Letras engraçadas ou de duplo sentido, com uma interessante instrumentação.
Gravado no Rio de Janeiro – RJ.
Manhoso – A força da mandioca 1977 – RCA
01 Briga na Estação do Encantado (Rouxinol/Manhoso) 02 Leite de Mutuca (Izaias Pires/Manhoso) 03 Trem da Central (Lourival de Carvalho/Jorge de Carvalho) 04 Bruxa Feiticeira (Tony Rio/Manhoso/Alice Souto) 05 A Minha Sombra (Lourival de Carvalho/Manhoso) 06 O Divórcio (Fernando Sanxo/Mauro) 07 A Força da Mandioca (Fernando Sanxo/Roberto Machado) 08 O Boi Astronauta (Tony Rio/Manhoso) 09 Você Chorou (Nem/Ed Elias) 10 Não Vem Montando Não (Tony Rio/Manhoso) 11 Os Vendedores da Cidade Grande (Fernando Sanxo/Nilda Ribeiro/Magda) 12 Linguiça de Língua (Raul Torres)
Um disco interessante, sem data, no qual a gravação parece ter sido realmente feita ao vivo.
A faixa 09 tem o título de “São João na roça” e “Adeus Jacobina”, mas na verdade é um pot pourri de “Pagode russo”, “Olha pro céu” e “Adeus Jacobina”.
Henauro – Aniversário no forró EAE
01- Festa de aniversário (Henauro) 02- Mulher Dengosa (Renato Leite) 03- Chegança (Henauro) 04- Quem vai dar o Beliscão (Renato Leite) 05- Gato de botina (Renato Leite) 06- Canoa furada (Renato Leite) 07- Homenagem a Padre Cicero (Henauro) 08- Dona Chiquinha (Henauro) 09- São João na roça – Adeus Jacobina (Luiz Gonzaga – Waldete) 10- Elas e Elas (Enoque Gomes) 11- Sapato de sola (Henauro)
No último Halloween, no meu post sobre Forever Is Forgotten , mencionei melancolicamente que provavelmente seria a última vez que eu postaria algo do Oneiroid Psychosis, "a não ser pela remota possibilidade de finalmente encontrar uma cópia de Death in Utero [...] ou pela ainda mais remota possibilidade de um novo álbum". Em 24 horas, consegui uma cópia de Death in Utero , e eles lançaram um novo álbum. Aparentemente, eles estavam fazendo um crowdfunding para ele e eu perdi tudo. Então, o que estou tentando dizer é: eu sou Deus.
Ah, e a música? É bem parecida com os dois primeiros discos deles — imponente, cheia de sintetizadores e sombria —, mas o drama do terror é menos exagerado e, como seria de se esperar de uma fita demo, tem aquela distorção lo-fi que todos nós adoramos. Lançada antes de adicionarem a parte "Oneiroid".
Peças experimentais e lúdicas do compositor escocês Ron Geesin. Uma série de movimentos interconectados, porém distintos, que consistem em sintetizadores em camadas, guitarras dissonantes, loops de fita repletos de ruído, gravações de campo, música concreta , palavra falada, coros demoníacos e muito mais. Conheci Geesin, como tenho certeza de que muitos conheceram, por meio de seu trabalho com o Pink Floyd — além de arranjar os elementos sinfônicos de "Atom Heart Mother", ele colaborou com Roger Waters em Music from The Body — e fiquei agradavelmente surpreso ao descobrir que seu trabalho fora dessas colaborações era igualmente desconcertante, mas com um senso maior de propósito absurdista, talvez?
Aqui está "Zebra", do baterista Jack DeJohnette e do trompetista Lester Bowie. Músicas atmosféricas, com sintetizadores e ritmos lentos, que incluem solos errantes e elegantes sobre grooves descontraídos, esparsos e, às vezes, com sonoridade africana. Sem contar este, já postei pelo menos 10 álbuns com Jack DeJohnette, então já estava na hora de gravar um de seus discos solo.
Dois EPs de techno ansioso, repetitivo e com pegada industrial, deste pseudônimo de James Shaw, mais conhecido por seu outro projeto, Sigha. Batidas distorcidas no início, um vazio industrial reverberante à espreita nos cantos. Vibrações noturnas que abraçam o vazio.
Este episódio da série Invasão Britânica de 1964 foca em três cantoras, todas iniciando suas carreiras naquele ano agitado para a música britânica, e todas muito jovens. Começamos com a mais velha, com pouco menos de dezoito anos quando seu primeiro single foi lançado.
Marianne Faithfull – As Tears Go By
Marianne Faithfull conheceu Andrew Loog Oldham em uma festa destinada a lançar a carreira da cantora Andrienne Posta em março de 1964. Oldham, o produtor de Posta, estava presente, assim como Paul McCartney e membros dos Rolling Stones. Faithfull relembra a ocasião: “Eu não dava a mínima para Mick ou os Rolling Stones, mas o urbano e exótico Andrew Loog Oldham era completamente diferente. Gostei dele instantaneamente. Ele estava me encarando do outro lado da sala, sussurrando comentários conspiratórios para seu parceiro no crime, Tony Calder.” Oldham relembrou a mesma ocasião sem rodeios: “Eu vi um anjo com peitos grandes e a contratei.” Quando pressionado a elaborar, acrescentou: “No momento em que a avistei, reconheci minha próxima aventura, uma verdadeira estrela. Em outro século, você teria zarpado para ela; em 1964, você a gravaria.”
Marianne Faithfull com Andrew Loog Oldham
Não se passou uma semana antes que o anjo de 17 anos estivesse no estúdio de gravação pela primeira vez na vida. Estavam presentes Mick Jagger e Keith Richards, tímidos e quietos na presença do mestre de cerimônias Andrew Loog Oldham. Havia também uma orquestra completa, diante da qual Faithfull teve que ficar de pé e cantar uma tomada perfeita. Uma verdadeira iniciação. A sessão começou com uma música chamada "I Don't Know How (To Tell You)", escrita por Lionel Bart, criador do musical de sucesso Oliver! alguns anos antes. A cantora lembra: "Era uma daquelas músicas do showbiz que precisavam do registro certo. Minha voz estava simplesmente errada. Fizemos tomada após tomada agonizante. Os músicos estavam ficando inquietos, mas eu simplesmente não conseguia fazer isso." Oldham então sugeriu que eles passassem para a música que ele planejava para o lado B, escrita pelos dois jovens Rolling Stones aconchegados em um canto. Chamava-se "As Tears Go By", sua primeira tentativa de composição.
Marianne Faithfull, Pop Weekly, novembro de 1964
Em sua autobiografia, Faithfull relembrou aquele momento: “Andrew tocou para mim uma demo com Mick cantando e Big Jim Sullivan na guitarra. Esta foi a primeira música que Mick e Keith escreveram. Andrew os trancou na cozinha e disse: 'Escrevam uma música, volto em duas horas'. Andrew deu a eles o sentido e a sensação do tipo de coisa que ele queria que escrevessem – 'Eu quero uma música com paredes de tijolos ao redor, janelas altas e sem sexo' – e eles criaram uma música chamada 'As Time Goes By'. Andrew sabia muito sobre a construção de músicas e, embora ainda estivesse em um estado muito primitivo, ele sabia que poderia consertá-la. Havia outro problema: o título. Era o título de uma música muito famosa, aquela que Dooley Wilson canta em Casablanca, então Andrew a renomeou para 'As Tears Go By'.”
Keith Richards disse mais tarde sobre a composição da música: "Com 'As Tears Go By', não estávamos tentando compor uma música pop comercial. Era apenas o que saía. Eu sabia o que Andrew queria: não inventar um blues, não fazer nenhuma paródia ou cópia, inventar algo seu. Uma boa música pop não é tão fácil de compor. Foi um choque, esse mundo novo de compor nosso próprio material, essa descoberta de que eu tinha um dom que eu nem sabia que existia. Pensamos: que bobagem horrível! Saímos e tocamos para Andrew, e ele disse: 'É um sucesso.'"
Marianne Faithfull, Pop Weekly, dezembro de 1964
Tony Calder, sócio de Andrew Loog Oldham, explicou a contribuição de Oldham para o sucesso da música: “Andrew a transformou em 'As Tears Go By', deu-lhe um novo título – importantíssimo – cortou a letra, tirou as partes melosas, algumas das letras originais eram uma verdadeira porcaria, mas Andrew mudou tudo. Depois, ele se juntou a Mike Leander para fazer os arranjos.” Faithfull também respeitou a orientação do produtor: “O único conselho que Andrew me deu foi cantar bem perto do microfone. Foi um conselho inestimável. Quando você canta tão perto do microfone, a dimensão espacial muda, você se projeta na música.”
Oldham resumiu a sessão da melhor forma: “Os músicos suspiraram de alívio quando anunciei que estávamos abandonando 'I Don't Know How' e passando para 'As Tears Go By'. A frustração de incontáveis takes da pobre Marianne soando como uma hiena consanguínea deu um grande impulso à execução deles em 'As Tears Go By'. Eles não tocaram como um lado B, tocaram com sentimento, alívio e vida; estavam felizes por estarem 'na estrutura' novamente e você podia ouvir e ela colou. Foi um momento mágico. Algumas tomadas para resolver o troco e estávamos em casa. Parabenizei Marianne e disse a ela que havia conseguido um número seis.” Ele não errou por muito. A música alcançou o número 9 nas paradas do Reino Unido e, mais tarde, o número 22 na parada Top 100 da Billboard no final de 1964. Curiosamente, quando os Stones lançaram sua versão em 1965, ela subiu para o número 6 nos EUA. Oldham acertou afinal.
A beleza da música se deve, em grande parte, às contribuições de Mike Leander. Seu maravilhoso arranjo para "As Tears Go By" foi o início de uma grande colaboração musical que ele teve com Marianne Faithfull na década de 1960. O cantor relembra: "Assim que ouvi o corne inglês tocando os primeiros compassos, soube que ia dar certo. Depois de algumas tomadas, estava pronto. Mike Leander foi a pessoa com quem trabalhei diretamente e com quem realmente fiz o disco. Eu me dava bem com Mike. Ele era o diretor musical e a pessoa com quem eu realmente lidava na Terra."
Para um jovem de vinte anos escrevendo sua primeira música, Mick Jagger escreveu letras muito além de sua idade. Marianne Faithfull relembrou o tema da música: “A imagem que me vem à mente é a da Senhora de Shalott olhando para o espelho e vendo a vida passar. É algo absolutamente surpreendente para um garoto de vinte anos ter escrito. Uma música sobre uma mulher olhando para trás com nostalgia para sua vida. O estranho é que Mick deveria ter escrito essas palavras muito antes de tudo acontecer. É quase como se todo o nosso relacionamento estivesse prefigurado naquela música.” Faithfull regravou a música aos quarenta anos para o álbum Strange Weather. Ela disse sobre essa experiência: “Naquele momento eu tinha exatamente a idade certa e o estado de espírito certo para cantá-la. Foi então que eu realmente experimentei a melancolia lírica da música pela primeira vez.”
Sandie Shaw – (There’s) Always Something There to Remind Me
Continuamos com as jovens cantoras e passamos para Sandie Shaw, de 17 anos. Depois de ficar em segundo lugar em um show de talentos local, Shaw se apresentou em um show beneficente no Commodore Theatre em Hammersmith, no oeste de Londres, onde foi descoberta por Adam Faith. Em seguida, ela foi apresentada à sua empresária, Eve Taylor. Após assinar um contrato com a Pye Records, ela fez uma tentativa frustrada de primeiro single com a música "As Long as You're Happy Baby".
Sandie Shaw, Pop Weekly, novembro de 1964
Shaw lembra de sua primeira sessão de gravação:
Peguei dinheiro emprestado com meu pai para ir a Londres para a sessão de gravação. Adam Faith e Eve, minha empresária, estavam presentes. Tive que usar uns fones de ouvido enormes na cabeça que bagunçaram meu penteado. Me senti muito boba. Quando olhei para cima, pude vê-los todos lá em cima, na sala de controle, através do painel de vidro, discutindo minha apresentação. Eve não parecia nada feliz. De repente, seu rosto mudou e ela se animou. Ela fez um comentário para todos, apontando para mim enquanto pulava de alegria. Ouvi todos rindo e gritando no talkback: "Seus pés! Seus pés!". Olhei para o meu par de pratos enormes.
"O que houve com eles?", perguntei na defensiva.
"Você não está calçado!"
Pedi desculpas e comecei a procurar minhas sandálias pelo estúdio.
'Não. Não. Tire-os. Você pode não ficar com uma aparência melhor, mas canta melhor assim!', riu Eve.
"Combinado comigo", eu disse, e os expulsei novamente. Três takes e a música estava pronta. Daí em diante, sempre que eu cantava, eu estava descalço. Et voilà! La chanteuse aux pieds nus; la cantante scalza; a condessa descalça!
Sandie Shaw, Melody Maker, outubro de 1964
Eve Taylor não se deixou abater pelo fracasso do primeiro single de Shaw. Em uma viagem aos Estados Unidos, ela ouviu o cantor Lou Johnson interpretando a música "(There's) Always Something There to Remind Me", escrita por Burt Bacharach e Hal David. A música alcançou a modesta posição 49 na parada Hot 100 da Billboard, mas Taylor reconheceu o sucesso anterior de Dusty Springfield e Cila Black com músicas da dupla americana de compositores.
A versão de Sandie Shaw para "(There's) Always Something There to Remind Me" começa com uma qualidade leve, contida e hesitante, e progride para um som muito mais brilhante à medida que a música se desenvolve. Taylor e Faith contrataram Les Williams para reproduzir o arranjo original, ambos utilizando um groove com influências latinas. Lançada em setembro de 1964, a canção alcançou o topo da parada de singles do Reino Unido em novembro. Naquele mês, a revista Pop Weekly escreveu: "Esta é uma música lindamente comercial, mas poderosa, com aquele tipo de emoção hesitante que só se encontra em verdadeiros sucessos."
Sandie Shaw. Crédito da foto: Harry Goodwin
O single alcançou o primeiro lugar na parada de singles do Reino Unido, passando três semanas no topo em novembro de 1964. Foi lançado naquele mês nos EUA, mas não conseguiu igualar o sucesso na Inglaterra e alcançou a posição 52 no Top 100 da Billboard.
Melody Maker, parada de outubro de 1964
Shaw não se abalou com a atenção imediata que recebeu da mídia. A revista Melody Maker cobriu um evento social em outubro de 1964, com uma visão interessante e sóbria da jovem cantora sobre a fama: “No Café Royal de Londres, na última quinta-feira, houve uma festa para celebrar o surgimento de Sandie Shaw. 'Estou começando a ficar um pouco desiludida com esse negócio. Nunca vi nada parecido para vigaristas e vigaristas. Graças a Deus não estou envolvida em lidar com algumas dessas pessoas. Posso deixar isso para Eve' — sua astuta empresária, Srta. Evelyn Taylor. Os comentários de Sandie sobre seu batismo no grande momento assemelham-se aos de Marianne Faithfull, que declarou publicamente sua aversão aos lados mais obscuros do show business.”
Lulu – Shout
Encerramos a resenha com a mais jovem da turma de 1964, uma cantora que estreou aos 15 anos. Crescendo em Glasgow, Escócia, Marie Lawrie se apresentou em sua cidade natal e arredores, em casas de show e clubes com sua banda, os Gleneagles. No outono de 1963, o jornal escocês Daily Express, em busca de novos artistas pop, recomendou-a à EMI Records. Ron Richards, da EMI, não ficou impressionado, mas sugeriu que ela fizesse um teste com Peter Sullivan, produtor da gravadora rival, a Decca Records. A música que ela escolheu para interpretar foi Shout, uma música regular em seus shows ao vivo. Ela ouviu pela primeira vez a música dos Isley Brothers interpretada por Alex Harvey, uma experiência que ela descreveu mais tarde: "Foi uma revelação absoluta para mim. Nenhuma outra música havia ressoado em mim da mesma forma. Fiquei impressionada. Eu sabia que tinha que cantar aquela música." A música combinava perfeitamente com sua música favorita do outro lado do oceano, como ela explicou: “Eu adorava música negra americana, especialmente Motown. Porque tem alma. A profunda expressão interior do cantor — os cantores de rhythm and blues que eu amo têm mais alma do que todos os baladeiros pop juntos. Suas músicas são pessoais sobre emoções, como se o cantor estivesse expondo sua própria alma. Acho que a maioria das músicas pop é emocionalmente profunda. R&B é para valer. É música para ouvir — tanto quanto para dançar.”
Lulu
"Shout" é uma faixa de destaque graças à performance e à energia de Lulu, uma raridade entre as performances femininas da época. O guitarrista Vic Flick lembra da sessão como uma "tomada realmente rockin', rockin'". Aliás, a engenheira de estúdio teve que fazer uma pausa para consertar uma fita quebrada em seu microfone devido à sua voz forte. Com a performance daquela música, a Decca se interessou em contratá-la como artista solo. Surpreendentemente, a cantora de 15 anos conseguiu negociar a contratação de sua banda completa, todas as seis integrantes. Seu empresário, Marian Massey, sugeriu um novo nome: Lulu and the Luvvers.
A música foi lançada em abril de 1964 e alcançou a 7ª posição na parada britânica. Nos EUA, não passou da 94ª posição. Lulu teria que esperar mais três anos para chegar ao topo da parada americana com a música tema do filme "Ao Mestre, Com Carinho".
Há 46 anos, em 15 de junho de 1979, o Joy Division lançava Unknown Pleasures, primeiro álbum de estúdio da banda britânica.
O trabalho foi gravado durante três fins de semana de abril nos Strawberry Studios, sob produção de Martin Hannett, e incorpora uma série de técnicas de produção não convencionais ao som do grupo. A icônica arte de capa, por sua vez, foi projetada pelo artista Peter Saville invertendo a paleta de cores um gráfico de sinais de um pulsar de rádio, obtido originalmente pelo astrônomo Harold Craft.
A gravadora não lançou singles promocionais e o Unknown Pleasures não entrou nas paradas, apesar do relativo sucesso do single de estreia da banda (não presente no álbum), "Transmission". Foi o único álbum lançado enquanto o vocalista Ian Curtis estava vivo e, após seu suicídio em maio de 1980, o debute atingiu o #71 nas paradas britânicas.
Depois do suicídio de Curtis, o Joy Division lançou um segundo álbum, Closer (1980), mas logo encerrou suas atividades -- com os demais integrantes formando uma nova banda, o New Order, que atingiria popularidade na nova década. Unknown Pleasures, entretanto, ganhou reconhecimento posterior do público e da crítica e atualmente é considerado um dos álbuns mais influentes de todos os tempos, inaugurando o gênero que ficou conhecido como pós-punk, influenciando o gothic rock e inspirando inúmeras outras bandas.
Há 26 anos, em 15 de junho de 1999, o Santana lançava Supernatural, 18°. álbum de estúdio da banda do guitarrista mexicano.
O projeto foi desenvolvido após uma mudança na abordagem sonora do grupo, que esteve sem gravadora durante meados da década de 1990 após fracassar em atingir altas posições nas paradas com Milagro (1992) e Sacred Fire: Live in South America. Após conseguir um contrato com o selo Arista Records, portanto, o líder da banda, Carlos Santana, investiu na composição de um material com maior apelo pop e radiofônico, contando com a colaboração de diversos artistas contemporâneos de renome, incluindo Eric Clapton, Rob Thomas, Eagle-Eye Cherry, Lauryn Hill, Dave Matthews, Maná, KC Porter e Cee-Lo Gree.
As sessões de Supernatural (originalmente nomeado de Mumbo Jumbo) ocorreram no Fantasy Studios, em Berkeley, Califórnia, e contaram com a colaboração de uma dúzia de produtores, inclusive do próprio Santana. O álbum foi promovido por seis singles: "Smooth", "Maria Maria", "Put Your Lights On", "Love Of My Life", "Corazón Espinado" e "Primavera".
Supernatural foi um grande sucesso no mundo todo, resultando em um interesse renovado na música do Santana. O álbum atingiu o #1 nas paradas nacionais de diversos países, inclusive nos Estados Unidos, onde permaneceu no topo durante 12 semanas não consecutivas. Os dois principais singles, "Smooth" e "Maria Maria", atingiram o #1 na parada pop americana por 12 e 10 semanas, respectivamente. Bastante elogiado pela crítica, o álbum também foi indicado a dois Grammy Awards em 2000, além de vencer em três categorias no Grammy Latino. Vendeu mais de 30 milhões de cópias ao redor do mundo, tornando-se o álbum hispânico mais vendido no planeta.
