Tendo provado que podiam ir além dos padrões, os Jayhawks aproveitaram a onda do country alternativo do século XXI e, por assim dizer, voltaram à realidade. A Rainy Day Music reduziu o grupo ao núcleo de Gary Louris e Marc Perlman, apoiados pelo craque Tim O'Reagan na bateria e harmonias e pelo ex-Long Ryder Stephen McCarthy nas outras guitarras e instrumentos de corda. Com a ajuda do produtor Ethan Johns, descendente do lendário Glyn, e de um músico de estúdio na maioria dos teclados, o som também foi reduzido, sem distorção ou feedback excessivos, dando às músicas espaço para respirar.
A prova de que voltaram ao básico fica evidente imediatamente em "Stumbling Through The Dark", com seu banjo proeminente. "Tailspin" tem um pouco mais de impacto, mas ganha impulso com um ótimo refrão e uma contramelodia fantástica de Tim. "All The Right Reasons" traz o processo de volta a um pouco acima do silêncio, pelo menos até a bateria entrar, e "Save It For A Rainy Day" é uma daquelas músicas cativantes que poderíamos jurar que já ouvimos antes. Deve haver uma razão para a protagonista de "The Eyes Of Sarahjane" escrever seu nome dessa forma, mas ainda soa como um refrão combinado com um verso completamente sem relação. Não tão esquizofrênica é "One Man's Problems", que beira o funk quando não está buscando o pop californiano. Ambas são eclipsadas por "Don't Let The World Get In Your Way", de Tim, que tem até um Mellotron.
Outros notaram que a segunda metade não é tão forte, mas isso não quer dizer que não seja boa. "Come To The River" busca uma vibe soul rock sulista, e "Angelyne" consegue tirar uma nova música dos mesmos acordes que lançaram milhares de cópias de Byrds e Petty. "Madman" é outra paz de vibe, com bongôs pantanosos e violões acústicos sob harmonias próximas. Embora muito relacionada a "Waiting For The Sun" musicalmente, com toques mais acústicos, "You Look So Young" tem sucesso, particularmente no breakdown e na ponte subsequente. Tim contribui com outra forte canção, "Tampa To Tulsa", enquanto "Will I See You In Heaven" vem exclusivamente da caneta de Marc, que não a canta. A reprise final de "Stumbling Through The Dark" só ajuda a sugerir que o álbum parece ser longo e fica muito silencioso às vezes.
Apesar disso, Rainy Day Music é agradável e aconchegante em qualquer clima, e uma mudança de ritmo bem-vinda. Também ajudou o fato de o novo acordo de distribuição da gravadora americana com a Universal tê-la incluído no selo Lost Highway, o que lhe rendeu uma boa promoção entre pessoas interessadas em Ryan Adams e afins.
Como era comum na época, um pacote de edição limitada incluía um CD bônus intitulado More Rain , que continha a arrasadora "Fools On Parade", duas demos de músicas inéditas, duas versões alternativas de faixas do álbum e uma versão acústica ao vivo de "Waiting For The Sun" . Essas músicas não foram incluídas na reedição expandida cerca de dez anos depois; em vez disso, cinco demos diferentes, inéditas, e outra versão ao vivo foram incluídas no final do disco.
Lá em 1978, como parte de um último suspiro da ABC Records antes de ser engolida pela MCA — e sabendo que a banda não lançaria nenhum outro produto tão cedo —, um álbum de Greatest Hits do Steely Dan chegou às prateleiras a tempo para a temporada de compras de fim de ano. Este conjunto de dois discos estava lotado, literal e figurativamente, passando pelos seis álbuns da banda até então em ordem, e se apoiando mais em Pretzel Logic . Doze das músicas haviam sido singles, mas a maior atração da época era "Here At The Western World", uma faixa inédita decente das sessões do Royal Scam .
Não incluído no conjunto, provavelmente porque a ABC não detinha os direitos sobre ele, estava o single independente de qualidade superior "FM", gravado para a trilha sonora do filme homônimo. Este, no entanto, foi incluído em Gold , de 1982, uma coletânea tipicamente improvisada da MCA que também incluía "Hey Nineteen" e "Babylon Sisters", de Gaucho , e cinco faixas anteriores de álbuns aparentemente escolhidas aleatoriamente. Pelo menos, ocupava dois lados de um disco.
Três anos depois, para atrair o crescente mercado de CDs, bem como os esnobes do áudio que buscavam gravações sofisticadas com as quais pudessem demonstrar a nova tecnologia hifalutin, A Decade Of Steely Dan pegou dez faixas de Greatest Hits e adicionou as três últimas de Gold (também substituindo "Josie" por "Deacon Blues"), tudo em uma ordem pré-embaralhada. A arte da capa não fazia sentido, mas pelo menos o encarte incluía os créditos dos músicos de cada faixa.
Esse conjunto se tornou o CD de sucessos do Steely Dan, o que fez com que "Here At The Western World" ficasse no limbo na era digital. Isso foi corrigido em 1991, quando Gold foi relançado em uma "Edição Expandida", que tentou compensar a duplicação de quatro músicas de Decade adicionando "Western World" junto com algumas outras raridades. Duas eram faixas solo de Donald Fagen que apareceram em duas trilhas sonoras de filmes muito diferentes; a predominantemente instrumental "True Companion", de Heavy Metal, lembra bastante o estilo de Dan, enquanto a elegante "Century's End", de Bright Lights, Big City, não. Talvez o mais atraente seja uma quente "Bodhisattva" ao vivo, de 1974, que apareceu oito anos depois como lado B de "Hey Nineteen", que completava o disco. Além de ser uma das poucas gravações da banda em turnê, ela ostenta uma longa introdução inebriante e censurada de um de seus roadies. (Embora originalmente gravada em fita cassete, alguns vocais da música soam limpos demais para não terem sido dublados posteriormente.)
A essa altura, a indústria de box set estava a todo vapor, e Steely Dan teve sua vez em 1993; além disso, eles estavam em turnê para promover o novo álbum de Fagen. Citizen Steely Dan enfiou todos os seis álbuns em sequência em quatro CDs, com a troca ocasional de faixas para uma experiência auditiva "aprimorada" no início e/ou no final de alguns discos. O "Bodhisattva" ao vivo foi inserido no lugar entre Pretzel Logic e Katy Lied , assim como "Western World" e "FM" marcavam as seleções de Aja . Além dessas, a única raridade era uma demo de 1971 de "Everyone's Gone To The Movies" presa no final do disco quatro, evitando seus outros trabalhos iniciais, frequentemente pirateados, e até mesmo ambos os lados de seu primeiro single há muito perdido, que ambos os caras disseram que odiavam. (Seu envolvimento ativo com o conjunto foi confirmado pelo conteúdo meticulosamente remasterizado — embora eles tenham esquecido de incluir a introdução de "Rikki Don't Lose That Number" na primeira prensagem — junto com notas de rodapé particularmente sarcásticas e ocasionalmente hilárias impressas em uma fonte irritante em letras maiúsculas.)
Isso deveria ser suficiente para qualquer um, mas o fascínio da renda disponível é demais para qualquer executivo de gravadora resistir, e por que eles fariam isso? Na virada do século, a Showbiz Kids fez um bom trabalho expandindo os Greatest Hits originais em dois CDs, completos com o mergulho necessário em Gaucho , a inclusão de "FM" e "Western World" e, finalmente, reconhecendo "Dirty Work" e "Aja" como essenciais, embora talvez às custas de "East St. Louis Toodle-oo", o que não é uma perda real. Seis anos depois, The Definitive Collection provou ser propaganda enganosa ao se ater a um único CD e apresentar uma música de cada um de seus álbuns do século XXI. Pelo menos incluía "Dirty Work".
A reputação da banda havia chegado a tal ponto em 1982 que sua gravadora — a Casablanca, que já não era mais a fonte de renda de outrora — acelerou o lançamento de uma nova coletânea do Kiss. Eles até insistiram que a banda gravasse novas músicas para ela, mas acharam que a banda era um caso tão perdido que não se deram ao trabalho de lançar o álbum nos EUA ou Canadá.
Tudo sobre Killers grita lançamento de orçamento, desde as letras cafonas na frente até o triângulo rosa berrante em ambos os lados. Não havia nenhuma capa interna especial, ou qualquer propaganda para merchandising. Fora as novas músicas, o equilíbrio é composto por sucessos mais antigos, todas as faixas do álbum e algumas repetidas de Double Platinum . Pior de tudo, Gene é mostrado com cabelo curto, e Paul está com uma bandana. Mas como os veteranos americanos do Kiss Army tinham que conseguir isso em algum lugar, eles podem ter ficado surpresos ao ver o logotipo alternativo da banda na versão alemã do álbum, já que aquele país não gostou de como o "SS" na versão regular se assemelhava ao da Schutzstaffel de Hitler. (As crianças também teriam que encontrar as edições japonesa e australiana do álbum, cada uma das quais adicionou duas músicas do catálogo, uma das quais era "Shandi".)
Paul canta todas as novas, começando com "I'm A Legend Tonight", que é melhor que o refrão, exceto pela bateria abafada. Ele grita durante todo o show "Down On Your Knees", que amontoa uma quantidade enorme — e queremos dizer enorme mesmo — de clichês em três minutos e meio. Esta obra-prima foi coescrita com Bryan Adams, por incrível que pareça. Infelizmente, estas apenas destacam as deficiências líricas de "Cold Gin" e "Love Gun". "Shout It Out Loud" é o single mix, e "Sure Know Something" é uma das duas músicas "posteriores".
Paul compôs "Nowhere To Run" sozinho, e o melhor das novas músicas musicalmente; pena que ele não conseguiu pensar em um refrão melhor do que "Nowhere to run/Nowhere to hide". Ele também não percebeu que "Partners In Crime" menciona alguém "de joelhos"; esse riff também merecia um lugar melhor, e os sons de metais enlatados não ajudam. Voltamos aos sucessos com versões editadas de "Detroit Rock City", "God Of Thunder" e "I Was Made For Lovin' You", terminando com a versão do Alive! de "Rock And Roll All Nite".
Nem os sucessos salvaram este álbum. Mas, sendo o que era, "Killers" foi uma importação popular por décadas, principalmente porque as quatro novas músicas não seriam reunidas em nenhuma outra coletânea até o século XXI. Naquela época, o álbum já estava disponível para streaming, incorporando as três músicas das sequências japonesa e australiana. E em 2022, essas quatro raridades foram incluídas na Edição Super Deluxe de " Creatures Of The Night" .
A essa altura, o Yes estava pronto para uma pausa, e quem poderia culpá-los? Enquanto os membros principais trabalhavam nos projetos solo necessários, a gravadora aguardava ansiosamente uma coletânea. " Yesdays" não precisava ser muito extenso para um título, já que era construído em torno de faixas principalmente da era dos dois primeiros álbuns, também conhecidos como os anteriores a Steve Howe. O grande atrativo — além da arte de Roger Dean, e poderíamos dispensar o garoto mijando na contracapa — eram as faixas que não faziam parte do álbum, que estreavam em um LP do Yes, e que encerram este.
"America", aqui em seu esplendor total de dez minutos, é uma reconstrução molecular da faixa do álbum Simon & Garfunkel, incorporando motivos da música homônima não relacionada de West Side Story (claramente uma influência na banda desde o início). Esta é a única faixa aqui com Howe e Rick Wakeman, que estão acelerados e contidos, respectivamente. De seus épicos, não é o melhor deles, mas ainda é uma boa preparação para "Looking Around" do álbum de estreia , que é seguido muito bem por "Time And A Word" . "Sweet Dreams" curiosamente fica no mesmo slot de finalização lateral que no segundo álbum. Infelizmente, o lado dois se arrasta um pouco, embora "Then", "Survival" e "Astral Traveller" sejam precursores inegáveis de seu som desenvolvido posteriormente. O orquestrado "Dear Father" foi o lado B de "Sweet Dreams" e um bom lugar para ele, já que o torcer de mãos religioso não combina muito com eles.
Yesterdays é redundante na era do CD, já que os dois primeiros álbuns nunca saíram de catálogo e as raridades se tornaram faixas bônus padrão. Mas, sem dúvida, escolheu as melhores faixas para saciar aqueles que aguardavam o próximo grande sucesso — ou para incentivar novos iniciados a preencherem suas prateleiras — enquanto enviava algum dinheiro para Peter Banks.
Já fazia dez anos desde a última compilação dos Kinks, e é bem possível afirmar que eles tinham sucessos suficientes para preencher um álbum desses — principalmente porque o contrato com a gravadora mais recente havia terminado. Como provado por Come Dancing With The Kinks , convenientemente subintitulado "The Best Of The Kinks 1977-1986", foram dois discos. Os chamados anos da Arista foram bastante sólidos, como se viu, e a maioria dessas faixas eram as favoritas das rádios FM.
Claro, o álbum ao vivo incluía músicas já conhecidas, e é assim que o set poderia começar com "You Really Got Me". Essa é uma boa base para a estrutura familiar de "Destroyer", e embora a batida disco de "(Wish I Could Fly Like) Superman" esteja fora de lugar, "Juke Box Music" e "A Rock 'N' Roll Fantasy" mostram um fio condutor. A faixa-título inicia um lado dois animado, com "Sleepwalker", "Catch Me Now I'm Falling", "Do It Again" e "Better Things".
O terceiro lado começa como o primeiro, desta vez com "Lola". A arrogante "Low Budget" conduz a mais três músicas de State Of Confusion — "Long Distance" (que estava apenas na fita cassete daquele álbum), "Heart Of Gold" e "Don't Forget To Dance". O clima desta música revela ter raízes em "Misfits", de cinco anos antes, e é sabiamente colocada no topo do lado quatro. "Living On A Thin Line" dá a Dave um pouco da divulgação, mas o verdadeiro valor é a primeira aparição em LP do single "Father Christmas", de 1977, com seu sentimento francamente honesto disfarçado por uma introdução springsteeniana. A versão estendida ao vivo de "Celluloid Heroes" fornece uma conclusão adequada.
A duração do set ultrapassou 80 minutos, então algo teve que ser sacrificado em prol do formato de CD em ascensão. Para isso, os compiladores optaram por cortar "Catch Me Now I'm Falling", "Sleepwalker" e "Misfits". Esta última não foi uma perda real, mas certamente as duas faixas menores de State Of Confusion (leia-se: não-sucessos) poderiam ter sido removidas.
Quando o álbum foi relançado na virada do século como parte da reformulação da Konk, essas duas faixas foram de fato deixadas de fora, junto com a versão ao vivo de "Celluloid Heroes", mas substituídas por "Full Moon", "A Gallon Of Gas" e "Good Day". Em outros casos, as faixas mais longas do álbum foram usadas em vez de versões individuais, para preencher o disco completamente. Isso apenas ressalta que o "melhor de" de uma banda é puramente subjetivo, ao contrário dos "maiores sucessos", que podem ser verificados. A ordem também foi embaralhada, então agora começa com "Come Dancing", coloca as faixas ao vivo no meio e termina com "Father Christmas". Fora isso, parece muito aleatório, então, embora possam não soar tão bem, as versões de 1986 são preferidas.
Sem nenhuma razão que possamos compreender, exceto talvez o fato de a música mais velha estar completando cinquenta anos, Graham Nash decidiu compilar uma antologia de sua obra. " Over The Years..." consistia em dois discos — um com as faixas do álbum que todos conhecemos e o outro com versões demo de oito das músicas, além de outras sete.
O primeiro disco é agradável por si só. A maior parte apresenta Crosby, Stills e, às vezes, Young, e do fértil período de quatro anos que se estendeu pela virada dos anos 70. Começando com "Marrakesh Express", não há surpresas ou surpresas. Duas das cinco faixas de "Songs For Beginners " são "mixagens inéditas" para quem se atenta a essas coisas. Apenas uma música é dos anos 80, e o disco termina com "Myself At Last", de seu álbum mais recente .
O disco demos é, em sua maioria, inédito e oferece uma visão alternativa da maior parte do mesmo período. Não se trata da variedade de fitas cassete lo-fi que costumamos encontrar em demos, mas sim de gravações com qualidade de estúdio. Recomeçando com "Marrakesh Express", a sequência continua cronologicamente, mas ainda não passa de 1972 até as últimas três músicas. Cada faixa é identificada não apenas pelo ano, mas também pela cidade onde foi gravada. Geralmente, as demos não são muito diferentes do produto final, mas existem algumas raridades. Há "Horses Through A Rainstorm", gravada tanto pelos Hollies quanto pela CSNY, mas lançada apenas décadas depois por qualquer um deles. As complexidades de "Pre-Road Downs" acabam sendo incorporadas, o que é inesperado, assim como o piano em "Wind On The Water" é melhor do que pensávamos que ele fosse capaz. (“Just A Song Before I Go” é outra surpresa no piano.) “Man In The Mirror” ostenta uma introdução quase alegre que não foi utilizada, e “I Miss You” e “You'll Never Be The Same” — ambas de Wild Tales — funcionam melhor aqui. “Wasted On The Way” conta com a participação de Stephen Stills e Timothy B. Schmit, assim como a versão do álbum.
Tirando a repetição, " Over The Years…" recapitula bem o que as pessoas gostam em Graham Nash. Também diz algo sobre sua produção: ele parece ter muito pouco que não tenha sido ouvido, e também não dá muita importância a muita coisa das últimas três décadas.
Alicia Augello Cook, mais conhecida pelo seu nome artístico Alicia Keys, é mais do que uma cantora. Autora de best-sellers do New York Times e vencedora de quinze prêmios Grammy, possui formação clássica em piano e começou a compor aos doze anos. A incomparável Alicia assinou com a Columbia Records com apenas quinze anos como cantora de R&B e, desde então, não parou de lançar faixas belíssimas de tirar o fôlego. Aqui estão as dez melhores músicas de Alicia Keys de todos os tempos.
10. Underdog
O azarão é frequentemente visto de forma negativa. Na melhor das hipóteses, um azarão pode conseguir uma vitória incrível e inesperada, mas não é assim que Alicia Keys enxerga. A música "Underdog" dispensa interpretação, pois ela escreveu exatamente o que queria dizer na letra. Esta é uma música sobre empoderamento e sobre ver todos como válidos e dignos. Ela fala da resistência do espírito humano, da maioria das pessoas que não são famosas ou ricas, que lutam e trabalham por tudo o que têm. Não é surpresa que esta música de 2020 tenha sido tão bem recebida em um ano em que todos estavam fazendo o que podiam para sobreviver.
9. Karma
Todo grande cantor eventualmente compõe uma música sobre término de relacionamento. Karma é a música de Alicia para os cansados e de coração partido. Com versos como "O que vai, volta", Karma é uma música sobre um amante que foi rejeitado apenas para ver aquele que o deixou acabar no mesmo lugar que ele. Relacionável e subestimada, Karma merece mais elogios.
8. Girl On Fire (With Nikki Minaj)
Girl On Fire foi uma canção soberba e empoderadora sobre uma jovem. No entanto, a canção inspirou mais do que apenas os fãs de Alicia Keys. A própria cantora decidiu levar a música mais além. O romance Girl On Fire, coescrito por Andrew Weiner e ilustrado por Brittney Williams, tem lançamento previsto para o ano que vem, de acordo com o LowellSun . Ao contrário de seus trabalhos anteriores, que incluem um livro de poesia e um livro de memórias, este livro é pura fantasia. A protagonista Lolo é telecinética.
7. Like You’ll Never See Me Again
Alicia Keys adora criar músicas bonitas, mas muito diretas. Ela diz e canta o que pensa. "Like You'll Never See Me Again" é sobre viver cada momento que a vida lhe dá ao máximo. Embora seja um pouco clichê, esta é uma música sobre viver a vida como se cada dia fosse o último, porque você nunca sabe quando será.
6. Diary
Em 2004, Diary foi indicada ao Grammy na categoria Melhor Performance de R&B por Duo ou Grupo com Vocais. Embora não tenha vencido, ela levou para casa quatro Grammys naquele ano, incluindo Melhor Performance Vocal Feminina de R&B, Melhor Canção de R&B e Melhor Álbum de R&B. A música, sobre confiança no amor, é suave e relaxante de ouvir, mas traz a paixão pela qual Alicia é tão conhecida. Keys poderia facilmente ter levado todos os oito Grammys aos quais foi indicada naquele ano, apesar da abundância de músicas excelentes lançadas
5. If I Ain’t Got You
A introdução de piano em If I Ain't Got You é excepcional. A voz comovente de Alicia, que improvisa sobre todas as coisas aparentemente sem importância pelas quais as pessoas vivem, como fama e diamantes, rapidamente descarta todas essas necessidades materiais em favor do amor. O tema de viver apenas para o amor é comum na música, mas raramente é tão inspirador quanto nesta música. Não é surpresa que Alicia tenha levado para casa o Grammy de Melhor Performance Vocal Feminina de R&B no ano em que esta música foi lançada. Todos que já se apaixonaram podem se identificar com a sensação de que essa coisa perfeita e linda é tudo o que uma pessoa precisa.
4. My Boo (With Usher)
My Boo é uma música sobre amor de infância que Keys canta com o cantor de sucesso Usher Raymond. Para muitas pessoas, o primeiro amor, ou pelo menos um dos primeiros, ocupa um lugar especial em seus corações. Mesmo quando as pessoas crescem e se distanciam, elas ainda se apegam àquela pessoa em particular que transformou sua vida romântica inicial no que ela foi. Compartilhar uma conexão especial não precisa ser sobre uma situação atual ou um caso extraconjugal. My Boo é uma música nostálgica.
3. Empire State of Mind (With Jay-Z)
À primeira vista, Empire State of Mind parece ser sobre a cidade de Nova York, e é quando ela se apresenta com o rapper Jay-Z . No entanto, a música é mais uma metáfora para a esperança e o desafio de Nova York, a cidade americana por excelência. O desafio de se aventurar por conta própria é redobrado quando você enfrenta desafios adicionais. Sejam desafios como pessoa ou por causa do seu ambiente, crescer e prosperar nunca é fácil, mas é alcançável. A sensação de beleza e realização em fazer algo que vale a pena é o que esta música transmite.
2. No One
O amor é um tema recorrente em muitas das músicas de Alicia Keys. "No One" é mais controverso do que a maioria. A música fala sobre como a cantora não se importa com o que pensam sobre seu amor. Literalmente, ninguém vai atrapalhar seu amor. Como um fã comentou no Lyrics Mode , a música também pode ser sobre a turbulência que ela sentiu por seu marido da última década, já que ele era casado com outra pessoa quando se conheceram.
1. Fallin’
Fallin foi o primeiro grande sucesso de Alicia. O tom blues profundo e soul dessa música a tornou um clássico instantâneo. No ano em que Fallin' foi lançado, ela ganhou quatro Grammys, e três deles por essa música. Fallin' também foi indicado ao prêmio de álbum do ano, mas perdeu, mesmo com o prêmio de Melhor Álbum de R&B do Ano com Músicas em Lá Menor. Fallin' é a balada poderosa essencial de Alicia Keys que lhe deu fama e realmente merece estar no topo de qualquer lista de R&B ou da obra de Alicia Keys. Nada chega perto.
Considerações finais
Criar uma playlist da Alicia Keys é difícil porque ela é muito prolífica. Você poderia facilmente criar listas separadas com base no seu humor. Quando precisar de um estímulo, comece com uma música como "Underdog" ou crie uma playlist inteira sobre amor começando com "Girl On Fire". Depois de terminar esta lista dos dez maiores sucessos, confira todos os sete álbuns de estúdio dela e os dois álbuns ao vivo para mais músicas incríveis para cada ocasião.
Curao representa o ápice de uma parceria criativa de uma década, a união do amante da música, explorador e nômade sonoro William "Quantic" Holland e da sublime Nidia Góngora, um álbum mágico, tão visceral quanto espiritual. Uma interpretação nova e altamente original das tradições musicais únicas, ricas e místicas da região do Pacífico colombiano. Curao é o lugar onde o som ancestral do folclore do Pacífico se mistura com toques sutis de arranjos eletrônicos. Um espaço sonoro onde a marimba de chonta (piano da selva) encontra o downtempo, onde o currulao coexiste com o dub, onde a chirimía e as melodias do drum & bass se cruzam e se misturam. "Nidia tem uma história muito especial e, como cantora, ela incorpora o espírito e os tesouros ancestrais de suas origens ", diz Quantic sobre a cantora, que emprestou sua energia e talento únicos a alguns de seus lançamentos mais populares (como Ondatrópica ). Considerada uma das principais artistas da música típica de marimba da região do Pacífico Sul e guardiã da tradição oral, Nidia Góngora lidera grandes grupos regionais, como o Grupo Canalon, e desempenha um papel fundamental como mentora de grupos mais jovens. Atualmente radicada na cidade de Cali, Góngora nasceu em uma família musical na remota cidade ribeirinha de Timbiquí, uma comunidade afro-colombiana cuja localização e contrastes culturais proporcionam inspiração infinita.
Este álbum de 18 faixas apresenta a selva, o rio caudaloso, a chuva; arroz de coco, borojó, caranguejos, camarões, viche; religião, canções de ninar, redenção; a marimba chonta, caixas e instrumentos de sopro. Tudo em puro realismo mágico, retratando as paisagens do Pacífico profundo. O álbum começa com uma introdução de sons de chuva, tambores e rituais, que nos transportam para as paisagens da Costa Pacífica da Colômbia, assim como todos os interlúdios do álbum. Na primeira metade, músicas como "E Ye Ye" e "Dub del Pacífico" refletem os sabores e sons desta região do país. Enquanto isso, "Que me duele?", "Se lo ví" e "Muévelo negro" revelam histórias reais do cotidiano, desde as dores que atormentam o corpo até a dança e a jodedera. O álbum continua com "Amor en Francia", "Ojos Vicheros" e "Ñanguita", canções nas quais o folclore do Pacífico e os detalhes eletrônicos se intensificam. Mais adiante, canções como "Dios promete", "María no me lleva" e "Maldito muchacho" são os lugares onde a tradição religiosa se transforma em canção de ninar e súplica redentora, enquanto "No soy del Valle" e "Un canto a mi tierra" representam a apropriação da terra e o fortalecimento das raízes. Esta é, em última análise, uma viagem ao ancestral com uma sonoridade moderna, na qual fica claro que a união de Quantic e Góngora sempre nos trará magia sonora para nos abstrair em selvas profundas e místicas.
tracks list: 01. Intro 02. E Ye Ye 03. Que me duele? 04. Dub del Pacifico 05. Interludio I 06. Se lo ví 07. Muévelo Negro 08. Amor en Francia 09. Ojos Vicheros 10. Ñanguita 11. Dios promete 12. Interludio II 13. María no me llevo 14. Interlucio III 15. Un canto a mi tierra 16. No soy del Valle 17. Interludio IV 18. Maldito muchacho
Desde o início da carreira em 2006, os Deolinda tornaram-se um dos grupos de maior sucesso em Portugal, com a sua fórmula de criar uma interessante mistura de géneros, baseada na música popular portuguesa e no fado, fundida com sonoridades do jazz, samba e pop. Aliás, é impossível criar a banda sonora dos últimos nove anos em Portugal sem o importante papel dos Deolinda. Outras Histórias é o seu quarto álbum de estúdio, após Mundo Pequenino , lançado em 2013. Lançado em fevereiro de 2016, aventura-se por novas sonoridades e géneros sem perder o estilo inconfundível que torna os Deolinda únicos. O álbum conta com colaborações interessantes como a de Manel Cruz (dos extintos Ornatos Violeta), que surge em dueto com Ana Bacalhau no belíssimo tema "Desavindos", a de Dj Riot (Buraka Som Sistema) em "A Velha EO Dj", e a da Orquestra Sinfónica de Lisboa dirigida pelo Maestro Vasco Pearce de Azevedo, com arranjos de cordas da autoria de Filipe Melo.
Coproduzido por João Bessa , além de contar com a voz e a performance ímpares de Ana Bacalhau, o grupo português conta entre os seus membros com o grande compositor Pedro Da Silva Martins , um dos autores mais prolíficos e requisitados da cena portuguesa, que já compôs para grandes artistas como Ana Moura, Cristina Branco, António Zambujo e Mariza, entre outros. Em suma, Outras Histórias é mais uma vez um exemplo de ecletismo musical, de ligação emocional com o público e do bom trabalho da Deolinda.
track list : 01. Bons Dias 02. Manta Para Dois 03. Mau Acordar 04. Corzinha De Verão 05. Bote Furado 06. Desavindos (feat. Manel Cruz) 07. Canção Aranha 08. Avó Da Maria 09. Never É Tarde 10. A Velha EO Dj (feat. Dj Riot) 11. Pontos No Mundo 12. Berbicacho 13. Bom Partido 14. Canções Que Tu Farias 15. Dançar De Olhos Dated
Tendo provado que podiam ir além dos padrões, os Jayhawks aproveitaram a onda do country alternativo do século XXI e, por assim dizer, voltaram à realidade. A Rainy Day Music reduziu o grupo ao núcleo de Gary Louris e Marc Perlman, apoiados pelo craque Tim O'Reagan na bateria e harmonias e pelo ex-Long Ryder Stephen McCarthy nas outras guitarras e instrumentos de corda. Com a ajuda do produtor Ethan Johns, descendente do lendário Glyn, e de um músico de estúdio na maioria dos teclados, o som também foi reduzido, sem distorção ou feedback excessivos, dando às músicas espaço para respirar.
