Um provocador, um mistificador, um louco. Além disso, um compositor incrivelmente talentoso. Esse é Jono El Grande , nascido Jon Andreas Hotun , a figura mais extravagante da
cena progressiva norueguesa. Ele é excêntrico desde a infância. A primeira banda de Jon, The Handkerchiefs , era apenas fruto da imaginação de um garoto de dez anos. Naquela época, o pequeno Hotun tinha uma vaga ideia de instrumentos musicais (nosso herói se dedicaria ao tormento inicial da guitarra muito mais tarde, aos quatorze anos), o que, em princípio, não o impediu de construir grandes conceitos especulativos em sua cabeça. Muitas coisas viriam a seguir: a banda escolar Mannes Fatales ; vários sucessos únicos com nomes chamativos como The Terror Duo , Black Satan e outros no mesmo estilo; paralelamente, trabalhando no rádio; estudando na Escola de Arte de Bergen e trabalhando como assistente de cenografia na Norsk Film... Mas o destino é inevitável. Em 1995, Jon Andreas Hotun abandonou todas as suas responsabilidades anteriores e mergulhou de cabeça em seu trabalho criativo. "Neo Dada" é o terceiro álbum completo lançado sob o pseudônimo Jono El Grande . Tentar resumir esse brilhante enigma estilístico em poucas palavras é uma tarefa inútil. O universo composicional do Maestro Hotun exige uma exploração meticulosa e detalhada. No entanto, como este humilde servo não é um musicólogo certificado, esta análise se limitará a um esboço superficial, destinado apenas a fornecer uma ideia geral do conteúdo. Assim, uma breve descrição da formação: a mini-orquestra de Jono El Grande é composta por quatorze pessoas, incluindo o idealizador do projeto (guitarra, sintetizador, voz, percussão), tecladistas, cantores, um saxofonista, um oboísta, um baterista, um percussionista e o obrigatório quarteto de cordas. O programa é dividido em sete faixas, incluindo um balé (Ballet Morbido em Doze Pequenos Movimentos) e uma suíte (Oslo City Suite). Não se deixe enganar pelos termos clássicos: as construções inventivas de Jono são temperadas com humor. Não um humor leve e ameno, mas um humor sarcástico e paródico que fere como uma vespa. Sob a aparência intrincada, reside um núcleo igualmente engenhoso, dando a impressão de uma espécie de barbárie cultural. O neo-dadaísmo sonoro de Jono El Grande é demonstrativamente cínico, o que, no entanto, não o impede de permanecer entre os artistas de rock altamente artísticos destinados a um público esteticamente refinado. Afinal, quem mais poderia apreciar adequadamente a fusão paradoxal de truques de fusão ao estilo de Frank Zappa , técnicas de vanguarda acadêmica, progressões rítmicas na linha do Gentle Giant e balbucios absurdos (respeito a Samla Mammas Manna)?!) e uma série de outros elementos, inspirados na música sinfônica europeia, no art rock britânico dos anos 70 e no jazz experimental americano... Em resumo: uma jornada sonora altamente original e ousada, concebida para o ouvinte exigente. Mesmo assim, não recomendo que você a ignore.
O legado dos "pesadelos" do Goblin ainda assombra alguns. Enquanto uma banda de veteranos, liderada por Claudio Simonetti, ressurgiu do esquecimento para realizar shows de reunião nostálgicos,
jovens talentosos escandinavos estão colocando em prática algumas das técnicas consagradas dos clássicos dos Apeninos. Estamos falando, como você provavelmente já adivinhou, do quarteto instrumental Anima Morte . Os integrantes se autodenominam com certa originalidade: "Música de Terror Italiana Vintage da Suécia". É um tanto pretensioso, mas há um fundo de verdade nisso. Curiosamente, todos os quatro têm anos de experiência tocando em bandas extremas (death metal, thrash metal, power metal e outras vertentes do heavy metal). No entanto, as influências desses gêneros não se estendem à nova música do grupo. Pelo contrário, o trabalho do Anima Morte se encaixa perfeitamente no campo do rock retrô, ainda que em sua forma moderna. "Face the Sea of Darkness" é o álbum de estreia do quarteto (o EP em vinil "Viva Morte!" não conta). Com 38 minutos, é um trabalho típico dos anos 70. Uma breve introdução ao teclado serve como preparação, e então... Então a coisa toda toma um rumo curioso. Primeiramente, gostaria de ressaltar que, ao rotularem seu trabalho como "música de terror", os integrantes estavam claramente sendo desonestos. Suas composições (pelo menos em termos de construção de atmosfera) não chegam a se encaixar no conceito de "melodias de terror". Enquanto o notório Goblin certamente combinava bem com os diretores de cinema Lucio Fulci e Dario Argento , que confiantemente bombardeavam o público com hordas de zumbis e outros espíritos malignos, o mesmo não se pode dizer do quarteto sueco. Seu trabalho é mais suave, mais reflexivo e, curiosamente, mais bucólico. Assim, na composição "He Who Dwells in Darkness", apenas a seção rítmica se enquadra na categoria de "goblin-like" (como um duende), o resto é puramente autoral. As partes de guitarra elétrica mantêm-se em um tom bastante suave. O uso de instrumentos analógicos é um ponto positivo adicional no repertório dos normandos (embora a técnica de manipulação do Mellotron aqui e ali lembre o próprio maestro Simonetti). E os trechos acústicos cativam completamente o ouvinte na contemplação menor característica dos nórdicos. Mesmo quando o Anima Morte acelera, atacando o público com uma avalanche sonora ("Rise Again", por exemplo), não é nada assustador, mas desperta um certo interesse: como, o que mais eles vão inventar? E eles inventam, os diabólicos: ora introduzem segmentos líricos e enigmáticos na estrutura ("Wandering"); ora intrigam habilmente com o desenvolvimento temático ("The Hunt"); ora encantam com a melodia ("In the Dead of Night"); Às vezes, eles acrescentam um pouco de psicologismo, com entonações folclóricas familiares para completar ("A Decay of Mind and Flesh"); ou até tocam uma marcha fúnebre no órgão ("Funeral March").mas tão "delicioso" que você nem vai querer morrer... Resumindo: uma banda de rock progressivo extremamente envolvente, que certamente merece sua atenção. Aproveite.
"O conceito da trindade das almas é a base deste disco. Spiritus personifica o lado bom inato do homem; é beleza, gentileza, nobreza. Manes é a personificação do lado sombrio, uma
imagem coletiva das almas perdidas que habitam o submundo. Finalmente, Umbra é a parte sombria da entidade que se recusa a deixar a Terra após a morte e permanece aqui vagando como um fantasma inquieto..." Bastante acadêmico para os padrões de bandas de rock convencionais, não é? Mas o truque é que o Dr. Z não é uma banda comum. O líder do trio progressivo, Keith Keyes (piano, cravo, órgão, vocais), era professor na Universidade do Norte do País de Gales no início dos anos setenta. E, aparentemente, os temas religiosos e filosóficos do único álbum do Dr. Z estão diretamente relacionados à sua pesquisa científica. Então, "Three Parts to My Soul" (Três Partes da Minha Alma). Não espere a ingenuidade lírica característica de vários atos proto-progressivos da época. Dois fatores predominam nas paisagens sonoras criadas pelos ingleses: um virtuosismo artístico e uma atmosfera singular que define o tom de cada faixa. A faixa de abertura, "Evil Woman's Manly Child", impressiona com sua sonoridade rhythm and blues. Na ausência de guitarra, os solos são distribuídos entre os teclados; e, claro, não podemos esquecer o trabalho primoroso da banda que a acompanha (Rob Watson no baixo, Bob Watkins na bateria e percussão). Curiosamente, os exercícios vocais nesta faixa em particular ilustram vividamente a dualidade inerente ao indivíduo: o canto afetado é acompanhado por um eco sussurrado, expressando a essência interior do sujeito. A épica narrativa de 12 minutos de "Spiritus, Manes et Umbra" é, acima de tudo, um ritmo cativante e letras cantadas com veemência pelo Professor Keyes. De fato, a interpretação vocal do vocalista lembra, em certa medida, as revelações dramáticas do carismático Peter Hammill . Uma semelhança textural é capturada em peças expressivas como "Summer For the Rose", onde nuances psicodélicas são suplantadas pela energia do rock e elementos clássicos secundários. Melodias de balada, atmosfera neorromântica e um canto camaleônico (de corais a gritos de agitação nervosa e pacificação silenciosa) são os componentes do sofisticado esboço "Burn in Anger", que, mais do que qualquer outro, reivindica qualidade "artística". "Too Well Satisfied" é uma marcha expansiva para o espírito que se liberta das amarras da carne. O álbum culmina com a composição monumental "In a Token of Despair", cuja beleza elegíaca, aliada a explosões agudas de raiva, convida o ouvinte a refletir sobre o difícil destino de um ser imaterial condenado à solidão. O conjunto inclui duas faixas bônus bastante animadas, lançadas como single em 1970; em comparação com o conteúdo do disco, os extras soam como um contraste, mas não prejudicam a experiência geral. Resumindo: um lançamento muito original, recomendado principalmente para fãs de rock progressivo gótico sombrio e do início do art rock britânico.
No início dos anos 1980, quatro colegas de colégio no Rio de Janeiro — Bruno Gouveia, Álvaro Birita, Miguel Flores e André Sheik — resolveram transformar um sarau estudantil em um projeto musical mais ousado. Com guitarras tímidas, teclados baratos e um entusiasmo desproporcional às habilidades técnicas, nascia ali o Biquíni Cavadão. O nome, sugerido por Herbert Vianna, dos Paralamas do Sucesso, já carregava ironia e descompromisso. A primeira composição, “Tédio”, viria a ser não só a carta de apresentação do grupo, mas também um manifesto de juventude inconformada.
A fita demo caseira, com a música “Tédio” — que contou com Herbert na guitarra — chegou às mãos da Fluminense FM e, de lá, pulou para o imaginário de uma geração. Em 1985, a banda assinou contrato com a Polydor e gravou o compacto que trazia “Tédio” e “No Mundo da Lua”. O primeiro álbum, Cidades em Torrente (1986), emplacou quatro hits e ultrapassou a marca de 60 mil cópias. A Era da Incerteza (1987) e Zé (1989) confirmaram o potencial da banda, ainda que navegando entre a ingenuidade adolescente e uma busca crescente por maturidade.
A cada disco, o Biquíni testava novos caminhos, mas sem perder a veia pop que o tornou radiofônico. A Era da Incerteza trouxe faixas como “Ida e Volta” e “1/4”, mostrando que os rapazes não eram fogo de palha. Já Zé, de 1989, marcou a transição para temas mais adultos, com canções como “Meu Reino” e “Bem-Vindo ao Mundo Adulto”. Ainda assim, pairava sobre a banda a sombra do desgaste. O mercado fonográfico já mostrava sinais de saturação do rock brasileiro: gravadoras se reestruturavam, rádios buscavam novas tendências e muitos dos contemporâneos do Biquíni começavam a perder espaço.
Esse contexto colocava o grupo diante de uma encruzilhada: continuar repetindo fórmulas e arriscar a irrelevância, ou buscar um novo fôlego criativo capaz de redefinir sua trajetória?
Miguel Flores, André Birita, Carlos Coelho, André Sheik e Bruno Coelho: Biquini Cavadão em 1986, ano que a banda lançou seu álbum de estreia, Cidades em Torrente.
Em 1990, a banda mergulhou em um processo de autocrítica radical. Canções já compostas para o quarto álbum foram descartadas, arranjos rasgados, ensaios abandonados. Durante meses, o Biquíni parecia paralisado, alimentando boatos de um possível fim. Para os integrantes, não fazia sentido lançar um novo trabalho se este não representasse uma evolução clara.
No entanto, naquele mesmo ano de 1990, a gravadora lançou uma versão remix de uma das faixas do álbum Zé, “Bem-Vindo ao Mundo”, que colocou o grupo de volta às paradas nas rádios do Rio de Janeiro. No ano seguinte, outra faixa de Zé foi lançada em versão remix: “Meu Mundo”, rebatizada de “Meu Reino ’91 (Um Lar em Brixton)”, que também alcançou algum sucesso. O emprego das batidas e programações eletrônicas nesses remixes parece ter acendido uma ideia na mente criativa do Biquíni Cavadão para conceber a proposta musical do próximo álbum.
Foi nesse clima de crise que amadureceu a ideia de Descivilização. O álbum foi uma ruptura, um divisor de águas na carreira do Biquíni Cavadão. O título, provocativo, já trazia um questionamento profundo: o que chamamos de “civilização” seria, de fato, avanço ou apenas uma fachada que escondia o caos?
Produzido por Mayrton Bahia, conhecido por sua capacidade de potencializar bandas em momentos decisivos, Descivilização nasceu como um trabalho coletivo e orgânico. O Biquíni mantinha sua peculiar “criação coletiva total”, em que todos opinavam em todos os aspectos: o baixista sugeria linhas de teclado, o tecladista mexia na levada da bateria, o vocalista interferia nos arranjos de guitarra. Essa dinâmica, caótica e democrática, deu ao disco uma textura única.
As participações especiais também ampliaram as cores do álbum. Herbert Vianna emprestou sua voz em “Cai Água, Cai Barraco”, enquanto Roberto Menescal, ícone da bossa nova, deu seu toque elegante em “Arcos”. A sonoridade, mais pop, acessível e com apelo dançante, contrastava com a densidade das letras, que falavam de inconformismo, liberdade e crítica social.
O músico e produtor Roberto Menescal: toque elegante me "Arcos".
Lançado em julho de 1991, Descivilização foi o primeiro lançamento em CD do Biquíni Cavadão. Enquanto a versão em LP do álbum vinha apenas com nove faixas, a versão em CD trazia onze, ao incluir os remixes de “Bem-Vindo ao Mundo” e “Meu Reino ’91 (Um Lar em Brixton)”, lançados antes do álbum.
“Zé Ninguém” explode como um soco rítmico logo na abertura, transformando a invisibilidade social em hino de autoafirmação. A linha de baixo pulsante e a bateria eletrônica programada sustentam uma letra que denuncia desigualdade e corrupção, mas sem perder o humor irônico, convertendo o anonimato em bandeira de resistência.
“Últimas Horas” mantém a energia pop dançante, mas mergulha no campo emocional com metáforas de tempestade que traduzem o fim de um amor. Sintetizadores e piano dialogam com a bateria, criando um clima ao mesmo tempo melancólico e esperançoso, equilibrando dor e memória.
Em “Cai Água, Cai Barraco”, o Biquíni une crítica social e humor ácido com a participação de Herbert Vianna. As guitarras de rock contrastam com o pop dançante, retratando enchentes, pobreza e violência urbana. O tom quase carnavalesco do título amplia a ironia, transformando tragédia em crônica urbana contundente.
“Vento Ventania” é o ápice do álbum e, curiosamente, quase ficou de fora. Com um ritmo inspirado no dancehall jamaicano, a faixa é uma ode à liberdade. A metáfora do vento, transportando o desejo de transcendência e rompimento de limites, fez dela um hino nos shows, cantado em uníssono pelo público.
“Bem-Vindo ao Mundo Adulto ’90” é o remix lançado em 1990 e incluído na versão em CD de Descivilização. Com uma base rítmica apoiada em sintetizadores e bateria eletrônica, essa versão ganhou nova vida, deixando a original para trás. Já “Descivilização”, faixa que dá nome ao álbum, funciona como manifesto: questiona progresso e civilização, propondo reflexão poética sobre a fuga da vida moderna e o retorno à essência humana e natural.
Herbert Vianna no anos 1980: líder das Paralamas do Seucesso faz dueto nos vocais com Bruno Gouveia em "Cai Água, Cai Barraco".
Carregado de metáforas, “Vesúvio” é um pop rock que evoca transformação e renovação, enquanto “Arcos” desacelera, flertando com a bossa nova através do violão de Roberto Menescal. Aqui, introspecção e memória urbana se encontram, revelando solidão e busca por sentido.
“Impossível”, outro grande sucesso radiofônico do disco, mistura urgência e melancolia em teclados luminosos e guitarras incisivas, refletindo sobre o peso das lembranças amorosas. “Meu Reino ’91 (Um Lar em Brixton)”, segundo remix presente na versão em CD do álbum, insere batidas eletrônicas à melodia original, cujo resultado remete a “Sadeness (Part I)”, do Enigma, que fez enorme sucesso mundial entre 1990 e 1991.
A última faixa, “A Cidade”, fecha o disco com poesia urbana. À madrugada, ruas e becos se tornam museu de experiências invisíveis, revelando estranheza e fascínio. É um encerramento que sintetiza a sensibilidade da banda: observar o mundo cotidiano com olhos atentos, transformando cada detalhe em narrativa sonora e emocional.
No conjunto, Descivilização é um retrato vívido do Brasil e da alma humana: crítico, irônico, poético e dançante, equilibrando sofisticação musical e crônica social com rara destreza.
Apesar de lançado em um momento de saturação do rock brasileiro, Descivilização encontrou seu espaço. “Zé Ninguém” e “Impossível” rapidamente alcançaram as rádios, mas foi “Vento Ventania” que, contra todas as expectativas: foi incluída na trilha sonora da novela Deus Nos Acuda, da TV Globo e se tornou a música do ano em 1992. O álbum levou o Biquíni Cavadão a apresentações em grandes palcos, incluindo o festival Hollywood Rock de 1993, ao lado de nomes internacionais como Alice in Chains e Red Hot Chili Peppers.
A crítica, inicialmente reticente, acabou reconhecendo o salto qualitativo do grupo. Muitos compararam o disco a momentos de reinvenção de outras bandas — guardadas as devidas proporções — como Cabeça Dinossauro, dos Titãs, ou Selvagem?, dos Paralamas do Sucesso. Para o Biquíni, foi o disco que garantiu longevidade: sem ele, talvez a banda tivesse se perdido no esquecimento de tantas formações entre as inúmeras bandas do rock brasileiro dos anos 1980.
Ao longo do tempo, Descivilização é lembrado não apenas por seus hits, mas por seu papel de ruptura. É um álbum que consolidou o Biquíni Cavadão como banda madura, capaz de unir pop e reflexão, leveza e crítica, melodia e inconformismo. Um retrato de uma juventude que, diante de um Brasil em transição, buscava na música um grito de liberdade.
Biquini Cavadão: Bruno Gouveia (vocal), Miguel Flores (teclados), Carlos Coelho (guitarras, violões e vocais) e André Sheik (baixo) e Álvaro Birita (bateria e percussão eletrônica).
Quando Al Stewart invadiu as ondas do rádio com "Year of the Cat", a grande maioria dos ouvintes o considerou um sucesso instantâneo. Mas, na realidade, o cantor, compositor e multi-instrumentista passou uma década inteira gravando discos e acumulando horas em turnês antes de alcançar o estrelato.
Nascido na Escócia, Stewart era apenas um garotinho quando se mudou para a Inglaterra, onde sua carreira musical decolou. Seu primeiro trabalho, uma canção peculiar chamada "The Elf", tinha como lado B um cover de "Turn Into Earth", dos Yardbirds. Lançado em 1966, o single contou com a participação do guitarrista dos Yardbirds e futuro mestre da guitarra do Led Zeppelin, Jimmy Page. Embora os álbuns anteriores de Al Stewart tivessem sido elogiados pela crítica, talvez fossem um pouco incomuns demais para o consumidor médio de vinil. O folk britânico tradicional, permeado por aspirações de rock progressivo, com letras pitorescas envolvendo figuras e eventos históricos, tendia a ser sua especialidade.
Embora o sétimo álbum de estúdio de Stewart, Year of the Cat (Janus Records), tenha se mantido fiel à fórmula, esses elementos foram amplificados em um brilho pop-rock reluzente sob a orientação do aclamado produtor e músico Alan Parsons. Dotado de uma voz calorosa e amigável no estilo de George Harrison e Donovan, Stewart interpreta o material de Year of the Cat com maestria, contando histórias com maestria. Repletas de personalidade e vivacidade, as composições envolventes ganham vida enquanto Al Stewart entrelaça sua voz melodiosa às palavras e à música.
No início de 1977, a faixa-título do álbum – que fala de um caso de amor em Casablanca – entrou para o Top 10. Impulsionada por uma sequência de elegantes floreios de piano, "Year of the Cat" gradualmente se transforma em uma sinfonia emocionante, complementada por solos de saxofone e guitarra vibrantes. Uma ode ao comandante naval inglês Lord Richard Grenville, "Lord Grenville" se apresenta como uma peça de ritmo moderado, baseada no piano e repleta de ritmos envolventes, enquanto o ritmo animado de "On the Border" é marcado por cativantes riffs de guitarra espanhola.
Gerada pelo som grave e potente de um órgão Hammond, "Sand In Your Shoes" ressoa brilhantemente com a sensibilidade folk-rock dos anos 60, e então há a hipnotizante "One Stage Before" que adiciona uma dose de efeitos psicodélicos à mistura para efeitos extras. A piloto britânica da Segunda Guerra Mundial, Amy Johnson – que desapareceu misteriosamente no mar – é o tema de "Flying Sorcery", que desliza com beleza e graça, e oferece uma dose de solos de gaita blues, enquanto "If It Doesn't Come Naturally, Leave It" surge com uma batida animada e refrões contagiantes, e "Broadway Hotel" é embelezada por um coro de violinos melancólicos.
Uma síntese impressionante de música folk, clássica, pop e rock, Year of the Cat demonstra com maestria a capacidade de Stewart de compor, cantar e tocar canções sofisticadas com elegância e sinceridade. Há muita mobilidade e flexibilidade aqui, mas o álbum é orquestrado com maestria e flui em um ritmo informal.
Após o sucesso fenomenal de Year of the Cat , Al Stewart emplacou mais alguns singles de sucesso, como "Time Passages", "On the Radio" e "Midnight Rocks", e continua criando música de qualidade até hoje. Mas não há dúvida de que Year of the Cat permanece seu trabalho mais forte e é tão essencial agora quanto era naquela época.
Al Stewart alcançou a imortalidade no soft rock com seu sucesso de 1976, "Year of the Cat", que chegou ao Top 10 das paradas pop e adulta contemporânea. Mas o artista e compositor nascido em Glasgow e criado em Bournemouth já gravava há uma década como um dos principais nomes do revival do folk britânico quando alcançou o sucesso nas rádios. O selo Esoteric Recordings, da Cherry Red, relançou recentemente os terceiro, quarto e quinto álbuns de Stewart, lançados pela gravadora britânica CBS Records, em edições remasterizadas.
A CBS era a casa de Stewart desde seu álbum de estreia em 1967, Bedsitter Images . (Antes disso, ele havia lançado um single pela Decca em 1966.) O uso que Stewart fazia da história como trampolim para suas letras lhe conferia uma voz singular nos círculos folk, assim como sua disposição para incorporar texturas do rock, como a guitarra elétrica, e sua tendência à composição confessional, mais associada ao crescente movimento de cantores e compositores. Stewart havia colaborado com o produtor Roy Guest em seus três primeiros álbuns, mas o desejo por uma mudança na abordagem sonora o levou primeiro a Gus Dudgeon (David Bowie, Elton John).
O atarefado Dudgeon produziu um single para Stewart em 1970, "The News from Spain" / "Elvaston Place". Mas John Anthony (Genesis, Lindisfarne, Van Der Graaf Generator) foi então contratado para produzir o álbum que se tornaria Orange . Entre os músicos recrutados por Anthony estava ninguém menos que Rick Wakeman, do Yes, nos teclados. Membros do Quiver (incluindo o baixista Bruce Thomas, posteriormente do The Attractions) participaram das gravações, assim como Brinsley Schwarz no violão e Roger Pope na bateria. Com essa banda incrível, Anthony e Stewart enfatizaram a vertente rock da equação folk-rock.
Frequentemente considerado um álbum de transição para Stewart, Orange não entrou nas paradas musicais após seu lançamento em janeiro de 1972, mas hoje é bem conceituado entre os primeiros trabalhos do artista. Remasterizado (como todos os três títulos desta série) por Paschal Byrne a partir das fitas master originais da CBS, Orange foi expandido com os lados A e B do single produzido por Gus Dudgeon.
Em outubro do ano seguinte, Stewart lançou Past, Present and Future , novamente em colaboração com John Anthony. O amor de Stewart pela história inspirou o álbum conceitual, no qual cada uma das oito faixas explorava um período, evento ou figura histórica específica. O profeta do século XVI foi o tema de “Nostradamus”. A história mais recente inspirou “The Last Day of June 1934” e “Roads to Moscow”, ambas narrando eventos que antecederam e ocorreram durante a Segunda Guerra Mundial, enquanto “Post-World War II Blues” é uma exploração abrangente que leva os ouvintes desde o nascimento de Stewart (“Eu era um bebê do pós-guerra em uma pequena cidade escocesa…”) até o final tumultuado da década de 1960 (“Agora, todos os dias parecem trazer más notícias…”).
“Warren Harding” recebeu esse nome em homenagem ao presidente americano que governou de 1921 até sua morte em 1923. Para o álbum Past, Present and Future, Stewart contou novamente com Tim Renwick na guitarra, John Wilson na bateria, Rick Wakeman nos teclados e Bruce Thomas no baixo, entre outros. BJ Cole se juntou à banda para adicionar seu característico pedal steel, e Richard Hewson contribuiu com os arranjos de cordas e baixo. O álbum rendeu a Stewart sua primeira entrada na Billboard 200 dos EUA, alcançando a posição 133 e se tornando seu disco mais vendido até hoje. A reedição da Esoteric Records adiciona três faixas bônus: as versões single de “Terminal Eyes” e “Nostradamus”, além do single não incluído no álbum “Swallow Wind”.
Em 1975, com Modern Times, Stewart estava às vésperas do lançamento de Year of the Cat . Seu último álbum pela CBS e sua primeira colaboração com o produtor e engenheiro de som Alan Parsons, Modern Times foi gravado nos estúdios Abbey Road, então de propriedade de Parsons.
O visionário do estúdio, Parsons, incentivou o artista a explorar mais as sobreposições de faixas e trouxe novas texturas ao som de Stewart. Ao contrário de grande parte (mas certamente não toda) de Past, Present and Future , Modern Times estava mais enraizado na própria vida de Stewart. O pequeno sucesso americano "Carol" foi baseado em um encontro em Nova York com uma "ex-groupie", e "What's Going On" foi um retrato pouco lisonjeiro que Stewart fez de uma cantora com quem tinha contato.
“Apple Cider Re-Constitution”, assim como “Post-World War II Blues” do Past , levou Stewart de volta à sua infância. Outras referências no álbum incluíram o escritor Kurt Vonnegut e até mesmo Jean-Paul Sartre, que inspirou o título do álbum. A faixa “Modern Times” teve Dave Mudge como coautor; Stewart revela nas notas do encarte que se baseou em uma composição inédita de Mudge, “Lowly Low”. Tim Renwick mais uma vez desempenhou um papel de destaque com sua guitarra; o baterista Gerry Conway (Cat Stevens, Fairport Convention) estava entre os músicos de apoio.
A composição forte e acessível, aliada à produção dinâmica de Parsons, garantiu a Stewart a 30ª posição na Billboard 200, sucesso que ele consolidaria ao voltar a trabalhar com Parsons em Year of the Cat . Nenhuma faixa bônus foi adicionada a esta edição.
Sempre que este álbum é mencionado, refiro-me a duas músicas que o caracterizam: “Two To Tango” e “Isfahan”. A primeira é basicamente uma empreitada musical entre dois gênios: Al Di Meola no violão e Chick Corea no piano. Lembro-me da primeira vez que ouvi essa música; ela foi me conquistando aos poucos, pois na época eu era mais fã de rock do que de fusões de jazz e rock. Quanto mais eu ouvia o CD, mais me conectava com os acordes e notas produzidos por Al e Chick – é simplesmente fantástico. A música é executada com um número mínimo de instrumentos, mas cria uma harmonia incrível entre os dois do início ao fim. Para mim, o som do piano de Chick sempre evoca muita emoção, mesmo em seu estilo jazzístico, como no álbum “The Mad Hatter”. A singularidade de “Isfahan” se manifesta vividamente na nuance oriental da música, que combina o trabalho de Al no violão, bandolim e violoncelo, entrelaçados com a harmonia do violino, violoncelo e piano. A interpretação do Coro de Meninos de Columbus reforça a nuance oriental. A canção tem um ritmo bastante lento, resultando numa música muito rica em texturas e nuances.
Seria simplista demais dizer que apenas essas duas músicas valem a pena ouvir, já que a faixa de abertura, “Alien Chase On Arabian Desert” (8:59), nos presenteia com uma fusão de jazz e rock pesado, que de certa forma lembra o estilo de Return To Forever. O longo e impressionante solo de guitarra elétrica enriquece a composição. Podemos compará-la com a música “Compadres”, do álbum “Touchstone” de Chick Corea. Sim, é basicamente esse tipo de música. Eu particularmente adoro essa faixa porque ela tem mudanças frequentes de ritmo e estilo. A faixa seguinte, “Silent Story In Her Eyes” (7:35), é outra boa opção para apreciar, pois demonstra o virtuosismo de Meola, mesmo que de forma bastante discreta. “Roller Jubilee” (4:44) tem um estilo pop com influências de jazz, graças ao trabalho de violão de Al combinado com marimba.
"Al Di's Dream Theme" (6:50) começa de forma bastante simples, com um andamento moderado e solos de guitarra como introdução. Mas, a partir de 1:18, a música se transforma em uma faixa energética e com um andamento mais rápido, com um solo de guitarra elétrica impressionante acompanhado por uma excelente seção rítmica dominada por bateria, percussão e teclado. O trabalho de guitarra veloz de Mr. Meola é único e leva a música a um ritmo animado, com frequentes mudanças de andamento acompanhadas pelo teclado. A faixa seguinte, com um andamento ainda mais acelerado, é "Dinner Music Of The Gods" (8:33). Esta é a minha faixa favorita do álbum. Possui um arranjo complexo e mudanças de andamento frequentes e dinâmicas, com uma harmonia entre o solo de guitarra elétrica e o teclado. É realmente uma ótima música!
“Splendido Sundance” (4:51) demonstra um excelente trabalho solo de violão acústico com estilos diferentes nos canais esquerdo e direito. Excelente composição. “I Can Tell” (4:01) é a parte mais fraca deste álbum, pois se desvia do trabalho típico de AL – é uma canção pop R&B. “Spanish Eyes” (5:11) tem um andamento relativamente estável com solos de guitarra. “Bianca`s Midnight Lullaby” (1:54) encerra o álbum com um solo de violão acústico de AL.
Os primeiros trabalhos de Al Di Meola são tão únicos que, se você conhece o estilo, consegue identificar qualquer outra música que nunca ouviu antes – especialmente a maneira como ele toca guitarra. Na minha opinião, não existe nenhum guitarrista que toque de forma semelhante ao Al. Você ainda pode apreciar esse estilo neste álbum, pois muitas músicas demonstram a característica a que me refiro. Esta é uma excelente adição a qualquer coleção de música progressiva.
Continuamos com mais um excelente rock progressivo do Peru, inclusive para exportação (mais uma banda do mesmo estilo). Uma demonstração impressionante de psicodelia na linha de Hawkwind e Krautrock, mas mais próxima do Stoner Rock e vinda do Peru, o que me faz pensar em mais de uma conexão: que fatores a opressão na Alemanha nas décadas de 60 e 70 têm em comum com a situação no Peru no início da década passada? Bem, eu poderia especular sobre muitas coisas, mas primeiro, vamos nos concentrar na música. Serpentina Satellite apresenta um som Krautrock influenciado por improvisações de space rock e elementos psicodélicos selvagens, crus, densos e viscerais. Arrasando, outro grupo do Peru chega na linha espacial lisérgica, a mesma cunhada por aquelas bandas peruanas que temos apresentado há algum tempo.
Artista: Serpentina Satellite Álbum: Mecánica Celeste Ano: 2010 Gênero: Rock psicodélico eclético Duração: 43:42 Nacionalidade: Peru
Composições longas, densas e de desenvolvimento lento, seguidas por um crescendo ascendente de guitarras estridentes, eletrônica, reverb, efeitos, cacofonias assíncronas e improvisações frenéticas — sete faixas tântricas impulsionadas por uma energia lisérgica que transmite uma sensação de jornada, de distância percorrida. "Mecánica Celeste" é uma abordagem conceitualmente única da psicodelia, concebida pela manipulação de canções religiosas tradicionais, panfletos ideológicos e políticos e poesia com guitarras densas e pesadas, drones espirais, sons wah-wah espaciais, ritmos hipnóticos, sons eletrônicos e vocais diferidos para criar uma experiência de fusão arrebatadora. O álbum culmina em riffs quase "metal", dando à banda uma nova abordagem ao reino do space rock: Serpentina Satélite tentou alcançar o céu, mas acabou no espaço. Eis algo para mantê-lo maravilhado com todo o rock progressivo latino-americano que floresce por aqui. Eles já estão surpreendendo pessoas em outras partes do mundo; agora é a nossa vez de descobri-los.
A conclusão cerimonial de "Mecanica Celeste", um álbum que se assemelha a um ritual com cantos psicodélicos, espacial, sombrio e musicalmente etéreo, também é meticulosamente elaborada. Um álbum perfeito para alçar voo em uma daquelas noites que te convidam a passar a eternidade navegando pelo blog. Novamente, altamente recomendado para quem curte psicodelia, stoner rock, krautrock e muito mais. E também um vislumbre de toda a imaginação que fervilha nessas terras, talvez bastante similar à Alemanha dos anos 70, mas na América do Sul.
Mas é melhor você ouvir, não é?
Um pouco de história e depois mergulhamos direto no álbum: A banda se formou no final de 2003 em Lima. A música é predominantemente instrumental, embora haja poesia e letras, mas com uma voz que contribui mais como uma recitação do texto. Desde a sua criação, a banda vem aperfeiçoando seu próprio estilo em diferentes etapas. Da cidade crua de Lima, surgiu um terreno fértil que acabou se tornando uma praga sinuosa e abrangente. No final de 2004, a banda produziu de forma independente seu primeiro EP, "Long Play", que incluía cinco músicas e foi lançado apenas no Peru como uma produção independente. Diversas apresentações em festivais e casas de shows underground se seguiram nos anos seguintes na região de Lima, com a banda como principal atração.
A banda cruzou o Atlântico muito rapidamente, levando sua psicologia cósmica e ensolarada das terras altas peruanas para um público europeu que, com razão, ficou cativado. Em 2008, seu próximo álbum foi lançado mundialmente, recebendo excelentes críticas em todos os lugares. Explorando as raízes da psicodelia e do space rock, "Nothing To Say" foi finalizado na Alemanha com a melhor masterização possível. Após o sucesso de "Nothing to Say", a banda retornou ao seu Peru natal para gravar seu álbum mais ambicioso e completo, e de lá o lançou para o mundo. Mas... qual o estilo que essa banda toca que a torna tão popular? Serpentina Satellite possui uma mistura muito especial que agrada a todos que curtem rock, space rock e krautrock. Também é interessante para os amantes do rock psicodélico e até mesmo do stoner rock ou desert rock. Seu estilo é uma combinação perfeita de todos esses elementos, nas doses certas e com a necessária qualidade arrebatadora.
O álbum evoca todas as grandes bandas psicodélicas dos últimos quarenta anos, desde bandas dos anos 70 como Ash Ra Tempel , Amon Düül II e Hawkwind ; passando por algumas bandas dos anos 80 como Monster Magnet e Loop , ou um toque de garage rock dos anos 90, mas acima de tudo, há uma dose generosa de stoner rock cru, denso e afiado. Sons do espaço sideral misturados com riffs intoxicantes e incendiários mantêm a banda quase completamente no ar por 43 minutos de exploração em voo livre.
"Mecanica Celeste" mostra o Serpentina Satélite expandindo seu repertório, com duas guitarras travando um duelo contínuo, uivando incessantemente. O álbum começa sutilmente, mas logo se aventura em um território mais vigoroso e estrondoso, atingindo seu ápice com a faixa-título. Os vocais, do baixista, são esparsos, e a instrumentação em geral soa como se eles estivessem se divertindo muito. A música central "Imaginez Quel Bonheur ce Sera de Voir Nos Chers Disparus Ressuscités!" (que se dane o nome!) é algo como um interlúdio ritualístico, cujo título é a tradução do francês de algo como: "Imagine que alegria será ver nossos entes queridos mortos ressuscitados."
"Ai Apaec" é uma faixa perfeita para dar continuidade a essa jornada, com uma abertura um tanto melancólica, mas ainda assim muito baseada na estrutura de jams fluidas, como se levadas por uma brisa estrelada. Perto do final da música, o som se dissipa, restando apenas um zumbido do amplificador, que serve como uma descida ainda mais íngreme para a abertura cantada de "Sendero". Com 9:29, é a música mais longa do álbum, passando de uma cadência militar para sua virada característica no meio, quando a banda entra em um som psicodélico pesado e reverberante. "Sendero" é provavelmente a faixa mais memorável de "Mecanica Celeste", mas não é como se a Serpentina Satélite estivesse tentando compor a música perfeita, seja nesta faixa ou no resto do álbum. Simplesmente acontece como costuma acontecer quando os membros da banda têm química e se sentem bem tocando juntos; as melhores coisas simplesmente acontecem. Basta deixar tudo se acalmar e a melhor parte chega, da mesma forma que as frutas amadurecem e, em determinado momento, ficam mais saborosas do que nunca.
Lista de Tópicos: 1. Fobos 2. Sangue de Grau 3. Mecânica Celestial 4. Imaginez Quel Bonheur Ce Sera De Voir Nos Chers Disparus Ressuscités! 5. Ai Apaec 6.
cena progressiva norueguesa.
