Como n’O Estranho Caso de Benjamin Button, o filme de Gala começa pelo final. Há uma personalidade em crescimento e uma linguagem que se refina sem se despolarizar. Ainda são umas Lush cruas mas já a abrir avenidas para o bravado do shoegaze. Guitarras etéreas, texturas abrasivas, jogos harmónicos entre Emma Anderson e Miki Berenyi, e um duelo constante entre delicadeza melódica e ruído envolvente. Por contraste com outras bandas da 4AD e com os futuros colegas de página My Bloody Valentine e Slowdive, as Lush eram dotadas de uma sensibilidade pop mais explícita, sem perder a densidade. O triângulo Sweetness and Light, Sunbathing e Breeze, de outubro de 1990, é de uma claridade jubilante e encaminha as Lush para uma utopia real e tangível.
Rescaldo de dois anos imparáveis de rápida evolução e promessa cumprida, a colectânea foi editada para servir de cartão de visita nos mercados americano e japonês, e reuniu os EP de 1990 Mad Love e Sweetness and Light, ambos desse ano, ao mini-álbum inaugural Scar, de 89. Para a sobremesa, uma versão de Hey Hey Helen, dos Abba, e uma remistura de Scarlet, por Robin Guthrie, dos Cocteau Twins, para uma compilação do Melody Maker.
Em De-Luxe e Leaves Me Cold, encontramos as Lush no apogeu da rebentação. Ruído, harmonias pop e guitarras jangle coexistem sem se canibalizar. Com uma secção rítmica mais extrovertida, Downer podia entrar no catálogo dos Dry Cleaning. E há Thoughtforms, filha bastarda da cascata onírica e celestial dos Cocteau Twins, produzida por Guthrie, com quem já planeavam trabalhar desde Scar.
“O termo shoegaze foi inventado para se referir aos estudantes chatos que ficavam a olhar para os próprios pés em palco”, recordava Miki Berenyi em entrevista recente à revista Flood. A explicação podia ser adoptada como legenda pelo TikTok para o súbito e inexplicável contágio do subgénero na plataforma, mas tem outro propósito. As camadas flutuantes das duas vozes camuflavam uma desolação terrena no centro do turbilhão de guitarras.
As colectâneas costumam ser desvalorizadas em relação aos álbuns mas o comboio descendente de Gala é um expresso não só pela memória das Lush, mas um pedaço da arqueologia da madrugada de uns anos 90 exorbitados até hoje. No mini-álbum de estreia Scar, a instabilidade emocional das cançōes expunha nervo (Baby Talk) e uma compulsão pós-punk, assimilada de Siouxsie & The Banshees, notada na circularidade hipnótica da secção rítmica de Second Sight, no baixo amotinado de Bitter, na órbita suspensiva de Scarlet e na literalidade de Etheriel.
Para uma banda a navegar ao sabor da amizade de Anderson e Berenyi, apenas com dois anos de vela, tudo aconteceu à velocidade da Lush - talvez mais depressa do que pudessem suspeitar, mas os romances mais intensos não têm limite de velocidade. No revivalismo shoegazer, não há energia renovável como esta. A naturalidade das Lush sobrepunha-se a qualquer intenção racional e quando o ruído exterior interferiu na fluidez, a parede sonora ruiu.
Além da reedição remasterizada de Lush, foi disponibilizado no YouTube o filme de estrada A Far From Home Movie. O retrato da intimidade da banda em digressão foi captado em Super8 pelo baixista Phil King entre 1992 e 1996.
Bob Seger nasceu em 6 de maio de 1945, em Detroit, Michigan. Seu primeiro trabalho musical foi com a banda The Decibels, ao lado de seu futuro empresário, Eddie Punch Andrews. Depois de alguns anos, mudou-se para Ann Arbor e começou a tocar com a banda The Town Criers. Posteriormente, tocou teclado e cantou para Doug Brown & the Omens. Enquanto estava com o grupo, lançaram uma música sob o nome de The Beach Bums, "The Ballad of Yellow Beret", uma paródia de "The Ballad of the Green Beret", canção do Sargento Barry Sadler. Pouco depois do lançamento, o Sargento Sadler ameaçou processá-lo. O primeiro single solo de Bob Seger, "East Side Story", foi seguido por "Persecution Smith" e "Heavy Music" pela Cameo Records, uma gravadora regional que faliu logo após o lançamento. Seger formou o Bob Seger System em 1968 e assinou com a Capitol Records, que lançou "Ramblin' Gamblin' Man", cuja faixa-título alcançou a 17ª posição nas paradas.
O álbum seguinte da banda não obteve o mesmo sucesso, então Seger abandonou a música para cursar a faculdade em 1969. Não demorou muito para que Seger retornasse ao rock . Com novos integrantes, lançou "Mongrel" em 1970. No entanto, dissolveu o grupo e gravou "Brand New Morning" em 1971 como um álbum solo. Após diversas colaborações fracassadas, Seger voltou para a Capitol Records depois de formar a Silver Bullet Band com o guitarrista Drew Abbott, o baixista Chris Campbell, a tecladista Robyn Robbins, o saxofonista Alto Reed e o baterista Charlie Allen Martin. O grupo gravou o álbum "Beautiful Loser" e o seguiu com uma turnê nacional. O álbum nunca se tornou um sucesso comercial. Contudo, eles conquistaram uma base de fãs ainda maior. Assim, quando lançaram "Live Bullet" em 1976, o álbum se tornou um sucesso e permaneceu nas paradas americanas por três anos, eventualmente conquistando quatro discos de platina. O grupo lançou outro álbum de sucesso, "Night Moves", em 1976, que alcançou o top 10 e gerou vários hits. Seger deu sequência ao álbum com "Stranger In Town" e, em 1980, com "Against the Wind", seu primeiro álbum número um. Um ano depois, Seger lançou um álbum ao vivo, "Nine Tonight", outro álbum multiplatina que chegou ao terceiro lugar nas paradas.
O álbum "The Distance" foi lançado em 1982. Durante a gravação, Abbott deixou a banda por não achar que precisavam de músicos de estúdio, dando início a uma década de constantes mudanças na formação do Silver Bullet Band. "The Distance" não alcançou a mesma popularidade que outros álbuns, então a banda reduziu sua agenda de shows e o tempo em estúdio. No entanto, o grupo lançou mais um álbum, "Like A Rock", em 1986. O álbum e a turnê subsequente foram um sucesso. Assim, em 1987, Seger lançou a música "Shakedown", parte da trilha sonora de Um Tira da Pesada II e seu único hit número um. Quatro anos após o lançamento, Seger lançou "The Fire Inside", que ganhou disco de platina. Ele esperou mais quatro anos antes de lançar "It's a Mystery", que alcançou apenas o disco de ouro.
Seger ficou onze anos afastado das gravações, fazendo apenas uma aparição durante sua indução ao Hall da Fama do Rock and Roll. Dois anos depois, lançou "Face the Promise", seu primeiro álbum sem a Silver Bullet Band desde "Beautiful Loser". O álbum teve sucesso mediano, embora "Wait for Me" tenha chegado ao top 20 da parada Adult Contemporary da Billboard e ao quarto lugar na parada de álbuns da Billboard. Após esse álbum, ele gravou vários outros com músicas de trabalhos anteriores . Seu álbum duplo "Ultimate Hits: Rock & Roll Never Forgets" ganhou disco de platina em 2011, em parte graças à sua versão de "Downtown Train", de Tom Waits. Ele lançou mais dois álbuns em 2014 e 2017, "Ride Out" e "I Knew You When", dedicado a Glenn Frey . Ao longo de sua carreira, Bob Seger teve muitos sucessos inesquecíveis. Estas são as 10 melhores músicas de Bob Seger de todos os tempos.
10. Turn the Page
A letra desta música reflete as pressões que Seger sentia na estrada. Aliás, esta foi apenas uma das duas músicas que ele começou a compor durante uma turnê. Mais tarde, o Metallica fez um cover desta música em seu álbum de 1998, "Garage Inc.".
9. Shame on the Moon
Em sua maioria, Bob Seger escrevia e gravava seu próprio material. No entanto, esta música é uma versão cover originalmente escrita e cantada por Rodney Crowell. Embora Glenn Frey não tenha trabalhado neste projeto com Seger, Don Henley apresentou o trabalho de Crowell a Seger.
8. We’ve Got Tonight
Assim como muitas outras canções do catálogo de Seger, ele escreveu esta música depois de assistir a Golpe de Mestre. Mais especificamente, a cena do filme em que Redford diz à garçonete que eles poderiam passar uma noite juntos, mesmo sem conhecerem ninguém, nem um ao outro.
7. Mainstreet
Seger escreveu essa música sobre crescer em Ann Arbor, Michigan, e sobre o que acontece quando você sai da adolescência. Uma de suas influências musicais foi Bruce Springsteen. No entanto, ele não estava tentando imitar o som dele.
6. Still the Same
Quando Seger se mudou para a Califórnia, encontrou pessoas cuja filosofia de vida era muito diferente da sua. Além disso, descobriu que as pessoas na Califórnia tinham uma ambição diferente pelo sucesso. "Still the Same" é uma composição anterior sobre pessoas que tentam dominar o mundo.
5. Against the Wind
Em 1980, Seger ganhou o Grammy de Melhor Performance de Rock por um Duo ou Grupo com Vocal. Mais tarde, ele disse que a única coisa que o incomodava na música era a gramática correta. "Against the Wind" foi outra colaboração com Glenn Frey.
4. Hollywood Nights
Essa música foi um dos sucessos de Bob Seger que nunca entrou nas paradas, mas continua sendo uma favorita de todos os tempos. Alguns a consideram uma das melhores canções clássicas do rock dos anos 70. "Hollywood Nights" é do álbum "Stranger in Town", que contou com duas bandas de apoio diferentes: a Silver Bullet Band e a Muscle Shoals Rhythm Section.
3. Night Moves
Houve diversas fontes de inspiração para esta canção: a infância de Seger em Michigan e o filme American Graffiti. Além disso, foi o primeiro grande sucesso de Seger, alcançando o 4º lugar em março de 1977.
2. Ramblin’ Gamblin’ Man
Mais tarde, Glenn Frey, cofundador dos Eagles, gravou vocais de apoio e tocou violão nessa faixa, em sua primeira gravação profissional. Essa música foi o primeiro grande sucesso de Seger, chegando ao 17º lugar na Billboard, apesar de quase não ter sido tocada nas rádios. A inspiração de Seger para essa música foi a canção "Gimme Some Lovin'" do Spencer Davis Group.
1. Old Time Rock & Roll
A cena icônica do filme dos anos 80, Negócio Arriscado, em que Tom Cruise dubla a música, torna essa a canção mais memorável do catálogo de Seger. De acordo com o U Discover Music , George Jackson e Bob Seger coescreveram a música, mas Seger nunca adicionou seu nome porque achava que ela não faria sucesso. Ele escreveu a maior parte da letra, com exceção do refrão de Jackson.
"I Feel for You" apareceu originalmente no álbum Prince (1979) , o segundo álbum de Prince . A versão original de Prince é uma das melhores músicas do álbum, comparável a outros sucessos mais reconhecidos daquele álbum, como "I Wanna Be Your Lover ", com a qual compartilha a típica performance vocal em falsete e a autonomia e versatilidade do músico, tocando todos os instrumentos e criando uma das músicas mais animadas e dançantes do álbum.
No entanto, a versão de Prince para "I Feel for You" não obteve sucesso comercial, e a canção só ganhou popularidade anos depois, quando Chaka Khan a gravou para seu álbum de mesmo nome ( "I Feel for You", 1984 ). Na voz de Chaka Khan , a canção se tornou um sucesso de crítica e público, como comprovam os dois prêmios Grammy que conquistou: "Melhor Canção de R&B" (prêmio recebido por Prince como compositor da música) e "Melhor Performance Vocal Feminina de R&B" ( Chaka Khan ).
A versão de Chaka Khan não contou com Prince tocando nenhum instrumento, mas incluiu a participação ilustre de Stevie Wonder em sua icônica gaita e samples vocais retirados de sua canção "Fingertips" (1963) . O single da versão de Chaka Khan de "I Feel for You" alcançou o topo das paradas e vendeu mais de um milhão de cópias nos Estados Unidos e no Reino Unido, tornando-se uma das canções de maior sucesso que Prince ofereceu a outros artistas como uma forma alternativa de promover seu prolífico talento como compositor.
Quando o The Damned retornou em 1979 com Machine Gun Etiquette , o punk britânico já havia superado sua explosão inicial. Os Sex Pistols eram história, o The Clash estava evoluindo para algo mais ambicioso e a cena buscava novas referências. Nesse contexto, o The Damned , que foi o primeiro a lançar um single punk no Reino Unido, o primeiro a lançar um LP e o primeiro a fazer uma turnê pelos Estados Unidos, reapareceu com Machine Gun Etiquette , uma verdadeira declaração de sobrevivência. O álbum, lançado pela Chiswick Records , mostrou uma banda que aprendeu a rir do caos sem abandoná-lo. Com a saída de Brian James , a formação principal de Dave Vanian, Captain Sensible, Rat Scabies e Algy Ward encontrou uma liberdade criativa inesperada. O resultado foi um álbum que misturava punk, garage rock, psicodelia e humor negro com uma naturalidade que deixou todos perplexos. O The Damned não queria mais ser o mais rápido ou o mais barulhento; queria ser o mais imprevisível.
Desse caldeirão de estilos surgiu "Love Song ", o single que trouxe a banda de volta às paradas de sucesso e abriu as portas para o famoso programa Top of the Pops . Um sucesso direto, dois minutos e uma energia condensada que provou que o The Damned ainda era perigoso e divertido ao mesmo tempo. A banda pega o conceito mais sagrado do pop, a canção romântica, e o tritura no moedor punk. O resultado é uma faixa que impacta como um tapa na cara; tem atitude, velocidade e um refrão que gruda como adesivo em um fichário escolar. Gravada em 1979 e produzida por Ed Hollis , a música retrata o The Damned em sua forma mais pura: franco e com um senso de humor sempre mais afiado que o de seus contemporâneos. A letra é uma paródia deliberada do amor pop. Vanian canta como se estivesse interpretando o típico cantor pop preso em um corpo punk, exagerando cada verso até que se torne uma caricatura . A banda desmantela o gênero por dentro, exagerando seus clichês até que deixem de ser românticos e se tornem sátira. É uma canção de amor que não quer ser, e aí reside seu charme. O riff de Captain Sensible impacta como um chicote, Rat Scabies toca como se o estúdio estivesse prestes a pegar fogo, Algy Ward cria uma linha de baixo que impulsiona a música com uma agressividade quase proto-hardcore, e Vanian , sempre teatral, coroa tudo com uma performance que mistura urgência e sarcasmo. A faixa dura pouco mais de dois minutos, mas nesse tempo desenvolve mais ideias do que muitas bandas em um álbum inteiro. É punk, mas também é pop, garage e humor negro. É The Damned em sua forma mais pura.
O single foi lançado com quatro capas diferentes, cada uma dedicada a um membro do grupo, uma estratégia que transformou a compra em um pequeno ato de colecionismo. Foram prensadas 20.000 cópias em vinil vermelho, um detalhe que ajudou a impulsionar as vendas e reforçar seu status de cult. Sua aparição no programa Top of the Pops foi um momento surreal: uma banda que sempre viveu à margem do mainstream invadiu as salas de estar de milhares de famílias britânicas com uma música que, em sua essência, era uma brincadeira. Em entrevistas posteriores, os membros da banda reconheceram que "Love Song" começou quase como uma brincadeira e acabou se tornando um de seus maiores sucessos.
Lançada em 1979 como tema do filme "A Rosa " , " The Rose " rapidamente se tornou uma das performances mais icônicas de Bette Midler e uma das baladas mais reconhecidas do final do século XX. Composta por Amanda McBroom, a canção não apela ao amor romântico a partir de uma perspectiva de paixão ou euforia, mas sim de uma perspectiva madura, quase filosófica, refletindo sobre o medo, a fragilidade e, acima de tudo, a capacidade do amor de sobreviver mesmo nas circunstâncias mais desoladoras.
Desde os versos iniciais, a letra oferece diversas definições de amor, muitas delas permeadas de desconfiança: alguns o veem como um rio que afoga os frágeis, outros como uma lâmina que fere a alma, ou como uma fome constante que nunca se sacia. Essas imagens iniciais não são acidentais: descrevem uma experiência marcada por dor, perda ou decepção. Contudo, a canção não permanece nesse lugar sombrio. Conforme avança, constrói um poderoso contraste entre aqueles que foram feridos pelo amor e aqueles que, apesar do medo, ainda ousam acreditar.
A interpretação de Bette Midler é fundamental para o sucesso da mensagem. Sua voz calorosa e contida evita o drama excessivo, optando por uma emoção sincera, quase confessional. Midler canta com uma delicadeza que transmite vulnerabilidade, mas também uma calma reconfortante. Cada frase parece sussurrada em seu ouvido, como um conselho particular, reforçando o apelo universal da canção.
A canção atinge seu ápice no refrão final, quando surge a metáfora que lhe dá o título: o amor como uma rosa que desabrocha de uma semente enterrada sob a neve no auge do inverno. É uma imagem simples, mas profundamente eficaz. Ali, " The Rose " encontra sua essência emocional: mesmo quando tudo parece morto, quando o frio reina e a esperança é escassa, o amor continua esperando o momento certo para florescer. Não é um amor estrondoso ou imediato, mas sim um amor paciente, resiliente e silencioso.
Ao longo dos anos, " The Rose " transcendeu seu contexto original para se tornar presença constante em casamentos, despedidas e momentos de reflexão pessoal. Seu apelo duradouro reside na mistura de honestidade e esperança, na capacidade de falar tanto àqueles que amam sem medo quanto àqueles que precisam redescobrir sua fé. Na voz de Bette Midler , " The Rose " é mais do que apenas uma canção: é um lembrete suave e persistente de que o amor, mesmo ferido, sempre encontra um caminho para crescer novamente.
