Funkadelic – 1973 – Cosmic Slop

 

'Cosmic Slop' pode ser resumido como o paradoxo máximo no cânone do Funkadelic. Embora a banda soe mais limpa do que nunca, o tema abordado é decididamente bizarro.

Este também é o álbum com a formação mais "reduzida" da banda. Depois do elenco de milhares que apareceu em "America Eats Its Young", a formação aqui se limita a dois guitarristas, um baixista, um baterista e um tecladista. Sem firulas, exceto por um arranjo de cordas criado por Bernie Worrell na bela balada " This Broken Heart ".

De fato: uma bela balada em um álbum do Funkadelic. Este é, de longe, o álbum mais esquizofrênico de sua discografia, já que o R&B geralmente "seguro" (embora banhado em uma camada ácida) é justaposto a incursões estrondosas de funk e rock.

Faixas
A1 Nappy Dugout 4:31
A2 You Can't Miss What You Can't Measure 2:54
A3 March To The Witch's Castle 5:54
A4 Let's Make It Last 4:10
B1 Cosmic Slop 5:16
B2 No Conpute 3:01
B3 This Broken Heart 3:39
B4 Trash-A-Go-Go 2:23
B5 Can't Stand The Strain 3:28

A faixa de abertura, “ Nappy Dugout ”, conta com a participação especial de Tiki Fulwood, baterista original do Funkadelic, e seu estilo característico de funk agressivo e direto cria um groove inesquecível. Mais um refrão do que uma canção propriamente dita, essa canção bem-humorada também apresenta as linhas de baixo fluidas e densas como uma anaconda, cortesia de Cordell 'Boogie' Mosson, e as travessuras de teclado de Bernie Worrell.

“ You Can't Miss What You Can't Measure ” é uma versão repaginada da antiga faixa do Parliament, “Heart Trouble”. Uma jam de R&B ao estilo Motown com influências de Saturn, conduzida por um riff de guitarra delicioso e complexo que seria reaproveitado no sucesso do Parliament, “Do That Stuff” (1974).

As coisas ficam perturbadoras com a sinistra " March to the Witch's Castle ", uma faixa sombria, melancólica e com um ritmo lento e pesado que aborda o "pesadelo da readaptação" que assolou muitos veteranos do Vietnã ao retornarem para casa naquela época. O vocal grave e profundo de Ray Davis, que soa como um pregador sinistro, transforma essa paisagem sonora assombrosa em um sermão aterrador sobre a loucura da guerra.

Como se nada tivesse acontecido, a banda muda de ritmo e parte para outra canção R&B de andamento médio bastante inocente, " Let's Make It Last ", embora o arranjo musical tenda mais para uma vibe psicodélica do rock no refrão.

" Cosmic Slop ", o destaque deste disco, é simplesmente uma peça musical incrível. A mesma atmosfera de pesadelo se repete aqui, enquanto Garry Shider canta a história de uma mulher do gueto forçada à prostituição para sustentar seus filhos. Apresentada sobre uma base funk pesada e repleta de explosões espasmódicas de guitarra, esta está longe de ser uma canção sentimental. É a dura realidade da vida transformada em um ritmo funk-rock macabro.

A mente interminavelmente perturbada de George Clinton fica totalmente à mostra na ridícula " No Compute ", um blues quase no estilo cabaré, no qual o Soberano da Funkadelia reflete sobre seu mais recente e sórdido caso sexual, que muito provavelmente aconteceu com um travesti. Muito Funkadelic, porém, seguir essa história doentia de luxúria animalesca com a já mencionada balada de amor perdido, " This Broken Heart ".

Clinton e sua equipe, no entanto, voltam a mergulhar na depravação com a música " Thrash-a-Go Go ", uma história absurda sobre um cafetão que está sendo julgado por prostituir sua namorada.

A loucura finalmente termina com um último riff de R&B espacial com a contagiante e funky “ Can't Stand the Strain ”.

Incrível, a banda lançou " Cosmic Slop " como single, considerando-a "comercial" o suficiente para entrar nas paradas. Desnecessário dizer que nunca chegou perto das paradas. Naquela época, o Funkadelic ainda era "muito experimental" para conseguir alcançar o sucesso comercial.

Um álbum fantástico, por vezes divertido e descolado, por vezes totalmente sombrio e obsceno… Puro Funkadelic. E ainda por cima com a primeira capa desenhada por Pedro Bell, o mestre das palavras e dos marcadores, cujas paisagens bizarras seriam estampadas em muitas capas futuras. As notas do encarte precisam ser lidas para serem acreditadas!

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Millie Jackson ‎- 1975 – Still Caught Up

 

Excelente continuação de Caught Up , escrita por uma autora muito sensível.

Às vezes, todos nós nos envolvemos demais em alguma coisa. Amor, relacionamentos, e são diferentes. Ou um emprego, e se ficarmos neles por tempo suficiente, acabamos percebendo, ou contando para alguém, que ainda estamos presos a isso. No entanto, eventualmente, saímos e nos divertimos, para aliviar a tensão.

Millie Jackson: crua, honesta, comovente, autêntica. Uma música soul mágica que vale a pena ouvir.

Faixas
A1 Loving Arms 3:43
A2 Making The Best Of A Bad Situation 3:00
A3 The Memory Of A Wife 5:13
A4 Tell Her It's Over 3:57
B1 Do What Makes You Satisfied 3:38
B2 You Can't Stand The Thought 2:52
B3 Leftovers 4:34
B4 I Still Love You (You Still Love Me) 4:40

Faixas Bônus – 2006 Southbound ‎UK CD
9. The Memory Of A Wife (Versão de Ensaio) 4:36
10. How Can I Make Sweet Love To You (If You Won't Stand Still) (Versão Inicial de One Night Stand) 3:33

Dando sequência ao álbum conceitual de 1974, " Caught Up ", que abordava intrigas, recriminações, infidelidade e ciúmes, no qual Jackson cantava primeiro como amante no lado A e depois como esposa traída no lado B, aqui ela inverte os papéis: a esposa inicia o álbum e a amante o encerra. É facilmente tão bom quanto o primeiro álbum, senão superior, repleto de alma, paixão e com uma qualidade sonora fantástica. A voz de Jackson é simplesmente soberba do começo ao fim.

“ Loving Arms ” é uma abertura magnífica, mega-soul, impactante e emocionante. É uma daquelas faixas que, por algum motivo, foi editada para soar como se fosse uma gravação ao vivo, o que não é verdade. “ Making The Best Of A Bad Situation ” é outra excelente balada soul, onde a esposa segue em frente, apesar do marido infiel ainda ter um caso. “ The Memory Of A Wife ” é uma tentativa contundente e impactante da esposa de dizer à amante o quanto ela gostou das cervejas e o quanto foi uma ótima esposa para o marido irresponsável. O último ato da esposa acontece em “ Tell Her It's Over ”, onde ela diz ao marido para contar à amante que está voltando para a família.

Em “ Do What Makes You Satisfied ”, Millie canta como a amante do homem, despedindo-se dele após ele lhe dizer que voltará para a esposa. Ela se vinga provocando-o na animada e vibrante “ You Can't Stand The Thought Of Another Man Loving Me ”. Em “ Leftovers ”, a amante e o homem discutem ao som de uma batida funky, e então a esposa se junta à discussão. Apesar da situação, com seu potencial para divertir, a música se transforma em um soul visceral e sensual quando os vocais de Jackson entram. Agora ele se foi e a pobre Millie (que eu sempre vi como a amante) fica sozinha na comovente e emocionante “ I Still Love You (You Still Love Me) ”, com acompanhamento de cordas. Por fim, ela parece ter ido parar em uma ala psiquiátrica, pois é possível ouvi-la gritando e um enfermeiro chamando-a de “enfermeira” e se dirigindo à personagem como “Senhorita Jackson”. É um final divertido para um álbum agradável.

Uma faixa bônus de qualidade é " How Can I Make Sweet Love To You (If You Won't Stand Still) ", que expressa sua frustração com seu amante inconstante ao som de uma sólida batida de metais e funk.

Deixando de lado o aspecto divertido da história deste álbum, Millie Jackson tem uma voz soul verdadeiramente maravilhosa, poderosa e expressiva. Uma das melhores de todas.

Este é um dos melhores trabalhos de soul de meados da década de setenta.

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1972 - Maria Vargas Y La Guitarra De Paco De Lucia

 

01 - Y no presumas de na
02 - Cuando Por La Calle Va
03 - Entre El Puerto Y San Fernando
04 - Que Te Tocará Perder
05 - Yo Lo Llevo Tan Profundo
06 - Homenaje Al Piyayo
07 - Consuelo No Tengo
08 - El Escalon De Tu Casa
09 - Que Mentir Es Necesidad
10 - Con Traje Negro Vestia
11 - Yo Tengo Un Reloj De Oro
12 - Que No Sabe Aconsejar
13 - En Toda España No Hay
14 - Tangos Al Tiento
15 - Soy De Sanlúcar
16 - Una Espina Clavá
17 - Si Sabes Que Yo Te Quiero
18 - De Sanlúcar A Punta Umbria
19 - Curro Belen
20 - Bulerias De Alvaro Domecq

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1973 - Luiz Melodia - Pérola Negra

 

01 - Estácio, Eu E Você
02 - Vale Quanto Pesa
03 - Estácio, Holly Estácio
04 - Pra Aquietar
05 - Abundantemente Morte
06 - Pérola Negra
07 - Magrelinha
08 - Farrapo Humano
09 - Objeto H
10 - Forró De Janeiro

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1943 - Verdi - La Traviata (Sayão, Kullmann, Warren, Sodero)

 

Orquestra e coro do Metropolitan Opera House

Regente: Cesare Sodero

Violetta Valery: Bidù Sayão
Flora Bervoix: Thelma Votipka
Annina: Helen Olheim
Alfredo Germont: Charles Kullman
Giorgio Germont: Leonard Warren
Gastone: Alessio De Paolis
Dottore Grenvil: Lorenzo Alvary
Barone Douphol: George Cehanovsky
Marchese d'Obigny: Louis D' Angelo

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Blues Creation - Demon & Eleven Children-1971

Fantastic Heavy/Hard/Prog Japanese Rock

Este talvez seja um dos melhores discos que eu já escutei na minha vida

Quando vi que era uma banda japonesa sinceramente não esperava grande coisa

Mas quando escutei me deparei com uma obra prima, com variações incríveis nas músicas, ou seja é um cacete de disco

Voces devem escutar inteiro, e a minha música predileta é a título do disco, realmente de arrepiar os pelos do cú

Fodam-se baixando esta maravilha

Blues Creation - "Demônio e Onze Crianças"  

Reedição em CD daquele que é frequentemente considerado um dos álbuns de hard rock mais pesados ​​do início dos anos 70 no Japão. Procurando por guitarras pesadas influenciadas pelo Black Sabbath? Curte T2, Leafhound, Cactus? Este é o lugar certo.

Acid rock, folk progressivo, hard blues psicodélico – são muitas as definições musicais dos anos setenta, e nenhuma delas consegue retratar completamente esse período. Por um lado, a oposição ao idílio hippie; por outro, o fascínio pelo misticismo, pela magia e pelas drogas – essa era a realidade de muitas bandas da década, com Led Zeppelin e Deep Purple à frente. Essa influência não se restringiu (felizmente) a Kazuo Takeda e sua lendária banda, Blues Creation, que, assim como outras bandas japonesas da época, buscaram inspiração no Ocidente.

Além disso, tornou-se a base para o estilo e o sucesso subsequente do grupo. O próprio Takeda não escondeu essa amizade com os músicos ingleses da banda Mountain, nem o fascínio que sentia por seus solos.

"Demon and Eleven Children" consolidou sua posição muito tempo depois do lançamento – nos primeiros anos de existência no cenário musical, era considerado simplesmente mais um bom álbum daquela parte do mundo. Foi somente com a chegada da próxima geração de fãs que este álbum da Blues Creation se tornou um dos mais importantes da história da música japonesa dos anos setenta.

A diferença entre eles e, por exemplo, Far East Family Band e Speed, Glue & Shinki, é que o grupo de Takeda introduziu muito pouco da atmosfera oriental em seu trabalho. Riffs psicodélicos combinados com um blues alegre, misturados a composições românticas, e o baixo pulsante com muita intensidade, direto para a bateria. Praticamente em qualquer lugar você poderia ouvir, mas não esse elemento tipicamente japonês. Certo ou errado, cada um deve apreciar essa abordagem à sua maneira...

Este álbum é uma das nossas muitas descobertas da última década!

Uma das centenas de bandas de hard rock que permaneceram escondidas sob a sombra dos grandes grupos dos anos 70 e que começaram a vir à tona, graças ao trabalho de alguns colecionadores! Formada no final dos anos 60 no Japão, sua sonoridade foi influenciada pelos grupos de hard rock da época e, claro, pelo blues elétrico. Poderíamos simplesmente dizer que é essencial, a resposta japonesa ao Black Sabbath. E talvez isso seja suficiente, mas como gostamos tanto deste álbum, vamos nos aprofundar um pouco mais... 

Para começar, "Demon & Eleven Children", o segundo e mais clássico álbum do Blues Creation, é de 1971. Isso mesmo, 1971!!! Claro que sim. Eles começaram em 1969 com um disco de covers de blues, mas em 1971 já estavam com um som mais pesado e prontos para lançar um álbum de músicas autorais, obviamente influenciado por bandas como Black Sabbath, Led Zeppelin e Deep Purple (In Rock)... uma das nossas muitas descobertas da última década!

Entre as bandas japonesas de hard rock psicodélico pesado do início dos anos 70, esses caras (junto com, possivelmente, a Flower Travellin' Band) eram de fato os mais pesados ​​que já ouvimos. E definitivamente os mais Sabbath (embora a FTB tenha feito covers do Sabbath... e a Flied Egg também tenha chegado perto, inclusive lançando álbuns pela Vertigo). Mas, sério, ouçam só a faixa de abertura, "Atomic Bombs Away". Sem dúvida. Soa como uma música que o Sabbath escreveu para o seu primeiro álbum, mas que deixaram para a Blues Creation. Aliás, se você não soubesse, soaria mesmo como se Iommi estivesse tocando os riffs e solos de guitarra, e Geezer no baixo, com seu swing imponente! Obviamente, é pesado, não poderia ser diferente com o título "Atomic Bombs Away" (ficamos imaginando se era estranho para uma banda japonesa dar esse título a uma música, apenas uns 25 anos depois de Hiroshima e Nagasaki). Na verdade, a música não é sobre bombas atômicas. Assim como a maioria das faixas de Demon & Eleven Children, ela fala sobre amar e partir (ou ser deixado). O que também pode ser um assunto pesado. Trecho da letra de "Atomic Bombs Away": "A primeira vez que te deitei na cabana enferrujada / A noite escura continuava caindo em seus olhos ciganos / Continuei me movendo até o fim dos tempos / Senhor, tenha misericórdia do meu pecado / Liberte-me do meu destino". 

A próxima faixa se chama "Mississippi Mountain Blues", com direito a gaita... mas é urgente e vibrante, e de qualquer forma, tão convencionalmente blues rock quanto possível. Chamamos isso de proto-metal por um motivo. Basta conferir o festival de riffs de rock instrumental, intitulado "Brane Baster" (também conhecido como "Brain Buster"), para entender o que queremos dizer. Não se trata apenas de emulação do Black Sabbath. Eles também têm elementos de proto-Priest em alguns momentos, ou pelo menos, apresentam uma performance precisa de guitarras gêmeas que impressionará os fãs de Wishbone Ash e Thin Lizzy. Definitivamente, muito foda para a época e o lugar de onde vieram. Faixas como "Sorrow" também fazem o estilo lento e melancólico muito bem. Nem tudo é pesado - há a suave "One Summer Day", tão adorável quanto o título sugere. Mas se você quer algo pesado, no estilo de 71, este álbum não irá decepcioná-lo, aliás, você vai pirar. O álbum termina com a épica e eletrizante faixa-título de mais de 9 minutos, e se você ainda não estiver se curvando diante de Blues Creation até lá, é melhor que seu nome seja, tipo, Ritchie Blackmore. 

De certo modo, porém, é material para o top 10, e não estamos falando só do Japão. Está no mesmo nível de Bang Bang, Dustin', Buffalo, Leafhound e todos os outros, e só Deus sabe quantos mais ainda vamos ouvir! Eles deixaram sua marca na história e na glória da dinastia do rock! Kazuo Takeda, suas cordas de guitarra aqui... 

Entrevista do StonerRock.com com Kazuo Takeda, do Blues Creation:

Ra'anan: Que bandas você estava ouvindo que influenciaram a mudança do blues-rock puro do primeiro álbum para o heavy rock de Demon & Eleven Children?

Kazuo: Naquela época, eu ouvia principalmente bandas britânicas como Jeff Beck Group, Deep Purple, Eric Clapton (Cream, Derek and the Dominos, Blues Breakers First), Alvin Lee, Toni Iomi, Love Sculpture, Climax Blues Band, Savoy Brown, Colosseum, Humble Pie, só para citar algumas. Também ouvia várias bandas americanas como The Allman Brothers, Cactus, Blues Image, etc. De certa forma, ouvir o chamado blues branco nos levou a um conjunto instrumental de rock mais alto, pesado e com pegada mais hard rock. Também sentíamos uma certa necessidade de compor nossas próprias músicas e, como resultado, o som da banda mudou para algo mais voltado para o rock.

Ra'anan: Qual o significado de Demônio e Onze Crianças?

Kazuo: Não faço a mínima ideia. Desculpe. Talvez tenha sido uma sugestão da gravadora ou talvez algum outro membro da banda tenha criado esse título estranho. A ideia de cada música e seus riffs veio antes do nome.

Ra'anan: Você lançou Demon & Eleven Children e o álbum com Carmen Maki no mesmo dia. Por que você decidiu fazer isso e por que os dois álbuns são tão diferentes musicalmente um do outro?

Kazuo: Carmen Maki era uma cantora japonesa de folk e pop muito conhecida. De repente, ela me procurou e disse: "Quero cantar rock. Você me ajuda?". O contrato dela com a Sony tinha acabado de terminar, então nossa gravadora na época (Japan Columbia) queria contratá-la a qualquer custo. Ela era muito famosa. Então, organizei o álbum dela como um projeto. Como ela era nova nesse tipo de música, selecionamos material dos discos que ela ouvia diariamente e eu compus algumas músicas originais para ela.

Ra'anan: Qual era o seu sucesso no Japão depois desses dois álbuns?

Kazuo: Ficamos muito felizes em tocar em praticamente todos os festivais de rock ao ar livre do Japão. Naquela época, o rock ainda era considerado underground e o mercado mainstream do pop japonês era muito forte, mas tínhamos orgulho de ser um dos pioneiros a fazer algo novo para a jovem geração de fãs de música japoneses.

Ra'anan: Quais são seus pensamentos hoje sobre Demon & Eleven Children?

Kazuo: Eu sei que existem alguns fãs desse álbum, especialmente no Japão, mas para falar a verdade, eu me sinto um pouco envergonhado em relação a ele e é difícil para mim ouvi-lo hoje em dia, já que foi feito há tanto tempo, quando eu era muito jovem (19 anos) e é tão inocente.

 

Budgie: The Last Stage (2004) {1979-1985 Previously Unreleased Studio Tracks}

 

Artist: Budgie

Album: The Last Stage

Genre: Hard Rock, NWOTBM

Year: 2004

Country: Wales

A década de 80 parecia promissora para o Budgie, considerado uma das maiores influências do New Wave Of The British Metal, tão destacado na época, porém infelizmente não foi o que aconteceu de fato. Essa coletânea traz basicamente o que o Budgie deveria ter lançado após o álbum 'Deliver Us From Evil', uma vez que de fato a banda trabalhava em um novo álbum para ser lançado em 1983, mas após alguns meses de gravação, a RCA, o selo da banda na época, anunciou que não iria lançar mais nada feito pela banda. Mesmo sem gravadora, o Budgie chegou a gravar algumas outras músicas em 1984 e 1985, tais como são mostradas neste álbum, e a fazer shows até 1988, quando a banda se dissolveu pela primeira vez.

As músicas do que viria a ser o décimo primeiro álbum do Budgie são melhores do que as do 'Deliver Us From Evil', seguindo um pouco a linha do 'Power Supply', mas aderindo a vários elementos típicos dos anos 80.

Tracklist:
01 Love Is When You Love [1]
02 House Of A Sinner [1]
03 Same Old Sad Affair [1]
04 Signed Your Own Fate [1]
05 Hard Luck [1]
06 Living With Another Man [1]
07 You Ain't Got Love [2]
08 Renegade [2]
09 Sweet Fast Talker [2]
10 Wait Till Tomorrow [3]
11 Rock Your Blood [3]
12 Nutbush City Limits [4]
13 Can't Get Up In The Morning [5]
14 Heaven In Your Eyes [3]
15 Picture On A Screen [6]
16 Victim [6]

[1] Recorded in March 1983 at Kingsley Wards Woodside Studios, Monmouth
[2] Recorded in 1983 at Kingsley Wards Woodside Studios, Monmouth
[3] Recorded in 1984 at Kingsley Wards Woodside Studios, Monmouth
[4] Recorded in 1980 at Rockfield Studios, Monmouth
[5] Recorded in 1979 at Rockfield Studios, Monmouth
[6] Recorded in 1985 at Kingsley Wards Woodside Studios, Monmouth

Line-up:
Burke Shelley - vocals, bass
Steve Williams - drums
John Thomas - guitars, vocals
Guest Musicians
Rob Kendrick - guitars, vocals (on 'Can't Get Up In The Morning')
Simon Dawson - keyboards (on 'You Ain't Got Love', 'Renegade' & 'Sweet Fast Talker')

MUSICA&SOM ☝