O som global com artistas da Europa e da África tem sido o alimento do projeto Afro Celt Sound System , um grupo afro-irlandês formado por Simon Emmerson (guitarrista e produtor), N'Faly Kouyate (kora e balafon), Johnny Kalsi (percussão), Moussa Sissokho (percussão) e Griogair Labhruidh (flautas, vocais e guitarras), com James McNally (multi-instrumentista), Iarla Ó Lionáird (vocal), Emer Mayoc (gaita de foles) e Martin Russell (teclados e programação), o verdadeiro arquiteto de seu som, também participando do grupo. Embora Simon Emmerson tenha formado a banda em 1991, foi somente em 1996 que eles se tornaram conhecidos no festival Womad, onde alcançaram um sucesso extraordinário. A partir dessa data, seu nível de qualidade e inovação aumentou com o lançamento de seus seis álbuns de estúdio: Sound Magic (1996), Release (1999), Further In Time (2001), Seed (2003), Anatomic (2005) e The Source (2016), que comemora seu 20º aniversário e pelo qual ganharam o prêmio de Melhor Grupo no Songlines Music Awards de 2017. Esses álbuns também contaram com colaborações de artistas como Robert Plant, Sinéad O'Connor, Davy Spillane, Liam O'Flynn e Peter Gabriel, entre outros. Este último é o fundador do festival Womad e dono da gravadora Real World, a gravadora que lançou os cinco primeiros álbuns do grupo. Eles também apareceram em filmes como "Hotel Ruanda", "Stigmata", "Gangues de Nova York" e "Nikita".
O Afro Celt Sound System funde dança e música eletrônica em geral com ritmos celtas e africanos, sintetizando a ideologia Womad: misturando culturas, utilizando tecnologias contemporâneas (eles trabalham com computadores) e cuidando do aspecto visual, especialmente da dança. Seu repertório inclui trilhas sonoras de 600 anos atrás e peças contemporâneas como jungle e house. Essa mistura perfeita de sons antigos e contemporâneos, o que eles chamam de global dance, os colocou na vanguarda indiscutível da world music.
tracks list: 01. Calling in the Horses 02. Beware Soul Brother 03. The Magnificent Seven (ACSS meets TDF) 04. Cascade 05. A Higher Love (tune "Monkswell Road") 06. Honey Bee 07. Where Two Rivers Meet 08. Mansani Cissé/Tàladh 09. Child of Wonder 10. Desert Billy (tune "The Balcony") 11. The Communicator 12. The Soul of a Sister 13. Kalsi Breakbet
Elwan é o sétimo álbum de estúdio dos lendários Tinariwen , um grupo emblemático do chamado blues do deserto que está ativo há mais de três décadas e que bandas como Terakaft, Tamikrest e Bombino reconhecem como sua maior influência. Fiéis à sua idiossincrasia, mas também impelidos pela turbulência frequentemente sangrenta que prevalece em sua casa saariana, a referencial banda tuaregue atua, compõe e grava de maneiras variáveis, dependendo das circunstâncias, mas sempre marcada pela sensação de uma terra perdida. Nesta ocasião, eles gravaram este álbum na Califórnia (curiosamente, em um lugar com conotações familiares para os fãs de rock como o Parque Nacional Joshua Tree) e o concluíram em M'Hamid El Ghizlane, um oásis no sul do Marrocos. Uma dicotomia apropriada que reflete o conteúdo do álbum.
"Elwan" significa "os elefantes" e é uma metáfora para as feras que pisoteiam tudo ao seu redor. Este é um álbum vital com canções de luta, cânticos de esperança e aquele som limpo e distinto de guitarra Stratocaster, juntamente com as vozes profundas de seus dois principais cantores e compositores, Ibrahim Ag Alhabib e Abdallah Ag Alhoussenyi . As onze composições do álbum oferecem sua maior força no contraste entre temas vigorosos e suaves: abre com "Tiwàyyen", um blues com sua onda de golpes de guitarra que termina com aquelas acelerações típicas dos ritmos Gnawa (que nos remetem aos primórdios da banda); em "Sastanàqqàm", as guitarras cíclicas e hipnóticas parecem cantar junto com os backing vocals da banda, e o choque com a realidade do grupo e de seu entorno é evidente em "Ténéré Tàqqàl", um lamento triste e espiritual pela pilhagem de suas terras. "Imidiwàn n-akàll-in" nos transporta de volta à solidão do deserto, retornando mais uma vez com violões e percussão vibrante na envolvente "Assàwt". O álbum encerra com uma faixa de blues emocionante, "Nànnuflày", uma canção abrasiva sobre a imensidão e o vazio do deserto. Com colaborações notáveis com músicos americanos influentes como Kurt Vile, Mark Lanegan e Matt Sweeny, em Elwan a banda conseguiu mais uma vez capturar o fascinante transe de suas apresentações ao vivo em estúdio.
Africa Rekk (Só África!) é o mais recente álbum do cantor senegalês vencedor do Grammy Youssou N´Dour , que o próprio Youssou descreve como "uma jornada entre a África moderna e a tradicional, uma jornada por diferentes culturas africanas" . Após quatro décadas de colaborações com artistas do mundo todo (e o enfrentamento de muitas causas humanitárias), o álbum explora temas como o combate à violência contra as mulheres, o materialismo e o diálogo pacífico entre religiões. Africa Rekk representa a África para o resto do mundo através da beleza de seus sons e do talento de uma jovem geração promissora de artistas, como seu compatriota Akon (Alioune Badara Thiam), o nigeriano Spotless e o congolês Fally Ipupa .
Youssou evoca um dos objetivos de sua nova produção musical, uma missão com vocação pan-africana: impulsionar o mbalax (gênero do qual ele é o mais representativo) por meio de sua conexão com outros gêneros musicais africanos. Em última análise, este álbum personifica e apresenta uma África positiva, um continente que não pode ser reduzido à visão estereotipada de migração ilegal ou conflito. Africa Rekk é um grito de esperança para fazer o público, e os jovens africanos em particular, compreenderem que têm uma responsabilidade para com o continente que os viu nascer e florescer, pois constituem seu maior patrimônio. O artista os incentiva a acreditar em si mesmos e em seu futuro na África.
tracks list: 01. Gorée 02. Bull Ko Door 03. Be Careful 04. Jeegel Nu (Forgiveness) 05. Conquer the World (feat. Akon) 06. Exodus 07. Ban La (feat. Fally Ipupa) 08. Oumar Foutiyou Tall 09. Dawal (feat. Spotless) 10. Serin Fallu 11. Food For All 12. Money Money
O Projeto Nilo é uma iniciativa louvável em direção ao pan-africanismo: artistas de onze países ao longo do Nilo e seus afluentes se encontram anualmente para ministrar cursos e conscientizar sobre a necessidade de protegê-lo. Uma ideia completa e uma maravilha musical, pois atinge momentos de intensidade e harmonia absolutamente surpreendentes. O projeto, patrocinado pela etnomusicóloga egípcia Mina Girgis e pela cantora e ativista cultural etíope Meklit Hadero , começou em janeiro de 2013, quando 18 artistas do Egito, Uganda, Etiópia, Sudão do Sul e Sudão se reuniram para desenvolver um processo criativo colaborativo que durou 10 dias. O resultado foi Aswan (2013), que já prenunciava a trajetória de sucesso que esses embaixadores e diplomatas da música teriam. O coletivo de artistas faz uma turnê mundial para espalhar a mensagem de ecologia e interculturalidade, um evento que eles aproveitam em 2016 para gravar Jinja (2017) em Uganda, onde estão localizadas as nascentes do Nilo.
Para além do sentido de fraternidade que fomenta, a música da banda é cativante precisamente quando reproduz os seus valores unificadores, quando as tradições do Egito, Etiópia, Sudão, Uganda, etc. (e os seus respetivos instrumentos) são integradas ou alternadas numa única peça. Uma harmonia que soa surpreendentemente acessível até mesmo aos ouvintes ocidentais, apesar da diversidade de instrumentos musicais, estéticas, estilos e línguas. As canções são compostas pelos intérpretes em seis línguas. As vozes da egípcia Dina El Wedidi, do etíope Selamnesh Zemene (membro do Ethiocolor) e do sudanês Alsarah são protagonistas espetaculares deste megaprojeto musical, destacando também a versatilidade, a energia e a voz poderosa do burundês Steven Sogo. Como Girgis e Hadero inicialmente apontaram, o Projeto Nilo é mais do que pan-africanismo, é "pan-niloísta". Neste projeto, as conexões entre os países do Nilo são tão evidentes que quase constituem uma denúncia: dadas as conexões claras entre instrumentos, sons e ritmos, dados os laços que unem todos esses países, por que eles viveram de costas um para o outro? Além disso, o Projeto Nilo é um projeto ambiental que visa conscientizar e enfatizar a necessidade de proteger e valorizar os ecossistemas da bacia do Nilo. É um verdadeiro deleite.
lista de faixas : 01. Inganji - façanha. Sophie Nzayisenga e Selamnesh Zemene 02. Allah Baqy - façanha. Dina El Wedidi e Sarah Abunama-Elgadi 03. Ya Abai Wuha - façanha. Selamnesh Zemene 04. Omwiga - façanha. Micheal Bazibu 05. Uruzi Nil - feat. Steven Sogo 06. Dil Mahbuby - façanha. Dina El Wedidi e Mohamed Abozekry 07. Tenseo - façanha. Jorga Mesfin, Mohamed Abozekry e Selamnesh Zemene 08. Marigarita - façanha. Sophie Nzayisenga, Hany Bedair e Selamnesh Zemene 09. Biwelewele - façanha. Steven Sogo 10. Mulungi Munange - façanha. Micheal Bazibu, Sophie Nzayisenga e Steven Sogo
Mama Kalunga é o quinto álbum de Virgínia Rodrigues , uma narrativa mitológica e terrena sobre a presença negra no Brasil e no mundo, que lhe rendeu o prêmio de "Melhor Cantora de MPB" no 27º Prêmio da Música Brasileira. Tiganá Santana , produtor do álbum ao lado de Sebastian Notini, escreve no texto de apresentação do disco: "sujo de barro e espírito" . É a síntese do álbum, lançado sete anos após o anterior Recomeço (2009). Em seus 56 minutos, da primeira à última faixa, apresenta-se como uma narrativa mitológica e terrena, filosófica e afetiva, dos caminhos negros na Terra e seu rastro de lama e espírito. Sua abertura a cappella o anuncia. Em "Ao senhor do fogo azul" (Gilson Nascimento), endereçada a Nkosi/Ogum (a entidade guerreira e forjadora a quem dedica o álbum), Virgínia evoca a "Essência de Tudo" com "Para o mundo ser/Para eu ser no mundo" . Um tom ritualístico que continua na segunda faixa, "Mama Kalunga" (Tiganá Santana), desta vez uma prece à "mãe d'água", a quem ela se apresenta dizendo: "Eis-me aqui/Serei a voz que nunca sai" . A sonoridade é camerística, com atabaque, violoncelos e viola-tambor (instrumento modificado por Tiganá) que condensa essa proposta do álbum, afinada em diferentes níveis com os violões de Dorival Caymmi e João Gilberto. Após pedir permissão ao Senhor do Fogo e à Senhora das Águas, Virgínia aprofunda seu ritual (no barro e no espírito), distanciando-o do ritualismo, afastando-se da referência direta aos orixás e ingressando na leitura do cosmos proposta por Paulinho da Viola em "Nos horizontes do mundo", que vincula os movimentos do universo ao pensamento solitário de cada um de "superar a solidão". Mais uma vez, violão e violoncelo (com inserção de "Choro negro", também de Paulinho) tratam a negritude com delicadeza.
O álbum continua a alternar temas abertamente religiosos (o estilo Santeria de "Cântico tradicional afrocubano/Belen Cochambre", com Susana Baca) ou temas com conotações afro (há canções Tiganá nas línguas africanas Kikongo e Kimbundo) com temas que indiretamente ampliam essa visão do sagrado. "Teus olhos em mim", de Roberto Mendes e Nizaldo Costa, é um canto romântico que une os olhos da pessoa amada (e os outros olhos que ela possa carregar dentro de si) e os olhos lacrimejantes do riacho. Em "Sou eu", de Moacir Santos e Nei Lopes, o amante se transforma em "lilás flash" e "teu Ogum Megê" . "Luandê" (de Ederaldo Gentil) remete à África, e combina percussão com o violão de Bernardo Bosisio (cuja participação no disco foi fundamental), com versos como "Nesse mundo, todo mundo/Tem negócio na família ". Assim como o afoxé "Luandê", "Vá cuidar de sua vida" (de Geraldo Filme, significativamente regravada por Itamar Assumpção) aborda outro tema transversal do disco em seus arranjos e letras: a dicotomia preto/branco. Tratada aqui com humor seco e samba de roda, ela se traduz em imagens como a do negro indo à missa enquanto o branco vai à macumba, um retrato leve e incisivo de uma dinâmica cultural profunda, forjada, mais uma vez, no barro e no espírito, na voz especial de Virgínia.
tracks list: 01. Ao senhor do fogo azul 02. Mama Kalunga 03. Nos horizontes do mundo 04. Vá cuidar de sua vida 05. Babalaô/amor de escravo 06. Mukongo 07. Teus olhos em mim 08. Cântico tradicional afrocubano/Belén Cochambre (feat. Susana Baca) 09. Mon´ami 10. Luandê 11. Yaya zumba (feat. Ruth de Souza) 12. Sou eu (feat. Tiganá Santana) 13. Dembwa (10 de agosto)
Podem parecer números inesperados. Mas dos Pulp não só podemos falar de um silêncio de 24 anos (acho que isso todos notámos) como, também esta é uma história que remonta a 1978. Ou seja, os Pulp (apesar da pausa), têm uma história com 47 anos. São contemporâneos dos Duran Duran, The Cure, Bauhaus, Echo & The Bunnymen ou os Xutos & Pontapés, ou seja, deram os primeiros passos ao mesmo tempo que surgiam os primeiros e discos de uns Devo, Dire Straits ou os conterrâneos The Human League ou Cabaret Voltaire. De resto, vale a pena sublinhar este último par, vincando as memórias de um berço na mesma cidade de Sfeffield que então via nascer também as aventuras de uns ABC ou, depois da cisão nos Human League, os Heaven 17… Acontece que, apesar desta data que os inscreve entre a geração nascida no final dos anos 70, os Pulp esperaram até 1983 para terem um primeiro disco e só quase dez anos depois, entre “Babies” (1992) e “Razzmatazz” (1993) começaram a angariar maiores atenções, cabendo ao quarto álbum “His ‘n’ Hers” (1994) o primeiro episódio de devido reconhecimento alargado e a criação de um êxito maior ao som de “Do You Remember The First Time”… E depois, em tempo de euforiabrit pop(mas na verdade com uma carteira de referências, factos e personalidade bem demarcadas) inscreveram na sua história um disco que foi eleito como clássico instantâneo… Mas depois de “Different Class” (1995) nem tudo foram rosas. E mesmo com mais dois novos magníficos álbuns, o mais introspectivo e cinicamente elaborado “This Is Hardcore” (1998) e o não menos surpreendente “We Love Life” (2001), produzido por Scott Walker, afastaram os Pulp desse pontual contacto com as rotas dos sabores do momento. E depois fez-se silêncio…
E tudo recomeçou nos palcos (em 2011). Depois houve reedições… E o rumo dos músicos acabou por convergir a um mesmo estúdio no mesmo momento. Curiosamente, tal como sucedeu com a recente reunião dos Blur (que gerou o álbum “The Ballad of Darren” em 2023), o regresso faz-se num tempo com agendas pessoais bem distintas. E o que eram os Pulp de meados dos anos 90, com uma música que não queria ignorar o papel de retrato (e comentário) político e social que tantas vezes coube à história da canção popular, não mais parece ser o núcleo temático de um álbum mais pessoal nas palavras, mas claramente inscrito na personalidade “clássica” do som da banda na música que nos apresenta. É verdade que sempre houve nas canções dos Pulp toda uma paleta de olhares sobre relacionamentos, afetos, sexo, assim como um jeito muito pessoal de usar sarcasmo e ironia ao serviço da escrita. O passar dos tempos e a história de vida de Jarvis Cocker coloca-nos agora todas estas coordenadas num novo patamar. E assim, num mapa de referências que por nada pretende escapar a uma história de raízes antigas e muitos feitos reconhecidos, a música dos Pulp, conhece aqui um novo episódio que parte dos alicerces que a banda tinha já sólidos em meados dos anos 90 para ao seu percurso juntar um novo disco que não pretender ser senão aquilo que naturalmente ali poderia acontecer. A voz de Jarvis Cocker, o engenho na palavra e a solidez do edifício musical (curiosamente te partilhando com os Blur James Ford, o mesmo produtor recrutado para “The Ballad Of Darren”) juntam-se aqui a uma nova e feliz coleção de canções. Será difícil comparar “More” ao momento cultural e social que fez de “Different Class” um marco na história dos anos 90. Mas as canções que aqui nos mostram fazem de “More” o álbum mais acessível e tranquilo que os (magníficos, volto a sublinhar” discos de 1998 e 2001 não traduziram. Valeu a espera.
