Bloodflowerz foi uma banda de gothic metal alemã.[1] Em 2002, lançaramu seu álbum de estréia, Diabolic Angel. Depois de sair em uma turnê com Anathema, Subway to Sally e Crematory, e também de tocar em festivais como Mera Luna e Summer Breeze.
Viriam mais dois álbuns, 7 Benedictions / 7 Maledictions, e Dark Love Poems,[2] para em dezembro de 2007 a banda encerrar as atividades.
Um álbum e uma banda completamente desconhecidos, o álbum de estreia desta dupla grega, em grande parte inspirada nos sons dos anos 70, onde o órgão crocante e a flauta são os elementos principais de quatro longas canções. Isto é psicodelia um pouco como Hawkwind, junto com outros momentos psicodélicos com tons de blues, no estilo do início do Deep Purple ou Atomic Rooster, mas também é muito mais, tem flautas muito parecidas com Jethro Tull, tem elementos espaciais e emocionais como Pink Floyd, uma certa dureza como Uriah Heep e adicionamos a isso um pouco de ELP, até mesmo algumas daquelas bandas progressivas icônicas dos anos 70, e eles também adicionam seu próprio toque local, evocando grupos como Aphrodite's Child e mostrando um pouco da rica herança musical grega, então você coloca tudo isso no liquidificador e aí está: Jupiter Fungus, que interpreta tudo isso com paixão, e essa é a melhor coisa sobre este álbum.
Artista: Jupiter Fungus
Álbum: Garden Electric
Ano: 2024
Gênero: Rock psicodélico / Prog eclético
Duração: 47:37
Referência: Discogs
Nacionalidade: Grécia
"Garden Electric" é uma estreia excepcional que agradará tanto aos fãs de rock progressivo clássico quanto aos que buscam uma abordagem mais contemporânea do gênero. Aqui, os gregos do Jupiter Fungus demonstram não apenas sua habilidade musical e visão criativa, entregando composições expansivas e intrincadas que cativam do início ao fim, mas também, além de suas influências, exibem uma originalidade que se destaca no cenário musical atual.
E só falta você começar a ouvir, então disponibilizo o vídeo a seguir para que você não perca mais tempo...
Então, logo de cara, vocês têm uma pequena surpresa do blog, mais uma das surpresas que continuam se acumulando em nossa longa história de apresentar a melhor música e rock imagináveis, e até mesmo aqueles que nem conseguimos imaginar.
Que estreia excelente desta nova banda grega, repleta de dinâmica, tensão, ideias musicais fortes e solos emocionantes, interpretados por músicos talentosos. Altamente recomendado! Esperamos que este não seja um lançamento isolado e que eles continuem a explorar seu som em lançamentos futuros.
Você pode ouvir no Bandcamp:
https://jupiterfungus.bandcamp.com/album/garden-electric
Bem, estou de volta ao projeto de Antony Kalugin. Soube que este é o seu segundo álbum, lançado em 2024, e espero um dia poder ouvir Messages From Afar: Second Nature. Mas hoje precisamos falar de Land of Chameleons.
Aqui, os teclados são os protagonistas absolutos das paisagens instrumentais, especialmente com o solo que se desdobra na tremenda "Agora bu Day" e na tremenda "Into the Kaleidoscope". Mas também há muito uso de backing vocals femininos, algo com o qual me acostumei nos dois álbuns que ouvi dessa banda.
Agora, embora eu tenha gostado bastante, sinto que os interlúdios não são muito convincentes. "Dios Pyros, Pt 2" não é exatamente a minha praia, e a faixa de encerramento "2 Minutes Before the Dawn", que eu entendo estar lá, poderia ter sido muito melhor, na minha opinião, criando muito mais atmosfera.
Além disso, acho que faixas como "My Shadow" devem muito a outras bandas como Porcupine Tree, pois senti sua forte influência na sonoridade geral desta longa balada.
No geral, Land of Chameleon é um bom álbum de rock progressivo. Karfagen parece estar no caminho certo e pode estar em uma fase que ainda não sei se foi interrompida. Só o tempo dirá quando ouvirei o antecessor deste álbum.
Mais uma vez, Antony nos traz beleza sinfônica da mais alta qualidade. Sua música captura seus temas fantásticos com paixão e vigor, imbuindo o ouvinte de alegria e emoção. Acredito que este seja o objetivo final do músico, sua intenção primordial, e acredito que ele o alcança 100%. E imagino que o Antony ucraniano deve estar muito orgulhoso de sua conquista.Você pode ouvir no Bandcamp:
https://antonykalugin.bandcamp.com/album/land-of-chameleons-deluxe-edition-24-bits-48khz
Se voltarmos a 1975 e ouvirmos a banda Esperanto, podemos distinguir duas coisas no auge da música progressiva: primeiro, não soa como nada no mundo musical da época; segundo, soa como um rock progressivo natural, com uma estrutura musical inovadora e poderosa. É o tipo de álbum que você ou ganha de graça, ou não ganha de jeito nenhum. Pessoalmente,Mágico Alberto
detesto covers, pela simples razão de que eles nunca se igualarão à versão original. Mas há a grande exceção de COVERS de músicas de outros artistas em seu próprio estilo, e é exatamente isso que o Esperanto faz com Eleanor Rigby, uma versão impressionante de sua autoria.
Uma raiz profunda de rock nos vocais, juntamente com arranjos de cordas malucos, abre uma gama de ritmos e fraseados atonais extraordinários, dando forma a uma obra descontraída, um tanto distante de todas as armadilhas progressivas daqueles anos — em outras palavras, um álbum distinto e digno de consideração.
Poderíamos mencionar as origens belgas em sua formação, mas também há membros ingleses e italianos, uma mistura musical estranha, mas muito rica.
Outra banda de referência da época, mas que realmente adquiriu sua verdadeira dimensão ao longo dos anos, um trabalho que pode não ser o seu álbum favorito, mas encantará seu ouvido precoce ou desenvolvido (dependendo de quem ouvir). Experimente sem preconceitos. A alta classificação e as críticas elogiosas do Progarchives comprovam esta produção.
O ESPERANTO foi formado em 1971 pela iniciativa do violinista Raymond VINCENT e do pianista Bruno LIBERT (belga), aos quais se juntaram Gino e Tony MALISAN (italianos, no baixo e na bateria, respectivamente), Glen SHORROK (vocal, australiano), Bridget LOKELANI (havaiana, vocal e violão), Tony HARRIS (inglês, viola e sax), Brian HOLLAWAY (anglo-australiano, piano e violão), Tomothy KRAEMER (inglês, violoncelo e piano), Godfrey SALMON (inglês, violino), Janice SLATER (australiana, vocal) e Joy YATES (neozelandesa, flauta e vocal), totalizando o improvável número de 12 membros.Manticórnio
Esperanto é o nome da língua que Zamenhof inventou em 1887 com a intenção de transformá-la em uma ferramenta de comunicação global. É também o nome de uma das bandas de rock progressivo mais originais, reconhecida mundialmente tanto pela origem de seus integrantes quanto pela intencionalidade de sua abordagem musical.
O primeiro álbum da megabanda, intitulado "Rock Orchestra", foi lançado em 1973. Considerando que o grupo era até então desconhecido, é lógico que sua música careça de uma identidade bem definida. No entanto, apesar disso, o Esperanto estreou com um álbum excepcionalmente original, claramente influenciado pela música clássica, mesclado com um toque de pop, rock e música progressiva.
Em 1974, com a banda reduzida a oito integrantes, gravaram o que talvez seja seu melhor trabalho. "Danse Macabre" é uma obra muito mais homogênea e progressiva, impregnada da atmosfera encantada e estranha típica dos castelos medievais ingleses onde o álbum foi gravado e em torno da qual gira o conceito da obra. Além disso, o próprio Peter Sinfield (compositor e produtor de King Crimson, Elp e Premiata) foi o produtor da versão final do álbum e dedicou tanta energia e dedicação a esse trabalho que recusou a oferta para produzir o terceiro álbum do Supertramp depois deste.
Finalmente, em 1975, seu último álbum, "Last Tango", foi lançado, produzido por Robin Geoffrey Cable (engenheiro de engenharia e produtor de Queen, Genesis, Van Der Graaf Generator e Elton John). "Last Tango" é excelente. Começa com uma versão irreconhecível de "Eleanor Rigby", que os fãs dos Beatles provavelmente detestam, mas que muitos outros adoram; e continua com uma abordagem ainda mais original do que "Danse Macabre", embora para alguns o conceito permaneça obscuro. Estranhamente, após este álbum, e apesar das vendas crescentes e das turnês cada vez mais bem-sucedidas, a gravadora A&M decidiu não renovar o contrato com o ESPERANTO e a banda se dissolveu logo em seguida.
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A natureza multiétnica deste grupo se traduz em uma música difícil de definir ou descrever. Desde seu primeiro álbum, "Rock Orchestra", eles variam do soul (com vocais bem ao estilo de Janis Joplin) ao pop e beat, onde o espectro multicultural do grupo também se manifesta de forma mais negativa; mais do que um álbum de estreia, soa como uma compilação de músicas de diferentes grupos. Mas, a partir deste álbum, eles brilharam intensamente, e seu estilo eclético resultou em um ótimo álbum.Lembro-me de um episódio da primeira temporada de South Park, um especial de Natal, em que Jesus canta Parabéns para Você sozinho. Bem, hoje é meu aniversário, e eu me sinto assim. Não é que eu esteja sozinho por ingratidão ou indiferença das pessoas; é só que é assim que gosto de passar este dia: me presenteando à minha maneira com maratonas de jogos e música, especialmente músicas que me lembram momentos da minha vida. Foi assim que acabei colocando um DVD com músicas que eu não ouvia há alguns anos, mas que eu ouvia quase todos os dias dos meus primeiros anos de faculdade; e foi assim também que acabei me presenteando com a música do Esperanto. O Esperanto foi uma banda como tantas outras, nascida à sombra dos grandes titãs da música progressiva (como Yes, Pink Floyd, Genesis e ELP) e que não conseguiu alcançar o sucesso mundial, apesar de ser incrivelmente talentosa e reconhecida globalmente. Sim, o Esperanto era formado por membros de diferentes países, como Austrália, Bélgica, Nova Zelândia, Inglaterra e Itália, o que dá sentido ao nome da banda, se lembrarmos que o Esperanto foi inventado por Zamenhof no final do século XIX com o objetivo de unificar culturas em uma única língua. É algo semelhante à obra unificadora involuntária da música, que transcende fronteiras e línguas e nos mostra que sempre podemos ter algo em comum com alguém que a política, os dogmas raciais ou sociais nos dizem ser nosso inimigo.Alsophocus
Vamos do abstrato ao concreto... bem, tão concreto quanto eu puder. O Esperanto estreou em 1973 com Rock Orchestra, um álbum tão bem feito e tão acessível, para dizer o mínimo, que acho difícil entender por que não ajudou a lançar sua carreira como outras bandas que alcançaram o sucesso na primeira vez. A banda multinacional do Esperanto tinha tudo o que precisava para entrar para a história: músicos virtuosos, boa fusão musical e um bom contexto musical no qual se encaixar. Talvez fosse isso, o fato de já haver bandas de rock progressivo em todos os lugares enchendo as ondas do rádio (lembre-se de que naqueles anos, o prog fazia parte da vida das pessoas; não se restringia a pequenos grupos de pessoas que ainda o consideram o melhor tipo de música em geral, se visto como uma metáfora para a busca da perfeição ou para esnobes que acreditam que isso os torna mais intelectuais) reduzia um pouco as chances de ser algo novo para os ouvidos dos ouvintes. Ainda assim, a mistura precisa de música clássica com rock setentista e certas mudanças de ritmo características da música progressiva, especialmente perceptíveis no violino de Raymond Vincent, que transitava do clássico para o jazz sem dificuldade, conferem ao trabalho da banda uma marca própria. Há músicas como "Never Again", que capturam a essência do soft rock da época, e outras como "Roses", que servem de plataforma para demonstrar que a banda era mais do que apenas música que alguém ousaria dançar em um festival de rock, enquanto "Move Away" traz de volta memórias dos bons e velhos tempos, quando o Jefferson Airplane tocava aquela mistura de folk e psicodelia. Ok, de acordo com as últimas notícias, essa "marca própria" não seria mais tanta; pelo menos não por mais um ano.
No ano seguinte... após uma ligeira mudança na formação da banda, o som se concentrou mais no progressivo e no clássico, adotando a temática medieval da Danse Macabre, a dança alegórica da morte nos campos feudais para onde reis, vassalos e cavaleiros eram levados com eles e com sua música para o túmulo; Algo muito apropriado para os tempos da Peste Negra e toda a parafernália religiosa e neurótica que a acompanhava, como aquela dança de São Vito que era mais do que uma música do Black Sabbath. Um detalhe inevitável é que Peter Sinfield, que já havia se destacado como poeta das letras do King Crimson, atuou como produtor do álbum, o que contribuiu muito para o som virtuoso da banda. Aliás, ele conta que, depois de terminar a gravação, estava tão cansado que não aceitou o trabalho de produzir o primeiro álbum do Supertramp, o que acho estranho, já que esse álbum foi lançado em 70... talvez ele estivesse se referindo a Crime of the Century, que é de 74.
O título do álbum não era o único elemento medieval do conceito. A gravação e a mixagem ocorreram em um castelo no País de Gales, como se quisessem capturar a vibe e refleti-la na música. Funcionou, porque só de ouvir a faixa "The Castle" é possível captar aquela vibe fantasmagórica e a céu aberto de um castelo rochoso, com cordas e teclados suaves, acompanhados pelos vocais suaves de Keith Christmas. Em geral, as outras faixas capturam muito bem a atmosfera anacrônica do lugar, tanto os longos instrumentais quanto a faixa que encerra o álbum, "Danse Macabre", um cover curto de rock sinfônico da obra homônima de Camille Saint-Saëns.
Um ano se passa e a banda retorna às suas aventuras, após uma turnê pela Europa com o Magma, mas com uma formação renovada e menos integrantes. Neste novo álbum, a música assume um tom mais progressivo e foca menos no instrumentalismo dos álbuns anteriores, concentrando-se mais nos vocais de seus novos integrantes, Kim Moore e Roger Meakin — muito mais em Moore do que em Roger, como percebi mais tarde. Na minha opinião, "Last Tango" não é tão bem-feito quanto "Danse Macabre", mas ainda tem destaques, como "Obsession", o hit "The Rape" e "Last Tango", que faz jus ao seu nome com uma bela melodia de tango de salão que foi até regravada em espanhol como "El último tango". Há outras músicas, como "Eleanor Rigby", que minam o potencial do álbum, mas ele melhora com o tempo. Se a ordem das faixas foi uma tática para manter o interesse, ela foi alcançada, mas com o risco de perder alguns que preferiam a fase inicial, mais instrumental, do esperanto. Mesmo com o relativo sucesso de seu trabalho, o esperanto nunca reapareceu na cena musical. Duvido que eu faça isso de novo, mas tudo bem. O que nasce ótimo e permanece ótimo sempre deixa muito a desejar, e como humanos, tendemos a errar quando estamos no auge da carreira. Amo você, Esperanto, e obrigado pelo que você nos deu... todo o seu sangue, suor e paixão.
A Alemanha parecia não estar preparada para bandas do naipe como ORANGE PEEL. Por que falo isso, dignos leitores? Porque ao ouvir o petardo do seu único trabalho lançado, simplesmente chamado de “Orange Peel”, em 1970, o petardo sonoro que se testemunha é incrivelmente pesado para a sua época, quando praticamente a cena krautrock estava embrionária.
O kraut, com suas viagens experimentais e psicodélicas, lá dos primórdios, com bandas como Popol Vuh, Amon Duul II, Can entre outros, não via similaridade sequer com o que fez o Orange Peel com seu álbum. Claro que algumas bandas já apresentavam alguns riffs um pouco mais distorcidos, algum peso na sua seção rítmica, mas o Orange Peel trazia em sua sonoridade o peso, o hard rock em sua gênese.
As performances experimentais, um tanto quanto “extraterrestres”, lisérgicas, com aquele space rock psicodélico, definitivamente não se observava nos traços sonoros do Orange Peel. Era hard rock, talvez não genuíno, mas um híbrido de rock progressivo, com sensacionais viradas rítmicas que entregava também nuances de blues rock.
O Orange Peel foi formado em 1968 em uma cidade chamada Hanau, que fica a 25km a leste de Frankfurt e tinha a seguinte formação quando “Orange Peel” foi concebido, ainda em 1969, sendo gravado nesse ano e lançado em 1970, pelo selo “Bellaphon”: o organista Ralph Wiltheib, o guitarrista Leslie Link, o baterista Curt Cress, o baixista Heinrich Mohn e o cantor e percussionista Peter Bischof.
O álbum foi produzido pelo lendário Dieter Dierks no Dierks Studio em Colônia e tinha, até o lançamento do single "I Got No Time" / "Searching For A Place To Hide", em 1969, a participação do guitarrista Michael Winzkowski que logo saiu partindo para outra seminal banda, o Nosferatu e mais tarde para o Epsilon.
Essa “laranja descascada”, tradução livre do nome da banda, “Casca de Laranja”, depois de espremida se mostrou ácida, progressiva, poderosa, intensa, pesada, indulgente, com “sussurros” pesados de órgão, guitarra distorcida e bluesy com músicas agradáveis, e emocionais.
E falando em guitarra, cabe aqui um destaque para ela. São lindas e nítidas e às vezes muito mais complicadas do que algumas de suas contemporâneas do hard rock setentista, mas isso ocorre porque as faixas longas permitem bastante espaço para solos que realmente permitem que as coisas se estendam.
O vocal também é bem interessante, é cru, alto, gritado em alguns momentos, que é excelente para as linhas de teclado e baixo que são bem pesados e frenéticos também. Não podemos negligenciar também a seção rítmica, com baixo possante e bateria pesada e marcada e os órgãos enérgicos e intensos.
A faixa inaugural, "You Can't Change Them All", que no auge dos seus longos dezoito minutos é uma faixa matadora, com peso, um ato lisérgico com guitarras distorcidas, de riffs grudentos e pesados. O teclado avança para um estilo meio prog, meio sinfônico, sendo sustentado pelas doses cavalares de guitarra, que por vezes se fazia discreta e jazzística. O teclado vai aumentado de intensidade, se mostra frenético, emocional que é reforça pelo vocal. E como essas camadas e texturas sonoras vem as improvisações com muita percussão, lembrando um pouco música latina. É uma faixa excelente e complexa, mas, ao mesmo tempo orgânica.
As faixas seguintes, “Faces that I Used to Know” e “Tobacco Road” são menos improvisadas, fugindo um pouco do conceito “espacial”, mas não deixam de ser especiais, trazendo uma percepção voltada para o hard rock e peças bluesy, um blues rock vigoroso, com o teclado impondo peso, sobretudo em “Tobacco Road”, onde é evidente a linha blueseira.
E fecha com a excepcional “We Still Try to Change” que pode facilmente ser considerada uma obra-prima com a sua introdução de baixo implacável poderosos riffs de teclado, sempre intensos, frenéticos e enérgicos. Essa “salada” sonora te transporta imediatamente para outro planeta, revelando ainda ou melhor anunciando sons futuros do prog rock aliado ao krautrock com doses bem cavalares de hard rock.
Apesar do início proeminente, promissor, o Orange Peel não conseguiu plantar uma trajetória longeva e consistente, embora certamente tenha deixado um pequeno, mas significativo legado dentro da cena rock alemã da virada dos anos 1960 para o 1970.
Este trabalho, em especial, mantém uma boa dose de complexidade, que parece ser um progressivo um tanto precoce, não pelo ano, mas pela sonoridade visceral e “rústica” do seu som, com intervalos de passagens cantadas, com sessões de improvisação pesadas nos teclados e guitarras.
Além de Winzkowski que ingressou no Nosferatu antes do lançamento oficial de “Orange Peel” e seguindo em seguida na banda Epsilon, Heinrich Mohn seguiria também para o Epsilon, Peter Bischof, vocalista, seguiria para a bela banda Emergency e Curt Cress seguiria uma prolífica carreira de baterista, tornando-se um dos melhores do rock e jazz da Alemanha.
“Orange Peel” teve outros relançamentos, em 1972, no formato LP, pelo selo “Bacillus Records”, na Alemanha, em 1972 e também pelo selo “Citystudio Media Production”, em 2003. No formato CD também pela “Citystudio Media Production”, em 2003, sendo remasterizado por Jürgen Crasser e também em CD pela “Bellaphon”, Alemanha, em 2001.
A banda:
Peter Bischof nos vocais e percussão
Leslie Link na guitarra
Ralph Wiltheiß nos teclados
Heinrich Mohn no baixo
Curt Cress na bateria e percussão
Faixas:
1 - You Can't Change Them All
2 - Faces That I Used To Know
3 - Tobacco Road
4 - We Still Try To Change
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