McDonald and Giles "McDonald and Giles" (1971)

 

Os nomes de Ian McDonald e Michael Giles estão para sempre gravados nos anais do King Crimson . Embora sua participação no megaprojeto progressivo tenha se limitado ao álbum de estreia, "In the Court of the Crimson King" (1969), vale lembrar que devemos as melodias magníficas de faixas como "I Talk to the Wind" e "The Court of the Crimson King" diretamente a McDonald. Tendo divergido da visão de Robert Fripp para a futura direção criativa da banda, ambos deixaram o grupo em meio a uma turnê americana. Era dezembro de 1969. Os dois não tinham para onde ir. No entanto, não estavam dispostos a se entregar à melancolia. Após discutirem suas estratégias, Ian e Michael decidiram criar uma colaboração que melhor refletisse suas necessidades atuais. O irmão mais novo de Giles , Peter (baixo), e o respeitado organista Steve Winwood ( Spencer Davis Group , Traffic , Blind Faith ) foram recrutados como assistentes. Michael, naturalmente, ficou responsável pela bateria, enquanto os outros instrumentos (guitarra, piano, órgão, saxofone, flauta, clarinete, cítara) ficaram a cargo do versátil Ian. Os idealizadores do projeto designaram as partes vocais com base em uma avaliação criteriosa de seus próprios talentos. E assim começou... A faixa de 11 minutos "Suite In C" serve
como um convite ao mundo fantasioso de McDonald e Giles . Enquanto a seção introdutória ("Turnham Green") se insere na psicodelia pós-Beatles com influências do blues-rock, a sequência ("Here I Am and Others") é elaborada por visionários britânicos sobre uma vasta plataforma de arte lúdica, com uma interação vibrante entre flauta, bateria e Hammond, um toque de loucura jazzística, um arranjo orquestral maravilhoso (cordas e metais) (regido por Mike Gray ) e um saxofone preciso e ágil. Uma atmosfera leve e lírica permeia o melodioso estudo pop-rock "Flight of the Ibis", baseado na poesia de D.B. Fallon . É uma composição agradável e despretensiosa, apresentando apenas teclados, violão, baixo e percussão. A comovente elegia pseudobarroca "Is She Waiting?" é interpretada com genuína emoção. O estilo característico de Ian se revela aqui de uma forma um tanto inesperada; é difícil resistir ao charme da nobre melancolia de um menestrel em busca do amor... No complexo esboço "Tomorrow's People - The Children of Today", o intrincado proto-prog ganha vida com intrincados toques de trombone do convidado Michael Blacastley.Elementos de salsa, improvisações de bateria de Giles, graciosos floreios de flauta e outras delícias. Mas o presente mais impressionante para o ouvinte está guardado para o final. A densa suíte de 22 minutos "Birdman" incorpora as ambições do grupo: apresenta sobreposições corais e expansões sonoras, além de uma série de combinações estilísticas diversas, como estruturas musicais, jazz-rock vibrante, ritmos folclóricos bucólicos, polifonia sinfônica e muito mais.
Comercialmente, o álbum foi um fracasso. Os músicos perderam o apoio da gravadora Island e decidiram seguir caminhos separados. McDonald encontrou sua voz no coletivo Foreigner , da AOP , e Giles iniciou uma carreira como músico de estúdio e compositor de trilhas sonoras. Quanto ao lançamento conjunto de 1971, este último conquistou seu lugar de destaque entre as realizações exemplares do início do art rock inglês.

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Anima Morte "The Nightmare Becomes Reality" (2011)

 

Os fãs escandinavos do horror-prog italiano continuam a emocionar o público. O título do seu novo álbum sugere claramente que, embora este tenha sido apenas um vislumbre do horror, o verdadeiro horror está apenas começando. A confiança do Anima Morte é reforçada pelo fato de o onipresente Mattias Ohlsson ( Änglagård , White Willow ), que tem uma sólida reputação em seu país natal como descobridor de talentos, ter assinado contrato para produzir a banda. Sob o olhar atento deste luminar da arte sueca, o quarteto entregou um trabalho sólido que desenvolve ainda mais os cânones melódicos de seu álbum de estreia.
Como antes, as principais fontes de inspiração dos nórdicos continuam sendo o trabalho dos "especialistas em pesadelos" Goblin , as trilhas sonoras de Fabio Frizzi e Ennio Morricone , e os filmes de terror clássicos de Lucio Fulci e Dario Argento . Mas essa é apenas uma das faces da moeda. Outro componente, não menos importante, da música do Anima Morte é o legado duradouro do rock progressivo vintage dos anos setenta. O resultado dessa fusão é bastante encantador, apesar da atmosfera sinistra cuidadosamente construída.
A partir da curta introdução "Voices From Beyond", construída inteiramente sobre efeitos sonoros cinematográficos, o quarteto entra em ação. A combinação de arpejos acústicos hipnóticos à la Opeth e partes de guitarra elétrica ásperas e distorcidas (Daniel Kannerfelt) com Mellotron e abundantes pads de sintetizador (Fredrik Klingvall), um toque de Pink Floyd reflexivo e passagens de violino bastante refinadas (membro convidado Jerk Voog) causa uma impressão excepcionalmente positiva. Os integrantes aprimoraram visivelmente seu profissionalismo — não apenas como intérpretes, mas também como compositores. Daí a harmonia e a reflexão presentes em suas composições. Em "The Revenant", o elemento central da trama é um riff minimalista de órgão, em torno do qual giram solos de guitarra expansivos e intrincadas manobras da seção rítmica (Stefan Granberg no baixo, Teddy Möller na bateria). A faixa "Contamination", focada no teclado, é uma clara homenagem a Claudio Simonetti e seus companheiros do Goblin . O estudo "Passage of Darkness" é altamente não convencional em conceito e execução; essencialmente, temos diante de nós uma peça sinfônica de post-rock equilibrada, cuja singularidade é enfatizada pela virtual ausência de guitarra. "Solemn Graves" assemelha-se a uma simbiose de arte épica no espírito de Rick Wakeman .Com um hard rock tradicional e focado em motivações, a sonoridade de "Delirious" oferece espaço tanto para momentos pastorais analógicos e leves quanto para um ataque metálico e ameaçador. Os demais fragmentos desse amplo panorama também são excelentes: a complexa "Feast of Feralia", com sua variedade polifônica de cores; a faixa-título, baseada em uma interação entre piano e sintetizador; a belíssima valsa sombria "Things to Come"; e o esboço um tanto amorfo "The Dead Will Walk the Earth", executado em um estilo artístico doom característico.
Em resumo: um lançamento excelente que agradará tanto aos entusiastas do retrô quanto aos fãs de prog instrumental moderno. Altamente recomendado.

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Comus "First Utterance" + maxi single (1971)

 

O nome Comus está gravado em letras de ouro na história do acid folk britânico progressivo. Uma banda mais respeitada neste gênero peculiar é, sem dúvida, a mais influente. Há razões para isso, mas chegaremos a elas mais tarde. Por ora, vamos mergulhar um pouco mais fundo no passado.
A história do Comus remonta a 1967. Naquela época, dois estudantes de dezessete anos, Roger Wootton e Glenn Goring, se conheceram na Ravensbourne Art College (Bromley, Kent). Ambos curtiam folk rock com guitarra inspirado no Pentangle , acompanhavam de perto a cena underground do acid e sonhavam em formar sua própria banda. Logo, Colin Pearson (violino, viola), um colega da mesma instituição, juntou-se à dupla de Roger e Glenn. Foi por sugestão dele que o nome original da banda foi encontrado. Colin, um apaixonado pela história medieval inglesa, sugeriu que o nome fosse inspirado na obra dramática "Comus", escrita em 1634 por John Milton como uma peça de teatro de máscaras. A ideia foi entusiasticamente apoiada. Inspirado, Wootton começou a forjar um repertório, enquanto novos membros se juntavam ao grupo. Um a um, o baixista Andy Hellaby, o cantor/percussionista Bobby Watson e o flautista Michael "Bummy" Rose entraram para a banda (a passagem deste último foi curta; em março de 1970, ele foi substituído pelo tecladista/instrumentista de sopro Rob Young). Graças à diligência do empresário Chris Youle, o Comus teve a oportunidade de fazer uma turnê pelo país. Após uma apresentação no prestigiado Purcell Rooms, em Londres, os novatos chamaram a atenção da gravadora de rock progressivo Dawn. Em junho de 1970, um contrato foi assinado com eles, e o trabalho meticuloso começou no primeiro álbum, Comus ...
O estilo criativo singular do sexteto pode ser percebido desde a faixa de abertura, "Diana". Composta apenas por Pearson, esta peça demonstra claramente as características marcantes da banda: vocais sarcásticos, sustentados por cantos polifônicos e repletos de uivos deliberadamente teatrais; progressões rítmicas de acordes de Wootton, emolduradas pelo slide de Goring; passagens poderosas de cordas, acompanhadas por teclados sutis e a percussão de mão carregada de emoção de Rob Young; além de uma atmosfera de loucura generalizada, beirando a excentricidade espontânea. A verdadeira joia do álbum é a peça acústica de 12 minutos "The Herald", concebida em um tom bucólico suave; as partes de guitarra e flauta capturam com maestria a atmosfera de bosques de carvalhos sombreados, habitados por espíritos, elfos e outros personagens mitológicos. Em contraste, o elaborado esboço "Drip Drip" contém inúmeros episódios agressivos imbuídos de uma paixão quase animalesca. Em "Song to Comus", motivos tradicionais de menestréis são entrelaçados com os ritos artisticamente esquizofrênicos do feiticeiro-rei pagão Comus. A construção folclórica de "The Bite" também revela traços de loucura, demonstrando mais uma vez o alto calibre dos músicos reunidos aqui. Sua continuação instrumental é o segmento pitoresco "Bitten", sustentado na linha de uma vanguarda acústica, sombria e espinhosa. A rapsódia final, "The Prisoner", é um exemplo brilhante de folk progressivo psicodélico histérico — ousado, original e, em alguns momentos, simplesmente genial.
Em resumo: uma obra-prima artística inquestionável do início dos anos setenta, cujo valor estético só aumenta com o tempo. Recomendado para melodrama sofisticado, amantes do incomum e aqueles abertos a novas formas.

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Stackridge "The Man in the Bowler Hat" (1974)

 

A espontaneidade foi um fator crucial para determinar grande parte da história deste álbum. Veja o título, por exemplo. Todos os cinco membros do Stackridge estavam satisfeitos com a versão original – "Road to Venezuela". Mas um retrato de um homem de chapéu-coco , de René Magritte, chamou a atenção de alguém, forçando-os a reconsiderar a situação num instante. Daí o design irônico da capa (de John Kosh e John Swannell). O álbum foi gravado em julho de 1973 no Air Studios, em Londres. O processo foi supervisionado pelo lendário produtor George Martin , padrinho dos Beatles . E isso não é coincidência. Afinal, a fórmula criativa do Stackridge se baseava nos mesmos princípios dos Fab Four: excentricidade, "essência inglesa" e incrível diversidade estilística. Continuidade da tradição? Se quiser, sim. E o experiente Martin reconheceu intuitivamente almas gêmeas nos jovens talentosos. E quanto aos Beatles ... Os membros do quinteto têm uma relação especial com eles. "Ouvi 'Revolver' umas cinco mil vezes", admitiu mais tarde o guitarrista/vocalista James Warren. "E quando vi a caixa etiquetada 'Revolver Demos' na casa do George naquela sessão de verão, senti como se tivesse ressuscitado dos mortos no segmento mais privilegiado do paraíso pop." Quando estavam ensaiando a faixa 'Humiliation' e Martin sugeriu adicionar um acompanhamento de cordas à maneira de 'Eleanor Rigby', o Stackridge , liderado por Warren, estava pronto para se derreter de felicidade diante dos nossos olhos... O álbum abre com a doce e melódica 'Fundamentally Yours', que quase exala um clima natalino e otimista. Excelentes linhas vocais combinadas com uma orquestração complexa (teclados de Andy Davis, violino de Mike Evans e uma parte de piano liderada pelo próprio George Martin ) são uma isca 100% eficaz para o ouvinte. E então algo verdadeiramente notável acontece. Em "Pinafore Days", a voz calorosa da flautista Mutter Slater harmoniza-se perfeitamente com uma rica paisagem sonora que evoca a atmosfera de um circo itinerante. "The Last Plimsoll" é uma performance brilhante — art rock com temática marcante e uma boa dose de teatralidade. O oratório lírico "To the Sun and the Moon" cativa não só pela sua trama, mas também pela sua polifonia magistralmente construída. "The Road to Venezuela" é uma das favoritas de Warren ("Acho que consegui criar uma progressão de acordes muito legal ali"), assim como o estudo single "The Galloping Gaucho" ("Música incrível, muito bem recebida. Além disso, o arranjo do George é sensacional").A estrutura extremamente equilibrada de "Humiliation" assemelha-se a uma canção de ninar sinfônica em sua forma; ela contrasta com a divertida música rock "Dangerous Bacon", em homenagem aos Beatles, com as passagens vibrantes de saxofone de Andy MacKaye (
Roxy Music ). Os encantadores pianíssimos de Martin embelezam a pastoral acústica "The Indifferent Hedgehog", de Davis/Smith. A performance culmina na obra-prima instrumental de "God Speed ​​the Plow", cujos visuais envolventes variam da intimidade singela e marcantes nuances folk à grandiosidade filarmônica.
Em suma: um lançamento cativante que demonstra a imaginação excepcional de seus criadores. Um clássico vivo da arte britânica. Recomendo não perder.

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Cezário – Sanfona, fera e viola

 

Colaboração do Lourenço Molla, de João Pessoa – PB

Na capa tem um autógrafo do Cezário com a data de 1990.

Mas a data oficial de lançamento não consta impressa em nenhum lugar.

Cezário – Sanfona, fera e viola
RBS

01. Vira e mexe (Beto Sormani – Cezário do Ceará)
02. Forrozinho bom (Beto Sormani)
03. Vamos chamegar (Beto Sormani – Cezário do Ceará)
04. Por trás da serra (Cezário do Ceará – Tony Silva – Beto Sormani)
05. Dia e canção é você (Cezário do Ceará – Beto Sormani)
06. Sanfona, fera e viola (Beto Sormani – Cezário do Ceará)
07. Me mate de amor (Kakau Góis)
08. Coisa daqui (Cezário do Ceará – Beto Sormani – Tony Silva)
09. O cozido do Mané (Cezário do Ceará – Ivancil Constantino da Silva)
10. Vida de boiadeiro (Beto Sormani – Cezário do Ceará)

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Mandacarú – Por Causa do forró

 

Colaboração do Lourenço Molla, de João Pessoa – PB

Pouco pude descobrir sobre o Mandacarú.

Um disco todo autoral, com apenas uma co-autoria na faixa “De Souza a Cajazeiras” de Chico Amaro e Mandacarú.

Mandacarú – Por Causa do forró
Brasidisc

01. Deixa o pó levantar (Mandacarú)
02. Colado com tu (Mandacarú)
03. Só para intimidar (Mandacarú)
04. Tenho sofrido (Mandacarú)
05. Por causa do forró (Mandacarú)
06. Desejo por Elena (Mandacarú)
07. Marido, casa e cama (Mandacarú)
08. Forró na casa do Bento (Mandacarú)
09. De Souza a Cajazeiras (Chico Amaro – Mandacarú)
10. Minha infância sem mamãe (Mandacarú)

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Ary Lobo – Súplica Cearense

 

Colaboração do Joca, o Rojão Stéreo, de Brasília – DF.

Um dos mais raros discos do Ary Lobo.

Direção artística de Roberto Stanganelli e José Russo; Acompanhamento do Reginal do Martins.

Ary Lobo – Súplica Cearense
1973 – Tropicana

01 Súplica cearense (Gordurinha – Nelinho)
02 Filho de tupinambá (Barbosa da Silva – Ary Lobo)
03 Eu vou pra lua (Ary Lobo – Luiz Bouquinha)
04 Eu sou de Belém (Ary Lobo – Péricles Sales)
05 Chore não Jesus Silva – Zé Carlos)
06 A culpada foi você (Joci Batista – Rita Passos)
07 Homem humilhado (Severino Ramos)
08 Cosme e Damião (Ary Lobo – Luiz Bouquinha)
09 Moça de hoje (Ary Lobo)
10 Mais uma homenagem à Bahia (Ary Lobo – Jesus Silva)
11 Céu cor de anil (Zé Carlos)
12 Descansa teu coração (Ary Lobo – Zé Carlos)

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ROCK ART

 

Pighead - Rotten Body Reanimation (2012)

 

Death metal brutal alemão, definitivamente mais refinado e tecnicamente competente dentro do subgênero. Repugnante e violento, mas refrescantemente livre da violência explicitamente misógina que geralmente é comum no death metal brutal.

Track listing:

1. Dead Flesh Alive

2. Atrocious Determination

3. Radioactive Death Trip

4. Grub into Addled Meat

5. Rotten Body Reanimation

6. Kill the Living, Eat the Dead

7. Japanese Nuclear Holocaust

8. Resurrected Malignity

9. Ragged and Fractured

10. Breed of Genuine Destroyers

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Stereolab - Cobra and Phases Group Play Voltage in the Milky Night (1999)

 

Lá estou eu, assistindo a um vídeo no YouTube sobre álbuns subestimados e, claro, discordo de muita coisa ali. Por exemplo, em que mundo de fantasia " Darkness on the Edge of Town" é subestimado? É um dos álbuns mais aclamados de um dos músicos de rock mais famosos de todos os tempos e contém pelo menos quatro ou cinco das músicas mais emblemáticas de Springsteen. 

Mais relevante para este post, porém, é a inclusão de Dots and Loops , do Stereolab. ABSURDO. Todo mundo adora esse disco. Se você vai falar de discos subestimados do Stereolab, Cobra and Phases deveria ser o primeiro da sua lista. É talvez o disco mais desafiador e experimental deles — sonoramente sobreposto a ponto de ser impenetrável, cheio de grooves estranhamente cortados e melodias angulares, e ostentando uma peça central de drone rock de 11 minutos que se baseia em um único acorde, em várias formas, durante toda a sua duração. Essencialmente, o Stereolab fez seu álbum mais Stereolab, praticamente todos os críticos o detonaram, e ele nunca foi realmente reavaliado, embora seja uma obra-prima na minha opinião.

Track listing:

1. Fuses

2. People Do It All the Time

3. The Free Design

4. Blips Drips and Strips

5. Italian Shoes Continuum

6. Infinity Girl

7. The Spiracles

8. Op Hop Detonation

9. Puncture in the Radak Permutation

10. Velvet Water

11. Blue Milk

12. Caleidoscopic Gaze

13. Strobo Acceleration

14. The Emergency Kisses

15. Come and Play in the Milky Night

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