10 álbuns favoritos de 2023

 

Como sempre, há muito mais música sendo lançada do que eu consigo acompanhar, e esta lista provavelmente seria diferente se fosse escrita no mês que vem (ou até mesmo amanhã), mas aqui estão 10 álbuns de 2023 que deixaram grande impacto. Menções honrosas também estão incluídas no final.

Um feliz 2024 e liberdade para Young Thug!!!

10. Danny Brown – Time Ain’t Accidental

Danny Brown nunca usou tão pouco do que eu chamo de sua "voz maluca" como em Quaranta , e o resultado é seu trabalho mais surpreendentemente agradável e vulnerável. Ele brilhantemente transforma um verso clássico do Geto Boys no refrão de "Down Wit Me", uma canção crua sobre término de relacionamento que o deixa com a voz emocionalmente esgotada. No entanto, ele se recupera rapidamente em "Celibate" com a ajuda de um excelente verso de MIKE. "Hanami" é uma meditação sobre a passagem do tempo (!) e "Bass Jam" é simplesmente linda. Embora Quaranta tenha sido anunciado anos atrás (Brown completou 42 anos meses antes do lançamento), a espera valeu a pena.

9. Ken Carson – A Great Chaos

O cenário do rap está uma bagunça agora, e muitos lançamentos novos me deixam decepcionado. Mas ouvir "if looks could kill" do Destroy Lonely em 2023 realmente saciou minha vontade de ouvir algo jovem, no estilo do Carti, e vindo de um cara de quem eu nunca tinha ouvido falar, tornou tudo ainda mais impressionante. Ken Carson faz a mesma coisa em A Great Chaos , que tem três participações do Destroy Lonely, mas basicamente mostra Carson falando besteira com sua voz arrastada e confusa sobre batidas açucaradas.

8. PinkPantheress – Heaven Knows

Depois de um início arrasador em 2021 com o excelente "18 Minute to Hell with It" , PinkPantheress subiu de nível este ano. "Boy's a Liar Pt. 2", com participação de Ice Spice, foi um sucesso absoluto, e Pink lançou em seguida um álbum tão bom quanto poderíamos esperar. Repleto de hits e participações especiais impecáveis, " Heaven Knows" torna impossível descartar a estrela de 22 anos.

7. Drake – A Great Chaos

Não culpo ninguém que despreze o Drake neste ponto da carreira: sua riqueza e influência são supérfluas, e ao longo de uma década e meia sua persona no rap se transformou de um jovem promissor e cheio de energia em um cara rico e tarado que abusa de comparações e só fala coisas constrangedoras. Mesmo assim, ouvi músicas do álbum For All the Dogs tanto quanto qualquer outra coisa no último trimestre de 2023. Como a maioria dos álbuns de grandes artistas da era do streaming, ele é extenso, mas ainda tem muitas músicas ótimas. Chief Keef abrilhanta "All the Parties" com um verso relâmpago que Drake complementa com um riff; "8AM in Charlotte" traz Drizzy em um solo alucinante sobre uma batida do Conductor (!); "Rich Baby Daddy" conta com SZA deslizando sobre uma produção no estilo de "My Boo" (sem mencionar o refrão incrível); "Away From Home" é surpreendentemente reflexiva, etc. A edição Scary Hours , lançada em novembro, adiciona 6 músicas, em sua maioria ótimas, que me lembram por que venho ouvindo esse cara há quase toda a minha vida.

6. Yo La Tengo –  This Stupid World

O talento inegável do Yo La Tengo, em plena atividade na sua quinta década, fez tudo de novo em This Stupid World . "Sinatra Drive Breakdown" é a faixa de abertura mais pesada desde "Pass the Hatchet, I Think I'm Goodkind", de 2006. Uma jam session pura, ela define o tom para um álbum de nove faixas, experimental e conciso. Já "Aselestine" oferece a doçura que tanto os fãs de longa data quanto os novos ouvintes vão adorar.

5. Maxo – Debbie’s Son

Maxo me impressionou em 2019 com seu álbum de estreia pela Def Jam, Lil Big Man , uma coleção de raps concisa e suave. A Def Jam levou quatro anos para lançar o sucessor, Even God Has a Sense of Humor , em 2023. Apesar de ser um bom lançamento, esse álbum representa o fim de um vínculo com uma gravadora que aparentemente ofereceu pouca promoção ou apoio. Lançado de forma independente, Debbie's Son é o álbum mais experimental e pessoal de Maxo em 2023. A participação exclusiva de Zelooperz é uma escolha ousada que se mostra acertada desde o início, e a pegada jazzística de "#3" e "Boomerang" agradará a qualquer ouvinte que busque algo além do status quo atual do rap.

4. Jess Williamson –Time Ain’t Accidental

Quando conheci Jess Williamson após seu show em Healdsburg, em 2023, elogiei sua escolha de música de entrada: “Only Time”, da Enya. Ela comentou que, como seu álbum se chama Time Ain't Accidental (Tempo Não é Acidental) , “Only Time” fazia todo o sentido, algo que eu nem havia considerado. Amante da música de coração, é natural que Williamson esteja vivendo seu momento agora como uma nova voz excepcional no country, em meio a um período de grande sucesso para o gênero em geral. Vê-la apresentar essas músicas em um local pequeno foi um verdadeiro deleite e evidenciou a pura excelência de sua composição, que se destaca em faixas como “Roads” e “God in Everything”. Isso, sem falar das batidas eletrônicas na faixa-título e em “Topanga Two Step”, que são perfeitas.

3. Animal Collective – Isn't It Now?

Tendo ouvido versões ao vivo dessas músicas por quase 4 anos, Isn't It Now me pareceu maravilhosamente familiar na primeira vez que apertei o play. Como fã de longa data do Animal Collective, que se encantou com Time Skiffs de 2022 , receber o álbum complementar (músicas de ambos os álbuns foram escritas na mesma época) um ano depois foi como receber um grande abraço.

2. Dougie Poole –  The Rainbow Wheel of Death

Quanto mais ouço essas músicas, mais elas parecem fazer parte permanente do meu cérebro. "Worried Man Blues 2" sai do alto-falante enquanto dirijo, "Beth David Cemetery" sai da minha boca enquanto trabalho. O pedal steel chora, o violão dedilha, mais um dia se passa e essas músicas vivem de graça na minha cabeça. "I Lived  Nourished by Time – Erotic Probiotic 2My Whole Life Last Night" é perfeita – uma reflexão engraçada, assustadora e simplesmente genial sobre a mortalidade. Destinado a se tornar um clássico, eu recomendaria The Rainbow Wheel of Death para qualquer pessoa que ame boas canções.

1. Nutrido pelo Tempo – Nourished by Time – Erotic Probiotic 2

Desde 2019, Marcus Brown vem lançando singles e EPs como Nourished by Time (incluindo o EP de duas faixas "Erotic Probiotic "), totalizando material suficiente para um álbum, com qualidade que rivaliza com a da maioria dos artistas contemporâneos de R&B/pop. Isso até o lançamento de "Erotic Probiotic 2", que superou seus trabalhos anteriores e finalmente deu ao artista o reconhecimento merecido: Oneohtrix Point Never descreveu recentemente "Nourished By Time" como "a única música nova que eu juro que é de outro nível", e isso vindo de um artista tão consistentemente na vanguarda dos mundos experimental e pop como OPN é um grande elogio. Mas "Erotic Probiotic 2" justifica essa afirmação.

Produzido por um único artista, o som do Nourished By Time evita a síndrome do excesso de músicos no pop atual, ao mesmo tempo que apresenta canções tão cativantes e fáceis de cantarolar quanto as de qualquer outro artista pop. A faixa de abertura, “Quantum Suicide”, é uma revelação, um sucesso estrondoso e uma prece: “A jornada, a dor / Que tudo seja igual”, ele canta com toda a sua potência (e há muita potência fantástica aqui). Inicialmente, achei que o álbum fosse um pouco carregado no começo, mas depois percebi: nossa, eu adoro essas últimas 3, 4, 5 faixas em um álbum de 9 músicas. Após as produções deliciosamente elaboradas de “Rain Water Promise” e “Soap Party”, a relativamente minimalista “Workers Interlude” permite que NBT exponha sua alma (“Agora as pessoas passam por mim / E tudo o que eu pergunto é por quê? ”) antes de “Unbreak My Love” proporcionar a catarse final que fecha tudo com chave de ouro. Erotic Probiotic 2 é um divisor de águas para a Nourished by Time e, quase certamente, um prenúncio de coisas ainda melhores.

Honorable Mentions:

André 3000 – New Blue Sun

Arooj Aftab, Vijay Iyer & Shahzad Ismaily – Love In Exile

Bad Bunny – Nadie sabe lo que va a pasar mañana

bar italia – Tracey Denim

Earl Sweatshirt & The Alchemist – Voir Dire

George Clanton – Ooh Rap I Ya

Ice Spice – Like..?

Jessy Lanza – Love Hallucination

jonatan leandoer96 – Sugar World

Kali Uchis – Red Moon in Venus

Karina Rykman – Joyride

Lana Del Rey – Did you know that there’s a tunnel under Ocean Blvd

Laura Groves – Radio Red

Lil Yachty – Let’s Start Here.

Mac DeMarco – Five Easy Hot Dogs

MIKE – Burning Desire

Natural Wonder Beauty Concept – Natural Wonder Beauty Concept

Pink Siifu & Turich Benjy – It’s Too Quiet..’!!

Sampha – Lahai

Titanic – Vidrio

6LACK – Since I Have a Lover

O que é Metalcore?

 

O Metalcore é um gênero musical que funde elementos do heavy metal e do hardcore punk. Ele surgiu no início da década de 1990 e ganhou popularidade significativa no início dos anos 2000, tornando-se um dos subgêneros mais influentes do metal moderno. O metalcore combina a agressividade e a estrutura de canções do hardcore punk com a técnica e a melodia do heavy metal.

Musicalmente, o metalcore é caracterizado por riffs de guitarra pesados e com palhetadas abafadas (palm muting), bateria rápida, e uma seção rítmica poderosa. Uma de suas características mais marcantes é a alternância entre vocais guturais e gritos típicos do metal extremo, e vocais limpos e melódicos em refrões e pontes. O uso de “breakdowns” – seções lentas, rítmicas e extremamente pesadas – é uma assinatura do gênero.

Bandas como Killswitch Engage, As I Lay Dying e Bullet for My Valentine foram essenciais para a popularização do metalcore no mainstream. O gênero evoluiu, criando diversas ramificações, como o “melodic metalcore”, “deathcore” e “progressive metalcore”, cada uma com suas próprias variações e influências.

A Sweet Niche - WIRES

 

A Sweet Niche é um projeto de Keir Cooper e Olly Sellwood. Com uma sonoridade que mescla jazz, rock alternativo e rock intenso, Keir e Olly se conhecem desde a infância. Olly já tocou com diversos artistas da gravadora Bad Elephant, incluindo Charlie Cawood, do Knifeworld, e Emmett Elvin, do Chrome Hoof. Além disso, também já tocou com Necro Deathmort e Vodun, enquanto Keir se apresenta com a banda londrina Yossarian e com o sexteto de guitarras TMWKFBIMGYL, de Chris Brett Bailey.

Eles começaram como Eye Music. O primeiro projeto era para saxofone barítono, guitarra e bateria. Depois veio o Eye Music 2. O baterista Tim Doyle se juntou ao A Sweet Niche. WIRES é um lançamento arrasador de 2019. É como um barril de pólvora prestes a explodir a qualquer segundo. As influências vão de Faust, WorldService Project, Diablo Swing Orchestra, Henry Cow, Captain Beefheart e os três primeiros álbuns do Soft Machine, com um toque de fuzz em homenagem a Mike Ratledge.

Há momentos em que vivemos num cenário distópico de pesadelo, depois de tudo ter parado abruptamente em março do ano passado, quando a pandemia da COVID-19 chegou. E A Sweet Niche traz um pouco dessa experiência. Como ouvinte, você pode se imaginar caminhando numa corda bamba perigosa. E do começo ao fim, você nunca sabe se Keir e Olly vão cortar a corda a qualquer segundo.

Transitando entre o movimento Rock In Opposition, o Punk, a Poesia e o Avant-Rock, eles criaram algo quente e picante em sua cozinha, dando um enorme dedo do meio para Gordon Ramsay. O saxofone de Olly por vezes evoca Lol Coxhill, David Jackson do Van der Graaf Generator, Lindsay Cooper, John Coltrane e o fagotista do Univers Zero, Michel Berkmans.

Sempre imaginei que o A Sweet Niche não só fundiu punk e jazz, mas também ouviu algumas das lendas das bandas do RIO enquanto preparava o WIRES. Tem o Art Zoyd, Guapo, Magma, e uma homenagem ao saudoso e genial Roger Trigaux, do Present. Adorei a épica em duas partes de Dom Quixote. Ela se torna uma espécie de último ato do nobre para vislumbrar sua história de cavaleiro.

Caóticas, complexas, alarmantes e tensas, as músicas trazem o herói trágico de La Mancha com esses temas de fundo assombrosos que mostram o quanto Quixote se tornou seu próprio pior inimigo. Os vocais adicionam ainda mais intensidade, tornando os arranjos de Sweet Niche ainda mais envolventes!

A interpretação comovente de Chantal Brown para " The Art of Cultivation" presta homenagem à saudosa e grandiosa Nina Simone, enquanto a mente poética de Eleanor Sikorski, inspirada em Allen Ginsberg, adiciona o perigo que o mundo exterior representa para a greve de fome. Mas a combinação desafiadora de Luke Toms entre vocais e instrumentos em " What Pulls You Back" dá ao Sweet Niche ainda mais fôlego!

WIRES é uma montanha-russa do começo ao fim. Como mencionei antes, é uma estreia desafiadora que o A Sweet Niche lançou, mas, meu Deus! Eles são de outro mundo!

Gentle Giant - Free Hand

 

Em 2012, durante o início da promoção da coletânea Prog Rocks! da revista Prog Magazine, Ray Shulman descreveu as origens do sétimo álbum de estúdio da banda, Free Hand: “A ideia era voltar às nossas raízes. Perdemos meu irmão Phil. Ele saiu durante o quarto álbum. Então, surgiu a ideia de retornar às nossas raízes e ao estilo de composição dos nossos primeiros álbuns.”

Não há como negar que Free Hand representa um grande salto para o Gentle Giant, demonstrando toda a criatividade que a banda vinha demonstrando. Da gravadora Vertigo à assinatura com a Chrysalis Records, Free Hand foi um de seus lançamentos mais bem-sucedidos. Alcançando o Top 50 da parada de álbuns da Billboard, isso mostra o quanto a banda evoluiu.

Agora, em um novo relançamento pela gravadora Alucard e remixado por Steven Wilson, que já havia trabalhado com a banda em álbuns como Octopus, The Power and the Glory e Three Piece Suite , é hora de fazer uma viagem ao passado e entender por que essa banda merece mais reconhecimento e por que muitas vezes passou despercebida no gênero do rock progressivo.

Desde o momento em que você ouve a introdução envolvente de " Just The Same", você sente o solo de sintetizador de Kerry Minnear levando a música um passo adiante, canalizando sua abordagem à la Herbie Hancock, antes das vibrações do ritmo de palmas que vão e voltam. É uma música bem animada que Derek canta nesse estilo, como se estivesse voltando aos anos 1930 do vaudeville, com um toque de Leonard Bernstein para dar o pontapé inicial.

"On Reflection" começa com a introdução dos vocais alternando entre Ray, Derek, Gary e Kerry, numa abordagem complexa da sequência a cappella, como se estivessem retornando à era "Octopus" , antes da entrada do piano melódico, glockenspiel e vibrafones de Kerry, que oferecem uma homenagem ao grande Frank Zappa.

Os dois primeiros minutos oferecem uma visão da viagem de Kerry ao período medieval, refletindo as boas lembranças dos amigos da escola e os melhores momentos da infância, como se o próprio Minnear tivesse se tornado uma versão multifacetada de si mesmo. Wilson ataca o ponto fraco, trazendo as duas versões de Kerry cantando um dueto antes da abordagem mais pesada e roqueira de Gary e Ray, que entram em um duelo com seus teclados.

A faixa-título se transforma em uma introdução de gato e rato entre o efeito de escada de Kerry e a subida e descida de Ray em seu baixo, antes de se transformar em uma batalha de clavinet para se libertar da tortura e aprender a revidar de uma vez por todas. Posso perceber ao longo das novas mixagens que a terceira composição mostra as guitarras, a bateria e o baixo realmente em plena forma, atingindo uma temperatura de ebulição, dando ao estilo característico do Gentle Giant um sabor picante e intenso com toques renascentistas que adicionam um toque de limão à sopa!

Time To Kill apresenta, creio eu, o primeiro videogame com efeitos sonoros inspirados no PONG da Atari , antes dos sinistros pesadelos do piano pulsante, da bateria estrondosa e das guitarras que preparam o terreno para o crime que acabou de acontecer. Derek é o nosso detetive, que, junto com seu parceiro Mundy, investiga a pé as pistas deixadas pelo criminoso e desvenda mistérios para solucionar o caso, levando o assassino à justiça com uma abordagem operística e complexa. Enquanto Gary traz à tona alguns dos arranjos mais brutais, Weathers e Minnear fazem seus instrumentos soarem como um tiroteio entre a polícia e o criminoso em um confronto final.

"His Last Voyage" dá a Steven a oportunidade de colocar Kerry em destaque na mixagem. Com um toque de reverberação, a música nos leva a uma jornada pela vida do homem, em sua última viagem em busca de seu eu interior. Ele e Ray se harmonizam bem nessa sequência melancólica, quase uma valsa, sabendo que não há volta depois que ele deixa seu país para um dia encontrar a paz, com algumas mudanças inesperadas ao longo da música, complementadas pelo tema de Gary e John.

E então, a banda chega a um final à la Miles David, com um desfecho impactante ao estilo de Kind of Blue, canalizando a introdução de All Blues . Gary sabe como dominar aqueles efeitos blueseiros de wah-wah, aplicando o pedal com força enquanto sua guitarra clama aos deuses no final, culminando em um clímax com uma vibração de fanfarra.

Talybont. É aqui que as vibrações medievais entram em cena. Canalizando os estilos de Gryphon's Red Queen a Gryphon Three, o Gentle Giant não se esqueceu de suas raízes renascentistas dos dois primeiros álbuns, e chega com tudo. Entre o clavinet, a flauta doce e o violino, a banda transita entre vibrações medievais, clássicas e de rock pesado, o que resulta em um ótimo trabalho em equipe.

"Mobile" presta homenagem às influências do Celtic Rock com um arranjo Folk-Rock. Dá para imaginar Derek dançando a giga de cidade em cidade. Com referências a Steeleye Span e Horslips, eles demonstram respeito pelo gênero, elevando-o a um novo patamar e projetando-o para o futuro.

As mixagens de Steven neste álbum são bastante intrigantes. Adorei como ele conduziu os instrumentos e vocais por diferentes pontos do equalizador, honrando o legado da banda. Haverá opiniões divergentes sobre se a nova mixagem de Steven no álbum será aceita ou não, mas, neste caso, Free Hand é a versão definitiva.

SKE - Insolubilia

 

Já se passaram quinze anos desde que Paolo “SKE” Botta, mais conhecido por sua parceria entre Yugen e Not a Good Sign, lançou um sucessor para seu álbum de estreia de 2011, 1000 Autunni , lançado pela gravadora AltrOck/Fading Records. O álbum recebeu aclamação da crítica e, em seguida, saiu de catálogo até 2018, quando foi relançado como 1001 Autunni em um conjunto de dois CDs, incluindo uma gravação ao vivo adicional.

Agora, em 2021, SKE lançou um novo álbum intitulado Insolubilia . Produzido por Marcello Marinone, o segundo álbum marca um retorno às águas melódicas, seguindo os passos de Gryphon, Latte E Miele, Gentle Giant, Present, Wojciech Kilar, Univers Zero e Felona E Sorona, do Le Orme. O novo trabalho de Paolo é como uma chama ardente que simplesmente não se apaga.

E ter a oportunidade de contar com 25 músicos de bandas como Stormy Six, Wobbler, Ciccada, Isildurs Bane, Loomings e Shamblemaths, para citar algumas, significa que eles não são apenas membros de bandas dando uma mãozinha para Paolo, mas sim uma irmandade trabalhando juntos como uma equipe e como uma família. Não só tivemos a obra-prima em cinco partes que dá título ao álbum, como também alguns dos momentos mais incríveis que o SKE já produziu, levando seus ouvintes ao limite.

A faixa de abertura, Sudo, apresenta um intenso exercício de órgão e sintetizador com arranjos melódicos de metais. Os padrões climáticos da bateria de Martino Malacrida nos levam a um clímax arrebatador, com um fundo folk emocionante executado pelo bandolim de Tommaso. Em Insolubilia II , a voz angelical de Evangelia Kozoni ecoa pelos céus enquanto ouvimos anúncios do aeroporto por todo o edifício, aguardando mais um avião rumo a outra cidade.

A percussão de Jacopo com baquetas apresenta mudanças de tempo complexas, enquanto as linhas pesadas de guitarra de Francesco percorrem um ritmo RPI (Rock Progressivo Italiano) com um arranjo no estilo do Van der Graaf Generator. Lo Stagno del Proverbio se passa após um motim que deu terrivelmente errado. O trompete de Luca nos transporta para as ruas ensanguentadas, clamando aos deuses acima dos céus com arranjos de fanfarra.

La Nona Onda é uma composição pesada, assombrosa e brutal. Paolo canaliza o período de Pawn Hearts , continuando de onde A Plague of Lighthouse Keepers parou. À medida que as texturas rosnadas da guitarra e do mellotron alçam voo rumo ao espaço sideral, a música dá continuidade à reprise da batalha final em Sudo. 

Insolubilia IV começa com sintetizadores de videogame de 8 bits, mas aprofunda-se no movimento RIO. Melanie Gerber, da Camembert, profere um sermão dentro de uma catedral gótica, canalizando o estilo vocal de Sharron Fortnam, da North Sea Radio Orchestra, com toques de Wyatt em um arranjo melancólico.

Scogli 4 por vezes evoca a sensação de uma composição do Univers Zero. Homenageando o saudoso e genial Roger Trigaux com alguns temas giallo do final dos anos 60, retirados de Blood & Black Lace, de Mario Bava, o cravo, o clarinete e os efeitos de chuva torrencial nos deixam em suspense, sem saber quando o assassino atacará novamente.

Os coros operísticos e os temas de terror em Insolubilia V explodem num final chocante. Quase como uma trilha sonora alternativa para a joia esquecida de 1975,  Day of the Locust, o sino toca com sintetizadores fantasmagóricos antes do baixo de Fabio acender a faísca que explodirá a qualquer segundo, numa fusão entre os dois primeiros álbuns do Banco del Mutuo Soccorso e o Sabbath Bloody Sabbath do Black Sabbath .

Insolubilia é uma aventura e tanto, fruto das histórias complexas de Paolo “SKE” Botta. Ele tem uma visão obstinada sobre qual caminho seguir, trilhando um caminho perigoso. Mas, para Paolo, este é o seu segundo lançamento durante a pandemia, repleto de munição e texturas brutais.

Diálogos Musicais: “Meu Caro Amigo” de Chico Buarque e “Meu Caro Amigo Chico” de Luiz Ayrão

 

A música Meu Caro Amigo é uma bem-humorada crítica à situação política e econômica do Brasil na década de 1970. Composta por Chico Buarque e Francis Hime, ela faz parte do álbum “Meus Caros Amigos”, lançado por Chico em 1976.

Em ritmo de chorinho, a música é uma carta “gravada em disco” endereçada ao dramaturgo, e amigo dos compositores, Augusto Boal, à época, exilado em Portugal. A música descreve a difícil situação em que a maioria da população brasileira se encontrava sob a ditadura. Um detalhe da música para os que não viveram naqueles tempos obscuros: “Meu caro amigo eu bem queria lhe escrever / Mas o correio andou arrisco”, as correspondências “suspeitas” eram violadas, principalmente as que eram enviadas ao exterior.

A canção tem a participação de mestres instrumentistas do chorinho, entre ele o compositor e flautista Altamiro Carrilho e o clarinetista Abel Ferreira.

Em resposta à “carta” de Chico Buarque, o sambista Luiz Ayrão gravou, em 1977, a música Meu Caro Amigo Chico. Também um chorinho, a canção de Ayrão em resposta a Chico Buarque diz que, após saber que “a coisa aqui (no Brasil) está preta”, não pretende mais voltar (ao Brasil) como havia inicialmente planejado. Altamiro Carrilho também toca flauta nesta música.

Apesar das fortes críticas contidas nas duas músicas, elas acabarem sendo liberadas pela censura, pois a ditadura dava sinais de uma “abertura lenta e gradual”.

Diálogos Musicais: “Chiquita Bacana” de Braguinha e “A Filha da Chiquita Bacana” de Caetano Veloso

 

A marchinha carnavalesca Chiquita Bacana era uma das músicas mais frequentes nas cantorias domésticas de minha mãe, aliás, seu repertório de canções de carnaval era bastante extenso. Composta por Braguinha, ou João de Barro – como era conhecido o compositor carioca Carlos Alberto Ferreira Braga – e seu parceiro Alberto Ribeiro para o carnaval de 1949.

Interpretada primeiramente por Emilinha Borba, a música foi um sucesso estrondoso no ano em que foi lançada e se tornaria uma das mais cultuadas da prolífica produção musical (mais de 400 canções) de Braguinha.

Ao retratar, de forma divertida, uma mulher que fazia ‘o que lhe desse na telha’ sem se preocupar com a opinião alheia sobre seus atos, Braguinha e Ribeiro se inspiraram no existencialismo de Jean-Paul Sartre e Simone de Beauvoir. O que fica explícito nos versos finais:

“Existencialista
Com toda razão
Só faz o que manda
O seu coração”

Chiquita Bacana ganhou inúmeras regravações no Brasil e no exterior, inclusive uma versão em francês cantada por Josephine Baker. Em 1977, Caetano Veloso lançou A Filha da Chiquita Bacana, uma merecida homenagem a Braguinha em ritmo de frevo. A música é sobre a filha feminista da Chiquita, que “puxou à mamãe” e entra para o “Women’s Liberation Front”, movimento político feminista surgido durante a década de 1960.

Caetano e Os Trapalhões em um “Trapaclipe: