Chico Buarque – Duetos (2002)

Se Vinicius, de Moraes, estava certo (como certamente estava), e não há felicidade sem pares, sem casamentos de amizade, amor e música, a canção brasileira pode ser considerada muito feliz. Seus artistas, mesmo os maiores, aqueles que se autossuficientes, vivem de pares, compondo ou cantando juntos. Se há rivalidade entre alguns, é um pecado que se dissolve quando, por algum motivo, se juntam. Assim, pelo menos, o hábito de "convidados especiais" que os músicos brasileiros cultivam em seus shows e discos é saudável (e muitas vezes enriquecedor). Um hábito geralmente chamado de "Duetos".

Chico Buarque tem sido um dos convidados mais requisitados. Os convites provavelmente vieram principalmente por dois motivos: o primeiro, óbvio, é seu prestígio pessoal e artístico. Quem não gostaria de tê-lo como parceiro? O outro motivo, não tão óbvio, reside no fato de Chico — o mestre letrista, o compositor admirável — ter se formado em contato próximo com a música popular. Antes de começar a compor, ele ouviu. E ouviu muito. Das marchinhas de carnaval que cantava na infância, a portas fechadas, fingindo ser um artista de rádio, a todo tipo de músicas que era obrigado a tirar do bolso durante aqueles concursos de televisão "Esta noite se improvisa".

Sua intimidade com as mais variadas formas, com inúmeros gêneros, talvez não tenha influenciado o compositor, cujo estilo é seu e inalienável, mas acabou por conferir ao intérprete uma valiosa relação de conforto com todos os gêneros musicais: de Cole Porter a João do Vale, de Tom Jobim a Jackson do Pandeiro, de Pablo Milanes a si mesmo. Daí sua sonoridade sempre adequada a qualquer dueto. Só isso explica por que sua voz se mistura tão harmoniosamente com tudo, de Zeca Pagodinho a Dionne Warwick, de Ana Belén a Johnny Alf. Tudo isso sem nunca deixar de ser Chico Buarque, seja em dueto com Marçal, Nara, Elba, Nana ou Irmã Miucha. O outro Vinicius, França, sabe disso há mais tempo do que nós. E aproveitou o sucesso do prólogo da novela — Chico e Elza Soares, tão diferentes e, ao mesmo tempo, tão casados ​​— para criar este CD.
Um CD que recomendo muito!

Lista de faixas:

01. Façamos – Elza Soares
02. Desalento – Mestre Marçal
03. Sem você – Tom Jobim
04. Mar e lua – Ana Belén
05. Dueto – Nara Leão
06. A Mulher Do Aníbal – Zeca Pagodinho
07. A Rosa – Sergio Endrigo
08. Até penso – Nana Caymmi
09. Seu Chopin, com licença – Johnny Alf
10. Iolanda – Pablo Milanés
11. Carcará – João do Vale
12. Piano na Mangueira – Dionne Warwick
13. Dinheiro em penca – Miúcha e Tom
14. Não sonho mais – Elba Ramalho

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Chico Buarque de Hollanda – A Banda (1966)

Francisco Buarque de Hollanda (Rio de Janeiro, 19 de junho de 1944), mais conhecido como Chico Buarque , é um poeta, músico, compositor, dramaturgo e romancista brasileiro.

É conhecido principalmente por suas canções de harmonia refinada, em parte inspiradas em Antonio Carlos Jobim , e por suas letras, que abrangem desde temas intimistas até questões como a situação cultural, econômica e social do Brasil. Ao longo de sua vida, alternou a carreira musical com a de romancista e dramaturgo.

A estreia pública de Buarque como músico e compositor ocorreu em 1964, e ele logo consolidou sua reputação por meio de suas aparições em festivais de música e programas de televisão. Seu primeiro álbum, Chico Buarque , apresentou o trabalho que viria a seguir, com sambas cativantes caracterizados por jogos de palavras criativos e uma pitada de nostalgia trágica.

Sua crescente atuação política contra a ditadura militar brasileira levou à sua prisão em 1968 e ao seu exílio na Itália em 1969. Chico Buarque retornou ao Brasil em 1970, onde usou sua fama e talento para compor para protestar contra a ditadura. Durante esse período, seu single de protesto (mal disfarçado), "Apesar de você", de alguma forma escapou das redes da censura militar e se tornou o hino do movimento democrático. Após vender 100.000 cópias, o single foi finalmente censurado, e todas as cópias foram retiradas do mercado. Embora seja verdade que suas letras também abordam temas mais pessoais, com um tom sutil e em um contexto musical profundo e refinado.

***

Chico Buarque não fez parte de nenhum dos dois movimentos brasileiros da década de 1960: a bossa nova e o tropicalismo. Embora, evidentemente, mantivesse laços com ambos.

Em 1966, a música "A Banda" estava pronta para ser interpretada por Nara Leão no Festival de Música Popular Brasileira da TV Record . Mas, de última hora, o produtor decidiu que Chico a cantaria. "A Banda" foi um sucesso, a canção pop do ano. Chico foi elogiado pela crítica, adorado pelas câmeras e dando autógrafos. O astro tinha 22 anos, morava "num boteco" e, para dar entrevistas, fingia morar no Copacabana Palace: a produtora alugava-lhe uma suíte para as reportagens.

As músicas deste EP (na verdade, sua primeira gravação) também foram incluídas em seu primeiro álbum, lançado em 1966.

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Chic – Risqué (1979)

O terceiro álbum do Chic foi lançado em 30 de julho de 1979, mesmo ano em que Nile Dodgers e Bernard Edwards escreveram e produziram o grande sucesso do Sister Sledge , "We Are Family ". Eles estavam claramente em uma fase criativa fabulosa, já que "Risqué" apresenta momentos musicais marcantes.

Este álbum abre com um dos singles mais importantes da história: "Good Times", com a brilhante linha de baixo de Edwards . O single ficou em primeiro lugar nas paradas de pop, dance e R&B por várias semanas.

A linha rítmica e de baixo de "Good Times" foi usada por Grandmaster Flash no hit "Rapper's Delight ", do Sugarhill Gang , mas a história aqui é um pouco mais sombria: Nile ouviu a faixa pela primeira vez em uma boate e pensou que o DJ estivesse fazendo um rap ao vivo. Ele foi cumprimentá-lo, apenas para descobrir que sua música havia sido usada na gravação sem permissão. Rodgers e Edwards reclamaram, e a resposta que receberam foi uma visita de gângsteres no estúdio de gravação, que chegaram a ameaçá-los com armas. Após o incidente, eles conversaram com seu advogado, que aparentemente já havia trabalhado com mafiosos no passado. Então, o homem fechou um acordo, e Nile e Bernard conseguiram arrecadar meio milhão de dólares em dinheiro.

“Good Times” ainda é uma influência para músicos e DJs, e muitos artistas usaram a linha de baixo única e magnífica da música em seus próprios trabalhos: Queen, Blondie, Mick Jagger, Kook & The Gang, Kurtis Blow, INXS, Fugees, Beastie Boys, The Cure, Will Smith , entre dezenas de outros exemplos.

Músicos:

Bernard Edwards: baixo
Nile Rodgers: guitarra
Tony Thompson: bateria
Roy Figueroa: percussão
Andy Schwartz, Raymond Jones, Rob Sabino: teclados
Karen Karlsrud, Cheryl Hong, Karen Milne, Valerie Haywood: cordas
Jon Faddis, Ellen Seeling: trompetes
Alex Foster: saxofone
Alfa Anderson, Luci Martin: vocais

Showmen 2 - 1972 - Showmen 2

 

O Showmen 2 nasceu das cinzas do Showmen (haverá um post dedicado a eles em algumas semanas), uma histórica banda italiana de beat que incluía James Senese e Elio D'Anna (o primeiro com o Napoli Centrale, o segundo com o Osanna). James Senese, um talentoso saxofonista e flautista, após a dissolução inesperada do Showmen, juntamente com outros dois ex-membros da banda, Pepè Botta (baixo e vocal) e Franco Del Prete (bateria), decidiu reunir o grupo, ao qual foram adicionados novos membros, nomeadamente Gianmichele Mattiuzzo (teclado e vocal), Piero Alonso (guitarra) e Mario Archittu (trombone e piano). Em 1972, esta nova banda gravou um belo disco de vinil com o nome "Showmen 2". O disco foi lançado por uma pequena gravadora napolitana (BBB) ​​que não fez nada para promovê-lo. Por outro lado, ele opta por um belo formato com capa dupla e um encarte com as letras. Além de um single com as duas primeiras faixas do álbum, este permanecerá o único trabalho de gravação do grupo. Com Showmen 2, James Senese inicia um processo evolutivo que o levará a se distanciar do antigo repertório musical e que acabará por projetá-lo no caminho do jazz rock. Este álbum começa a apresentar interessantes influências de hard blues e jazz rock, porém ainda preso a um estilo de cantor e compositor local. As letras, todas de Franco Del Prete, são típicas dos anos 70 (hoje são ouvidas com um sorriso nos lábios, mas precisamos historicizá-las, caros amigos) e abordam "temas socialmente comprometidos". Eis o que diz uma resenha encontrada na internet: "O álbum vem em uma capa dupla de papelão grosso, de grande impacto, e contém uma mistura original de rock, rhythm & blues e prog, não muito distante do som de Chicago ou do grupo inglês If. A voz tem influências de pop melódico, mas a música é poderosa e bem tocada, com arranjos de sopro chamativos que tornam o álbum único na cena prog italiana daqueles anos." Entendeu?  

O grupo se separou logo após o lançamento do álbum e os fundadores Senese e Del Prete criaram o Napoli Centrale, produzindo três álbuns inspirados no jazz-rock entre 1975 e 1977. Mas essa é outra história.

 LISTA DE FAIXAS :

01. Abbasso lo Zio Tom

02. Amore che fu

03. Epitaffio

04. Corri uomo corri

05. E la vita continua

06. Ma che uomo sei

TREINAMENTO :

James Senese : sax, flauta, percussão, vocais

Gianmichele Mattiuzzo : teclados, vocais

Mario Archittu : trombone, piano

Piero Alonso : guitarra

Giuseppe "Pepé" Botta : baixo, voz

Franco Del Prete : bateria, percussão



Napoli Centrale com James Senese - 1997 - Reedição em CD de "Showmen 2" com versões diferentes das músicas

As músicas de "Showmen 2" apareceram em algumas coletâneas, incluindo um CD chamado "Napoli Centrale com James Senese", lançado em 1997, que traz versões parcialmente diferentes das masters originais usadas pelo BBB e uma capa com uma foto da antiga formação do Showmen. Bem, o que aconteceu? Basicamente, a gravadora BBB cometeu um erro ao publicar as masters quando imprimiu o álbum de 1972 e usou as demos e não a versão final gravada pelo grupo, que aparece neste CD chamado Napoli Centrale. A lista de faixas também é um pouco diferente. As músicas são tocadas e arranjadas ainda melhor do que a versão lançada em LP. Não está claro por que o grupo não disse nada; talvez eles achassem que sua promo era melhor que a versão final, quem sabe, ou talvez a versão final, com 50 minutos de duração, possa ter tido alguns problemas com a impressão em vinil... o fato é que o álbum oficial lançado no mercado na época é, na verdade, uma promo e não a versão final. Esta última aparece apenas neste CD e no vinil intitulado "Epitaffio", lançado em 2004. E assim, caros amigos, vocês podem se divertir procurando as diferenças (que ficam bem evidentes, a começar pela longa introdução da faixa 1, ausente na versão em LP).

LISTA DE FAIXAS :

01. Abbasso lo Zio Tom

02. Amore che fu

03. Corri uomo corri

04. E la vita continua

05. Ma che uomo sei

06. Epitaffio

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The Ever-Expanding Elastic Waste Band - Psych Prog Jazz Rock

 

Dana Colley e Jerome Deupree, os membros sobreviventes do Morphine, a banda seminal de rock progressivo dos anos 1990, já tocaram em vários projetos, mas foi somente com a chegada do músico de Nova Orleans, Jeremy Lyons, à cena de Boston que eles revisitaram o formato de power trio com baixo de duas cordas, sax barítono e bateria, que era a assinatura sonora da banda original. Os membros do Morphine e Jeremy Lyons se inspiram no repertório do Morphine, bem como na profunda imersão de Lyons no blues do Delta e nos estilos de Nova Orleans. Os puristas se perguntarão sobre um projeto sem o falecido Mark Sandman, fundador do Morphine, mas, como diz Kier Byrnes, da Noise Magazine, essas são "novas versões de músicas antigas, e o resultado é pura magia. As músicas soam incríveis e estou sorrindo de orelha a orelha de pura alegria".

O trio, que também toca sob o pseudônimo de The Ever Expanding Elastic Waste Band, vai muito além da simples nostalgia com seu trabalho atual. Eles misturam a base blues dos grooves de Morphine e os ritmos ecléticos da fusão Deltabilly de Lyons. Adicione uma dose pesada de rock psicodélico e você terá Morphine ainda mais pantanoso em casa. Ou blues Delta na terra dos sonhos. Em outras palavras, Psycho-Delta Low Rock. Colley (sax barítono) e Deupree (bateria) apoiaram Mark Sandman no disco de estreia do grupo, Good, e no sucesso seguinte, Cure for Pain. Deupree foi substituído por Billy Conway, mas voltou a tocar ao lado dele no álbum final, The Night. O som distinto que Colley obtém de seu sax barítono tratado eletronicamente marca projetos como Twinemen e AKACOD. A proeza improvisacional e a bateria potente de Deupree evocam nomes como Mitch Mitchell ou Bill Bruford, e ele tem sido presença constante no Jeff Robinson Trio na Noite de Poesia do Lizard Lounge por mais de dez anos. Ele também se apresentou com Orchestra Morphine, Either Orchestra e The Humans.

Em julho de 1999, Sandman desmaiou no palco enquanto tocava com o grupo no Nel Nom Del Rock Festival em Palestrina, Itália. Ele morreu de um ataque cardíaco fulminante aos 46 anos. Dez anos depois, Colley foi convidado a trazer uma banda de volta para tocar no mesmo palco em que Sandman havia falecido. Colley e Deupree já haviam tocado com Lyons em vários shows, então o convidaram para ir, mesmo ele nunca tendo tocado uma música do Morphine antes. Mesmo assim, os três ensaiaram o catálogo, e Lyons encomendou um slide bass de duas cordas à la Sandman. O show foi um grande sucesso, e a banda continua tocando junta. Lyons, um mestre slide guitar, cantor e compositor, tocou nas ruas e clubes de Nova Orleans de 1992 até ser destruído pelo furacão Katrina. Neste projeto, ele toca guitarra elétrica e slide bass de duas cordas. Ele inventou o Deltabilly, uma fusão de rockabilly/surf/Delta blues, que se especializa em dedilhado rápido e slide guitar. Ele conheceu Deupree e Colley enquanto reiniciava sua carreira após sua mudança para Boston (narrada na música "Hurricane"). Deupree rapidamente se tornou seu baterista titular, e Colley logo se juntou a ele. "Dana estendeu a mão da amizade. Ele ama Nova Orleans e entendeu meu estado de espírito pós-Katrina", diz Lyons. Algumas colaborações parecem fadadas ao fracasso. Colley ainda guarda um diário de uma turnê do Morphine no início dos anos 90, no qual ele fazia anotações sobre uma banda tocando nas ruas do French Quarter. Lyons aparece em uma foto Polaroid da banda que acompanha as notas, embora os dois só tenham se conhecido de fato em 2005. Quando Deupree ouviu alguns dos discos anteriores de Lyons (Count Your Chickens Before They Hatch; Live at the Dragon's Den; Jeremy Lyons and the Deltabilly Boys; e Live at Fribourg), ele reconheceu a mão de seu velho amigo Mark Bingham, o renomado produtor. Em 2010, eles adicionaram instrumentos de sopro de Nova Orleans a algumas faixas do novo disco com Bingham, completando o ciclo dessa conexão. O trio toca regularmente na região de Boston e faz apresentações seletivas em todo o país.

O CD de estreia traz faixas ao vivo e de estúdio, quatro músicas de Sandman retrabalhadas, três originais de Lyons, além de improvisações ao vivo.

The Ever Expanding Elastic Waste Band

The Byrds - Folk Rock (USA)

 

Byrds é o décimo segundo e último álbum de estúdio da banda americana de rock The Byrds e foi lançado em março de 1973 pela Asylum Records. Foi gravado como a peça central de uma reunião entre os cinco membros originais do The Byrds: Roger McGuinn, Gene Clark, David Crosby, Chris Hillman e Michael Clarke. A última vez que os cinco membros trabalharam juntos como The Byrds foi em 1966, antes da saída de Gene Clark da banda. Durante a reunião, a formação atual da banda continuou a fazer apresentações ao vivo até fevereiro de 1973, com McGuinn sendo o único membro comum às duas versões do grupo. Após seu lançamento, Byrds recebeu críticas geralmente ruins, com muitos críticos lamentando a falta de unidade sonora e a ausência do som de guitarra estridente característico do The Byrds entre as deficiências do álbum. Mesmo assim, o álbum alcançou a 20ª posição na parada Billboard Top LPs & Tapes e também obteve sucesso moderado no Reino Unido, onde alcançou a 31ª posição. Nos EUA, "Byrds" foi o álbum de material inédito mais bem-sucedido da banda desde "Turn! Turn! Turn!", de 1965, que também havia sido o último álbum dos Byrds a contar com Clark como membro titular.

Byrds (1973)

The Bob Lanza Blues Band

 

O cantor, compositor e guitarrista Bob Lanza, natural do interior do norte de Nova Jersey, não deixa dúvidas quanto à sua motivação com um segundo lançamento arrasador após seu álbum de estreia, Things Ain't So Bad (2009). Anos com Floyd Phillips e os Mudflaps e lendas de apoio como James Cotton prepararam sua audição como um novo herói da guitarra do blues.

2013 - ‘Til The Pain Is Gone

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The Moody Blues - The Magnificent Moodies (1965 Reino Unido)

The Magnificent Moodies é o álbum de estreia de 1965 de The Moody Blues, editado pela primeira vez no Reino Unido, sendo o primeiro e único álbum com sua formação de R&B: o guitarrista Denny Laine, o bajista Clint Warwick, o teclista Mike Pinder, o flautista e percusionista Ray Thomas e a bateria Graeme Edge. O álbum é uma coleção de músicas de R&B e Merseybeat, incluindo a versão de "Go Now", produzida por Alex Wharton, que foi número 1 no início daquele ano. Para o lançamento nos Estados Unidos, na London Records (como a Rolling), foi escolhido o título de Go Now. The Moody Blues # 1 e quatro músicas foram substituídas e as faixas foram reordenadas.

Exceto um tema cantado por Mike Pinder ("I Don't Mind"), outro por Ray Thomas ("It Ain't Necessaries So") e outro uma dupla entre Clint Warwick e Denny Laine ("I've Got A Dream"), esta é a última voz principal no resto dos temas. Los Moody Blues foram formados em 1964 em Erdington, um subúrbio de Birmingham. Ray Thomas, John Lodge e Mike Pinder ocasionais foram membros de El Riot & The Rebels e se dissolveram quando Lodge, o membro mais jovem, foi para a escola técnica e Pinder se uniu ao exército. Pinder depois se uniu a Thomas para formar o Krew Cats e, há alguns meses, depois da parada, foi excluído do guitarrista/vocalista Denny Laine e do empresário da banda, que se tornou baterista, Graeme Edge. Pinder e Thomas inicialmente se aproximaram de seu ex-companheiro de banda de El Riot, John Lodge, para ser o bajista, mas Lodge recusou porque sempre estava na universidade. Então ele recluiu o bajista Clint Warwick. Os cinco apareceram como Moody Blues pela primeira vez em Birmingham em 1964. O nome surgiu de um patrocínio esperado da M&B Brewery que não se materializou, a banda se chamava "The MBs" ou "The MB Five" que também era uma referência sutil à canção de Duke Ellington "Mood Indigo". 

A banda estabeleceu sua sede em Londres e firmou-se na primavera de 1964 com Ridgepride, que depois alugou suas capturas para a Decca. Lançou um sencilho ("Steal Your Heart Away") foi um ano que não entrou nas listas e apareceu no programa de televisão de culto Ready Steady Go! cantando "Lose Your Money (But Don't Lose Your Mind)", a mais rápida cara B de seu single. Mas foi seu segundo trecho, "Go Now" (lançado também no 64), o que lançou sua carreira, aparecendo na TV com um dos primeiros filmes promocionais dirigidos e produzidos por Alex Wharton, diretor de sua empresa. O single se tornou um sucesso no Reino Unido (onde sigue seu único # 1) e nos EUA, onde alcançou o # 10. A banda enfrentou problemas de gestão após o sucesso e firmou-se com a Decca Records no Reino Unido (London Records nos EUA). The Magnificent Moodies, produzido por Denny Cordell com o forte sabor comentado para Merseybeat e R&B, foi lançado pela Decca em mono em 1965. Contém o hit comentado na primeira cara junto com cinco versões de temas de R&B clássicos e uma segunda cara com quatro temas firmados por Laine/Pinder junto com uma versão de "It Ain't Necessically Então" a canção de G. & I. Gershwin pertence à sua ópera Porgy and Bess de 1935 e ao blues de Sonny Boy Williamson II "Bye Bye Bird" publicado dois anos antes.

The Moody Blues - In Search Of The Lost Chord (1968 UK)

Coisas da gripe. Ele pensou o que poderíamos fazer hoje e decidiu que há algum tempo não desfrutaríamos de The Moody Blues...

Em 1968 aparece Em Busca do Acorde Perdido. O álbum foi gravado entre janeiro e junho de 68. Enquanto a London Festival Orchestra era complementada pelo grupo em Days of Future Passed, os Moody Blues tocavam todos os instrumentos (nos 33) em In Search of the Lost Chord. Instrumentos indianos como a cítara (Hayward), a tambura (interpretada por Pinder) e a tabla (Graeme Edge) apresentavam aparições em diversas canções (notavelmente "Departure", "Visions of Paradise" e "Om"). Também se usam outros instrumentos não convencionais (para os Moody), como o oboé (Ray Thomas) e o violoncelo (interpretado pelo bajista John Lodge, que o afinó como um baixo). O mellotrón, interpretado por Pinder, produziu muita ornamentação nos arranjos de corda e trompa. Alcançando o #5 UK e o #23 US e aparecendo na edição Deluxe de 2 CD em 2006, embora se diferenciando de outros álbuns de Moody Blues lançados nas edições Deluxe no momento, não vino com uma nova mistura de som envolvente 5.1, já que não foi possível encontrar os masters multitrack originais. 

O LP inclui "Legend of a Mind", uma canção escrita por Ray Thomas em homenagem ao guru do LSD Timothy Leary, que incluía um solo de flauta interpretado por Thomas. Um filme promocional da música foi filmado perto de Bruxelas. Lodge proporcionou uma canção em duas partes, "Casa das Quatro Portas", que se encontrava a cada lado da peça épica de Thomas. Justin Hayward começou a tocar cítara e incorporou a música de Moody Blues ("Voices...", "Visions Of Paradise", "Om"), inspirada em George Harrison. "Voices In The Sky" de Hayward apareceu como single no Reino Unido (#27), assim como "Ride My See-Saw" de Lodge (#42 UK, #15 en Francia), que segue sendo o número final habitual de seus concertos, que trouxe a canção de Pinder não incluída no álbum "A Simple Game" como lado "B". "The Best Way To Travel", também de Pinder, foi outro ponto culminante, igual à sua canção de clausura "Om" (cantada por Pinder e Thomas, novamente com Hayward na cítara). Graeme Edge assumiu um papel secundário importante na banda como escritor de poesia, e alguns de seus primeiros álbuns finais da década de 1960 começaram com vários membros da banda recitando poemas de Edge que estavam conceitualmente relacionados com as letras das canções que seguiam. Edge narrou seu breve poema "Departure" em "Lost Chord", enquanto Pinder recitou a maior parte da poesia de Edge e, depois de confessar o mesmo Graeme posteriormente, teve muito melhor voz devido ao tabaco e ao uísque consumido naquela época.

The Turtles - It Ain't Me Babe (1965 US)

O primeiro álbum de estúdio da banda de rock estadounidense The Turtles foi lançado em outubro de 1965 pela White Whale Records. Antes da captura, os membros da banda exigiram permissão por escrito de seus pais, devido a que eram menores de idade. Incluído no álbum está o trabalho original dos dias de atuação da escola secundária da banda e suas próprias interpretações de canções populares de outros músicos. A canção mais exitosa "It Ain't Me Babe", cover de Bob Dylan, alcançou o número 8 nas listas nacionais. O tema segue as mesmas diretrizes de "eletrificar" as músicas de Dylan que ele havia empreendido para explorar The Byrds alguns meses antes.

1. Wanderin' Kind (H. Kaylan)

2. It Was A Very Good Year (E. Drake)

3. Your Maw Said You Cried (R. Glazer, S. Schlaks)

4. Eve Of Destruction (P.F. Sloan)

5. Glitter And Gold (B. Mann, C. Weill)

6. Let Me Be (P.F. Sloan)

7. Let The Cold Winds Blow (H. Kaylan)

8. It Ain't Me Babe (B. Dylan)

9. A Walk In The Sun (H. Kaylan)

10. Last Laugh (H. Kaylan, N. Garfield)

11. Love Minus Zero (B. Dylan)

12. Like A Rolling Stone (B. Dylan)

13. We'll Meet Again (Single Version) (E. Burnett, G. Griffin)

14. Gas Money (D. Altfeld)