Há 22 anos, em 15 de junho de 2003, o Skank lançava Cosmotron, sexto álbum de estúdio da banda mineira.
Com notável influência dos Beatles e do Clube da Esquina, a obra é considerada um grande salto na carreira da banda, refletindo um amadurecimento tanto nas melodias quanto nas letras, com as canções incorporando elementos de rock psicodélico, música regional e mudanças de andamento. Produzido por Tom Capone, o disco foi gravado nos Estúdios Ferretti, do baterista Haroldo Ferreti, do Skank, em Belo Horizonte; e no estúdio Toca do Bandido, no Rio de Janeiro. A maioria das letras foi escrita pelo vocalista Samuel Rosa e o parceiro Chico Amaral, com uma parceria com Nando Reis e Lô Borges no principal single.
Cosmotron foi lançado pela Epic Records em junho de 2003 e recebeu críticas mistas a positivas da crítica, enquanto conquistou sucesso entre o público brasileiro, vendendo 250 mil cópias. O álbum foi impulsionado por três singles: "Dois Rios", "Vou Deixar" e "Amores Imperfeitos", com os dois principais ganhando o prêmio de Melhor Videoclipe Pop no Video Music Brasil (VMB) da MTV em dois anos consecutivos, em 2003 e 2004. A turnê promocional de Cosmotron levou o Skank, além do Brasil, também a Portugal, Inglaterra e Bélgica, com ainda uma apresentação no palco principal do festival de Roskilde, na Dinamarca, ao lado de grupos como Blur e Cardigans.
Há 36 anos, em 15 de junho de 1989, o Nirvana lançava Bleach, primeiro álbum de estúdio da banda americana.
O Nirvana foi formado na cidade de Aberdeen, Washington, em 1987, pelo vocalista e guitarrista Kurt Cobain e pelo baixista Krist Novoselic, passando por uma sucessão de bateristas, mais notavelmente Chad Channing -- antes de recrutar Dave Grohl em 1990. A banda se estabeleceu como parte da cena grunge de Seattle ao desenvolver um som que dependia de contrastes dinâmicos, muitas vezes entre versos calmos e altos, refrões pesados.
Após o lançamento de seu single de estreia, "Love Buzz", pela gravadora independente Sub Pop em novembro de 1988, o Nirvana ensaiou por duas a três semanas em preparação para a gravação de um álbum completo. As principais sessões de gravação de Bleach ocorreram na Reciprocal Recording em Seattle, Washington, entre dezembro de 1988 e janeiro de 1989. Foi o único álbum do Nirvana com a participação do baterista Chad Channing.
Bleach foi, também, o único álbum lançado pelo selo da Sub Pop, chegando ao mercado em junho de 1989. Não entrou nas paradas no lançamento inicial, mas foi bem recebido pela crítica. Quando reeditado internacionalmente pela Geffen Records em 1992, após o grande sucesso do segundo álbum do Nirvana, Nevermind (1991), Bleach alcançou a posição #89 na Billboard 200, #33 na UK Albums Chart e #34 na parada de álbuns australiana. As canções "Love Buzz" e "Blew" foram lançadas como singles, enquanto "About A Girl" foi promovida a single com sua versão ao vivo na MTV, em 1994.
A baixista Yolanda Charles está tocando um funk sujo
Assim como no hard rock, o funk tem sido um campo amplamente dominado por homens; no entanto, ao longo dos anos, várias artistas femininas talentosas se destacaram nesses respectivos gêneros com suas habilidades consideráveis e dons musicais inegáveis. E isso pode ser definitivamente visto entre as baixistas femininas no mundo do funk. Há uma série de baixistas femininas incríveis por aí que podem tocar tão funk quanto os meninos — e às vezes até superando seus colegas homens.
Então, em reconhecimento a essas baixistas talentosas, fiz uma lista das minhas sete baixistas femininas mais funkeiras. E além de sua destreza técnica impecável no baixo, todas as baixistas da minha lista têm um feeling natural para o instrumento e trazem toneladas de soul, paixão e funk para sua execução — porque não se trata apenas das notas que você toca, mas do sentimento que você transmite a elas. Então, sem mais delongas, aqui estão minhas sete baixistas femininas mais descoladas, sem nenhuma ordem específica:
Alissia Benveniste
Baixista Alissia Benveniste vem capturando a atenção dos fãs de funk e R&B com seu talento no baixo e habilidades impressionantes como artista ao vivo. E além de ser uma ótima baixista, a musicista suíça é uma talentosa cantora, compositora, arranjadora, produtora e líder de banda. Ela e sua banda, Alissia and the Funketeers, têm emocionado o público com seu som funk dinâmico e shows ao vivo eletrizantes. O vídeo de Benveniste tocando sua faixa original super funk "Let it Out" no Berklee College of Music tem criado um burburinho e atualmente tem mais de um milhão de visualizações no YouTube.
A carreira da jovem estudante da Berklee tem realmente explodido ultimamente. Ela foi recentemente capa da revista Bass Quarterly e trabalhou com o aclamado artista de hip-hop Q-Tip, além de ter gravado para o astro do rap Kanye West. E ela está atualmente trabalhando em seu álbum de estreia solo, que deve ser lançado ainda este ano, de acordo com seu site .
L'dia no Baixo
L'dia no Baixo (também conhecida como Lydia Kaboesj) tem funk correndo em suas veias. Ela vive e respira isso. A musicista holandesa é uma das baixistas mais incríveis da cena atualmente. Quando ela se ocupa no baixo, você não apenas ouve - você sente. E ela é uma baixista muito completa, tocando com suavidade, destreza e finesse em faixas de jazz/soul e com uma ferocidade crua nos cortes de funk contundentes.
Além de ser uma baixista habilidosa, ela é uma talentosa cantora/compositora, produtora e multi-instrumentista. Ela formou a banda cover do Level 42, Heathrow, há vários anos, e eles arrasaram cada vez que subiram no palco. Além disso, ela fez turnês extensivas pela Europa com vários artistas talentosos, incluindo o aclamado saxofonista Candy Dulfer; e ela até teve a oportunidade de tocar no palco com a lenda do baixo Larry Graham.
E L'dia não só vem recebendo o amor dos fãs de funk, mas também de músicos famosos. Por exemplo, o renomado baixista Marcus Miller (que é seu ídolo e uma de suas maiores influências) disse o seguinte sobre ela: "L'dia arrasa. Seu jeito de tocar é alegre e fonky!" Isso é um grande elogio, de fato, vindo do mestre do baixo. L'dia também dá workshops de baixo, que incluem slapping tha bass e masterclass. E ela está atualmente trabalhando em alguns novos workshops.
Além disso, ela faz shows solo ao vivo usando uma estação de loop, o que lhe permite construir um groove no palco sozinha por meio do loop de diferentes partes instrumentais. Os shows são chamados de L'dia Goes Loopy. Seu próximo show solo de loop está agendado para 28 de fevereiro de 2015, de acordo com sua página no Facebook . A musicista multitalentosa lançou dois álbuns Suleika ("Hop-'o-my-thumb") e Plonkay! E em 2012, ela lançou o single original “Little Bro”, que é uma ótima mistura de R&B/funk.
Nik West
Nik West, natural de Phoenix, Arizona, vem incendiando o mundo do funk com suas excelentes habilidades no baixo. O baixo de West é dinâmico, sólido como uma rocha e extremamente funky. A musicista vem de uma família musical e originalmente tocava violão. Mas tudo mudou quando ela descobriu o baixo no ensino médio, e ela nunca olhou para trás. E além de seus dons como baixista, ela é uma vocalista talentosa que possui uma voz poderosa e comovente. West é especialista em funk, rock e soul. E ela já trabalhou com potências musicais como Prince, Marcus Miller, Lenny Kravitz, Steven Tyler, John Mayer e Dave Stewart — todos os quais a elogiaram. O lendário funkster e baixista Bootsy Collins disse isso sobre ela: "Nik West está definitivamente trazendo de volta o groove do funk, e eu amo tudo o que ela representa!"
A impressionante e escultural musicista também é uma talentosa modelo de passarela e estamparia, tendo sido capa da revista Bass Musician duas vezes e destaque na Bass Player , Bass Quarterly Germany e Bass Magazine Japan . Ela também foi capa da revista Image & Style e fechou contratos de patrocínio com a Fender e a SWR Sound Corporation. E ela até apareceu no Glee .
West lançou seu primeiro álbum, Just In The Nik of Time , em 2011, e recentemente lançou seu novo EP Say Somethin' , uma coleção soberba de funk, soul e rock. E o fenômeno da guitarra Orianthi participa da faixa "My Relationship". Saiba mais sobre West em seu site .
Yolanda Charles
Yolanda Charles pegou o baixo aos 15 anos e não o largou desde então. A talentosa musicista nascida em Londres iniciou sua carreira como baixista de Jimmy Somerville, do Communards, e nas bandas londrinas Urban Species e Raw Sylus. E ela tocou em várias bandas de soul, reggae e funk, onde aprimorou suas habilidades nesses estilos.
Charles fez seu nome fazendo trabalhos de estúdio para vários artistas renomados e de alto nível, incluindo Paul Weller, Alison Moyet, Van Morrison, Michael Jackson, Eric Clapton, Mick Jagger, BB King, Roger Daltry e Robbie Williams. E ela se apresentou ao vivo com pessoas como Sinead O'Connor, Natasha Bedingfield, Daryl Hall e Dave Stewart. É uma prova das habilidades prodigiosas e da versatilidade de Charles no instrumento que tantos artistas aclamados e lendários a tenham recrutado para fornecer baixo para suas faixas. Sua execução é marcada por timing impecável, precisão e puro funk.
Além disso, Charles é uma cantora e compositora talentosa e compõe músicas há quase tanto tempo quanto toca baixo. Além de seus trabalhos de estúdio, Charles lidera a banda de funk-fusion The Deep MO. Em 2009, a banda lançou seu EP homônimo pelo selo de Charles, Groove4dayz Records, e lançou um álbum completo em 2012, intitulado Funk in the 3rd Quarter . Charles compôs e arranjou todas as faixas desta fantástica coletânea de 10 músicas. Atualmente, ela está gravando um EP com faixas vocais e instrumentais e trouxe alguns músicos renomados do Reino Unido e da França para o projeto. Confira algumas das músicas do The Deep Mo no site deles .
Rhonda Smith
A baixista Rhonda Smith trouxe muito funk, estilo e atitude para o grupo como integrante da banda de Prince, a New Power Generation. É praticamente desnecessário dizer que Smith é uma baixista fenomenal, considerando que ela foi integrante da NPG — uma das bandas de groove mais coesas do planeta — por quase dez anos.
Smith nasceu em Halifax, Nova Escócia, e sua família se mudou para Montreal quando ela ainda era criança. Ela cresceu em um ambiente muito musical e se interessou pelo baixo. Ela estudou performance de jazz na Universidade McGill em Montreal e começou a excursionar pelo circuito de rock local com um pequeno grupo de musicistas enquanto ainda era estudante. Essa experiência de show ajudou a aprimorar significativamente suas habilidades no baixo.
Depois de se formar, ela estava pronta para incendiar o mundo com suas habilidades no baixo e começou a trabalhar com artistas canadenses proeminentes, incluindo Claude Dubois, Daniel Lavoie, Robert Charlebois e Joanne Blouin. E ela ganhou o prestigioso Juno Award de Melhor Álbum de Jazz Contemporâneo por seu trabalho com Jim Hillman e The Merlin Factor.
Smith conheceu a aclamada baterista e percussionista Sheila E. em uma convenção de música na Alemanha, o que a levou a fazer um teste para uma vaga na banda de Prince, a New Power Generation. The Purple One gostou do que ouviu e contratou Smith na hora; ele imediatamente a colocou no estúdio gravando partes de baixo em faixas para seu próximo álbum de três discos, Emancipation , que foi lançado em novembro de 96. E além de seu trabalho com a New Power Generation, Smith se apresentou com um verdadeiro quem é quem de pesos pesados da música, incluindo Chaka Khan, Beyoncé, TI, Erykah Badu, Patti Austin, Patrice Rushen, Brenda Russell, Lee Ritenour, Larry Graham, Patti Labelle, Little Richard, Najee, Candy Dulfer, Rachel Farrell, Kirk Whalum e George Clinton.
Smith também é uma talentosa cantora e compositora e lançou dois álbuns solo: Intellipop (2000) e RS2 (2006). Ela escreveu ou coescreveu todas as faixas de ambas as coletâneas. Além disso, Smith é membro da banda feminina COED (Chronicles of Every Diva), que inclui Shelia E. e a aclamada guitarrista, vocalista e compositora Kat Dyson. Smith também toca baixo na banda de Jeff Beck. A banda tem uma turnê agendada para este ano, com início previsto para 13 de abril de 2015 no The Capitol Theatre em Port Chester, Nova York. Confira o site de Smith para mais informações sobre as datas da turnê e outras notícias sobre a musicista .
Me'Shell NdegéOcello
Não havia muitas baixistas de funk proeminentes na cena quando Me'Shell NdegéOcello explodiu no início dos anos 90. A soulster de voz sensual trouxe as baixistas de funk para a vanguarda com suas tremendas habilidades no baixo, carisma e estilo inegável. E além de suas habilidades no baixo, ela é uma vocalista, compositora e rapper talentosa. Seu som é uma mistura única de funk, jazz, reggae, soul, rock e hip hop; alguns dos temas que ela aborda nas músicas incluem raça, política, religião, homofobia e sexualidade. E a artista multitalentosa é creditada por ter ajudado a inflamar o movimento neo-soul que varreu a cena musical em meados dos anos 90. Além disso, seu sucesso sem dúvida inspirou meninas e mulheres jovens a pegar o baixo.
NdegéOcello nasceu Michelle Lynn Johnson em Berlim, Alemanha. Seu pai, Jacques Johnson, era um sargento-mor do exército e um saxofonista talentoso. Ela passou alguns anos na Alemanha antes de sua família se mudar para a Virgínia e depois para Washington, DC. E enquanto crescia em DC, ela desenvolveu um profundo interesse em música e frequentou a Duke Ellington School of Arts. Depois disso, a jovem baixista aprimorou suas habilidades no funk tocando no circuito go-go de DC no final dos anos 80. Durante esse período, ela tocou com várias bandas go-go, incluindo Prophecy, Little Bennie and the Masters e Rare Experience. E depois de uma temporada na Howard University, NdegéOcello se estabeleceu em Nova York para conferir o que a cena musical da Big Apple tinha a oferecer.
Ela acabou assinando com a gravadora Maverick Records de Madonna, onde lançou seu álbum de estreia, Plantation Lullabies , em 1993. Ela foi uma das primeiras artistas a assinar com a nova gravadora. A coleção estelar de cortes de soul, funk e jazz recebeu notas altas de publicações musicais renomadas e lhe rendeu três indicações ao Grammy. O álbum subiu para #35 nas paradas de R&B dos EUA, e seu single "If That's Your Boyfriend (He Wasn't Last Night)" alcançou a posição #73 na Billboard Hot 100. O álbum colocou NdegéOcello firmemente no mapa da cena musical R&B. No ano seguinte, ela gravou um dueto com John Mellencamp para um cover da música "Wild Night" de Van Morrison. Alcançou a posição #3 na Billboard Hot 100 dos EUA e lançou NdegéOcello no mainstream. Alguns dos outros artistas notáveis com quem ela colaborou incluem Chaka Khan, Billy Preston e Herbie Hancock.
NdegéOcello lançou onze álbuns ao longo dos anos e lançou seu álbum mais recente, Comet, Come to Me , em 2014. Ela recebeu dez indicações ao Grammy na carreira, e sua música também foi apresentada em várias trilhas sonoras de filmes.
Ida Nielsen
Prince sempre recrutou as melhores e mais talentosas instrumentistas femininas para suas bandas, uma prática que remonta ao início dos anos 1980 com sua banda Revolution, que incluía as integrantes Wendy Melvoin e Lisa Coleman. E ele continua essa prática com Ida Nielsen, que toca em sua banda New Power Generation. Ela também é membro da recém-formada banda feminina 3rdEyeGirl, do Purple One. A talentosa baixista, vocalista e compositora dinamarquesa tem feito um sucesso incrível como integrante dessas duas bandas. Seu estilo de tocar é extremamente funky, e ela consegue bater e dedilhar como ninguém — daí seus apelidos Ida Funkhouser e BASSIDA.
Nielsen começou sua jornada funky aos 16 anos, quando começou a tocar baixo. Ela frequentou a Royal Danish Academy of Music, onde se formou em baixo elétrico. Depois disso, tocou com diversas bandas antes de se juntar ao Prince; algumas dessas bandas incluíam Zap Mama e MLTR. Em 2010, Prince viu sua página no MySpace e ficou tão impressionado com suas habilidades no baixo que pediu ao seu empresário que a convidasse para uma jam session em Minneapolis. A jam session deu certo, com Nielsen se tornando a nova baixista do New Power Generation.
E em 2013, Nielsen se tornou membro da recém-formada 3rdEyeGirl. Ela tocou baixo no álbum recente de Prince, Art Official Age , bem como no álbum de estreia da 3rdEyeGirl, PLECTRUMELECTRUM . Os álbuns foram lançados simultaneamente em 30 de setembro de 2014. Nielsen lançou dois álbuns solo, Marmelade (2008) e Sometimes a Girl Needs Some Sugar Too (2011). Saiba mais sobre essa talentosa funkster em sua página do Facebook .
A superestrela do R&B Beyoncé fez jus ao seu apelido Queen Bey em um medley incrível e arrebatador de alguns dos sucessos de Stevie Wonder. Sua apresentação foi um dos maiores destaques do especial tributo repleto de estrelas Songs in the Key of Life — An All-Star Grammy Salute , que foi ao ar na segunda-feira à noite na CBS. O evento foi realizado no Nokia Theatre em Los Angeles.
Beyoncé deu início à sua apresentação em grande estilo com um andar sexy como uma diva pelo corredor em direção ao palco. E assim que ela subiu ao palco, ela surpreendeu o público com uma apresentação emocionante do clássico inicial de Stevie, "Fingertips, Pt 2". Ela foi então acompanhada pelo cantor e compositor britânico Ed Sheeran para um dueto que agradou ao público do sucesso de 1980 da lenda da Motown, "Master Blaster (Jammin')". Beyoncé encerrou o medley de nove minutos com uma poderosa interpretação de "Higher Ground", na qual trocou vocais com o aclamado guitarrista de blues/R&B/rock Gary Clark Jr., que encantou a plateia com um solo de guitarra arrasador.
A vencedora de vários Grammy dominou completamente o palco do início ao fim e demonstrou mais uma vez por que é uma das artistas/intérpretes mais talentosas e dinâmicas de sua geração.
Outros destaques da noite incluíram a empolgante interpretação de "I Wish" por Lady Gaga. Foi revigorante ver Gaga se apresentando no palco sem todos aqueles truques malucos, figurinos bizarros e teatralidade exagerada, para variar. Ela mostrou que pode eletrizar o público apenas com seu talento. Acho que trabalhar com Tony Bennett teve um efeito positivo sobre ela. Estamos vendo uma artista mais madura e segura emergir, que não sente a necessidade de ser sempre escandalosa e exagerada para capturar a atenção do público.
Além disso, o trio supertalentoso formado por India.Arie, Janelle Monáe e Jill Scott encantou a plateia com uma brilhante interpretação de "As", uma faixa do álbum de referência de Stevie, Songs in the Key of Life . Essas três moças deixaram Stevie orgulhoso com essa performance brilhante.
Outros artistas presentes no evento incluíram Annie Lennox, John Legend, Kenneth "Babyface" Edmonds, Tony Bennett, Ariana Grande, Pharrell Williams, Andrea Bocelli, Jennifer Hudson, Ne-Yo e The Band Perry. E todos os artistas deram o seu melhor no palco para esse incrível tributo especial.
E para o final, o próprio Stevie subiu ao palco para apresentar um medley de algumas de suas faixas clássicas, incluindo "Superstition", "Overjoyed", "Sir Duke", "Ribbon in the Sky" e "You Are The Sunshine of My Life". O músico multitalentoso arrasou com sua mágica e carisma de palco patenteados. O evento foi uma linda e merecida homenagem a um verdadeiro visionário e lenda da música.
O Soul Seven era uma banda de groove de Dallas que fazia funk pesado na época. O septeto funk foi formado em 1969 na pequena instituição educacional historicamente negra Bishop College, em Dallas, Texas. O grupo foi formado pelo diretor assistente da banda da faculdade, Wendell Sneed, um baterista de jazz talentoso. Ele recrutou seis alunos talentosos que estavam cursando a faculdade com bolsas de estudo em música e eram membros da banda Ambassador Marching de Bishop, que ele liderava.
Os membros do Soul Seven eram Bishop Berry (saxofone barítono), Mike McKinney (baixo), Charles Hunt (trombone), Eugene Goff (guitarra), Harold Carrol (trompete), Larry Blake (saxofone tenor) e Wendell Sneed (bateria). A banda tinha um som funk cru, sujo e sem frescuras. Eles lançaram algumas preciosidades do funk pelo selo Soultex, incluindo os instrumentais super compactos "Southside Funk", "Mr. Chicken Shit", "Everything is Everything With The Soul Seven" e "The Cissy's Thang".
Embora a faixa extremamente funk "Southside Funk" tenha sido gravada no final dos anos 1960, ela permaneceu inédita até 2001. É uma das faixas do fantástico álbum de compilação The Funky 16 Corners , lançado em 2001. A coleção de 22 músicas contém faixas raras que foram gravadas entre 1968 e 1974 por bandas de funk e soul relativamente desconhecidas dos Estados Unidos. O álbum foi lançado pelo selo independente Stones Throw Records e é definitivamente um item essencial para os amantes do funk. Ele contém ótimas músicas de muitos mestres do groove não reconhecidos, que estavam fazendo funk hardcore sem filtros no final dos anos 60 e início dos anos 70. O título do álbum foi inspirado em uma faixa da banda The Highlighters.
"Southside Funk" é uma homenagem ao lado negro de Dallas, de onde o Soul Seven veio. É um groove perverso que ostenta um baixo traiçoeiro de Mckinney e uma batida funky de Sneed. E Goff apimenta o funk com alguns licks saborosos de "chicken scratch". Além disso, os instrumentos de sopro firmes de Hunt, Berry, Blake e Carrol aumentam ainda mais o quociente funk do groove. Sonoramente, a faixa é uma referência funk à faixa "Grab That Thang", do Mar-Keys, lançada em 1965.
"Mr. Chicken Shit" é outra faixa incrível da banda. O instrumental cinético e percolante mostra o talento considerável da banda, e o de Goff serve um funk desagradável na guitarra. E "The Cissy's Thang" é simplesmente funklicious e apresenta uma bateria estelar de Sneed. A vocalista pop/R&B Christina Aguilera sampleou um trecho da faixa para seu hit de 2006, "Ain't No Other Man". "Mr. Chicken Shit" e "The Cissy's Thang" aparecem na coletânea de 2005 Cold Heat: Heavy Funk Rarities 1: 1968-1974 .
O Soul Seven se separou em meados dos anos 70, deixando para trás um ótimo funk. Uma nova geração de aficionados por funk descobriu a música da banda graças a coletâneas comoCalor Frio e os 16 Cantos Funky .
A banda italiana de rock progressivo Goblin lançou este soberbo instrumental de fusion-funk em 1976. A faixa tem uma síncope incrível e ostenta uma linha de baixo matadora. Outras coisas legais sobre este corte incluem seu trabalho de sintetizador fantástico, guitarra perversa, clavinete funky e bateria de ás. A música foi co-escrita por todos os membros do Goblin e foi apresentada em seu álbum de 1976 Roller . Esta faixa imediatamente chama sua atenção com seu som singular e sabor funk ousado. E mostra as fortes habilidades musicais da banda.
O Goblin foi formado em 1972, e os membros originais eram Claudio Simonetti (tecladista e líder da banda); Walter Martino (bateria); Massimo Morante (guitarra e vocais ocasionais); e Fabio Pignatelli (baixo). Os quatro músicos foram anteriormente membros de bandas italianas de rock progressivo. Simonetti e Martino tocaram com Ritratto Di Dorian Gray; Pignatelli fez o baixo para Rivelazioni; e Morante era um membro da banda Era di Acquario.
A banda começou com o nome Oliver, mas logo passou a se chamar Cherry Five a pedido de sua gravadora Cinevox Records; o vocalista inglês Clive Haynes foi brevemente o vocalista principal da banda e foi substituído pelo cantor italiano Tony Tartarini. O som da banda imitava bandas populares de rock progressivo britânico da época, como Yes, King Crimson e Genesis. Em 1975, o Cherry Five lançou seu álbum de estreia autointitulado pela Cinevox.
O álbum não fez muito barulho, mas chamou a atenção do diretor de cinema italiano Dario Agento. Ele recrutou a banda para terminar a trilha sonora de seu filme de terror de 1975, Profondo Rosso ( também conhecido como Deep Red ). O pianista de jazz e compositor italiano Gassini foi originalmente contratado para fazer a trilha sonora, mas Argento ficou insatisfeito com o trabalho de Gassini, sentindo que sua trilha sonora jazzística não capturava o clima certo para o filme de terror.
O Cherry Five trouxe uma sensação mais pesada e com toque de rock à trilha. E, mantendo a temática de filmes de terror, a banda renomeou-se Goblin. A banda compôs e interpretou todas as músicas da trilha sonora, exceto três faixas que sobraram da trilha sonora de Gassini. O filme se tornou um grande sucesso, e a trilha sonora da banda liderou as paradas italianas, vendendo mais de um milhão de cópias.
A trilha sonora estelar de Goblin desempenhou um papel significativo no sucesso do filme. Profondo Rosso é agora considerado um clássico do cinema de terror. A banda embarcou em uma turnê para promover a trilha sonora de grande sucesso de Profondo Rosso . No entanto, Martino e Tartarini deixaram a banda pouco antes do lançamento da turnê. Martini saiu para formar sua própria banda, Libra, e foi substituído pelo baterista Agostino Marangolo, que já havia tocado com as bandas Flea e Etna.
Argento ficou muito impressionado com o trabalho de Goblin em Profondo Rosso.trilha sonora que ele trouxe para a banda para compor vários de seus outros filmes de terror, incluindo Suspiria (1977), que é elogiado como o trabalho mais aclamado pela crítica de Goblin. E como na colaboração anterior de Dario e Goblin, tanto o filme quanto a trilha sonora tiveram um desempenho extremamente bom comercialmente.
A obra de Goblin consiste principalmente em trilhas sonoras de filmes de terror, que era seu forte e pelo qual eles são mais conhecidos. Roller (1976) é um dos poucos álbuns sem trilha sonora dos Goblin. Durante a gravação de Roller , a banda adicionou outro membro, o tecladista Maurizio Guarini. Mundialmente, a banda é provavelmente mais reconhecida por sua trilha sonora para Madrugada dos Mortos
(1978), de George A. Romero , que foi a sequência do clássico de 1968 do mestre do terror, A Noite dos Mortos-Vivos . O filme foi coproduzido por Romero e Argento. Tanto o filme quanto a trilha sonora tiveram grande sucesso comercial internacionalmente. A trilha sonora tem duas versões diferentes, uma é a versão italiana completa que Argento usou; e a outra é a versão americana/Romero, que cortou grande parte da trilha sonora com toques de rock do Goblin e a substituiu por música orquestral padrão. O Goblin gravou vários álbuns — a maioria trilhas sonoras de filmes de terror — ao longo dos anos e passou por várias mudanças de pessoal e encarnações. Nas últimas duas décadas, a produção musical da banda tem sido esporádica, na melhor das hipóteses. No entanto, nos últimos anos, o Goblin desfrutou de uma espécie de renascimento. A banda tem estado bastante ativa ultimamente, em turnês intermitentes desde 2009. De acordo com o site do Goblin, a formação atual da banda é a seguinte: Massimo Morante (guitarra), Fabio Pignatelli (baixo), Maurizio Guarini (teclados), Agostino Marangolo (bateria) e Aidan Zammit (teclados). Em outubro do ano passado, o Goblin anunciou planos para lançar um álbum de novo material, intitulado Four of a Kind . A banda lançou uma campanha de financiamento coletivo através do site Pledgemusic.com para ajudar na conclusão do álbum.
Os Ohio Players tiveram uma sequência extremamente produtiva de cinco anos, de 1972 a 1977. Durante esse período frutífero, a banda de R&B/funk criada em Dayton lançou uma quantidade insana de ótimas músicas — incluindo várias faixas que se tornaram clássicos do funk e do R&B. Um desses clássicos do funk é a incendiária faixa-título do álbum Fire (1974), que liderou as paradas de platina da banda. O estrondoso sucesso do funk/dance lotou as pistas de dança dos EUA naquela época e iluminou as ondas do rádio.
"Fire" tem um arranjo rítmico único que é simultaneamente explosivo e hipnótico. Também tem um trabalho de sopro preciso, um breakdown de percussão de arrepiar e um refrão poderoso. E o vocalista/guitarrista Sugarfoot traz um toque de rock à mistura com um solo de guitarra escaldante. Além disso, a sirene do caminhão de bombeiros na introdução da música é um toque agradável. A faixa, escrita por todos os membros da banda, liderou as paradas de singles pop e R&B nos Estados Unidos e vendeu um milhão de cópias.
"Smoke" é outra faixa funk incrível do álbum Fire . Este corte borbulhante e vibrante faz uma provocação amigável aos fumantes inveterados e aborda como o hábito pode causar sérios danos à saúde. A música ostenta um arranjo de instrumentos de sopro ridiculamente funky. E no espírito de sucessos do Ohio Player como "Funky Worm", "Jive Turkey" e "Fopp", a faixa contém o humor bobo característico da banda.
O álbum também contém a balada luminosa "I Want to Be Free", onde Sugarfoot entrega uma performance vocal principal impecável. E os vocais de fundo em falsete sedoso elevam a faixa aos céus. Além disso, James "Diamond" Williams arrasa na bateria com algumas viradas fantásticas. Os Ohio Players alcançaram um público totalmente novo com esta jam lenta clássica quando foi apresentada em uma cena do filme de 1997 aclamado pela crítica de Paul Thomas Anderson, Boogie Nights . A música teve um bom desempenho nas paradas, chegando ao 6º lugar na parada de singles de R&B dos EUA e ao 44º lugar na parada de singles pop dos EUA. Esta é definitivamente uma das melhores baladas da banda - uma verdadeira joia.
"Runnin' From the Devil" é uma faixa de funk cinética e de alta energia sobre lutar contra seus demônios, pecados e tentações. A música termina com um ótimo breakdown de metais/percussão que soa como um carro de palhaço de circo indo embora.
"What The Hell" é uma faixa de rock estridente e caótica sobre o estado turbulento do mundo. A música apresenta um trabalho de guitarra alucinante de Sugarfoot, e a ponte jazzística fornece um bom contraste com o groove principal desenfreado. Este corte fantástico é muito eficaz em transmitir musicalmente puro pandemônio.
E além de "I Want to Be Free", as outras duas jams suaves do álbum são "Together" e "It's All Over". "Together" é uma doce canção de amor que ostenta um esplêndido trabalho de teclado de Billy Beck. Suas linhas de sintetizador crescentes complementam bem os vocais de falsete suaves, e seu trabalho no piano também é de primeira qualidade. E a adorável balada "It's All Over" tem uma vibe bacana dos anos 1950.
Fire é uma coleção maravilhosa de faixas de funk e soul que não só mostrou a considerável habilidade da banda como músicos, mas também suas impressionantes habilidades de composição e produção. (A banda escreveu e produziu todas as faixas do álbum.) E os dois sucessos do álbum, "Fire" e "I Want To Be Free", encapsulam a dupla força da banda: a capacidade de criar baladas maravilhosas e grooves irresistíveis e superfunky. O álbum também tem um conceito discreto interessante que toca no fogo do inferno e em Satanás.
Fire captura o Ohio Players no auge da carreira e é um dos álbuns de maior sucesso da banda, tanto em termos de crítica quanto de público. O álbum alcançou o topo das paradas de pop e R&B nos EUA, permanecendo no topo da parada de R&B por cinco semanas. Também foi disco de platina (um milhão de cópias vendidas).
A formação da banda na época do lançamento do álbum era a seguinte: Leroy “Sugarfoot Bonner (guitarra, vocal principal e de apoio); William “Billy” Beck (piano, órgão, piano Fender Rhodes, sintetizador, clavinete, percussão, vocal principal e de apoio); Marshall Jones (baixo); James “Diamond” Williams (bateria, congas, flugelhorn, timbales, percussão [Gong], percussão [Diversos], vocal principal e de apoio); Clarence “Satch” Satchell (percussão, saxofone tenor, saxofone barítono, saxofone soprano, vocal principal e de apoio); Ralph “Pee Wee” Middlebrooks (trompete, trombone e vocal de apoio); e Marvin “Merve” Pierce (flugelhorn, trombone, trompete).
Prince e sua nova banda, 3RDEYEGIRL, lançaram recentemente um cover da música cristã "What If". A música foi originalmente escrita e interpretada pela cantora e compositora cristã Nichole Nordeman e foi um single de seu álbum Brave (2005). The Purple One e seu talentoso trio feminino deram seu próprio toque musical à música. Sua interpretação tem um sabor de rock mais dinâmico e hard-edged — com guitarras mais altas — do que o original. O cover também é mais eletrônico. No entanto, eles mantiveram todas as letras do original intactas. Prince e a baterista do 3RDEYEGIRL, Hannah Welton, dividem os vocais principais na música. Nordeman disse que a música é sobre o "amor transformador de Jesus".
Prince estreou a música em uma estação de rádio local em Louisville, Kentucky, onde ele e o 3RDEYEGIRL lançaram a parte americana de sua turnê Hit & Run em 14 de março no Louisville Palace. Foi o primeiro de quatro shows no local. (Mais datas da turnê serão anunciadas nos próximos dias.) E começar a turnê em Louisville teve um significado especial para Welton, que é natural de Louisville. As outras duas integrantes do 3RDEYEGIRL são Ida Nielsen (baixo) e Donna Grantis (guitarra).
Não é de se surpreender que Prince tenha feito um cover de uma música cristã. Sempre houve um elemento religioso em sua música, mesmo durante seu período selvagem e ousado de transgressão de gênero em Purple Rain. Sua fusão de sexo e espiritualidade em sua música é uma das coisas que o tornaram um artista tão intrigante e provocativo.
A espiritualidade de Prince se tornou mais pronunciada desde que ele se converteu à fé das Testemunhas de Jeová em 2001. Ele é um seguidor devoto da fé e até fez proselitismo de porta em porta em seu nome. Deve ter sido uma viagem e tanto para aquelas pessoas desavisadas cujas casas Sua Alteza Real visitou.
Nordeman é um conhecido artista americano de música cristã contemporânea. Ela ganhou vários prêmios Dove da Gospel Music Association. Atualmente, está em turnê e tem algumas datas marcadas para abril deste ano.
O mais próximo do Rock Progressivo no final dos anos 1960 na Espanha foi a banda madrilenha LOS RELÁMPAGOS. Eles tocavam Surf Rock instrumental com destaque para o som do órgão elétrico. A banda teve algum sucesso com a fusão de Rock dos anos 1960 com a Música Clássica dos compositores espanhóis Albéniz, Turina e Granados.
A ditadura de Francisco Franco e sua influência nas artes:
Francisco Franco foi um general espanhol que liderou um golpe militar contra a República Espanhola na década de 1930, tornando-se ditador do país até 1975, ano em que faleceu. A ditadura imposta por Francisco Franco recebeu o nome de franquismo e só se encerrou com a morte de seu líder. Uma característica marcante da ditadura franquista foi a repressão às minorias culturais da Espanha. Por ser um regime nacionalista, Franco perseguiu minorias étnicas da Espanha, como os catalães e os bascos. Então é quase impensável que bandas de Rock com expressões artísticas contrárias ao regime se sobressaíssem.
Apesar dessa situação política (antes de 1975) com seu fim, a Espanha desenvolveu uma das cenas de Rock Progressivo mais distintas do mundo. Muitas bandas estiveram envolvidas nas fusões do Rock Progressivo com o flamenco e as formas musicais tradicionais espanholas.
Gravadoras:
Duas gravadoras tiveram profunda influência no Rock Progressivo espanhol. O produtor Gonzalo García-Pelayo Segovia iniciou o selo Gong em 1974. Este selo madrilenho de propriedade da Movieplay lançou muitos dos artistas mais conhecidos da década, incluindo TRIANA (Sevilha), GOTIC (Barcelona), GRANADA (Madrid), Gualberto ( Sevilha), a banda de Folk-Rock TÍLBURI (Madrid) e GOMA (Sevilha).
Outra gravadora essencial foi a Chapa-Zafiro, de Madrid, que lançou álbuns do BLOQUE (Torrelavega), ASFALTO (Madrid), CRACK (Gijón), MEZQUITA (Córdoba), já nos últimos anos da década de 70.
Em Barcelona, o selo Edigsa concentrou-se em cantores e compositores, Jazz latino e Rock catalão, com álbuns de COMPANYA ELÉCTRICA DHARMA, SECTA SÓNICA, influenciados pela sardana, e do tecladista de Jazz-Rock/Fusion Jordi Sabatés.
As bandas pioneiras do Prog espanhol incluem LOS MÓDULOS (Madri), FUSIOON (Barcelona) e SMASH (Sevilha). LOS MÓDULOS rapidamente se tornou um grupo de baladas Pop românticas no topo das paradas e há muito poucos vestígios de seu palco de Rock Progressivo. O FUSIOON gravou vários álbuns: "Fusioon" (Belter, 1972), "Fusioon 2" (Belter, 1973,1974) e "Minorisa" (Ariola, 1975).
O SMASH Smash lançou "Glorieta de los lotos” (Philips Records, 1970) e "We come to smash this time"(Philips Records, 1971). Depois de deixar o SMASH, um de seus fundadores, o sitarista Gualberto, gravou vários álbuns solo combinando Rock Progressivo, Flamenco e música indiana: A "La Vida, Al Dolor" (Movieplay, 1975); "Vericuetos" (Movieplay, 1976); "Otros Dias" (Movieplay, 1979) e "Gualberto y Agujetas" (Movieplay, 1979).
Rock Progressivo encontra o Flamenco (Rock Andaluz):
No sul da Espanha, várias bandas inspiradas em artistas britânicos e americanos desenvolveram o Rock Andaluz, uma fascinante mistura de Rock com Flamenco. Em muitos casos, essas bandas se aventuraram no Rock Progressivo.
O IMÁN CALIFATO INDEPENDIENTE revolucionou a música espanhola com uma fusão de sons de Rock Progressivo, Flamenco, árabe e Jazz. O IMAN lançou apenas dois álbums: "Imán, Califato Independiente" (CBS, 1978) e "Camiño del Águila" (CBS, 1980).
CAI, incorporou Rock Progressivo, Jazz-Fusion com o Flamenco. O seu jovem tecladista, Chano Dominguez, tornou-se o principal pianista de Jazz da Espanha e é conhecido por suas brilhantes fusões de Flamenco, música andaluza e Jazz. O CAI lançou vários álbums, sendo os mais interessantes: "Más Allá de Nuestras Mentes Diminutas" (Trova Records) em 1978, "Noche Abierta" (1980) e "Canción de La Primavera" (1981).
TRIANA foi formado em 1974 como um trio composto pelo vocalista e organista Jesús de la Rosa Luque, o guitarrista Eduardo Rodríguez Rodway e o baterista Juan José Palacios, mais conhecido como Tele. Lançaram seu álbum de estréia sem título (apelidado de "El patio") no ano seguinte, apresentando um som que mesclava elementos da Música Flamenca com o Rock Progressivo e Psicodélico. Apesar de um fracasso comercial, o álbum rendeu à banda um público cult entre os jovens espanhóis que, após a queda tardia do fascismo no país, estavam interessados nos temas subversivos do Rock (especialmente o Rock Psicodélico) apresentados na música de TRIANA. Em 1977, lançaram seu segundo álbum, "Hijos del agobio", que foi um sucesso comercial maior do que a sua estréia e foi notável por suas letras politicamente envolvidas, que refletiam a natureza tensa e instável do clima político da Espanha na época. Seu terceiro álbum, "Sombra y luz", foi lançado em 1979, contendo elementos de Jazz e foi certificado de platina pelo AFYVE.
Em 1980, o TRIANA lançou seu quarto álbum, "Un encuentro", que demonstrou um som muito mais comercial e influenciado pelo Pop Rock. Seu acompanhamento, "Un mal sueño", de 1981, apresentava um som similar, assim como seu sexto álbum, "Llegó el día" de 1983. Logo após o lançamento de "Llegó el día", De la Rosa Luque morreu em um acidente de carro, e a banda posteriormente anunciou seu rompimento.
ALAMEDA é de Sevilha e sua história começa em 1977, quando quatro músicos do Conservatório de Música durante o ano letivo 1977/78 - depois de várias experiências em diferentes grupos - decidiram juntar-se e formar um grupo que chamariam de ALAMEDA. Depois de alguns anos se apresentando na Andaluzia, decidiram gravar uma demo nos estúdios de Ricardo Pachon em "El Aljarafe" no início de 1979 e ir de casa em gravadora para tentar a sorte. Felizmente a CBS os contratou pela mão de Gonzalo Garcia Pelayo e com uma capa desenhada por Maximo Moreno, o mesmo desenhista da banda TRIANA, entraram nos estúdios AudioFilm de Madrid para gravar o que seria seu autointitulado álbum de estréia, do mesmo ano do lançamento de "Sombra y Luz" de TRIANA.
A aposta musical do ALAMEDA foi o chamado Rock Andaluz, aquele estilo que TRIANA vinha desenvolvendo desde o seu "El Patio", ou seja, misturando e fundindo flamenco, copla e clássicos andaluzes com o Rock Sinfónico anglo-saxão do PINK FLOYD, GENESIS, YES e KING CRIMSON. Sofreram injustamente por estar na sombra de TRIANA, primeiro porque eram mais populares que eles, o que também os beneficiou de alguma forma e, segundo, porque foram acusados de brincar ou imitar TRIANA, uma questão que não pode ser completamente negada. "Luz y Sombra" de TRIANA, gravado nos Estúdios Sonoland no final de 1978 e início de 1979, contou com a presença de José Roca nas guitarras elétricas e Manuel Rosa no baixo, ambos músicos do ALAMEDA.
Além do autointitulado álbum de estréia, lançaram vários álbums em sequencia: "Misterioso Manantial" (1980), "Aire Cálido de Abril" (1981) e "Noche Andaluza" (1983).
MEDINA AZAHARA foi formado em 1979 em Córdoba, Andaluzia, por Manuel Martínez (vocal), Pablo Rabadán (teclados), Manuel S. Molina (baixo), José A. Molina (bateria) e Miguel Galán (guitarra). Logo após sua formação tiveram a oportunidade de gravar seu primeiro long play, lançado em 1979 pela CBS, e autointitulado, que reflete as influências da banda, mesclando o Hard Rock de nomes como DEEP PURPLE ou RAINBOW com características típicas do Rock Sinfônico, e do já citado Rock andaluz praticado por grupos como TRIANA, que tem sido uma das maiores influências no estilo de MEDINA AZAHARA. Nesse álbum estava o hit "Paseando por La Mezquita", que se tornou um hino do grupo, a tal ponto que o mesmo álbum ficou conhecido como "Paseando por La Mezquita".
Continuando na mesma linha do álbum de estreia, criaram um segundo álbum intitulado "La esquina del viento", lançado em 1981. Depois veio "Andalucía" em 1982, mas a cena do Rock Andaluz e a sua popularidade começaram a declinar, ficando para trás, com o consequente declínio comercial, o que provocou um descanso produtivo de discos, ao mesmo tempo que se dissociaram da CBS, embora MEDINA AZAHARA continuasse as suas atividades.
Madrid: caldeirão de Rock Progressivo
LOS CANARIOS Inicialmente uma banda de Rock e Blues formada nas Ilhas Canárias, mudou-se para Madrid. Liderados por Teddy Bautista, OS CANARIOS lançou uma das obras-primas do Rock Progressivo espanhol, um álbum duplo intitulado "Ciclos"(Ariola Records, 1974) vagamente baseado nas "Quatro estações de Vivaldi".
GRANADA Essa banda se tornou uma banda chave na cena do Rock Progressivo espanhol. O nome da banda não veio da cidade de Granada, mas da Romã, que se chama Granada em espanhol. Liderada pelo multi-instrumentista madrilenho Carlos Cárcamo, inicialmente mostrou influências andaluzas e até elementos de Folk-Rock americano em "Hablo de una tierra" (1975) e "España, año 75" (1976). No entanto, GRANADA introduziu mais tarde mais teclados e elementos clássicos e no último e melhor álbum, "Valle del Pas" (1978), as raízes espanholas migraram para as regiões do norte de Espanha, mostrando influências da música celta, incluindo o uso de gaita de foles.
AZAHAR Outra banda sediada em Madrid, com músicos da Espanha, Egito e América do Sul. Inicialmente usaram dois tecladistas e nenhum guitarrista. A música era uma mistura de Rock Progressivo com influências árabes, andaluzas e psicodélicas. Lançaram "Elixir" (Movieplay, 1977) e "Azahar" (Movieplay, 1979).
ASFALTO Outra banda de Madrid e uma das melhores bandas de Hard Rock da Espanha, gravando um álbum de rock progressivo intitulado "Al Otro Lado" (Chapa Discos, 1978). Mais tarde, ex-músicos do ASFALTO formaram o Topo. Seu primeiro álbum, intitulado "Topo", é considerado um álbum de Prog, porém mais tarde, seguiram na direção do Hard Rock.
ÑU Liderado por José Carlos Molina, flautista muito parecido com Ian Anderson, foi claramente influenciado por JETHRO TULL. Outras influências musicais incluíram Música Medieval, celta e Hard Rock. O álbum mais "Progressivo" do ÑU foi "Cuentos de ayer y de hoy" (Chapa Discos, 1978).
AZABACHE Em 1978, o AZAHAR dividiu-se ao meio. Antonio Valls e Dick Zappala continuaram com a banda. O baixista e guitarrista Jorge ‘Flaco’ Barral e o tecladista Gustavo Ros formaram um novo grupo de rock progressivo chamado Azabache. A banda foi completada com o guitarrista Daniel Henestrosa e o baterista Ricardo Valle. Azabache lançou Días de Luna (Movieplay, 1979). Ricardo Valle deixou a banda e Flaco Barral recrutou o também baterista uruguaio, Hermes Calabria. Miguel Torres também se juntou a Azabache na voz e flauta. Lançaram “No, Gracias” (Movieplay, 1980). A banda se separou em 1981.
Barcelona: Rock Progressivo e Fusion
Durante a década de 1970, os músicos da região de Barcelona pareciam mais interessados no Fusion e no Jazz latino, e três bandas se destacaram: FUSIOON, ATILA e ICEBERG. O ATILA cantava em catalão e tinha influência de Música Clássica.
ICEBERG foi uma banda formada por músicos experientes de Rock, Pop e Jazz. Seu primeiro álbum, "Tutankhamon" (Serdisco, 1975) foi um álbum conceitual com letras em espanhol, mas o Jazz estava no sangue dos músicos e rapidamente se tornou uma das principais bandas de Fusion da Espanha. A banda ainda lançou "Coses Nostres" (1976), "Sentiments" (1977) e "Arc-en-ciel" (1979). Em 1980, o ICEBERG se separou e deu lugar a outra banda de Fusion chamada PEGASUS.
O GOTIC tinha um flautista principal e misturava Rock sinfônico e Jazz-Rock com elementos Folk. Seu álbum "Escenes", lançado em 1978, tinha na formação: Rafael Escoté no baixo, Jordi Martí na bateria, Jep Nuix na flauta, Jordi Vilaprinyó nos teclados, Josep Albert Cubero nas guitarras e Jordi Vidal nos efeitos. A arte da capa do álbum emulava o estilo de Roger Dean.
Outra banda frequentemente associada ao Rock Progressivo foi a COMPANYA ELECTRICA DHARMA que combinava Rock com elementos de Jazz e Música Folk catalã, usando a trompa tenora como principal instrumento solo. Seu estilo às vezes era chamado de Rock Sardana (Sardana é a dança Folk mais popular na região catalã).
As Bandas do Norte:
CRACK e BLOQUE são duas bandas do norte da Espanha que lançaram álbuns essenciais durante a década de 1970.
O efêmero CRACK (de Gijón, região das Astúrias) lançou "Si todo hiciera Crack", um álbum espetacular que, ao contrário de outras bandas espanholas, trazia influências do Rock Progressivo Italiano e britânico.
BLOQUE, de Torrelavega (Cantábria), teve uma carreira mais longa e lançou vários bons álbuns Progressivos, incluindo "Bloque" (Chapa/Zafiro, 1978), "Hombre, Tierra y Alma" (Chapa/Zafiro, 1979), "Música para la libertad" (1981) e "En Directo" (1999). O BLOQUE era muito popular em toda a Espanha graças às extensas turnês.
No País Basco, os grupos mais interessantes foram ITOIZ e ERROBI.
ITOIZ lançou dois bons álbuns de Rock Progressivo, "Itoiz" (1978) e "Ezekiel" (1980). Os membros da banda incluíam Joseba Erkiaga (flauta), Estanis Osinalde (bateria), Juan Carlos Perez (guitarra e voz), Jose Garate (baixo) e Jose Antonio Fernandez (teclados).
ERROBI lançou uma das melhores gravações de Rock Progressivo basco: "Ametsaren Bidea" (1979). Este álbum fundiu Rock Progressivo com música Folk basca. A formação incluía Beñat Amorena (bateria e voz), Mikel Ducau (voz e guitarra e teclado), Anje Duhalde (guitarra e voz) e Mikel Halty (baixo).
Uma banda de curta duração da Cantábria chamada IBIO introduziu elementos da música folclórica cantábrica e lançaram seu único álbum "Cuevas de Altamira". O álbum, praticamente instrumental, oferece um Rock Progressivo agradável com elementos sinfônicos. Além disso, algumas influências folclóricas do norte da Espanha são reconhecíveis aqui e ali.
O ENBOR é outro grupo basco que se beneficiou do deslocamento do regime de Franco em 1975. De fato, as minorias "étnicas" não foram realmente autorizadas a expressar suas diferenças sob a ditadura do líder fascista e, uma vez que a Espanha se tornou uma democracia, as três províncias bascas reivindicaram mais autonomia, não apenas política, mas também cultural. Então, um grupo popular de Folk Rock apareceu em cena, cantando sua liberdade em sua língua nativa e provavelmente promovendo o espírito de independência também, muito parecido com o que estava acontecendo em Quebec ao mesmo tempo. Em alguns anos, grupos como HAIZEA, ERROBI, ITZIAR, IZUKAITZ, LISKER, ENBOR, GURE BIDEA e EIDER apareceram em cena nos três anos seguintes, reivindicando sua liberdade na veia do Folk Rock, embora todos eles cultivassem suas próprias particularidades (sentido de identidade). O ENBOR lançou "Enbor" em 1979 e "Katebegiak" em 1980.
A cena Prog em Valência:
Sendo uma das maiores cidades de Espanha, Valência também teve a sua cena de Rock Progressivo. Os artistas mais conhecidos foram COTÓ EN PEL, TARÁNTULA e Eduardo Bort.
COTÓ EN PEL lançou apenas um álbum: "Holocaust" (Dial Discos/Nevada, 1978). A formação incluía Pep Llopis no órgão, sintetizador, mellotron e voz; Carles Pico na guitarra elétrica, violão; Vicent Cortina na bateria, percussão; e Paco Cintero no baixo, corneta e voz.
TARÁNTULA foi formada em 1973 e lançou um álbum de estréia autointitulado em 1976 pelo selo Chapa de Zafiro. A formação incluía Vicente Guillot nos teclados, Miguel Izquierdo na bateria, José Pereira no baixo, Herminio Barranco na guitarra e El Ferro (Alfonso) na flauta. O segundo álbum apresenta uma formação diferente e é essencialmente um álbum de Pop-Rock.
MEDITERRANEO é de Alicante (uma cidade do sudeste da Espanha, próxima de Valência). Antes de se tornar conhecido por seus álbuns mais comerciais, a banda lançou dois álbums que estão na linha do Rock Progressivo. A banda surgiu no início dos anos 70, encabeçada pelo tecladista/vocalista Victor Carratala e o baterista Alfonso Linares.
Por causa da ditadura, que na época era regra na Espanha, a banda mudou de nome várias vezes, HUEVO FRITO e MANDRAGORA, por exemplo, no entanto, ela não gravou nada sob esses nomes. A segunda metade e o final dos anos 70 tornou-se o período mais intenso e neste momento, aconteceram numerosos concertos, várias participações em festivais e performances em clubes. Através da pequena gravadora local Aphrodita, decidiram gravar e lançar seu álbum de estréia, "Estrechas calles de Santa Cruz", em 1978.
Década de 1980:
Como em outros países, o início da década de 1980 foi uma época muito difícil para o Rock Progressivo na Espanha. Muitas das melhores bandas se separaram e a atenção das gravadoras e críticos musicais estava voltada para o Punk Rock e a New Wave (chamada nueva ola em espanhol). Madrid era o ponto focal do mundo da música espanhola e o seu próspero cenário artístico era conhecido como “la movida” madrileña. Este movimento incluiu não apenas músicos, mas também pintores, artistas gráficos e cineastas como Almodóvar.
No entanto, o Rock Progressivo voltou, alimentado pelo interesse renovado, a Espanha viu um ressurgimento de bandas de Rock Progressivo, sendo as principais deste período: GALADRIEL (Madrid), HARNAKIS (Barcelona), ONZA (Jerez de la Frontera, no sul de Espanha), MASCARADA (Madrid), ALTAIR e ISHTAR.
