Track listing:
1. Cycles
4. Changes
domingo, 19 de outubro de 2025
Wolfgang Bock - Cycles (1980)
1969 Pink Floyd
Em 14 de abril de 1969, no Royal Festival Hall, em Londres, o Pink Floyd deu início a uma turnê que se estendeu até o final de setembro. A turnê foi intitulada "The Man and The Journey", e o primeiro show foi anunciado como "The Massed Gadgets of Auximenes – More Furious Madness from Pink Floyd". Foi uma das apresentações favoritas do baterista Nick Mason, que relembrou: "Possivelmente menos para David Gilmour, que, devido a um aterramento ruim, recebeu um raio de eletricidade suficiente para arremessá-lo através do palco e deixá-lo vibrando levemente pelo resto do show".
O repertório do show foi dividido entre músicas que apareceram nos álbuns anteriores do Pink Floyd, "The Piper at The Gates of Dawn" e "Saucerful of Secrets", e material que seria lançado posteriormente nos dois álbuns da banda de 1969. Esses álbuns são o tema deste artigo.
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Barbet Schroeder passou o início de sua carreira em Paris, trabalhando como assistente de direção de Jean-Luc Godard e como parte da equipe de produção dos dois primeiros filmes "Moral Tales", de Eric Rohmer. No final de 1968, ele assumiu a direção e seu projeto de estreia foi um filme sobre a contracultura dos anos 1960, retratando a decadência do vício em heroína na ilha de Ibiza. Em vez de buscar uma trilha sonora típica para acompanhar o filme, ele buscava música diegética – música que se originasse nas cenas, com os personagens cientes disso. Como um seguidor ativo da música underground, ele queria utilizar a música desse gênero como o estilo natural em que seus personagens de filmes estavam imersos. Mais tarde, ele disse: “Eu era um grande fã dos dois primeiros discos do Floyd. Achei que eram as coisas mais extraordinárias que já tinha ouvido e só queria trabalhar com eles. Fui a Londres, levei uma cópia do filme More e mostrei a eles. Eu não queria a típica música de filme – feita minuto a minuto e gravada com a imagem na tela grande. Eu não acreditava em música de filme. Eu queria que essa fosse a música que os personagens estivessem ouvindo. Em uma festa, a música saiu do alto-falante de uma sala, então a gravamos para soar como se estivesse tocando na sala.”
A oferta veio na hora certa. O Pink Floyd estava ansioso para se envolver com filmes como um meio em que sua música pudesse fornecer um complemento significativo aos visuais. Rick Wright disse na época: "Os filmes parecem ser a resposta para nós no momento. Seria legal fazer um filme de ficção científica — nossa música parece ser voltada para esse lado." A banda aceitou de bom grado a oferta de Schroeder para fornecer a trilha sonora para o filme More. Como David Gilmour explicou: "Teríamos feito quase qualquer coisa em termos de filmes. Queríamos entrar para trilhas sonoras de filmes de sucesso e concordamos, ele nos deu 600 libras cada, e lá fomos nós e conseguimos." O Pink Floyd já havia se aventurado levemente na música para filmes em algumas ocasiões. Em 1967, eles apareceram no filme psicodélico Tonite Let's All Make Love in London, de Peter Whitehead. Um ano depois, eles forneceram uma trilha sonora para um filme chamado The Committee, de Peter Sykes, no que Nick Mason descreveu como "mais uma coleção de efeitos sonoros do que música". Eles agora tinham a primeira chance de criar uma trilha sonora de filme genuína.
Roger Waters, que começava a se afirmar como a principal força criativa da banda após a saída de Syd Barrett, lembra que a opinião de Barbet Schroeder sobre a música de cinema era, naquela época: "Ele não queria uma trilha sonora para acompanhar o filme. Tudo o que ele queria era, literalmente, que se o rádio do carro estivesse ligado, por exemplo, ele queria que algo saísse do carro. Ou que alguém ligasse a TV, ou algo assim. Ele queria que a trilha sonora se relacionasse exatamente com o que estava acontecendo no filme, em vez de uma trilha sonora para complementar o visual."
Waters compôs a maioria das músicas para a trilha sonora, com faixas instrumentais adicionais escritas e executadas pela banda. Ele lembra: "Eu estava sentado na lateral do estúdio escrevendo letras enquanto gravávamos as faixas de apoio. Era só uma questão de compor oito ou nove músicas com instrumentais." Trabalhando no Pye Studios, o Pink Floyd passou duas semanas intensas compondo, improvisando e gravando a trilha sonora completa do filme. Schroeder lembra: "Roger era a grande força criativa. Lembro-me dessas duas semanas incrivelmente agitadas. O engenheiro de som não conseguia acreditar na velocidade e na criatividade da empreitada."
Uma das maiores conquistas de Roger Water no filme é a música que abre o álbum da trilha sonora, Cirrus Minor. Barbet Schroeder disse sobre a música do Pink Floyd para o filme: "Eles estavam fazendo a música que melhor se adaptava ao filme naquela época – espacial e muito em sintonia com a natureza." De fato, o primeiro minuto completo de Cirrus Minor consiste em sons de canto de pássaros, cortesia da biblioteca de efeitos sonoros da EMI. A canção meditativa é uma peça de destaque para David Gilmour, que canta e toca violão, e Richard Wright, que toca órgãos Farfisa e Hammond. A qualidade etérea do Hammond em Cirrus Minor é semelhante à seção Celestial Voices de A Saucerful of Secrets, do álbum anterior.
A preferência de Schroeder por músicas que saíssem das cenas, em vez de serem tocadas junto com elas, deu ao Floyd liberdade para criar trilhas sonoras para filmes sem as complexidades de uma cronometragem precisa para se adequar ao ritmo do filme. Nick Mason: "Não havia orçamento para um estúdio de dublagem com um sistema de contagem de quadros, então fomos a uma sala de exibição, cronometramos as sequências cuidadosamente (é incrível como um cronômetro pode ser preciso) e depois fomos para o Pye Studios em Marble Arch, onde trabalhamos com o experiente engenheiro de som interno Brian Humphries." Em essência, a banda estava gravando uma coleção de músicas e instrumentais que combinavam com o clima das cenas do filme. Como disse Barbet Schroeder, ele "estava usando trechos do álbum para esta ou aquela cena".
Outro destaque da trilha sonora também foi escrito por Roger Waters. Cymbaline, originalmente intitulada "Nightmare" quando tocada ao vivo, faz referência ao personagem Doutor Estranho, um super-herói popular da Marvel Comics dos anos 1960, que também apareceu na capa do álbum A Saucerful of Secrets.
A trilha sonora do filme foi lançada em junho de 1969, dois meses antes da estreia, e se tornou um álbum de sucesso do Pink Floyd. Foi o primeiro álbum completo da banda sem Syd Barrett e, como David Glimour resumiu: "Fazer música para filmes era um caminho que achávamos que poderíamos seguir no futuro. Não que quiséssemos deixar de ser um grupo de rock 'n' roll, era mais um exercício." O Floyd gravaria mais uma trilha sonora para um filme de Barbet Schroeder, La Vallée, lançado como Obscured by Clouds em 1972.
More chegou ao top 10 de diversas paradas europeias de álbuns, com maior sucesso na França, onde alcançou o segundo lugar e recebeu críticas entusiasmadas em publicações musicais locais. A revista francesa Rock & Folk escreveu: “More é um disco de qualidade impressionante, e o Pink Floyd é, sem dúvida, um dos grupos mais maduros da atualidade. More reflete perfeitamente o espírito com que o Pink Floyd sempre concebeu sua música: técnica de rigor inabalável a serviço de uma imaginação tumultuada. O casamento impossível entre loucura e razão.”
Voltamos à turnê The Man and The Journey. Os shows daquela turnê desempenharam um papel fundamental no próximo álbum do Pink Floyd, a ser lançado em novembro de 1969. Ummagumma é um álbum duplo, composto por um álbum gravado ao vivo durante a turnê e um álbum de estúdio com músicas que estrearam nos mesmos shows. Dois shows ao vivo foram gravados, um no Mother's em Birmingham em 27 de abril, o outro no Manchester College of Commerce em 2 de maio. Cada um deles contribuiu com duas faixas para o álbum ao vivo. Richard Wright disse sobre esses shows: "Na primeira vez, sentimos que tínhamos tocado muito bem, mas o equipamento não funcionou, então não pudemos usar quase tudo. A segunda vez foi um show muito ruim, mas como o equipamento de gravação estava funcionando bem, tivemos que usá-lo. O material do álbum não é nem metade do que podemos tocar."
A gravação de 2 de maio captura o Pink Floyd tocando uma de suas melhores músicas daquele período. Originalmente presente em A Saucerful of Secrets, Set The Controls For The Heart Of The Sun é uma das primeiras composições de Roger Waters, cujo título é retirado do livro de 1965, The Fireclown, do escritor de ficção científica Michael Moorcock. A maioria das letras é influenciada pela poesia chinesa, principalmente por obras de Li Shangyin, um poeta da dinastia Tang do século IX. Falando sobre o tema, Waters disse que se trata de "uma pessoa desconhecida que, enquanto pilotava um poderoso disco voador, é tomada por tendências suicidas solares e define os controles para o coração do sol". Uma parte fundamental dessa música é a bateria de Nick Mason, que toca um padrão rítmico nos tons. Ele foi influenciado por um tipo completamente diferente de baterista, como revelou mais tarde: "Isso me deu a chance de emular uma das minhas peças favoritas, 'Blue Sands', a faixa do baterista de jazz Chico Hamilton no filme Jazz on a Summer's Day". Mais tarde, ele admitiu que não tinha a capacidade de imitar verdadeiramente o padrão de bateria de Hamilton: "Foi só quando assisti novamente àquele filme, muitos anos depois, que percebi que o que eu estava tocando não tinha absolutamente nada a ver com o que eu achava ter ouvido! Mas muito do que tocávamos naquela época tinha aquele toque jazzístico, o que o torna perfeito para reinterpretação."
O álbum de estúdio é uma história completamente diferente. A partir de setembro de 1968, o Pink Floyd iniciou um novo projeto, destinando a cada um dos membros da banda metade da duração de um LP para um projeto solo. A ideia surgiu do interesse de Ricard Wright em criar música séria que, estilisticamente, se situasse fora das atividades normais da banda. Ele ouvia compositores clássicos como Aaron Copland e Henryk Górecki e precisava de uma válvula de escape para expressar esse lado de sua paleta musical. Os outros membros da banda acompanharam e criaram cada um peças solo, explorando sua zona de conforto.
Em abril de 1969, a revista Zig Zag, antecipando o lançamento de Ummagumma, elogiou o Pink Floyd por expor a música experimental aos ouvintes de música popular: “Em certa época, seu tipo de experimentação e exploração era prerrogativa de um pequeno grupo de entusiastas de vanguarda que deixavam para trás pessoas de fora de sua pequena esfera. Mas agora essa música experimental não é mais puramente experimental e, graças a grupos como o Floyd, ela alcança um público amplo que pensa da mesma forma e aprecia o que está acontecendo. Acho que o Floyd é um dos poucos grupos que não só conseguiu preencher um álbum duplo com sucesso, como também precisa de um álbum duplo para ter espaço suficiente para se expandir.”
Embora cada uma das peças solo do álbum de estúdio seja interessante e tenha seu mérito, musicalmente elas ficam aquém da música que fizeram como um coletivo. Nick Mason comentou: "Foi divertido de fazer, e um exercício útil, com as seções individuais provando, na minha opinião, que as partes não eram tão boas quanto a soma." Falando sobre sua contribuição, The Grand Vizier's Garden Party, ele acrescentou: "Para criar minha seção, utilizei os recursos disponíveis, recrutando minha esposa Lindy, uma flautista talentosa, para adicionar alguns instrumentos de sopro. De minha parte, tentei fazer uma variação do solo de bateria obrigatório – nunca fui fã de exercícios de ginástica na bateria, sozinho ou com qualquer outra pessoa."
Richard Wright defendeu o álbum de estúdio em entrevista à revista Beat Instrumental em janeiro de 1970: “Não compusemos juntos, apenas entramos no estúdio sozinhos para gravar e depois nos reunimos para ouvi-los. Todos tocamos sozinhos em nossas peças. Achei que foi um experimento muito válido e me ajudou. O resultado é que quero continuar e fazer isso de novo, em um álbum solo. Mas acho que talvez Roger ache que, se tivéssemos trabalhado todos juntos, teria sido melhor. Isso é algo que você simplesmente não sabe, se seria ou não. Acho que foi uma boa ideia.”
Roger Waters contribuiu com duas peças musicais bem distintas para o álbum. Grantchester Meadows é uma balada pastoral rica em sons da natureza e violão, sua ode ao interior britânico. A outra, com o curioso título "Várias Espécies de Pequenos Animais Peludos Reunidos em uma Caverna e Dançando com um Picto", é uma colagem sonora anterior à colaboração de Waters com Ron Gissin em Music from The Body, lançado um ano depois. Ele disse sobre esse experimento: "Esses foram sons que eu produzi, a voz e o bater de mãos foram todos gerados por humanos – sem instrumentos musicais."
Resumindo a experiência com o álbum de estúdio, Waters foi crítico e elogioso: “Acho que a ideia do estúdio, de fazer uma faixa para cada, foi basicamente boa. Pessoalmente, acho que teria sido melhor se tivéssemos feito as faixas individualmente e, depois, ouvido a opinião dos outros, colocado quatro cabeças em cada faixa em vez de apenas uma. Acho que cada faixa teria se beneficiado disso, mas, quando ficaram prontas, já tínhamos esgotado nosso tempo de estúdio. Fiquei bastante satisfeito com o resultado, no entanto. Vendeu bastante, o que já é alguma coisa.”
Um trabalho melhor de Roger Waters como compositor e da banda completa como intérpretes foi gravado no final de 1968 durante as sessões que renderam as peças solo para Ummagumma, mas não foi incluído no álbum. A música, intitulada Embryo, é contada do ponto de vista de, bem, um embrião. É uma melodia lenta e atmosférica com Richard Wright acompanhando lindamente no mellotron e piano. Depois de algumas sessões de gravação, a banda misteriosamente abandonou a faixa. Levou mais de um ano para ver a luz do dia quando o produtor Norman Smith foi encarregado de criar uma mixagem estéreo para incluir a música na compilação Picnic: A Breath of Fresh Air da Harvest Records. Esse álbum também contou com alguns dos artistas básicos da gravadora, incluindo Deep Purple, Barclay James Harvest, The Pretty Things e Kevin Ayers.
Há 14 anos, em 17 de outubro de 2011, Noel Gallagher lançava Noel Gallagher's High Flying Birds, primeiro álbum de estúdio
Há 14 anos, em 17 de outubro de 2011, Noel Gallagher lançava Noel Gallagher's High Flying Birds, primeiro álbum de estúdio do artista britânico em carreira solo. 
O Oasis, uma das bandas mais influentes do britpop, se separou em 2009 após uma série de conflitos entre os irmãos Noel e Liam Gallagher, culminando em uma briga nos bastidores antes de um show em Paris. Pouco tempo depois, Noel anunciou sua saída da banda e, em 2010, formou a Noel Gallagher's High Flying Birds, buscando um som mais eclético e menos dependente das características marcantes do Oasis, como os grandes riffs e os coros em massa.
O álbum de estreia do novo grupo foi produzido por Noel e Dave Sardy, com gravações ocorrendo no estúdio The Sound Factory, em Los Angeles, e desenvolvimento que levou cerca de dois anos. O gênero predominante é o rock alternativo, com influências de britpop e rock psicodélico. As canções apresentam uma sonoridade mais refinada e orquestral, em comparação com os trabalhos do Oasis, com letras introspectivas e reflexivas. Entre os singles lançados estão "The Death Of You And Me", "If I Had a Gun...", "AKA... What A Life!" e "Dream On". Participações especiais incluem os Crouch End Festival Chorus e The Wired Strings.
O debute do Noel Gallagher's High Flying Birds foi lançado pela gravadora Sour Mash Records e recebeu críticas geralmente favoráveis, elogiando a capacidade de Noel de se destacar sem a sombra do Oasis. Comercialmente, o álbum vendeu mais de 800 mil cópias no Reino Unido e atingiu o topo das paradas britânicas. O impacto foi positivo, consolidando Noel Gallagher como um artista solo bem-sucedido e influente, mantendo sua relevância na cena musical pós-Oasis.
Há 51 anos, em 18 de outubro de 1974, The Rolling Stones lançavam It's Only Rock N' Roll
Há 51 anos, em 18 de outubro de 1974, The Rolling Stones lançavam It's Only Rock N' Roll, 12°. álbum de estúdio da banda britânica.
Foi o primeiro álbum dos Stones produzido pelo vocalista Mick Jagger e pelo guitarrista Keith Richards sob o pseudônimo de Glimmer Twins, e o plano inicial tinha sido uma mistura de trechos de apresentações ao vivo da turnê europeia de 1973 e standards do soul como "Ain't To Proud To Beg", dos Temptations. Contudo, os compositores logo optaram por fazer seu próprio material novo, ainda que trabalhando separadamente com mais frequência do que juntos. Também foi o último disco dos Rolling Stones com o guitarrista Mick Taylor, que abandonou a banda por divergências criativas e foi gradativamente substituído por Ronnie Wood.
A capa do álbum era do pintor belga Guy Peellaert, que representou os Stones caminhando através do que parecia ser uma câmera parlamentar cheia de jovens e meninas pré-rafaelitas, aparentemente indiferentes aos seus braços nus estendidos para eles.
It's Only Rock N' Roll foi lançado pelo selo dos Rolling Stones em outubro de 1974 e tornou-se um grande sucesso comercial, atingindo o #1 nos Estados Unidos e o #2 no Reino Unido. A faixa-título, lançada com "It's Only Rock N' Roll (But I Like It)", foi o principal single do álbum, mas não conseguiu entrar para o top 10 dos Estados Unidos e entrou apenas de raspão nas paradas da Grã-Bretanha.
Há 52 anos, em meados de 1973, Sivuca lançava Sivuca
Há 52 anos, em meados de 1973, Sivuca lançava Sivuca, nono álbum de estúdio do artista paraibano. 
A obra foi gravada em Nova Iorque, onde Sivuca residia na época enquanto trabalhava com o ator e cantor americano Henry Belafonte, e teve o acompanhamento de músicos americanos como banda de apoio. Musicalmente, o álbum contempla uma grande variedade de instrumentos e gêneros, incluindo jazz e baião, e traz em seu repertório "Adeus Maria Fulô", composição de Sivuca que já havia sido gravada pelos Mutantes em 1968, e "Ain't No Sunshine", hit de Bill Withers. Dave Collins assina a co-produção.
Sivuca, o álbum, foi lançado pelo selo Vanguard unicamente nos Estados Unidos em 1973, mas no ano seguinte também seria disponibilizado no Brasil. O trabalho foi posteriormente aclamado pela crítica e atualmente é considerado um dos melhores álbuns de Sivuca.
Há 37 anos, em 18 de outubro de 1988, o Sonic Youth lançava Daydream Nation
Há 37 anos, em 18 de outubro de 1988, o Sonic Youth lançava Daydream Nation, quinto álbum de estúdio da banda americana. 
Produzido por Nick Sansano e parcialmente pelo próprio Sonic Youth, o trabalho foi gravado no estúdio Green Street, em Nova Iorque, ao longo de três meses. Classificado como noise rock e rock alternativo, Daydream Nation é marcado por guitarras dissonantes, afinações alternativas e longas faixas instrumentais. Suas letras exploram temas urbanos, surrealismo e angústia. Os singles do álbum incluem "Teen Age Riot" e "Silver Rocket". A capa, uma fotografia de uma vela, foi tirada pelo artista Gerhard Richter e simboliza uma fusão entre a simplicidade e a complexidade artística.
Lançado pela Enigma Records, Daydream Nation foi amplamente aclamado pela crítica, sendo frequentemente citado como um dos melhores álbuns da década de 1980. Embora não tenha alcançado grandes vendas inicialmente, ganhou status cult com o tempo e é considerado um marco no rock alternativo, uma influência fundamental para o movimento grunge e ajudou o Sonic Youth a se consolidar na cena underground antes de atingir um público mais amplo nos anos seguintes.
Há 15 anos, em 18 de outubro de 2010, o Ghost lançava Opus Eponymous, primeiro álbum de estúdio da banda
Há 15 anos, em 18 de outubro de 2010, o Ghost lançava Opus Eponymous, primeiro álbum de estúdio da banda sueca. 
O projeto que se tornaria o debute do Ghost começou a ser desenvolvido ainda 2006, quando Tobias Forge, vocalista, músico e criador da banda, compôs a canção "Stand By Him", ainda em sueco, e considerou que a música "parecia clamar por uma letra com orientação satânica", de acordo com ele. Forge, que já havia tocado em bandas de death metal e atualmente trabalhava em um emprego formal de escritório, contatou um ex-colega da banda Repugnant e gravou demos de "Stand by Him", "Prime Mover" e "Death Knell" no início de 2008.
As canções assumiram o Ghost como uma banda teatral com tema satânico. Apesar de não pretender inicialmente assumir a função de vocalista da banda, preferindo a guitarra, Forge em pouco tempo adotou o pseudônimo de Papa Emeritus, com os demais integrantes preservando suas identidades sob a alcunha de Nameless Ghouls. Quando Forbe publicou as demos no MySpace em março de 2010, a repercussão foi tamanha que, dois dias depois, o artista assinou contrato com uma gravadora.
Opus Eponymous foi gravado ao longo de algumas semanas em um estúdio subterrâneo na cidade natal da banda, Linköping, Suécia, e seu lançamento recebeu aclamação da crítica: considerado um sopro de alívio ao mundo do metal, que ansiava por novidades, as letras de cunho satanista e ocultista eram embaladas por melodias simples e vocais limpos, com teclados bem marcados numa atmosfera que assemelha-se a uma mistura de filmes de horror clássico com culto religioso. A faixa "Elizabeth", sobre a história real da condessa que banhava-se o sangue de outras mulheres, foi lançada como single, com Opus Eponymous atingindo o #50 nas paradas suecas e sendo indicado ao Grammis Awards; a versão japonesa do álbum, lançada em 2011, continha uma versão do Ghost para "Here Comes The Sun", dos Beatles, como faixa bônus.
“ConFunkShunizeYa” por Con Funk Shun
Em 1977, a banda de R&B/funk Con Funk Shun se consolidou no cenário musical de forma épica com seu álbum Secrets . A coletânea, com disco de ouro, apresenta seu sucesso de estreia "Ffun", entre muitas outras faixas marcantes. Outro destaque do álbum é a poderosa " ConFunkShunizeYa", na qual a banda entrega seu emocionante estilo funk com instrumentos de sopro. Cedric Martin ancora o groove com uma linha de baixo alucinante, reforçada pela batida estrondosa de Louis A. McCall Sr. A faixa ostenta um arranjo eletrizante de instrumentos de sopro tocado com fúria impetuosa pela seção de metais superconcisa do Con Funk Shun.
" ConFunkShunizeYa" foi escrita pelo vocalista e guitarrista do Con Funk Shun, Michael Cooper. A música teve um desempenho respeitável nas paradas, alcançando a 31ª posição na parada de singles de R&B da Billboard. Ela foi sampleada em três músicas, incluindo a faixa de 1997 de Will Smith, "Ya'll Know".
O Con Funk Shun foi formado em Vallejo, Califórnia, em 1969 pelos colegas de escola Michael Cooper e o baterista Louis A. McCall Sr. Eles foram influenciados por pioneiros do funk como James Brown e Sly & the Family Stone. Na época, a banda se chamava Project Soul. Em 1971, o baixista Cedric Martin, o trompetista Karl Fuller, o tecladista Danny "Sweet Man" Thomas e o músico de sopro Paul "Maceo" Harrell se juntaram à banda. Naquele mesmo ano, o Project Soul mudou seu nome para "Con-Funk-Shun", inspirado no título de uma música instrumental do conjunto de soul/funk/jazz Nite-Liters, liderado por Harvey Fuqua. (Posteriormente, em 1974, eles retiraram os hífens do nome para Confunkshun e, em 1975, o estilizaram para Con Funk Shun para fins de marketing.) O multi-instrumentista e vocalista Felton Pilate juntou-se ao Con-Funk-Shun no final de 1971, após a dissolução de sua banda. O septeto rapidamente conquistou a reputação de uma fantástica banda de apoio na cena funk da Costa Oeste.
A talentosa banda de groove se mudou para Memphis, Tennessee, em 1973, onde foi contratada como banda de apoio do grupo vocal da Stax Records, Soul Children. A banda também trabalhou com vários redatores da Stax durante esse período. Logo foram recrutados como banda de apoio da lenda do soul de Memphis, Rufus Thomas, no histórico show beneficente da Wattstax em 1972. (A filmagem do show foi transformada em um documentário de 1973 intitulado Wattstax , que foi indicado ao Globo de Ouro.)
A banda acabou chamando a atenção da executiva da gravadora e cofundadora da Stax Records, Estelle Axton, que os contratou para sua gravadora independente, Fretone Records, em 1973. Eles gravaram seu álbum de estreia, Organized Con Funk Shun , no mesmo ano, mas a coletânea só foi lançada em 1978 pela Pickwick Records. Produzido por Ted Sturges, o álbum de sete músicas oferece uma mistura bacana de funk agressivo, baladas suaves e jams jazz-soul prolongados. Em 1973, a banda gravou uma coletânea de faixas durante suas sessões em Memphis, que foi lançada em 1980 sob o título The Memphis Sessions (pela gravadora 51 West Records & Tapes).
Con Funk Shun lançou dois singles pela Fretone. Em maio de 1974, lançaram a requintada balada soul "Now and Forever" (composta por Pilate e Cooper), acompanhada pelo instrumental funk efervescente "Clique", de Harrell e Cooper. Em outubro daquele ano, a Fretone lançou o segundo single de Con Funk Shun, um cover do clássico folk rock dos anos 60 "Mr. Tambourine Man", e o lado B era "Bumpsumbody", uma canção original creditada à banda.
Em 1976, o Con Funk Shun assinou com a Mercury Records, onde permaneceu por 10 anos e lançou 11 álbuns nesse período. A banda teve uma trajetória de enorme sucesso com a Mercury, conquistando quatro discos de ouro e uma série de sucessos no top 10 da parada de singles de R&B da Billboard. A banda se separou em 1986 devido a disputas internas sobre créditos de composição e pagamento de royalties. Eles se reuniram na década de 90 e começaram a se apresentar em festivais e shows pelo mundo todo.
O legado do Con Funk Shun é o de uma banda empolgante e talentosa que se destacou tanto no estúdio quanto no palco, deixando para trás uma riqueza de músicas excelentes e performances ao vivo incríveis. Sua música foi sampleada em 186 músicas, segundo o Whosampled.com. Em 21 de setembro de 2014, o Con Funk Shun foi homenageado com o National R&B Lifetime Achievement Award em um jantar black-tie e cerimônia de premiação em Atlantic City, Nova Jersey. A banda ainda faz turnês regularmente com três dos membros originais, Felton Pilate, Michael Cooper e Karl Fuller, na formação.
Con Funk Shun tocando "ConFunkShinizeYa" no Soul Train em 1978
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