio).

Mesmo assim, Todd parecia engajado o tempo todo, mas quando a turnê terminou, ele voltou para o Havaí e gravou seu próximo álbum completamente sozinho, novamente, em seu laptop. O resultado, " Arena" , tem um título apropriado, já que as músicas são guiadas pela guitarra, alternando rock e melancolia, mas todas pensadas para manter o público em pé e de punhos cerrados.

Mantendo a tradição do último álbum, títulos de músicas monossilábicos são a norma. A intrincada palhetada acústica em "Mad" logo dá lugar a acordes poderosos e bateria pulsante com um refrão gritado. "Afraid" remete a "Learning To Fly", do Pink Floyd, mas esta é, sem dúvida, uma música melhor no geral. Começamos a entrar em um tema, primeiro no monólogo raivoso de "Mercenary" e depois na paródia descarada de "Gun". "Courage" segue mais a linha de um hino dos anos 80 para se sentir bem, e enquanto "Weakness" ostenta riffs arrastados que sugerem outro ataque, o refrão entrega a sensibilidade. Da mesma forma, "Strike" soa familiar, até você chegar ao refrão, que quase poderia ser confundido com AC/DC.

"Pissin" derruba um caipira numa festa, mas é mixado de tal forma que a música é o foco, não a ação. Sintetizadores emolduram o arranjo de "Today", mas "Bardo" retorna ao misticismo de seus trabalhos líricos de meados dos anos 70. Para que as pessoas não pensem que está ficando profundo demais, a arrogante "Mountaintop" tem uma fábula enterrada. "Panic" aumenta a tensão mesmo quando nos diz para não fazer isso, e "Manup" é um chamado mais direto à ação.

Ele tem feito álbuns solo consistentemente solo, mas seu fascínio pela tecnologia e pela velocidade na era digital muitas vezes não foi percebido. Não é o caso de Arena — até a bateria, que é programada, soa real. O álbum pode soar grandioso e bobo em alguns momentos, mas vale a pena.

Recordando o EP homónimo dos Requiem Pelos Vivos

Recordando o EP homónimo dos Requiem Pelos Vivos.

Requiem pelos Vivos - Canção do marinheiro na TV.

Requiem pelos Vivos - No lago da avenida na TV.

Requiem Pelos Vivos (EP COMPLETO)

1. Canção Do Marinheiro

2. Romaria

3. No Lago Da Avenida

4. Canção Da Desfolhada

Grupo originário de Vila Nova de Foz Côa constituído por Carlos de Carvalho (baixo e voz), João Paulo Daniel (guitarra) e Pedro Lameirinhas (bateria).

Venceram o 4º concurso de música moderna do Rock Rendez Vous. Como prémio gravam o máxi "Requiem Pelos Vivos", produzido por Flak.

Para assinalar os seus 20 anos de carreira, os Rádio Macau lançam o “Livro Pirata” e o “CD Pirata em 2005.

Para assinalar os seus 20 anos de carreira, os Rádio Macau lançam o “Livro Pirata” e o “CD Pirata em 2005.

Rádio Macau - Disco Pirata (ÁLBUM COMPLETO) 2005

O “Livro Pirata”, escrito por um grupo de amigos dos Rádio Macau, de diferentes áreas profissionais, inclui 17 contos inspirados nas canções da banda. Os textos são acompanhados pela letra da música e por uma ilustração.

No “CD Pirata”, Os Rádio Macau editam trabalhos gravados ao vivo na década de 80 e alguns temas inéditos interpretado ao vivo. Este CD é editado com uma pequena tiragem, numa edição de autor. CD com a maioria do alinhamento do "Disco Pirata" editado originalmente em 1991.

Recordando os Corrosão Caótica.

Recordando os Corrosão Caótica.

Corrosão Caótica - Ao Vivo em Sacavém 1992 (Video)

Corrosão Caótica - Mais Uma História De Amor (Demo Completa 1989)

Corrosão Caótica - União & Okupação (EP COMPLETO) 1992

Corrosão Caótica – Corrosão Caótica [ÁLBUM COMPLETO] 1994

''Os Corrosão Caótica formaram-se em 1988, em Lisboa, por Rui (bateria) e Miguel ‘Zé Gato’ (baixo). Durante uns meses tiveram o Penas na voz e o Cruche na guitarra – essencialmente entretinham-se numa cave a fazerem covers de GBH, Disorder e Chaos UK. Em 1989 o guitarrista João e o Paulo ‘Piranha’ (voz) juntaram-se à matilha. Ensaiavam então na cave do Penas, onde também ensaiavam outras bandas, como os Atrofiados, Tropa Morta, CIAneto, Fart & Dr. Estigma. Eram então uma banda punk.

Na sua primeira demo, “Mais Uma História de Amor” (as guitarras nesta demo foram gravadas na casa de banho do guitarrista de Cianeto), fizeram uma cover dos Disorder (“The Rampton Song”), mas com uma grande lata mudaram a letra (ideia do Rui). Deram vários concertos por Portugal de norte a sul, este e oeste, e mesmo em Espanha. As bandas com quem tocavam mais eram os Fart, Tropa Morta, Subcaos, Alcoore, etc.

Já em 1991, o Bibi da Slime Records (mais tarde Ataque Sonoro) lançou o Ep “União e Ocupação”, que acabou por sair no ano seguinte. Neste período, os Corrosão Caótica tiveram uma segunda guitarra, da responsabilidade da Susana, que tocou alguns concertos com a banda, como um no Johnny Guitar no lancamento do “União e Ocupação”. No ano seguinte, gravaram uma demo em que já se nota o thrash/hardcore das barracas.

Em 1994 saiu o Zé Gato da banda para ir tocar provisoriamente para os Subcaos e pois as divergências musicais ja se notavam. Ainda gravaram um CD em 1995 antes de acabarem de vez. As suas letras falavam sobre problemas sociais, contra a exploração de animais (no single incluía um panfleto contra a tourada), contra o fascismo e algumas mais negras como o lado negro pessoal e ódio a certas coisas – por elas saiam em fanzines, revistas e jornais nacionais. Contudo, na altura, fizeram o que tinham a fazer e por uns anos ajudaram a carregar o estandarte da cena Punk/Hardcore nacional.''

(Texto original de https://www.sinfonias.org/.../209-corrosao-caotica-em... onde se pode ouvir um concerto dado pelos Corrosão Caótica em Viseu em 1993).