Please Don't Go - KC & The Sunshine Band

Crescendo nos anos 80, lembro-me de ouvir pessoas zombando da disco music e tratando-a como uma piada. Acho que ela ganhou essa reputação principalmente por causa de sua saturação nas paradas musicais no final dos anos 70 e por como as músicas lançadas no final da era disco soavam cada vez mais convencionais e previsíveis. Infelizmente para KC & The Sunshine Band, eles acabaram sendo fortemente associados à disco music, o que dificultou que alcançassem mais sucesso no pop depois que a disco "morreu" no mainstream. É irônico que KC & The Sunshine Band, um grupo de disco music, tenha lançado uma balada justamente no dia em que milhares e milhares de cópias do som disco estavam sendo destruídas. Houve um momento em 1979 em que a disco music dominava tudo; qualquer artista que quisesse ter sucesso tinha que fazer disco music ou flertar com ela. Artistas como Barbra Streisand, Barry Manilow, The Rolling Stones e outros abraçaram a disco music para competir com os Bee Gees, Donna Summer, Gloria Gaynor e KC & The Sunshine Band. A música disco vinha ganhando terreno desde o início dos anos 1970, gradualmente ultrapassando o rock a tal ponto que, quando varreu o Grammy em fevereiro de 1979, parecia estar devorando o rock, e para alguns, isso foi demais. Os filmes "Os Embalos de Sábado à Noite" e John Travolta eram amplamente odiados, exemplificando o triunfo da branquitude e da heterossexualidade em uma sociedade que mudava a cada cinco minutos. A verdade é que, a partir do final de 1979, a disco começou a desaparecer do léxico musical, e as gravadoras passaram a chamá-la de música dance para evitar mais reações negativas.

O interessante sobre "Please Don't Go" é que, embora tenha muitos dos instrumentos e produção associados à disco music, essa música era mais uma balada do que um hino para as pistas de dança. Além disso, para um grupo mais conhecido por seus números disco animados, "Please Don't Go" provavelmente teria surpreendido o público pop da época. Existem baladas "disco"? Se sim, essa se encaixaria nessa categoria, mas acho que o fato de ser uma balada, em vez de apenas mais uma música animada do KC and The Sunshine Band, ajudou a atrair mais atenção tanto das rádios quanto dos ouvintes de música pop, especialmente porque foi lançada logo após a infame "Noite da Demolição da Disco", geralmente considerada um dos eventos que contribuíram para o declínio da disco music. Embora eu não me lembre de "Please Don't Go" de seu lançamento original e a tenha conhecido primeiro através da versão do KWS, acho que a versão original do KC and The Sunshine Band é uma balada pop poderosa para a sua época. Embora ainda esteja um pouco surpreso por ter chegado ao primeiro lugar, considerando como era o cenário pop na época, é uma música poderosa e boa que se manteve relevante ao longo do tempo.

Rock Lobster - The B-52'S

 

No final da década de 70, a cena musical dominada pelo niilismo agressivo do punk e pela frieza calculada da new wave, um som tão excêntrico e colorido quanto um coquetel tropical surgiu. Era a voz do The B-52's, uma banda que soava como uma festa de garagem dos anos 60, perdida no espaço. E se fosse preciso escolher um hino que encapsulasse seu espírito surreal e festivo, seria sem dúvida " Rock Lobster ". Lançada originalmente em 1978 em seu álbum de estreia e relançada com sucesso em 1979, essa música não é apenas uma faixa; é uma experiência sensorial, uma viagem psicodélica a uma praia de outro mundo.

Desde o primeiro compasso, " Rock Lobster " estabelece seu DNA único. O riff de guitarra surf, vibrante e incisivo de Ricky Wilson, soa como se Dick Dale tivesse sido abduzido por alienígenas. É instantaneamente reconhecível e cria uma atmosfera de ansiedade festiva. A linha de baixo insistente, quase mecânica, age como o motor que impulsiona a nave, enquanto os vocais impassíveis e quase narrativos de Fred Schneider nos guiam pelo delírio. Mas a verdadeira sacada genial vem com os vocais de apoio de Cindy Wilson e Kate Pierson, cujos "oohs" e "aahs" não são meros enfeites, mas sim sereias cantando das rochas de um mar de plástico.

A letra é um catálogo de absurdos marinhos que desafia qualquer interpretação literal. Não é um protesto ambiental nem uma história de amor; é arte pop sonora. Passamos de ver uma garota em uma linha de pesca a testemunhar uma dança frenética de criaturas como lagostas, enguias, polvos e peixes-vidro. A genialidade reside em como a música reflete esse caos controlado. A canção é construída sobre um ritmo hipnótico e repetitivo, mas os detalhes — o glissando do teclado, os efeitos sonoros, os gritos — se acumulam, criando uma tensão crescente. É uma festa na piscina que de repente se enche de fauna pré-histórica.

O clímax da música é um dos momentos mais gloriosamente bizarros da história do pop. As vozes de Wilson e Pierson explodem em um desfile de imitações de animais: gritos de golfinhos, cacarejos, guinchos. O que poderia ter sido simplesmente ridículo se transforma em pura euforia. Diz-se que John Lennon, ao ouvir essa parte em uma discoteca, reconheceu em seu espírito livre e absurdo um eco do surrealismo dos primeiros Beatles e sentiu que o rock ainda tinha espaço para a imaginação — um impulso que influenciaria seu próprio retorno à música.

" Rock Lobster " é, em essência, a personificação perfeita da filosofia do The B-52's : a ideia de que a música pop pode ser inteligente, inovadora e profundamente absurda ao mesmo tempo. Não é uma contradição, mas uma celebração. Quebrou as regras sem a arrogância do punk, abrindo as portas para a new wave americana e pavimentando o caminho para toda uma legião de artistas que não tinham medo de ser diferentes e divertidos. Não é apenas uma música; é uma viagem de seis minutos para um universo paralelo onde o sol sempre brilha, o mar é vinil e lagostas roqueiras são as rainhas da pista de dança. Uma obra-prima do absurdo que, décadas depois, ainda soa tão fresca e vibrante quanto no dia em que foi lançada.

She's Lost Control - Joy Division

O Joy Division, formado em Salford, Inglaterra, em 1976, era composto pelo enigmático vocalista Ian Curtis, o guitarrista/tecladista e futuro vocalista Bernard Sumner, o icônico baixista Peter Hook e o baterista Stephen Morris. Sumner e Hook, pioneiros do movimento pós-punk, formaram a banda após assistirem juntos a um show dos Sex Pistols (considerado um dos mais influentes de todos os tempos). Sumner descreveu os Pistols como um grupo que "destruiu o mito de ser uma estrela pop, do músico ser uma espécie de deus a ser adorado". A banda foi originalmente chamada de "Warsaw", mas depois mudou seu nome para "Joy Division" em homenagem às alas de prostituição dos campos de concentração nazistas durante a Segunda Guerra Mundial. O livro "House of Dolls" (Casa das Bonecas), de uma sobrevivente do Holocausto, foi a fonte desse nome incomum. À medida que a popularidade da banda crescia, a saúde debilitada de Curtis tornava cada vez mais difícil para ele se apresentar, e ele ocasionalmente sofria convulsões no palco. Ele cometeu suicídio na véspera daquela que seria a primeira turnê norte-americana da banda, em maio de 1980, aos 23 anos. Os membros restantes da banda se reagrupariam sob o nome New Order e alcançariam sucesso na década seguinte, fundindo o pós-punk com influências da música eletrônica e dance.

A letra de "She's Lost Control", lançada em 1979 em seu álbum de estreia, Unknown Pleasures, foi inspirada principalmente por uma jovem que Curtis conheceu enquanto trabalhava como Assistente de Reassentamento de Pessoas com Deficiência. A mulher tinha epilepsia e estava desesperada por um emprego, mas sofria convulsões sempre que ia ao centro de reassentamento, o que perturbava profundamente Curtis. A composição austera da música se concentra na linha de baixo de Peter Hook, tocada nas notas mais agudas do braço da guitarra, e em uma batida mecânica de bateria executada por Stephen Morris. Mais tarde, Curtis contou à esposa que fora informado de que a mulher havia se sufocado enquanto dormia devido a uma crise epiléptica. A morte inesperada da mulher e a subsequente conscientização e experiência de Curtis com o estigma enfrentado por pessoas com deficiências neurológicas formaram a inspiração lírica da música e, consequentemente, se tornaram um dos maiores medos de Ian Curtis. Devido a esse medo, ele e sua esposa estabeleceram um ritual no qual, nas noites seguintes a um show do Joy Division em que Curtis não tivesse uma crise epiléptica, Ian se sentava em uma cadeira e esperava que uma crise ocorresse na presença dela, ou então se deitava na cama com ela enquanto ambos escutavam em silêncio, aguardando uma mudança em seu padrão respiratório (que indicaria uma crise iminente), para que ela pudesse ajudá-lo antes que ele dormisse. Alguns meses após o suicídio de Curtis, uma versão radicalmente reformulada de "She's Lost Control" foi lançada como um single de 12 polegadas, com a comovente e bela balada "Atmosphere" no lado B. A canção permanece uma das mais conhecidas do Joy Division e deu título ao filme biográfico de Ian Curtis de 2007: Control.

ROCK ART

 

New Lords - New Lords 1971 (Germany, Pop-Rock, Hard Rock)

- Ulli Günther - lead vocals
- Reinhart Bopp - lead guitar, vocals
- Günter Bopp - bass, vocals
- Hans Harbrecht - drums, percussion
+
- Rainer Pietsch - producer

01. (Theme From) Twilight (Rainer Pietsch) - 3:16
02. We Go Out In The Sunshine (Rainer Pietsch) - 2:55
03. Power (Reinhart Bopp - Ulli Günther) - 4:35
04. Rooster (Rainer Pietsch) - 4:13
05. Fly Little Jeannie (Rainer Pietsch) - 4:46
06. Country Fever (Joe Walsh - Fox - Peters) - 2:41
07. World Of Emotions (Rainer Pietsch) - 3:38
08. Timerace (Rainer Pietsch) - 2:38
09. Linda (Wagner) - 2:42
10. Goodbye Groupie Girl (Rainer Pietsch) - 4:17

McOil - All Our Hopes 1979 (Germany, Heavy Prog)

 

- Walter Utz - keyboards, vocals
- Norbert Kuhpfahl - bass
- Karl Wild - guitar, backing vocals
- Andy Tischmann - drums
+
- Dieter Ege - producer

01. Be Careful - 4:11
02. All Our Hopes - 9:26
03. This Time Should Never End - 8:09
04. Mask Of Life - 4:58
05. Sailing Around - 5:56
06. Once In The Summernight - 3:58
07. What's This Live - 5:56
Bonus:
08. A Better Day - 4:15

Seges - Warlust Worship - 2025 (EP)

Gênero: Black Metal, Death Metal

1. Stosstrupp

2. Cherniye Chort (The Black Devil)

3. Ausrottung

4. Fraulein Grese

MUSICA&SOM ☝

Daedra - In Der Hölle Gefesselt - 2025 (EP)

 

 

Gênero: Black Metal

1. Funeral Fog

2. Majesteten og Skjønnheten Til en Stjerneklar Nattehimmel

3. Gefangen In Der Hölle

4. Dunkles Verlies - Instrumental

5. Le Duel Angoissant Avec la Douleur de L'erreur

MUSICA&SOM  ☝

Black Tusk: crítica de Tend No Wounds (2013)

 

Com suas raízes no crust e no hardcore, o Black Tusk pode facilmente ser considerado uma das bandas mais viscerais e podreiras do circuito de Savannah, originando, por eles mesmos, a alcunha de swamp metal (que não tem nada a ver com o termo homônimo empenhado pelos finlandeses do Kalmah) – uma formação ainda mais enlameada e suja do sludge americano.

Desde a formação da banda, em 2005, quando o guitarrista Andrew Fidler, o baixista Jonathan Athon e o baterista James May ainda moravamna mesma rua, até atualmente, o trio vem lançando trabalhos de forma ininterrupta. E agora em 2013, como que para preencher o espaço até o lançamento do sucessor de Set The Dial, o grupo lança o seu terceiro EP, Tend No Wounds, novamente pela Relapse Records.

Apesar de figurar apenas como uma introdução, “A Cold Embrace” não se preocupa em ficar enrolando ou criando bases climáticas. Muito pelo contrário, já despeja uma sucessão de riffs daquele meio termo entre o sludge e o hardcore típico da banda. Não fosse o bastante, “Enemy of Reason” chega espancando os ouvidos em um ritmo muito mais acelerado e (por incrível que pareça) ainda mais sujo, quase um contraponto com as vozes razoavelmente mais melódicas e menos berradas insanamente como antes.

Cadenciada e fazendo justiça ao seu autodenominado rótulo de swamp metal, a faixa seguinte “The Weak And The Wise” se arrasta ao longo de quase seis minutos de massacrantes riffs híbridos de sludge, punk e black metal, um tanto quanto diferente do andamento salobro e enlameado de “Internal/Eternal”, um tanto quanto próximo do som mais distorcido do Kylesa (e talvez isso seja inevitável para quem vem daquela cidade).

“Truth Untold”, responsável por um dos mais notáveis momentos nesse curto EP, une em pouco tempo elementos de punk rock com guitarras e melodias que beiram o heavy metal tradicional e o stoner, evidentemente sempre encapados por aquela rusticidade pantanesca. Com um arrastado crescendo, a semi instrumental “In Days Of Woe” fecha esse pequeno trabalho de transição, ainda deixando muitas pontas soltas para o que virá no próximo  álbum.

E no fim das contas, o apresentado em Tend No Wounds é basicamente uma progressão mais do que natural do último álbum, sem grandes inovações e trazendo um Black Tusk sutilmente mais sóbrio e menos caótico, não muito diferente das mesmas propostas adotadas pelos outros grupos associados a eles (ainda que na prática seja em níveis completamente diferentes – e alguns fãs mais nervosos possam torcer o nariz).

Mas o que interessa é que o espírito enlameado, um sludge ao mesmo tempo despretensioso e extremamente bem construído, permanecem intactos, com o trio aprimorando a sua música curtos, mas notáveis, passos a cada registro (bem ou mal, desde 2005 eles lançam material a cada ano).

O Black Tusk pode não ser um dos mais ascendentes nomes da fértil Savannah, mas inegavelmente a sua música é um entretenimento e tanto.

Faixas:
01. A Cold Embrace
02. Enemy Of Reason
03. The Weak And The Wise
04. Internal/Eternal
05. Truth Untold
06. In Days Of Woe

Orphaned Land: crítica de All Is One (2013)

 

Independente de qualquer orientação religiosa, política ou filosófica, o Orphaned Land nasceu no epicentro de um dos mais complexos cenários humanos do último século. E se Israel pode ser apenas um pequeno estado em meio aos intermináveis conflitos ideológicos e econômicos, a banda formada por Kobi Farhi, Uri Zelcha, Yossi Sassi e Matti Svatizky em um distante 1991 se aproveitou de toda a riqueza cultural da região para construir uma das mais criativas e singulares bandas da história do heavy metal.

Com quatro álbuns em sua discografia e tendo participado de alguns dos maiores festivais ao redor do mundo, eles lançam em 2013 All Is One, mais uma vez pela Century Media Records, o trabalho que pode ser uma continuação direta de seus discos anteriores, mantendo a temática paradoxal e a união de estilos em prol de algo maior.

A musicalidade rica e diversificada, a maior qualidade do Orphaned Land se mostra bem equilibrada na melódica “All Is One”, faixa título que flutua entre o power metal e a característica presença dos instrumentos e melodias da música do Oriente Médio. Bouzoukis, violas e violinos voltam a se combinar na cadenciada “The Simple Man”, simples e belíssima, com estruturas bem semelhantes à seguinte, “Brother”, prioritariamente acústica e conduzida pelos arranjos orquestrais.

Mais arrastada, a esperançosa “Let The Truce Be Known” mostra bem como os israelenses atingem inexplicáveis resultados ao contar uma história, de forma que a música seja um interessante complemento, principalmente nos arranjos étnicos (o lado heavy metal é apenas um leve coadjuvante). Cantada em árabe, “Through Fire and Water” lentamente vai colocando os instrumentos convencionais e o peso à frente, culminando em “Fail”, uma das mais dinâmicas faixas e o primeiro momento do álbum aonde eles soam um pouco mais extremos, inclusive com os mesmos vocais guturais de outrora.

Após o instrumental “Freedom”, “Shama’im” tem uma melodia tão marcante que o fato de ser cantada em hebraico (e provavelmente você não entender um verso sequer) se mostra irrelevante, assim como em “Ya Benaye”, aonde o andamento mais lento e atmosférico dá lugar aos cânticos soltos em árabe.

Com infinitas mudanças de andamento, “Our Own Messiah” apresenta vários elementos que remetem ao metal progressivo em seu formato mais tradicional, diferentemente de “Children”, o lento fadeout de encerramento do álbum, com apenas uma melodia que serve de base ao longo de mais de sete minutos.

Depois de ouvir não apenas All Is One, mas também os trabalhos anteriores do Orphaned Land, fica claro o porquê de os israelenses serem considerados uma banda única. Não é apenas pela música tradicional e pela utilização de instrumentos não convencionais, nem pelas letras extremamente coerentes e metafóricas, mas sim pela combinação de todos estes elementos, com uma noção interpretativa que simplesmente carrega o ouvinte para dentro da obra.

E neste novo álbum, é notável como eles trouxeram ainda mais para frente a cultura do Oriente Médio, de forma que o lado mais pesado da banda atue como um mero detalhe em meio aos belíssimos arranjos folk e orquestrais, dando continuidade ao caminho mais melódico que eles vêm seguindo. E isso torna extremamente natural uma fusão de estilos como poucas vezes havia se visto.

Afinal de contas, no fim, tudo é apenas música.

Faixas:

01. All Is One
02. The Simple man
03. Brother
04. Let The Truce Be Known
05. Through Fire And Water
06. Fail
07. Freedom
08. Shama’im
09. Ya Benaye
10. Our Own Messiah
11. Children