Estávamos falando sobre o músico polonês Ryszard Kramarski, seu projeto tRKproject e seu mais recente álbum, "Alice", e mencionamos uma de suas bandas, Millenium (que já apresentamos aqui no blog há algum tempo). Acontece que, quase simultaneamente ao lançamento de "Alice", "The Lost Melodies" também foi lançado, e quase imediatamente ambos os álbuns foram aclamados como dois dos melhores trabalhos de 2025, graças à pequena, porém dedicada, comunidade de rock progressivo ao redor do mundo que passa seu tempo ouvindo álbum após álbum. Este é mais um ótimo álbum, muito agradável e fácil de ouvir, e não menos prazeroso por isso. "The Lost Melodies" não reinventa a roda; nos lembra por que tantas pessoas amam o rock neoprogressivo polonês. É um álbum elegante, melancólico sem ser deprimente, com muitas atmosferas à la Pink Floyd, bem no estilo de Ryszard Kramarski, e acima de tudo, incrivelmente bem executado.
Artista: Millenium Álbum: The Lost Melodies Ano: 2025 Gênero:Neo-progressivoDuração: 58:40 Referência: Discogs Nacionalidade:Polônia
Se David Gilmour e Rick Wright tivessem nascido em Cracóvia, soariam exatamente assim. Em "The Lost Melodies", parece que eles vasculharam um baú cheio de ideias guardadas e as aprimoraram à perfeição. Se você conhece a banda, já sabe o que esperar, mas este álbum tem algo de especial. É um rock progressivo melódico que te abraça, acalma sua alma e te deixa flutuando no espaço sideral, com guitarras melancólicas, solos matadores e teclados de proporções épicas: Ryszard continua sendo o arquiteto das camadas sonoras. Há momentos em que os sintetizadores te envolvem tão completamente que você se sente dentro de uma lâmpada de lava gigante. O mais interessante deste álbum é que ele parece uma coletânea de "grandes sucessos com músicas que você nunca ouviu antes", porque tem aquela vibe de clássico instantâneo.
Independentemente de quem estiver nos vocais (porque o Millenium é como uma família que às vezes troca de primos, e aqui são três caras cantando), a performance é impecável. Menos gritos, mais sentimento; é música para ouvir com fones de ouvido e uma taça de vinho, não para pular na roda punk, embora você possa tentar uma roda punk em câmera lenta, eu não vou te julgar, cada um faz o que quer.
Por outro lado, e talvez estejamos falando o óbvio com Ryszard Kramarski no comando, a produção é impecável; o som é tão limpo que você poderia comer em cima das faixas. Cada prato, cada nota de baixo, tudo está no seu devido lugar e você consegue ouvir.
Não vou me estender muito mais; se você já ouviu esses caras, não precisa, e se você nunca ouviu, não perca tempo e mergulhe de cabeça, sem demora.
É como quando você vai ao seu restaurante favorito (ou quando você podia ir, lembra? Porque você tinha dinheiro para se dar a esse luxo). Você até sabia qual era o seu prato preferido, sabia o que iam te servir, mas estava tão bem feito que você pediu três vezes. É a mesma coisa...
Lista de faixas: 1. The Lost Melodies (15:12) 2. Past the Veil of Clouds (6:43) 3. Something Ends, Something Begins (7:15) 4. Save Me (6:25) 5. To Err is Human (Versão Alternativa) (4:26) 6. LYC 2024 (7:25) 7. Hope Dies Last (Versão Alternativa) (4:02) 8. River of Love (3:32) 9. That Was 30 Years Ago (4:00)
Formação: - Dawid Lewandowski / vocais - Łukasz Gałęziowski / vocais (1:8) - Marek Smelkowski / vocais (1:4) - Piotr Płonka / guitarras - Łukasz Płatek / saxofone, flauta - Krzysztof Wyrwa / baixo, guitarra Warr - Grzegorz Bauer / bateria - Ryszard Kramarski / teclados, guitarras acústicas e elétricas, vocoder
E partimos para a Polônia para apresentar o mais recente trabalho solo de Ryszard Kramarski, que nada mais é do que uma releitura do clássico "Alice no País das Maravilhas", mas com uma Alice moderna, ambientada no mundo insano de hoje, onde a realidade mais uma vez superou a ficção: os loucos não são mais o Chapeleiro Maluco, mas sim presidentes e chefes de estado; o autoritarismo dos poderosos faz o exército da Rainha de Copas parecer um turbilhão de garotas de Sandro perto do exército de terraplanistas violentos e intelectualmente limitados que inunda todas as plataformas, enquanto seres bizarros de todos os tipos abundam, e temos que seguir as regras em um mundo de loucura. Uma excelente ópera rock, com mais de uma hora de duração, que não dá trégua em nenhum momento e não tem um segundo desperdiçado, com um som bem Pink Floyd misturado com muito pop e art rock. Ótimas composições, ótimos vocais, excelente desenvolvimento e até mesmo uma bela arte gráfica compõem mais um dos grandes álbuns de 2025 .
O Projeto Ryszard Kramarski (também conhecido como tRKproject ) foi fundado pelo incansável e prolífico multi-instrumentista Ryszard Kramarski, que produziu, gravou e masterizou para muitos, senão a maioria, dos artistas progressivos de seu país. Ele também fundou diversas bandas, incluindo Framauro em 1996 e, posteriormente, Millenium em 1999, entre outras. Este projeto vem sendo desenvolvido desde meados da década de 2010 em colaboração com músicos de estúdio. Além deste projeto, apresentaremos o esplêndido álbum do Millenium , "The Lost Melodies", neste blog .
"Alice" oferece uma adaptação musical do clássico "Alice no País das Maravilhas", com algumas reviravoltas que trazem a história para os dias atuais, mantendo a narrativa original. Todos os personagens familiares reaparecem no álbum, convidando-nos a mergulhar no mundo lírico de Lewis Carroll, onde os diferentes cantores contribuem brilhantemente para manter o fluxo narrativo e permitir que os vários personagens dancem e interajam em nossa mente.
Desde a nota inicial que nos conduz à toca do coelho até o final de "Alice Através do Espelho", nenhum segundo dos seus 63 minutos de duração é desperdiçado com enrolação ou floreios. Respeitar um clássico tão grandioso exige nada menos que puro deleite, enquanto a história se desenrola como uma ópera progressiva. Bem-vindos ao espetáculo!
Ao longo do álbum, personagens como a Lagarta de Cheshire, a Lagarta Chapada, a Lebre de Março e o Arganaz desfilam, entre muitos outros, dando ao compositor polonês Kruczek a desculpa perfeita para exibir suas habilidades, tudo envolto em uma melodia gloriosamente grandiosa que atinge grandes alturas. Desde o início, percebe-se que esse desenvolvimento musical será mágico, com performances vocais fenomenais que se desdobram ao longo do álbum em um tom majestoso, enquanto a instrumentação é elegante, sutil e repleta de magia musical. Nuances eletrônicas, guitarras acústicas ou elétricas, teclados e sintetizadores criam a atmosfera perfeita para a história se desenrolar, desta vez menos inocente e mais macabra do que a versão original, sustentada por saxofones que vêm e vão com um ritmo implacável, um ataque rítmico que não conhece rendição. Tudo isso compõe uma grandiloquência sublime , por vezes estridente e dolorosa , que toma rumos vertiginosos, onde o inquietante e o poderoso se misturam com a doçura e a fragilidade, desdobradas em ganchos melódicos perfeitos, até que o magnífico final chega, fechando as cortinas desta obra teatral sonora. Não se ouve na gravação, mas a resposta só pode ser um aplauso entusiasmado e merecido.
E vocês sabem o que eu sempre digo sobre resenhar um álbum: é basicamente inútil, porque não dá para descrevê-lo com palavras. Você precisa ouvi-lo, e um som vale mais do que um milhão de palavras vazias. Então, aqui vai uma amostra deste ótimo álbum...
"Alice" oferece um som neo-progressivo agradável e variado, que pode ser apreciado tanto como música de fundo quanto para uma audição atenta, especialmente ao prestar atenção às letras. A narrativa é brilhantemente executada, e os vocais certamente merecem destaque, já que os diferentes cantores trazem uma certa variedade e um toque de frescor a cada faixa. O álbum inteiro possui uma qualidade de som impecável, e eu o recomendo de todo o coração.
As composições são consistentemente relaxadas e sem pressa; talvez um toque a mais de dinamismo ou dramaticidade tivesse beneficiado o álbum. Quem procura um álbum bem produzido também poderá apreciar "Alice", especialmente se as influências neo-progressivas, art rock e pop não forem um problema.
Começamos a semana com um álbum belíssimo e incomum de uma cantora e compositora sueca, e para descrevê-lo, compartilho uma resenha: "Iconoclasts é o ambicioso sexto álbum de estúdio da artista sueca Anna von Hausswolff, lançado em outubro de 2025 pelo selo Year0001. Neste disco com mais de 70 minutos de duração, Anna evolui de seu característico som sombrio e neoclássico para um art rock maximalista e experimental que ela mesma descreve como um ato de libertação e uma ruptura com as normas estabelecidas. Produzido com Filip Leyman, o álbum se destaca por suas colaborações estelares, incluindo Iggy Pop na hipnótica "The Whole Woman" e Ethel Cain em "Aging Young Women". Com sua voz poderosa e o uso magistral do órgão de tubos como espinha dorsal, a obra explora temas como feminilidade, a passagem do tempo e o confronto com "feras" internas, solidificando-se como uma peça visceral que equilibra fúria sonora com momentos de beleza celestial de tirar o fôlego." Mais um dos grandes álbuns de 2025 que recomendo fortemente que você ouça; faça um favor aos seus ouvidos e confie em mim!
Artista: Anna von Hausswolff Álbum: Iconoclasts Ano: 2025 Gênero: Crossover Progressivo Duração: 72:55 Referência: Discogs Nacionalidade:Suécia
Começamos a semana com um álbum que, desde o seu lançamento, teve um impacto sísmico nas comunidades de música experimental e progressiva. Não vamos dizer que essa comunidade seja enorme, tão importante (pelo menos para o mercado mainstream), ou que vá mudar o curso da história, mas é um nicho com muita gente que realmente aprecia boa música, então não é algo que deva ser ignorado.
Com Iconoclasts, a artista sueca Anna von Hausswolff parece ter atingido o ápice de sua visão artística, entregando um álbum que é ao mesmo tempo uma cerimônia litúrgica e uma explosão de vanguarda sombria. O disco foi recebido como uma evolução natural, porém ousada, de seu som, afastando-se de estruturas mais tradicionais para abraçar o minimalismo e uma atmosfera quase sagrada.
Um álbum denso, que mescla darkwave, neoclassicismo e drone, com forte influência da vanguarda progressiva, tendo o órgão de tubos como protagonista, é o coração pulsante da obra. Em "Iconoclasts", as gravações criam paisagens sonoras que evocam catedrais em ruínas ou visões apocalípticas. A voz de Anna é como uma força da natureza, oscilando entre sussurros etéreos e cânticos quase religiosos a gritos viscerais de grande intensidade, juntamente com elementos de percussão e sintetizadores industriais que adicionam uma camada de aspereza e modernidade ao seu som neoclássico. Neste disco, sua voz se funde com os drones do órgão, tornando-se mais um instrumento de sopro. Outro aspecto notável é a estrutura das faixas, que não são canções no sentido convencional, mas sim "esculturas sonoras" de longa duração que utilizam o crescendo como sua principal arma dramática.
ICONOCLASTS: O novo álbum de Anna von Hausswolff desafia símbolos sagrados em meio à fúria sonora e a uma busca pelo divino. A cantora, compositora e organista sueca Anna von Hausswolff, uma das compositoras essenciais do art-pop gótico da atualidade, lança ICONOCLASTS, seu primeiro álbum pelo selo YEAR0001. Ao longo dos anos, seus lançamentos a consolidaram como uma artista de criatividade ilimitada e imprevisível, sempre inovando e fundindo tradição e experimentação de maneiras inimagináveis. Entre suas obras essenciais está 'All Thoughts Fly', lançado em 2020. Nenhum fã de Nick Cave e Siouxsie Sioux, mas também de Julia Holter ou Kate Bush, deveria perder. Tendo o órgão de tubos, com seu caráter antigo e vibrante, como instrumento de escolha, o som de von Hausswolff sempre explorou as qualidades etéreas da respiração: inspirar, segurar e expirar. Isso às vezes se manifesta em canções de rock colossais e marcantes, e outras vezes em peças intimistas para órgão. Em ICONOCLASTS, seu som evolui mais uma vez, trazendo um elemento mais pop e vibrante às suas canções comoventes. Produzido por von Hausswolff e seu colaborador de longa data, Filip Leyman, é uma obra-prima de movimento inspirador, ritualismo emblemático e composição maximalista, marcando um novo capítulo na música de von Hausswolff e contando com participações de Ethel Cain, Abul Mogard, Iggy Pop e Maria von Hausswolff. Após o lançamento dos singles "Stardust" e "The Whole Woman", um dueto emocionante com Iggy Pop, von Hausswolff comenta sobre "Stardust": "Vamos nos libertar do conforto básico e das ideias estabelecidas sobre como viver a vida. Não vamos ficar parados enquanto o mundo desmorona." Refletindo sobre “The Whole Woman”, ele comenta: “Às vezes precisamos mergulhar nas águas mais profundas e prender a respiração o máximo que pudermos. Uma vez que alcançamos a superfície, podemos enxergar além das mesquinharias da vida e falar apenas a verdade. Esta canção de amor é uma homenagem ao homem que sabe ouvir; é para a mulher corajosa o suficiente para mergulhar.” ICONOCLASTS começa com o som de metais anunciando a história, conduzindo os ouvintes para a narrativa ilimitada que está prestes a se desenrolar. A partir daí, a base é estabelecida para um álbum de tensão crescente e intensa, e uma libertação eufórica e árdua. Abordando temas como amor, liberdade e autonomia, seu título, ICONOCLASTS, alude à desconstrução e reinvenção dos símbolos pessoais sagrados que borbulham sob a superfície da vida contemporânea: compromisso, tempo, dependência e crença. Nessa busca, von Hausswolff escolhe Atlas — que carrega o peso do mundo sobre os ombros — como uma figura empática. Como encontrar forças para evitar o colapso em tempos tão difíceis? Para von Hausswolff, a resposta está na busca pelo divino. Ela encontra inspiração nos medos e contradições que surgem ao se confrontar com estruturas e conceitos de poder monolíticos. As canções de ICONOCLASTS transformam esses sentimentos de incerteza em combustível para a criação de fogueiras sonoras de imensa escala. Von Hausswolff semeia suas canções nas fronteiras entre o gigantesco e o íntimo, e são as cinzas desses símbolos demolidos que fertilizam seu terreno para novas possibilidades. Ao despir-se das qualidades metálicas que caracterizaram seu som, em ICONOCLASTS, von Hausswolff abre as portas para um mundo sonoro acolhedor, rico em potencial orgânico e luminoso. Em meio a tambores ecoantes, órgãos murmurantes e guitarras reverberantes, a própria von Hausswolff se torna mais uma figura nesse espaço sonoro vibrante. Em ICONOCLASTS, seu conjunto se expande para incluir o virtuoso saxofonista Otis Sandsjö, que traz seus trinados de saxofone envolventes para o cerne do álbum. Com um poder magnético, sua voz cativa o ouvinte, oferecendo vislumbres de um mundo emocional de segredos e loucura, mágoa e desejo, beleza e vida. Ao se aventurar em novos territórios sonoros, ICONOCLASTS exibe todas as qualidades distintivas de um lançamento de von Hausswolff: intensidade gigantesca, iridescência cristalina e dinamismo radiante.
E tudo isso sem a trilha sonora que acompanha é inútil, então aqui está um pouco do que ele queria descrever...
Uma coesão conceitual e sonora que exige ser ouvida do início ao fim, como uma suíte ininterrupta, gerando imersão total. É um álbum que se "sente", mais do que simplesmente se ouve. A produção é imensa, conseguindo envolver o ouvinte em uma escuridão reconfortante, porém inquietante.
Desde que descobriu o órgão de tubos em Ceremony (2012), Anna von Hausswolff tem explorado um território onde o sagrado e o profano coexistem na mesma nota. Sua música evoluiu da introspecção gótica de Dead Magic (2018) ao minimalismo espectral de All Thoughts Fly (2020), um álbum no qual o órgão dialogava consigo mesmo. Agora, cinco anos depois, ela retorna com Iconoclasts, uma obra que abraça o peso do mito e o traz para uma escala humana. O título serve como uma declaração de intenções: não se trata de destruir os ídolos alheios, mas de reexaminar os próprios. Von Hausswolff falou de Atlas como uma figura próxima ao seu estado atual, alguém que sustenta o mundo sabendo que esse esforço é ingrato. Essa "esperança tola por uma grande e eterna beleza", como ela a define, permeia o álbum com uma clareza quase física. Gravado com Filip Leyman, seu colaborador de confiança, o álbum revela uma sonoridade ampla, mais melódica que seus trabalhos anteriores, porém igualmente rigorosa. O órgão permanece o centro gravitacional, embora desta vez abra espaço para outras texturas: percussão ritualística, sintetizadores cinematográficos e o saxofone fluido de Otis Sandsjö, que percorre o álbum como um segundo narrador. Entre os artistas convidados, encontram-se nomes que expandem seu universo musical. Em "The Whole Woman", Iggy Pop empresta sua voz profunda e terrena a um diálogo que poderia ser entre amantes ou entre duas versões da mesma pessoa. "Aging Young Women", com a participação de Ethel Cain, oscila entre a melancolia e a aceitação, uma reflexão sobre a passagem do tempo em uma sociedade que continua a medir a maturidade feminina pelo relógio de outra pessoa. “An Ocean of Time”, com participação de Abul Mogard, introduz uma deriva eletrônica que dilui o pulso do álbum em um oceano de frequências graves, enquanto “Unconditional Love”, gravada com sua irmã Maria von Hausswolff, funciona como uma faixa de encerramento familiar, serena e quase doméstica em meio ao tumulto geral. A jornada de Iconoclasts é repleta de nuances. “The Beast” abre o álbum com um motivo de saxofone que parece despertar de um longo sono. “The Iconoclast”, com mais de onze minutos de expansão progressiva, combina percussão tribal, coros espirais e ruído como uma forma de redenção sonora. “The Mouth” introduz um pulso mais orgânico, com ecos folk e um calor inesperado. Em “Stardust”, a voz de Anna declara “Estou rompendo com a linguagem”, e a frase serve como um resumo de seu método: a música como uma forma de expressar aquilo que não pode ser explicado. “Consensual Neglect” e “Struggle With the Beast” adentram um território de tensão controlada, com camadas que remetem ao free jazz e ao krautrock mais visceral. “Rising Legends”, os dois minutos finais, encerram o álbum com uma calma que soa não como descanso, mas como uma trégua. Em Iconoclasts, Von Hausswolff busca um equilíbrio entre impulso e contenção. Sua música não visa elevar ou consolar o ouvinte, mas sim acompanhá-lo na tarefa de seguir em frente quando as certezas se desfazem. É uma obra de resiliência emocional, de busca paciente, de uma artista que aprendeu a ordenar o caos sem domesticá-lo. Mais do que uma guinada para o pop, este álbum confirma sua capacidade de tornar o monumental íntimo. A escala permanece a de catedrais, mas o eco é diferente: não vem mais das abóbadas, mas de uma respiração humana, imperfeita e próxima.
Lista de faixas: 1. The Beast (3:11) 2. Facing Atlas (4:53) 3. The Iconoclast (11:15) 4. The Whole Woman (4:18) 5. The Mouth (7:12) 6. Stardust (6:46) 7. Aging Young Women (4:01) 8. Consensual Neglect (4:58) 9. Struggle with the Beast (8:45) 10. An Ocean of Time (7:58) 11. Unconditional Love (7:02) 12. Rising Legends (2:36)
Formação: - Anna von Hausswolff / órgão de igreja, vocais, guitarra - Filip Leyman / bateria e percussão, guitarra - Otis Sandsjö / saxofone, clarinete - Joel Fabiansson / guitarra - David Sabel / baixo - Jenny Jonsson / violino - Alexander Chojecki / violino - Annie Svedund / violino Charlotta Grahn-Wetter / violino - Märta Eriksson / viola - Lisa Reuter / violoncelo - Viktor Reuter / contrabaixo - Love Meyerson / bateria - Karl Vento / violão - Samuel Runsteen / violino, viola, violoncelo, contrabaixo, tenor e violas baixo Com: Iggy Pop / vocal (4) Ethel Cain / vocal (7) Abul Mogard / eletrônica (10) Maria von Hausswolff / vocal (11)
Robert Erdős é o tecladista e compositor do Solaris, uma banda clássica do rock progressivo húngaro, e aqui está seu álbum solo duplo, que lembra o trabalho da banda, mas com uma abordagem mais abstrata, étnica e experimental. Mais uma vez, um dos membros da banda húngara Solaris se destaca com um CD duplo no formato de um romance de ficção científica em dois volumes, outra obra emblemática, notável não apenas pelo conteúdo, mas também pela performance instrumental e sonora. Esta magnífica obra é o acompanhamento musical de uma história interessante e altamente instrutiva do romance de ficção científica em dois volumes "Welcome to My Mind". Uma gravação de qualidade excepcional que serve como um final perfeito para a semana, criada por um grupo verdadeiramente seleto de convidados. Entre eles, três membros do Solaris (incluindo Attila Kollar, cuja flauta sempre proporciona uma experiência inesquecível e se adapta a qualquer composição com uma sensibilidade surpreendente), mas também músicos do Napoleon Boulevard, Cabaret, Musical Witchcraft, Invocatio Musicalis, Nostradamus, MindFlower e o guitarrista János Varga, do East, uma lenda viva que também participou de inúmeros projetos — e é importante ter isso em mente, pois este álbum duplo não é do Solaris. Temos aqui uma conquista musical e literária verdadeiramente notável que merece ser levada a sério e ouvida, ideal para encerrar mais uma semana de música pura, surpresas e vontade de agitar as coisas. Brilhante do começo ao fim.
Artista: Erdész Róbert Álbum: Welcome To My Brain Ano: 2025 Gênero: Rock Sinfônico Duração: 76:33 Referência: Rate Your Music Nacionalidade:Hungria
Existem compositores e intérpretes que se opõem com tenacidade e ousadia às tendências globais. Apesar da simplicidade musical cada vez mais dissonante, da qualidade de gravação cada vez pior e das letras cada vez mais primitivas, eles se mantêm firmes ao princípio comum de que apenas o melhor deve ser lançado e, felizmente para nós, continuam a desafiar com sucesso o espírito da época. Robert Erdős é, sem dúvida, um deles, uma referência em música e produção, assim como a própria árvore genealógica da Solaris é composta por artistas inspirados e exigentes.
"Comecei a compor em 2003. Pouco depois, escrevi um conto, uma espécie de novela de ficção científica, que inspirou a música e mais tarde se tornou o título de todo o projeto. Foi criado em conjunto com um álbum duplo: um romance em dois volumes. A música seguiu o enredo, e o enredo seguiu a música. O ponto de partida é o mesmo: testemunhamos a execução de um assassino em série condenado à morte. Mas não, não é uma execução. O mundo em que esse homem vive abomina a pena de morte. A intervenção realizada em sua consciência é chamada de modificação de personalidade. Durante uma jornada neurológica especial, o piano reproduz suas memórias e associa sentimentos a cada evento agressivo, impedindo a expressão dessas emoções, enquanto simultaneamente abre caminho para habilidades ocultas que haviam sido reprimidas. Dessa ideia, nasceu a música."
Robert Erdesz
Talvez os paralelos mais próximos sejam os álbuns clássicos de Mike Oldfield . Este universo melódico singular não é rock progressivo, nem mesmo rock, mas sim uma espécie de romantismo enxertado na música étnica. No entanto, a presença de elementos de rock progressivo é evidente em toda a instrumentação e no caráter de suíte das partes de cordas.
É difícil, talvez até desnecessário, destacar fragmentos individuais, pois todas as composições apresentam uma qualidade consistentemente alta em todos os aspectos. Afinal, "Welcome To My Brain" é uma obra multimídia de estilo clássico.
Mas é melhor eu ficar quieto e deixar você ouvir... pelo menos um pouco.
Mais uma vez, Solaris criou um produto de altíssima qualidade com chances reais de ganhar o prêmio de "Álbum do Ano". Não perca!
Não consegui encontrar onde você pode ouvir tudo, mas eu diria para você ignorar isso e simplesmente adquirir isso, você não vai se arrepender, eu te dou minha palavra.
Nos vemos novamente na segunda-feira, com a mesma coisa de sempre: música e mais música, com alguns temperos a mais, como sempre.
Lista de faixas: CD1 1. Belső Utazás (Voyage Within) (2:40) 2. A Harag Hullámai (Ondas de raiva) (12:37) 3. Képtelen Tánc (Dança absurda) (12:01) 4. A Nyugtalanság Szimfóniája (Sinfonia da inquietação) (8:26) 5. Szavak, Csak Szavak - Ez Mindenünk (Palavras são tudo o que temos) (4:00)
CD2 1. A Remény Suttogása (Sussurro de esperança) (10:40) 2. A Harag Visszhangjai (Ecos da raiva) (12:41) 3. A Háború Felfalja Az övéit (A guerra devora os seus próprios) (13:09)
Escalação: - Róbert Erdész / teclados
Com: - Zsuzsa Ullmann / voz - János Varga / guitarras - Balázs Szendőfi / baixo - Gergő GásPAR - bateria - László Gömör / bateria - Attila Kollár / flauta - Ferenc Muck / saxofone - Edina Szirtes / violino
János Varga (EAST) - guitarras Attila Kollár (SOLARIS) - flauta Balázs Széndőfi (MindFlower) - baixo Gergő GásPAR (Péterfy Bori & Love Band) - bateria László Gömör (SOLARIS) - bateria Ferenc Muck (Djabe) - saxofone Zsuzsa Ullmann (CABARET) - voz Edina Szirtes (Mókus) - violino Róbert Erdész (SOLARIS) - teclados
“Ir atrás do amor é um jazz.” O verso de “Um Brinde” dá a pista: Djavan construiu seu novo álbum, Improviso, em torno dos movimentos não programados, do balé imprevisto e das jogadas sem ensaio que permeiam as relações de amor.
Em 12 grandes canções autorais, 11 delas inéditas e, em sua maioria, escritas recentemente, o artista segue em seu ofício de abrir novas veredas para a grande floresta amorosa, nota por nota, como quem defende na partitura a vida como um estado de ação constante, pois afetos estagnados ressecam.
Escrever sobre o amor nunca é repetição. E Djavan se diverte buscando outras maneiras de navegar pelo mesmo oceano de águas sempre novas.
Com produção, direção artística e arranjos do próprio Djavan, Improviso é seu primeiro lançamento em Dolby Atmos e também ganha edição em vinil.
“Antes de começar a escrever eu já usava a voz como um instrumento. Improvisando. Segui ao longo da vida, usando o improviso como uma reflexão melódica.
É um voo comprometido com a base harmônica que delimita seu espaço aéreo. Nele estão a liberdade da criação e o perigo das notas “soviéticas” que a harmonia rejeita. Nesse jogo, o céu e o chão estão sempre muito próximos, tornando o improviso um desafio constante.” - Djavan
Se David Gilmour e Rick Wright tivessem nascido em Cracóvia, soariam exatamente assim. Em "The Lost Melodies", parece que eles vasculharam um baú cheio de ideias guardadas e as aprimoraram à perfeição. Se você conhece a banda, já sabe o que esperar, mas este álbum tem algo de especial. É um rock progressivo melódico que te abraça, acalma sua alma e te deixa flutuando no espaço sideral, com guitarras melancólicas, solos matadores e teclados de proporções épicas: Ryszard continua sendo o arquiteto das camadas sonoras. Há momentos em que os sintetizadores te envolvem tão completamente que você se sente dentro de uma lâmpada de lava gigante. O mais interessante deste álbum é que ele parece uma coletânea de "grandes sucessos com músicas que você nunca ouviu antes", porque tem aquela vibe de clássico instantâneo.
Independentemente de quem estiver nos vocais (porque o Millenium é como uma família que às vezes troca de primos, e aqui são três caras cantando), a performance é impecável. Menos gritos, mais sentimento; é música para ouvir com fones de ouvido e uma taça de vinho, não para pular na roda punk, embora você possa tentar uma roda punk em câmera lenta, eu não vou te julgar, cada um faz o que quer.
