quinta-feira, 12 de fevereiro de 2026

Ella Fitzgerald & Louis Armstrong – Porgy & Bess (1975)


O nome original de Gershwin era Jacob Gershovitz. Ele era filho de imigrantes judeus russos, Moris e Rose, que se casaram nos Estados Unidos. Nascido no Brooklyn em 1898, ele nunca concluiu o ensino médio e viveu em tamanha pobreza que contraiu poliomielite.
Mas o aspecto mais notável de sua biografia é que ele criou uma peça sobre trabalhadores negros na Carolina do Sul em 1920, que mais tarde se tornaria "a ópera americana".
Porgy and Bess nem sempre foi bem recebida pela crítica. Alguns especialistas e defensores dos direitos humanos a criticaram duramente por "refletir estereótipos antigos e falsos sobre os afro-americanos".

Interpretada brilhantemente por Louis Armstrong e Ella Fitzgerald, a ópera consiste em canções individuais e cenas corais, conectadas por diálogos e texto falado. Algumas das canções que se tornaram sucessos musicais incluem “Summertime”, “I Got Plenty O' Nuttin'” e “It Ain't Necessarily So”.

Em 1926, Gershwin leu o romance Porgy, de DuBose Heyward, escrito por um nativo de Charleston, Carolina do Sul, e imediatamente escreveu ao autor sugerindo uma colaboração em uma ópera folclórica baseada no romance. No entanto, foi somente em 1934, após anos de correspondência, que George e Ira Gershwin se encontraram com DuBose Heyward em Charleston para escrever a ópera que vinha germinando na imaginação do compositor havia vários anos.
O romance de Heyward foi inspirado por um artigo de jornal da época que contava a história de um homem negro com deficiência que cometeu um crime em um momento de paixão. O artigo era baseado na história de um personagem da vida real, bastante popular na época, chamado "Sammy, o Bode". Sammy não conseguia ficar em pé e era obrigado a ser transportado em uma carroça puxada por um bode.
Mais tarde, Sammy se tornaria Porgy, um homem negro com deficiência capaz de tudo por seu amor por Bess. Ele a ama, mas ela é seduzida por outro morador da vila, um oportunista negro e meio vigarista que Bess segue até Nova York. Na cena final, Porgy, ao saber que sua amada partiu, pega sua carroça e dirige desesperadamente para encontrá-la.

Para contar essa história dramática e ao mesmo tempo bem-humorada, George, Ira e Heyward passaram um verão inteiro em Folly Beach, uma ilha a 15 quilômetros de Charleston, de onde podiam observar os Gullahs, um grupo isolado de pessoas negras que viviam na Ilha de James. Eles se inspiraram neles para retratar os moradores de Catfish Row que aparecem na ópera.

“Jamais me esquecerei da noite em que, em uma reunião de pessoas negras em uma ilha remota, Gershwin começou a gritar com elas. E, para espanto de todos, ele se tornou o ‘campeão dos gritos’” (gritar é um ritmo originário da África, obtido batendo palmas e pés para acompanhar cânticos espirituais), disse Heyward, descrevendo a interação do compositor com as pessoas que inspirariam sua obra.
A ópera se passa em Catfish Row, um assentamento negro em Charleston, Carolina do Sul. Gershwin acreditava firmemente que ela deveria ser interpretada por pessoas negras, mas, na época, era difícil encontrar artistas negros com experiência em ópera.
Gershwin esteve envolvido em todo o processo de seleção do elenco e produção de sua ópera. Todd Duncan, o primeiro Porgy, lembra que o compositor “percorreu o país inteiro em busca de seu Porgy”. Ele também observa que, quando finalmente decidiram contratá-lo, disseram-lhe que ele só precisaria cantar duas ou três músicas na audição, mas, na realidade, o fizeram cantar por mais de uma hora e meia. “Foi incrível. Em certo momento, George e Ira arrancaram a partitura da minha mão e começaram a cantar eles mesmos com suas vozes horríveis e envelhecidas, mas com tanta emoção que me fizeram chorar”, relembra o primeiro intérprete de Porgy.

A ópera estreou em Boston em setembro de 1935 e foi recebida com entusiasmo tanto pelo público quanto pela crítica. Com algumas alterações, foi remontada em Nova York em 10 de outubro de 1935. Houve apenas 124 apresentações de Porgy and Bess na Broadway, e levou vários anos para recuperar o investimento. Nunca foi muito bem recebida. Um grande número de críticos e compositores negros, como Duke Ellington, criticaram a ópera. "Nenhum homem negro seria enganado por Porgy", disse Ellington em um artigo de jornal.
Dois anos após a estreia, Gershwin morreu de um tumor cerebral, pouco antes de completar 39 anos. Em 1959, uma versão cinematográfica produzida por Samuel Goldwyn e dirigida por Otto Preminger foi duramente criticada por retratar estereótipos. Durante anos, Porgy and Bess fez mais sucesso na Europa, onde era considerada "a verdadeira ópera americana", do que nos Estados Unidos.

A primeira versão completa de Porgy and Bess em seu país de origem foi encenada em Houston, em 1970, sob a regência de John de Main e com grande aclamação. A ópera foi finalmente produzida no Metropolitan Opera cerca de 50 anos depois da estreia. O aspecto notável de Porgy and Bess é que se trata da única ópera baseada no jazz das décadas de 1920 e 30 a sobreviver ao período pós-guerra, quando os compositores começaram a usar o jazz de forma satírica.

Por meio dessas obras, e de Porgy and Bess, Gershwin tornou-se, sem dúvida, o pianista e compositor americano que combinou com maior sucesso elementos do jazz e melodias populares americanas, abordando alguns dos temas mais profundos da condição humana.


Tracklist:

01. Overture
02. Summertime
03. I Wants To Stay Here
04. My Man’s Gone Now
05. I Got Plenty O’ Nuttin’
06. Buzzard Song
07. Bess, You Is My Women Now
08. It Ain’t Necesarily So
09. What You Want Wid Bess?
10. A Woman Is A Sometime Thing
11. Oh, Doctor Jesus
12. Medley: Here Come De Honey Man; Crab Man; Oh, Dey’s So Fresh
13. There’s A Boat Dat’s Leavin’ Soon For New York
14. Bess, Oh Where’s My Bess?
15. Oh Lawd, I’m On My Way





George Benson – Give Me The Night (1980)



George Benson nasceu em Pittsburgh em 22 de março de 1943. Ele é um dos guitarristas e vocalistas de jazz mais populares das últimas décadas, com um domínio magistral da velocidade e do swing.  Benson começou sua carreira artística como cantor, apresentando-se em casas noturnas aos oito anos de idade e gravando quatro singles para a RCA em 1954. Ouvir Christian Montgomery e Charlie Parker despertou seu interesse pelo jazz e, por volta de 1962, ele começou a tocar na banda de Brother Jack McDuff . Ele lançou seu primeiro álbum solo aos 21 anos e, gradualmente, suas gravações o transformaram em uma estrela no mundo do jazz, mas ele só começou a alcançar popularidade generalizada depois de assinar com a Warner em 1976. Seu primeiro álbum por esta gravadora, * Breezin' *, tornou-se o álbum de jazz mais vendido de todos os tempos.

***

Este álbum marca o auge da popularidade de George Benson . Um disco soberbo, tanto pelas canções quanto pela performance, produzido por Quincy Jones e sua equipe: o engenheiro de som Bruce Swedien e o compositor Rod Temperton.

Há algumas faixas verdadeiramente excepcionais, como "Moody's Mood", que por si só já basta para colocar Benson entre os melhores vocalistas de jazz. "Dinorah, Dinorah ", do brasileiro Ivan Lins , é outro destaque. E, claro, há a faixa-título: um verdadeiro clássico.

A guitarra de Benson fica em segundo plano (apenas duas faixas são instrumentais), mas a produção é tão boa que até isso se torna quase irrelevante. Um álbum que vale seu peso em ouro.






Jacques Siroul - Dance, Jazz, Funk & Harmonica (Belgium)

 



Jacques Siroul já teve suas obras tocadas em programas da NTS, incluindo Acid Memories com Astral Vibes, com a música Escupo sendo executada pela primeira vez em 13 de julho de 2014. Pianista e gaitista, fascinado por sintetizadores, Jacques Siroul nasceu em 3 de junho de 1952 em Bruxelas e compôs mais de 350 obras para mídia, publicidade, animação, filmes corporativos e musicais. Hoje, ele se dedica principalmente à composição de música sob encomenda. Foi um dos pioneiros a despertar o interesse de artistas pela onda digital no campo da edição musical, sendo hoje considerado um especialista na área.


OPHIUCUS - Crossover Prog • France

 



A banda francesa OPHIUCUS foi formada em 1971, composta pelos irmãos Alain e Bernard Labacci, Jean-Pierre Pouret e Michel Bonnecarrere. O quarteto escolheu a pequena cidade de Flagy como sua base de operações, onde compuseram material considerado interessante o suficiente para conseguirem um contrato com a gravadora Barclay Records. Seu álbum de estreia, Ophiucus, foi lançado no mesmo ano, mas uma versão em inglês planejada acabou engavetada. Essas versões em outros idiomas seriam posteriormente lançadas como faixas bônus em reedições.

Ophiucus lançou mais um álbum, Salade Chinoise, em 1973. Não há registros de atividades da banda após esse período, e presume-se que ela tenha se dissolvido logo depois.



Head Over Heels - Head Over Heels (1971)

 



Primeiro e unico album desse power-trio de Michigan. Lançado em 1971, seu disco debut destila um grande hard rock pesado com influencias do Led Zeppelin. A terceira faixa do disco "Red Rooster" é uma cover de Wilie Dixon.

01 Road Runner
02 Right Away
03 Red Rooster ( versão de wilie dixon)
04 Children Of The Mist
05 Question
06 Tired And Blue Land
07 In My Woman
08 Circles

Paul Frank - guitarras, vocal
Michael Urso - baixo, vocal
John Bredeau - bateria






King Crimson - In The Court Of The Crimson King (1969 )

 



King Crimson é um grupo musical inglês formado pelo guitarrista Robert Fripp e pelo baterista Michael Giles em 1969. O estilo musical da banda costuma ser categorizado como rock progressivo, mas a sua sonoridade carrega vários estilos, como jazz, música erudita, new wave, heavy metal e folk.
O nome King Crimson foi sugerido por Peter Sinfield, sendo uma alusão a Belzebu, princípe dos demónios. De acordo com Fripp, Belzebu seria uma forma ocidentalizada da frase árabe "B'il Sabab.", significando "o homem com um objetivo", apesar de muitos sugerirem que a palavra vêm do hebraíco Ba'al-z'bub, "senhor das moscas".
Uma parte considerável da história dos Crimson consiste nas várias mudanças que foram ocorrendo na banda ao longo dos anos, sendo Robert Fripp o único elemento consistente do grupo, embora ele diga que não se considera o líder, e que para ele os King Crimson são “uma forma de fazer coisas”, e a consistência musical que tem persistido ao longo da história da banda, apesar da rotação dos seus membros, demonstra bem este ponto de vista.

"A capa diz tudo: um ser humano aterrorizado.
Apavorado, provavelmente, com o futuro, tanto seu quanto da humanidade.
Era a intenção do King Crimson, que queria passar tanto nas letras de Peter Sinfield quanto na musicalidade de Robert Fripp o futuro que os esperava.
O ano era 1969, o disco In The Court Of The Crimson King.
Cinco músicas.
Pode até paracer pouco, mas é o suficiente para deixar sua marca entre os melhores discos progressivo de todos os tempos.

21st Century Schizoid Man:
Caótica, frequentemente descrita como: ''a trilha sonora que o mundo ouviria no seu apocalipse''.
Completamente louca.
Com uma letra visivelmente visando um futuro conturbado e violento: ''...Blood rack barbed wire Politicians funeral pyre Innocentes raped with nalpam fire Twenty fist century schizoid man..''.
King Crimson soube muito bem interpretar a letra de Peter Sinfield, musicalmente falando. São 07:21 de pura doidera e genialidade.
Destaque para a voz completamente irreconhecível de Greg Lake.

I Talk To The Wind:
Uma balada das mais lindas.
A letra, mais uma vez, disseca o ser humano e seu maior medo: a solidão.
Também visa a humanidade: ''I'm on the outside looking inside What do I see? Much confusion, desolution All around me''. Belíssima.
Destaque para a flauta de Ian McDonald.

Epitaph:
A mais depressiva do disco ( aliás, o disco inteiro é depressivo. Tanto que chegam a falar que: é o disco ideal para que está ''preparando a cordinha'' e o suicida sempre deixa ''Epitaph'' para o final ).
Também é a música que Greg Lake canta melhor.
A voz dele aqui, se transforma.
Talvez a única música da carreira do Lake em que a voz dele está teatral, maligna, a là Peter Hammill.
Sinfield aqui, mostra toda a sua vertente de grande letrista que é.
Poderosíssima, a letra. Não merece ser ''retalhada'' aqui.
Leia na íntegra que é melhor.

Moonchild:
Praticamente unânime entre os fãs como: ''inescutável''. Só os primeiros 2 minutos valem a pena.
A própria banda detesta a música.
Segundo eles, já tinham gravado todo o disco e ainda faltava preencher espaço.
Então, fizeram qualquer coisa.
Eu, o próprio resenhista aqui, SEMPRE pulo essa faixa.
Mas para fazer a a resenha, achei melhor escutar a música inteira ( coisa que nunca tinha feito, só tinha escutado até a metade e desisti, de tão ruim ).
Para os leitores, vem a pergunta: ''Porque é tão odiada?''
Resposta: é experimental demais. Se fosse experimental com sentido, tudo bem, mas...
Incrivelmente, é a maior música do álbum, com 12:15

In The Court Of The Crimson King:
A mais sinfônica do disco.
Excelente.
Com coral e tudo.
A letra é sobre a corte Rei Carmesin.
Quando você ouvir e achar que a música acabou, fique mais uns segundos ouvindo que você verá que tudo volta.
Fecha o disco com chave de ouro."



1. 21st Century Schizoid Man* (7:21)
2. I Talk To The Wind (6:05)
3. Epitaph (8:47)
4. Moonchild (12:13)
5. The Court Of The Crimson King* (9:25)

- Robert Fripp (Guitarra)
- Ian McDonald (Flauta, trompeta, teclados, mellotron, voz -acompanhamento-)
- Greg Lake (Voz -principal-, bajo)
- Michael Giles (Bateria, percussão, voz - acompanhamento-)
– Peter Sinfield (Letras)





King Crimson - In the Wake of Poseidon (1970)

 



Esse disco tem a adição de Mel Collins na flauta e saxofone, Keith Tipett no piano, Peter Giles (irmão de Michael) no baixo e a participação de Gordon Haskell nos vocais de Cadence And Cascade. In The Wake Of Poseidon tambem marca a saida de Greg Lake para o seu novo grupo o ELP, e tambem a saida dos irmãos Giles.


""Peace - a beginning" - gravada em tres seções, foi elaborada sob o efeito na época em relação da guerra do Vietnã e logo no primeiro verso já associa o elemento água confome esclarecido anteriormente; esta primeira parte é a menor do trabalho com um pouco mais de 30 segundos, muito calma com Lake soando no vocal bem baixinho e aos poucos vai graduando no fim com acordes de violão para dar entrada a próxima

"Pictures of a city" - com um pouco mais de 8 minutos de duração, é uma faixa bem tipicamente jazzistica que soa um tanto como na "21st century schizoid man" do album anterior tanto o vocal e os instrumentos tocados. Mas essa faixa já havia sido apresentada nos concertos ao vivo em 1.969 com o nome "A man, a city" e pode ser escutada no album ao vivo "Epitaph" (1.997), no caso a de estúdio sai bem melhor do que ao vivo. Detalhe: a banda italiana Premiata Forneria Marconi também fazia "cover" da mesma época em que eles estavam tambem estreando no cenário de rp. Dá se a uma introdução razoavelmente barulhenta com bateria, guitarra, baixo e saxofone que este por sinal é a vedete principal nos 3 refrões da música. Quando Lake inicia o vocal a guitarra fica bem agressiva a medida que ele vai citando os versos e quando conclui um refrão a guitarra vai ficando em tom crescente. Na parte instrumental que tem momentos progressivos e jazzisticos percebe-se o virtuosismo de Fripp na parte que contem a "correria" de arranjos e fica calma repentinamente por um tempo dando uma impressão que a faixa termina mas vai lentamente ficando crescente o tema antes deles entrarem no último refrão.

"Cadence and cascade" - é a única faixa que Lake não faz o vocal e o convidado é o amigo de Fripp, Gordon Haskell, que faz com uma sonoridade muito suave ao longo de toda a faixa que de fato é uma música calma, está ao mesmo nível de "I talk to the wind" do album anterior. Inicia sob as dedilhadas de um violão e Haskell citando de início o nome da faixa e acompanha o violão de Fripp quando termina o refrão observa-se um delicado piano de Tippett nos dois refrões. No tema do meio que continua calmo surge a flauta de Collins também suave até aguardar de volta o vocal de Haskell que então finaliza a faixa. Detalhe: a mesma melodia desta faixa pode ser ouvida em "Flight of the Ibis" do album McDonald and Giles (1.970) que citam que foi criada no ano de 1.969 em nota. Pura coincidência?

"In the wake of Poseidon" - aqui nesta faixa com pouco mais de 8 minutos de duração é que o King Crimson faz praticamente a associação das "12 caricaturas" nos versos da música citando um por um e do elemento água que está presente na letra juntamente com mais os outros 3 elementos (terra, fogo e ar). Interessante que retrata sobre a insinuação de um naufrágio, e o Van der Graaf Generator outra banda do cenário rp, um ano depois no album "Pawn hearts" (1.971) apresenta na gigantesca faixa "A plague lighthouse keepers" a situação semelhante também sobre um naufrágio, mas ai no caso é outra situação. O melotron é o instrumento que "carimba" a música, muito forte a presença e sendo executado por Fripp e além do violão acústico que também toca !!! Nos 3 refrões Lake demonstra a dramatização das letras com uma eficácia estupenda e Giles ainda mostra o peso de sua percussão muito bem sincronizada com relação aos demais instrumentos. No tema final após os versos vai sendo repetido os arranjos tornando-se crescente e posteriormente decrescente no meio a um coro de vocais que lembra um momento da faixa "In the court of the Crimson King", do album anterior. A mesma melodia de coro também lembra por incrivel que pareça no hit "Lucky man" do ELP no album de estréia. A faixa lembra bem o estilo "Epitaph" e até aqui já na metade do album, será que existe alguma dúvida de que o trabalho não é tão semelhante quanto ao anterior, mesmo com reforço de Fripp com seus colegas?

"Peace - a theme" - é a segunda parte daquela faixa que fez a abertura do trabalho aqui só é executado o violão de Fripp tem um pouco mais de 1 minuto de duração

"Cat food" - como todas as faixas são de autoria de Fripp e Sinfield, é a única que McDonald tem participação da elaboração. Meio jazzistica, com entrada de um baixo e a tranquilidade da bateria aguardando o vocal de Lake que quando termina as letras de um refrão repete numa forma em coro "Cat food". O piano de Tippett faz uns arranjos meio malucos, sinal do presente jazz em questão com vária arpejadas de guitarra-violão, risadas lembra inclusive a "Indoor games" do Lizard (1.971), mas gravada posteriormente depois deste trabalho.

"The Devil´s Triangle" - essa faixa já é um tanto polêmica porque no caso é semelhante até em exagero com a "Mars, the bringer of war" do classiscista Gustav Holst, da obra "Os planetas" de 1.915 e Fripp não creditou ao compositor no caso, o que acabou tornando uma faixa não autorizada. Tanto que no album ao vivo "Epitaph" o King Crimson executa essa mesma trilha mas sob o nome "Mars" e ao crédito dos integrantes na época no ano de 1.969. Como a faixa está dividida em três partes numa delas McDonald também tem crédito e claro que a faixa foi "composta" por exclusivamente por Fripp inteiramente ao longo de seus quase 11:30 minutos de duração, sendo a maior portanto do album. Uma parte do trecho da faixa chegou a ser utilizada em um documentário retratando sobre o Triângulo das Bermudas e é óbvio que o elemento água está sendo retratado no tema em questão segundo as argumentações de Sinfield com relação ao trabalho como um todo e não um ataque de alienígenas como sugere no nome "Mars..." (Marte) e induz ao ouvinte imaginar tal situação conforme a faixa vai sendo tocada. A música inicia de uma forma calma que vai ficando crescente e crescente com sobre a presença do melotron em ritmo meio de bolero e aos poucos vai se observando efeitos sonoros feitos pelo piano e saxofone até que determinado momento ouve-se ruídos de ventanias que induz serem demônios (Ou o Triangulo das Bermudas?) quando fica pouco calma voltam os instrumentos que fazem a faixa ficar novamente crescente e o baixo fica tornando destaque junto do melotron e do saxofone escutando um barulho do piano/cravo de Tippett que aparenta estar perdido sem melodia para acompanhar, repentinamente ouve-se um curtissimo trecho da faixa "In the court of the Crimson King" do album anterior no refrão que cantam em forma de estilo coro, assim aos poucos finalizando a faixa.

"Peace - an end" - associa também o elemento água e é a seção final da faixa que inicia de abertura do album, mas no caso um pouquinho mais longa em forma de duração e claro que calma e muito suave encerrando o album "In the wake of Poseidon"."



1. Peace: A Beginning (0:49)
2. Pictures of a City (8:03)
3. Cadence and Cascade (4:27)
4. In the Wake of Poseidon (7:56)
5. Peace: A Theme (1:15)
6. Cat Food (4:54)
7. The Devil’s Triangle (11:39)
8. Peace: An End (1:53)

- Robert Fripp (Guitarra, mellotron)
- Greg Lake (Voz -principal-)
- Mel Collins (Flauta, saxofone)
- Michael Giles (Bateria)
- Peter Giles (Baixo)
- Keith Tippett (Piano)
- Gordon Haskell (Voz -principal- en track 3)
- Peter Sinfield (Letras)







David Johansen - 1982-07-10 - St Louis MO (FM)




David Johansen
1982-07-10
Mississippi Nights
St Louis MO
FM  Broadcast


01. BBC Rock Hour 337 Intro - Sylvie Simmons
02. Funky But Chic
03. Melody
04. We Gotta Get Out Of This Place > Don't Bring Me Down > It's My Life
05. Commercial - Miller Beer (Gary U.S. Bonds)
06. Commercial - The Gap
07. Frenchette
08. Personality Crisis
09. BBC Rock Hour 337 Break - Sylvie Simmons
10. Commercial - Miller Beer (Jimmy Buffett)


Muito antes de assumir o pseudônimo Buster Poindexter, David Johansen foi membro do New York Dolls e, posteriormente, teve uma carreira solo de relativo sucesso durante a era new wave/punk do final dos anos 1970 e início dos anos 1980. Eu o vi durante esse período em duas ocasiões: em novembro de 1977 e na véspera de Ano Novo de 1983.






Deuter - Cicada 1982 (Germany, Krautrock, New Age, Ambient)

 



- Deuter (Chaitanya Hari Deuter, Georg Deuter) - all instruments
- Deva Renu - harp (07)


01. From Here To Here - 3:14
02. Light - 9:04
03. Cicada - 6:35
04. Sun On My Face - 4:04
05. From Here To Here (reprise) - 3:31
06. Sky Beyond Clouds - 5:28
07. Haiku - 3:39
08. Alchemy - 7:27
09. Between Two Breaths - 3:17







Reaktor 4 - Pannschüppenczewski (2017 recorded in 1974-1976) (Germany, Krautrock, Jazz Rock)

 



- Siegfried Meyer - guitar, flute
- Paul Döing - guitar
- Johannes Brackmann - bass
- Reinhold Stania - drums

All music composed by Reaktor 4.
Unreleased album (1975):
01. Fantasie in E - 8:12
02. Kassiopeia - 7:48
03. Grillenvorbeiflug - 5:59
04. Muttertag - 11:51
Bonus:
05. Kassiopeia (live 2.11.1974 in Essen-Relinghausen) - 7:32
06. First Cry (live 2.11.1974 in Essen-Relinghausen) - 11:39
07. Menetekel (studio Bottrop-Eigen 1976) - 7:02






Destaque

Álbum da Semana: Ultraviolence de Lana Del Rey (2014)

  Em junho de 2014, eu tinha 19 anos e estava de volta da faculdade, após o meu primeiro ano. Estava desempregado e passava muitas noites ac...