THE BEATLES

 Creio que dizer algo sobre este quarteto inglês seria redundância, pois quase tudo já foi dito...

John Winston Ono Lennon, James Paul McCartney, George Harrison e Richard “Ringo Starr” Starkey Junior formaram a banda mais influente da cultura pop internacional. Além dos quatro músicos, foram também integrantes da banda em seus primórdios Stuart Fergusson Victor Sutcliffe e Randolph Pete Best.

Pete Best                         Stu Sutcliffe

Antes do nome The Beatles, tiveram outros nomes, tais como: The Quarrymen, The Rainbow, Johnny and the Moondogs, Long John and the Silver Beetles, The Silver Beatles.

Na época do The Silver Beatles usavam pseudônimos assim Jonh era Johnny Silver, Paul era Paul Ramon, George era Carl Harrison e Stu era Stu Stäel.

Mas o que gostaria de publicar desta vez são três trabalhos de exercício de imaginação... Como seriam as músicas dos Beatles se eles tivessem nascido no século XVIII e fossem contemporâneos de Haendel, Vivaldi e Johann Sebastian Bach, em pleno período Barroco da Música Erudita.

O primeiro: THE BAROQUE BEATLES BOOK

Joshua Rifkin

Jac Holzman

Joshua Rifkin imaginou os Beatles em pleno movimento Barroco com o álbum The Baroque Beatles Book lançado em 1965.

Joshua Rifkin, maestro e pianista, norte-americano, nascido em 22 de Abril de 1944 em Nova York, estudou a música vocal de Bach, responsável pela redescoberta da obra de Scott Joplin, nos anos 70, lançou o disco no auge da beatlemania, por sugestão de Jac Holzman, fundador da editora Nonesuch Records.

Os Beatles lideravam o movimento conhecido nos EUA como "invasão britânica", tantas que foram as bandas inglesas que, depois deles, então ganharam notoriedade. Na mesma época que a música barroca também reconquistava as atenções. Diria Rifkin: Porque não somar as duas parcelas, em busca de uma ideia apelativa?

Assim aos 21 anos, o recém-formado em musicologia e fã dos Beatles, aceitou o desafio e propôs a Holzman, que ele mesmo faria e assinaria todos os arranjos.

Juilliar School - NY

Gravou com antigos colegas da Juilliard School um versão em trio para Eight Days A Week e apresentou a Jac Holzman, que aprovou e autorizou que o projeto prosseguisse.

The Baroque Beatles Book nasce como uma paródia feita com relativa seriedade musical, mas não perde o desejo de brincar quando, no texto que logo em 1965 acompanhava a edição, se explicava, ao jeito do que seria o discurso de um compositor do século XVIII, que era possível comparar as canções de Lennon e McCartney aos grandes mestres do barroco. 

E a própria orquestra ao serviço da gravação foi batizada com humor como Baroque Ensemble of the Merseyside Kammermusikgesellschaft, conforme consta na contracapa do disco. O álbum foi lançado em Novembro de 1965.

Roger Hane

A capa do disco foi assinada pelo ilustrador Roger Hane, retratando compositores clássicos revendo a música "I Want to Hold Your Hand", um deles com uma camisa escrito I like the Beatles.

O número Opus “MBE" remetem à condecoração que os Beatles receberam da Rainha Elizabeth – Ordem do Império Britânico. As duas primeiras partes são inteiramente de variações instrumentais.

A terceira Rifkin conecta o número de 58.000 a uma referência ao público presente ao show dos Beatles no Shea Stadium. 

A ária "Help!" começa com um recitativo tirado de dois livros de John Lennon, In His Own Write e A Spaniard In The Works. O álbum termina com uma sonata para oboé, baixo contínuo, e violino.

I – The Royale Beatleworks Musique, MBE 1963

Overture: I wanna hold your hand e "You gonna lose that girl

Réjouissance: I’ll cry instead

La Paix: Things We Said Today

L'Amour s'en cachant: You’ve got to hide your love away e Les Plaisirs: Ticket to Ride

II - Epstein Variations, MBE69A

Hold me tight

III - Last Night I Said... Cantata for the 3rd Saturday after Shea Stadium, MBE58.000

Chorus: "Last Night I Said"

Recitativo: In they came jorking" Aria: When I was younger – Help!

Coral: You know, if you break my heart – I’ll be back

IV - Trio Sonata – Das Käferlein, MBE004^1/4

Grave Allegro Grave: Eight Days a Week

Quodlibet: She Loves You / Thank You Girl / A hard day’s night

MUSICA&SOM ☝

The Beatles

 

John Bayless, pianista e arranjador norte americano, nascido em Borger uma cidadezinha a cerca de 60 quilômetros ao norte de Amarillo, no Texas. Aos quatro anos tocava piano de ouvido, com a mãe teve as primeiras noções de música, seus ídolos na época era Leonard Bernstein e Liberace. Aos treze já era organista mais jovem da igreja batista de sua cidade natal. Conquistou uma bolsa de estudos aos quinze anos na Escola de Música de Aspen, posteriormente mudou-se para Nova York estudando na Juilliard School of Music com o professor Adele Marcus. Fez mestrado ma Universidade de Nova York com vários professores dentre eles o seu ídolo de infância Leonard Bernstein. Demonstrava muita facilidade na improvisação musical, com isso Bayless imaginou um encontro entre Johann Sebastian Bach e o quarteto de Liverpool, lançando em 1984 o álbum Bach meets The Beatles, neste álbum Bayless reuniu algumas de suas músicas prediletas dos Beatles e criou improvisos no estilo do mestre do barroco.

Uma forma interessante e divertida de escutar este álbum é tentando reconhecer as músicas nos arranjos de Bayless, tanto dos Beatles quanto de Bach.

São quinze faixas presentes no álbum as faixas de abertura e encerramento são versões para Imagine de John Lennon, a primeira em forma de sinfonia e a segunda em forma de ária. Seguem-se faixas de toda a fase dos Beatles, tais como All you need is love, Hey Jude, Because, Let it be, The long and winding road, Penny Lane, Yesterday, Michelle, Nowhere man, And I love her, Golden slumbers, Something e Here, there and everywhere.

Em 1987 lançou outro álbum intitulado Bach on the Abbey Road, e posteriormente outros com a mesma temática, embora repetindo as músicas.

MUSICA&SOM ☝

As 10 melhores músicas de Bruno Mars de todos os tempos

 

O incrível Peter Gene Hernandez é muito mais conhecido pelo seu nome artístico, Bruno Mars. Este astro pop é muito respeitado pela sua versatilidade musical e talento multifacetado. No entanto, ele também se esforça para proteger grande parte da sua vida privada dos paparazzi e dos fãs. Além de cantar, ele também é dançarino, produtor musical, compositor e músico. Uma coisa é certa: quando você ouve esse homem misterioso no ar, sabe instantaneamente de quem é a voz que está ouvindo. Aqui estão as dez melhores músicas de Bruno Mars de todos os tempos.

10. That’s What I Like

O sucesso de 2017, "That's What I Like", é claramente o favorito da maioria dos fãs. Com quase dois bilhões de visualizações no YouTube só no vídeo oficial, é difícil não gostar dessa música. O estilo de desenho animado do vídeo de "That's What I Like" nos lembra de " Opposites Attract" , de Paula Abdul, apesar de usar formas abstratas em vez de um animal falante. A combinação de um cantor e dançarino fantásticos com efeitos de desenho animado começou com este vídeo, apelidado de "o mais anos 90" pelo Screenrant . Naturalmente, dançarinos e animação têm uma longa história. Podemos ver exemplos dessa técnica em "Mary Poppins", de 1964, e ainda mais atrás, em 1945, quando Gene Kelly dançou com Jerry Mouse. No entanto, essa técnica não é apenas coisa do passado, já que este poderia facilmente ser considerado o vídeo "mais anos 2010" de todos os tempos. Isso só mostra que algumas combinações são verdadeiramente atemporais.

9. Marry You

Se você se casou entre meados e o final da década de 2010, ou até mesmo mais recentemente, provavelmente dançou ao som dessa música. Inúmeros pedidos de casamento foram embalados por ela, e alguns casais até a usaram no lugar da tradicional marcha nupcial para entrar na igreja. Sem dúvida, é um sucesso, mas, mais do que isso, para milhares de pessoas, essa é a música que tornou seus casamentos especiais.

8. 24K Mágic

 

Existem muitos hinos de festa incríveis. No entanto, no final da década de 2010, essa era a música que todo mundo dançava. Só isso já faria de "24K Magic" uma ótima música, mas ela foi reconhecida muito além do cenário de clubes e festas. Em 2018, "24K Magic" ganhou sete Grammys. Poderiam ter sido oito, mas outra música de Bruno Mars, "That's What I Like", levou o prêmio de Canção do Ano. De acordo com o Grammy.com , também foi eleito o álbum do ano, o primeiro dele como artista solo.

7. Billionaire

Esta é uma música de Travie McCoy com participação de Bruno Mars, mas não seria a mesma se ambos não fizessem parte dessa canção agora famosa. A beleza singela da abertura com Bruno e seu violão te cativa. A letra comovente de Mars cria um contraponto ideal para o estilo rap de Travie.

6. Locked Out Of Heaven

Existem canções populares fantásticas, e depois existem canções tão boas que os artistas são convidados a se apresentar no Super Bowl. "Locked Out Of Heaven" definitivamente se encaixa na segunda categoria. A saudade inerente à letra e um ritmo dançante conferem a esta canção uma sensação única de ser um sucesso grudento e, ao mesmo tempo, um hit para as pistas de dança.

5. When I Was Your Man

Exibindo mais uma vez seu impressionante talento musical, esta música e o vídeo apresentam Bruno tocando piano. Naturalmente, todo artista incrível precisa de uma canção sobre um coração partido , e esta é a de Bruno. Esta canção conta a história de um jovem que não sabia o que tinha ou o que fazer com isso até que fosse tarde demais.

4. Grenade

 

A força dessa balada é palpável até mesmo no rádio do carro, quanto mais em um show ao vivo. O tipo de amor obsessivo e não correspondido do qual ele fala em "Grenade" é ao mesmo tempo comovente e alarmante. Por um lado, é romântico amar alguém a ponto de "pegar uma granada" por essa pessoa, mas, nesse caso, esse amor é totalmente unilateral. "Grenade" é a música definitiva sobre "levei um fora" dos anos 2010.

3. Just The Way You Are

Lançada no mesmo ano que "Grenade", "Just The Way You Are" é o seu oposto polar. Amar alguém exatamente por quem e pelo que essa pessoa é é um sentimento saudável e belo. Essas duas músicas são como duas metades da mesma história. Versos como "Eu nunca pediria para você mudar" representam o ponto mais distante no espectro emocional romântico da ideia de que alguém morreria por um parceiro que não o apagaria se estivesse em chamas. Não é possível separar essas duas músicas, então consideramos um empate em terceiro lugar.

2. The Lazy Song

Todo mundo conhece "The Lazy Song". O vídeo, com seus dançarinos usando máscaras de macaco "fazendo macaquices" pela casa, é memorável. A pitada de rebeldia e comportamento irreverente não ofusca o quão fácil é se identificar com a música para milhões de pessoas. Além disso, o assobio é um acréscimo musical genial que não ouvimos com frequência na música.

1. Uptown Funk

"Uptown Funk", de Mark Ronson com Bruno Mars, é lendária. Tudo, desde o acompanhamento de metais de big band até o videoclipe com toques da influência do rei do pop, é de outro nível. Embora essa música não tenha ganhado tantos Grammys quanto "24K Magic", é uma das favoritas dos fãs. Além disso, é tão boa que, segundo a Entertainment Weekly , Rick Astley fez sua própria versão do infame "Rick Roll" ao tocar essa música em um festival de música com temática dos anos 80. Isso sim é metalinguagem.

Considerações finais

Seja te contagiando com seu funk, te embalando com uma serenata romântica , interpretando um papagaio colorido e arrogante em Rio 2, ou te fazendo rir com suas palhaçadas, este é um artista que domina sua arte. As diversas influências e o estilo da música de Bruno Mars não funcionariam para qualquer artista. No entanto, exibir suas muitas habilidades e presença dinâmica é apenas mais um dia de trabalho para Bruno

Rock with you - Michael Jackson

Quando Michael Jackson lançou " Rock With You " em 1979 como o segundo single de seu álbum Off the Wall, poucos poderiam imaginar que a canção marcaria o início de uma nova era na música pop. Produzida pelo gênio Quincy Jones e composta por Rod Temperton — ex-integrante da banda britânica Heatwave — a faixa combina perfeitamente a sofisticação do soul com o calor da disco music, criando uma das melodias mais elegantes e sensuais do repertório de Michael Jackson .

Desde os primeiros acordes, “ Rock With You ” convida você a mergulhar em uma atmosfera intimista, banhada por luzes suaves de pista de dança. Os arranjos são impecáveis: uma linha de baixo rica, guitarras rítmicas sutis, cordas cintilantes e uma percussão discreta, porém irresistível. Tudo serve à voz de Michael Jackson , que brilha com uma doçura e um controle notáveis ​​nesta faixa. Longe dos gritos característicos que o tornariam famoso anos depois, aqui sua performance é aveludada, quase sussurrada, transmitindo confiança, desejo e intimidade.

A letra é simples, porém eficaz. Michael Jackson não busca deslumbrar com complexidades poéticas, mas sim com um convite direto: “Eu quero curtir com você a noite toda / Dançar com você até o amanhecer, sob a luz do sol”. É uma declaração de união através da dança, uma metáfora perfeita para a conexão humana e musical. Numa época em que a música disco enfrentava críticas e declínio, “ Rock With You ” demonstrou que o gênero poderia evoluir para uma forma mais refinada e emotiva.

O videoclipe, dirigido por Bruce Gowers, consolidou a imagem de Michael Jackson como um ícone moderno e estiloso. Vestido com um terno de lantejoulas brilhante, em um palco banhado por feixes de luz, Michael Jackson exala uma mistura de elegância e magnetismo natural. Diferentemente das produções mais narrativas de seus vídeos posteriores, aqui tudo gira em torno do carisma puro do artista.

" Rock With You " alcançou o primeiro lugar na Billboard Hot 100 e na parada R&B, e com o tempo se tornou uma das canções mais memoráveis ​​da discografia de Michael Jackson . Mais do que apenas uma canção de sua época, é uma declaração artística: Michael Jackson estava deixando para trás sua imagem de criança prodígio do Jackson 5 para se transformar no artista solo que dominaria a década de 1980.

Hoje, mais de quatro décadas depois, “ Rock With You ” ainda soa atual, elegante e atemporal. Sua mistura de ritmo descontraído, produção impecável e vocais cativantes demonstra por que Off the Wall foi o ponto de virada que catapultou Michael Jackson à imortalidade musical.

The Guests - Leonard Cohen

 

" The Guests ", a faixa de abertura do álbum Recent Songs (1979) de Leonard Cohen , é uma obra de profunda espiritualidade e melancolia, combinando a poesia mística do autor com instrumentação inspirada na música oriental e medieval. Desde os primeiros acordes,  Leonard Cohen  estabelece uma atmosfera solene, quase ritualística, na qual sua voz grave atua como um narrador que observa a humanidade à distância, imbuído de compaixão e sabedoria.

A canção funciona como uma espécie de metáfora para a condição humana. Nela, "os convidados" são as almas que chegam a uma grande celebração — a vida, o mundo ou a própria criação — cada uma carregando sua própria história, sua dor e seu anseio por comunhão. Conforme a canção avança, Leonard Cohen descreve esses convidados com empatia: ninguém é deixado de fora, nem os poderosos nem os vulneráveis, porque todos buscam um lugar naquela misteriosa mesa compartilhada. É uma visão de fraternidade universal, matizada por uma tristeza que reconhece a dificuldade de alcançar a verdadeira unidade entre os seres humanos.

Musicalmente, "The Guests " destaca-se pelo seu arranjo requintado e atmosfera hipnótica. Leonard Cohen cercou-se de músicos de diversas tradições, incluindo instrumentos como violino, bandolim, alaúde e acordeão, que conferem um ar de antiguidade e misticismo. A melodia desenrola-se lentamente, com uma cadência quase litúrgica, enquanto coros femininos envolvem a voz principal com um tom angelical. Este contraste — entre a terrenalidade da voz de Leonard Cohen e a qualidade celestial dos coros — reforça a natureza espiritual da canção, onde o divino e o humano se entrelaçam constantemente.

Quanto à letra, Leonard Cohen se inspira em elementos da tradição sufi e bíblica, fundindo-os com seu próprio estilo poético. Ele fala da “porta que se abre lentamente” e do “banquete do amor”, imagens que evocam tanto hospitalidade quanto redenção. O banquete pode ser interpretado como uma metáfora para o paraíso ou o reencontro das almas, mas também como um convite à compaixão e à compreensão mútua na Terra.

“ The Guests ” é, em última análise, uma canção que encapsula muitas das obsessões de Leonard Cohen : a busca por significado, a coexistência do desejo e da fé, a tentativa de reconciliar a carne com o espírito. Seu tom sereno e profundidade lírica a tornam uma das peças mais comoventes e reflexivas de sua carreira. É uma abertura perfeita para Recent Songs, um álbum onde Cohen se mostra maduro, contemplativo e mais próximo do que nunca do tom místico que definiria seus trabalhos posteriores.

Don't Stop 'Til You Get Enough - Michael Jackson

 

Com essa música, Michael Jackson quebrou muitas barreiras. Foi o primeiro single do álbum Off the Wall e a primeira gravação em que ele teve total controle criativo. Muitos de seus sucessos foram escritos por Quincy Jones, Rod Temperton ou pelos membros do Toto, mas essa ele compôs sozinho. Foi também sua primeira música solo com um videoclipe. Adoro essa música há anos, mesmo que mal entenda a letra. Michael Jackson não é exatamente Cole Porter, mas suas letras têm uma lógica física brilhante, soam bem e são um verdadeiro prazer de cantar. Michael Jackson tinha a mesma estratégia de composição dos Beatles: ele começava com uma melodia sobre um ritmo, que desenvolvia usando sílabas sem sentido. Só mais tarde, quando a música estava completa e gravada como demo, ele encontrava a letra que se encaixava na métrica. A essência melódica dessa música reside nas palavras "lovely" (adorável), "febre", "power" (poder) e "happen" (acontecer) — é um som com uma ressonância emocional rica e complexa. Jackson compôs "Don't Stop 'Til You Get Enough" em casa, cantando a melodia repetidamente. Ele gravou uma demo com seu irmão mais novo e colega de banda, Randy, ao piano. (Randy se juntou aos Jacksons quando eles deixaram a Motown, substituindo Jermaine, que permaneceu na gravadora e lançou uma carreira solo. Michael não tocava piano, então disse a Randy o que tocar.) De acordo com alguns relatos, a percussão na demo foi feita por Michael, Randy e sua irmã mais nova, Janet, que chacoalharam maracas e bateram em garrafas de vidro e sinos de vaca com pauzinhos. A música estava praticamente finalizada.

“Don’t Stop 'Til You Get Enough” é um verdadeiro milagre da música pop, insuperável. A mãe de Jackson ficou escandalizada quando ouviu a música pela primeira vez, pois pensou que fosse sobre sexo, e pode até ser, mas trata-se mais do êxtase de se perder em algo maior do que si mesmo, de se entregar completamente. É vaga e mística: “Continue, não pare/ Não pare até se sentir satisfeito”. Sempre a interpretei como uma canção sobre dançar. (O segundo verso — “Me toque e eu me sinto em chamas/ Não há nada como o desejo amoroso” — põe essa teoria à prova, mas acho que, no geral, ela ainda se mantém válida.) Vejo Jackson como um jovem libertado, emergindo de uma infância estranha e protegida, indo a uma discoteca pela primeira vez, sentindo a música fluir através dele, sua cabeça girando de admiração. Isso não significa necessariamente que o sexo não faça parte disso; ele também vem com a descoberta do próprio corpo. Mas, ao ouvir isso, imagino Jackson naquela cabine de DJ no Studio 54, isolando-se do clamor da multidão lá fora, perdendo-se no momento. É fácil se deixar levar por “Don’t Stop ‘Til You Get Enough”. A música tem, pelo menos em parte, uma pegada disco (afinal, Off The Wall termina com uma música chamada “Burn This Disco Out”), mas não se baseia em uma única batida de bateria; seus ritmos são mais sutis, complexos e fluidos, cheios de contrastes. Todos os instrumentos parecem dançar juntos: o baixo vibrante e pulsante, as explosões eufóricas dos metais, as cordas mergulhando na música, as múltiplas camadas de percussão. O final, onde as guitarras se entrelaçam delicadamente, como se estivessem decifrando um código Morse, é um dos meus sons favoritos no mundo. Jackson se torna completamente um com a música, cantando em um falsete etéreo, deixando a música envolver sua voz. Muitas vezes, sua voz está quase enterrada na mixagem, desaparecendo antes mesmo da música começar. Ele compreende o ritmo, tornando-se parte dele. Na introdução, ele murmura timidamente, mas quando a batida começa, solta um grito triunfante e mantém esse tom durante toda a música. (Seus uivos não verbais transmitem mais do que suas próprias palavras.) A voz de Jackson soa como se ele estivesse sendo elevado aos céus, como se sua alma estivesse ascendendo.

Cars - Gary Numan

 

Qual música inaugurou a música dos anos 80 como a conhecemos? Pode-se argumentar que foi uma canção lançada no final dos anos 70. "Cars", de Gary Numan, possuía aquele som sintetizado e inovador que definiria a década seguinte. A ascensão de Numan revolucionou muitos em sua terra natal, a Grã-Bretanha, pelo que representou para a indústria musical; ajudou a demonstrar que engenhosidade e composições inteligentes podiam superar até mesmo o virtuosismo instrumental na criação de boa música. Gary Numan começou sua carreira musical como um guitarrista virtuoso, como muitos outros. Sua banda, Tubeway Army, inicialmente se juntou ao movimento punk que estava em plena expansão no Reino Unido no final dos anos 70. Mas os interesses de Numan começaram a se diversificar quando ele descobriu um sintetizador e começou a experimentar. Nessa época, músicos de rock já incorporavam sintetizadores há algum tempo. Mas poucos artistas os haviam colocado em primeiro plano em sua música como Numan e sua banda estavam começando a fazer. Para complementar os sons eletrônicos, Numan começou a compor canções com reflexões profundas sobre conceitos de ficção científica.

"Cars" começou a tomar forma quando Newman comprou um baixo. Buscando notas às cegas, ele se deparou com o riff principal que formaria a base da música. Sobre ele, adicionou camadas de sintetizadores, alguns profundos e ameaçadores, outros agudos e gélidos. Uma batida programada deu à música um ritmo dançante e robótico. Primeiro, "Cars" tem um riff eletrônico que se encaixaria perfeitamente na Les Paul de Jimmy Page. Isso é reforçado pela bateria poderosa do saudoso Cedric Sharpley. Segundo, a força das múltiplas camadas de sintetizadores Moog é quase avassaladora. Usando efeitos geralmente associados a guitarras potentes — reverb, flanger e phaser — Newman submergiu as linhas de sintetizador deslizantes de forma que elas te envolvem como ondas de água gelada. Essas ondas se intensificam ao longo da música, culminando em um final fantástico em 1:30, durante o qual os Polymoogs — usados ​​como elementos de uma seção de cordas — sobrepõem harmonias hipnóticas que reforçam a atmosfera distópica e assombrosa da canção. Muitos pensaram que Numan estava sendo irônico com a letra, que elogiava carros, mas Numan, diagnosticado com síndrome de Asperger (agora conhecida como transtorno do espectro autista), frequentemente tinha dificuldades para interagir com os outros e via os carros como uma espécie de bolha protetora que lhe permitia evitar situações desconfortáveis. “Aqui no meu carro”, começa Gary Numan, “me sinto mais seguro do que nunca”. Como mencionado, ele se referia às suas próprias dificuldades pessoais. Mas a música vai além, abordando os aspectos isolantes da sociedade. “Só posso receber”, ele canta, uma clara alusão à falta de comunicação. O narrador, em última análise, busca conexão. “Quando o quadro desmoronar”, canta Numan, “você me visitará, por favor?” No final da música, ele planeja escapar em seu carro, mas não encontra consolo: “E nada parece certo nos carros”. A letra praticamente termina um minuto e meio depois do início da música. Em seguida, os sintetizadores de Gary Numan inundam a música como uma névoa robótica. Inovadoras na época e poderosas até hoje, essas faixas do The Cars continuam a percorrer uma paisagem musical imaginativa e singular.

If you want blood (You've got it) - AC/DC

 

"If You Want Blood (You've Got It)"  é uma das muitas explosões de energia do melhor do AC/DC , banda que produziu muitas de suas faixas mais memoráveis ​​entre o final dos anos setenta e o início dos anos oitenta. Lançada em 1979 como parte do álbum " Highway to Hell ", rapidamente se tornou uma das canções mais representativas da era "Bon Scott" da brilhante banda australiana.

É precisamente a voz rouca e incisiva de Bon Scott, juntamente com os riffs poderosos e característicos dos irmãos Young e a seção rítmica vigorosa, que mais se destacam em  "If You Want Blood (You've Got It)" , uma música que anteriormente havia servido como título de um álbum ao vivo da banda ( "If You Want Blood You've Got It" (1978)) , mas que não foi incluída naquele disco, guardando essa bala para explodir em seu próximo tiro de canhão e em uma versão de estúdio mais cuidadosamente elaborada.

A mensagem da música é um poderoso grito de guerra e uma declaração de princípios: através da hipérbole do sangue, eles transmitem que, se o público busca intensidade no rock, eles vão dar tudo de si. A letra reforça a força da mensagem com imagens violentas ("Sangue nas ruas, sangue nas pedras...") , e o refrão é uma explosão de energia implacável. Então, se você busca emoções fortes, ou se simplesmente quer sangue, sua música é sem dúvida  "If You Want Blood (You've Got It)".