Canned Heat – Boogie with Canned Heat (LP 1968)

MUSICA&SOM ☝

Canned Heat – Boogie with Canned Heat (LP Liberty – LST-7541, 22 de Janeiro de 1968).

Produção: Dallas Smith, Skip Taylor..

Género: Blues Rock, R&B.

“Boogie with Canned Heat” é o segundo álbum de estúdio da banda norte-americana de blues e rock Canned Heat, gravado entre Novembro e Dezembro de 1967 nos estúdios da Liberty, lançado em 22 de Janeiro de 1968, através do selo Libery Records. Foi o álbum de maior sucesso comercial da banda, alcançando a 16ª posição nos Estados Unidos e a 5ª posição no Reino Unido. O LP inclui o êxito do top 10 "On the Road Again", uma das suas músicas mais conhecidas. "Amphetamine Annie", um alerta sobre os perigos do abuso de anfetaminas, também recebeu considerável repercussão.

Canned Heat é uma banda de blues rock/boogie rock norte-americana formada em Los Angeles em Dezembro de 1965. Após actuações nos festivais de Monterey e Woodstock, no final da década de 60, a banda adquiriu fama mundial com uma formação composta por Hite (voz), Wilson (guitarra, harmónica e voz), Henry Vestine e, mais tarde, Harvey Mandel (guitarra solo), Larry Taylor (baixo) e Adolfo de la Parra (bateria). A música e a atitude dos Canned Heat atraíram um grande número de seguidores e estabeleceram a banda como um dos grupos mais populares da era hippie. Os Canned Heat apareceram na maioria dos grandes eventos musicais no final da década de 60, tocando clássicos do blues juntamente com o seu próprio material e entregando-se ocasionalmente a longos solos "psicadélicos". "On the Road Again" foi um remake da canção de Floyd Jones de 1953 com o mesmo nome. Desde o início da década de 70, ocorreram inúmeras mudanças de pessoal. Durante grande parte das décadas de 1990 e 2000, e após a morte de Larry Taylor em 2019, de la Parra foi o único membro da formação da banda dos anos 60. O grupo está em actividade desde 1965 até ao presente.

Faixas / Tracklist:

A1 - Evil Woman (Larry Weiss) 2:55

A2 - My Crime (Canned Heat) 3:56

A3 - On The Road Again (Jim Oden) 4:55

A4 - World In a Jug (Robert Hite, Jr.) 3:23

A5 - Turpentine Moan (Canned Heat) 2:55

A6 - Whiskey Headed Woman No. 2 (Canned Heat) 2:51

B1 - Amphetamine Annie (Canned Heat) 3:33

B2 - An Owl Song (Allan Wilson) 2:41

B3 - Marie Laveau (Henry Vestine) 5:10

B4 - Fried Hockey Boogie (Samuel L. Taylor) 11:04

Músicos / Musicians:

Bob “The Bear” Hite – vocalista

Alan “Blind Owl” Wilson – “slide guitar”, voz principal em "On the Road Again" e "An Owl Song", harmónica

Henry “Sunflower” Vestine – guitarra solo

Larry “The Mole” Taylor – guitarra baixo

Adolfo “Fito” de la Parra – bateria

Elementos Adicionais / Additional Personnel:

Dr. John – arranjos para metais, piano

Sunnyland Slim – piano em "Turpentine Moan"

Candy, V/A (OST) (LP 1968)

 

MUSICA&SOM ☝

Candy, V/A (OST) (LP Stateside – SSL 10276, 1968).

Produção: Peter DeAngelis, Dave Grusin.

Género: Pop/Rock, Soundtrack, Rock Psicadélico, OST.

“Candy” é a banda sonora do filme com o mesmo nome que se estreou em 17 de Dezembro de 1968 nos EUA, envolvendo vários artistas, cujo álbum foi lançado através do selo Stateside Records, nesse mesmo ano. O disco contém 3 músicas de bandas conhecidas: The Byrds com uma canção, e Steppenwolf com duas. O tema dos Byrds, “Child of the Universe”, fez a sua primeira aparição nesta banda sonora. Mais tarde, o grupo gravou uma versão alternativa que incluíram no seu LP de 1969, “Dr. Byrds & Mr. Hyde”. "Magic Carpet Ride" dos Steppenwolf já era na época um grande sucesso, tendo sido inserido no seu LP de 1968, “The Second”. "Rock Me" só entrou no alinhamento do LP seguinte, “At Your Birthday Party”. As restantes faixas são composições totalmente instrumentais compostas e regidas por Dave Grusin com o acompanhamento psicadélico de músicos de rock não creditados. O álbum foi produzido por Peter DeAngelis e Dave Grusin.

Ringo e Ewa.

“Candy” é uma comédia “nonsense” de 1968 protagonizada pela loura e angelical actriz de cinema sueca Ewa Aulin juntamente com um elenco famoso e multinacional. Entre outros, participaram Charles Aznavour, Elsa Martinelli, Ewa Aulin, John Astin, Marlon Brando, Richard Burton e Ringo Starr. A carreira de Ringo como actor foi bastante prolífica nos anos 70, até mais do que os seus álbuns. Pondo de parte os filmes dos Beatles, o seu primeiro trabalho cinematográfico foi "Candy", em 1968, onde interpretava o papel de um jardineiro mexicano, Emanuel.

Em resumo: Candy Christian (Ewa Aulin) é uma inocente menina adolescente, estudante do ensino médio. Quando ela conhece McPhisto (Richard Burton), um poeta que declama sobre sacrifício e amor, ficou com a sua vida mudada para sempre. Entre encontros e desencontros, ela conhece inúmeras personalidades excêntricas e vive as suas primeiras experiências, enquanto procura dar um sentido à sua vida…

David Grusin, nascido em Littleton, Colorado/EUA, em 26 de junho de 1934, é um compositor e pianista de jazz norte-americano que compõe bandas sonoras para filmes. Durante a sua carreira recebeu diversos prémios, entre eles o Oscar da “melhor banda sonora em 1989" referente ao filme “The Milagro Beanfield War”.

Faixas / Tracklist:

A1 - The Byrds - Child of The Universe (Dave Grusin, Roger McGuinn) 3:10

A2 - Dave Grusin - Birth by Descent (Dave Grusin) 3:21

A3 - Dave Grusin – Opening Night, By Surgery (Dave Grusin) 2:10

A4 - Dave Grusin – Spec-Rac-Tac-Para-Comm (Dave Grusin) 2:37

A5 - Dave Grusin – Border Town Blues, a Blunt Instrument (Dave Grusin) 2:47

A6 – Steppenwolf – Magic Carpet Ride (John Kay, Rushton Moreve) 4:25

B1 - Dave Grusin – Constant Journey (Dave Grusin) 2:11

B2 - Dave Grusin – Every Mother's Daughter (Dave Grusin) 2:04

B3 - Dave Grusin – It's Always Because Of This, A Deformity (Dave Grusin) 2:30

B4 - Dave Grusin – Marlon and His Sacred Bird (Dave Grusin) 3:05

B5 - Dave Grusin – Ascension To Virginity (Dave Grusin) 5:05

B6 – Steppenwolf – Rock Me (John Kay) 3:41

NOTA: Dave Grusin - Produtor, Regente e Compositor.

The Du-Cats – The Du-Cats (LP 1965/Canada)

MUSICA&SOM ☝

The Du-Cats – The Du-Cats (LP RCA – PC 1018,1965/Canada).

Género: Rock & Roll.

The Du-Cats (também conhecidos como "The Orange Marmalade Referendum" quando tocaram nos EUA) foi um excelente grupo canadiano. Viajaram para Boston e gravaram o single "Hey Woman b / w Stay Awhile" pela etiqueta Rock It Records, em dezembro de 1964.

The Du-Cats formaram-se em 1959 em Channel-Port-Aux-Basques, Newfoundland/Canada. Em 1965, a banda lançou o álbum homónimo de rock “The Du-Cats”, pela RCA Victor do Canadá, do qual destacamos as faixas “Heart of Stone”, “Peace Pipe” e “Oh Carol”. A banda era constituída por Lewis "Butch" Skinner (guitarra solo), Jim Crewe (guitarra ritmo), Bob Battiste (baixo), Joe Boulos (bateria) e Winston Blackmore (vocalista). O grupo foi pioneiro do rock canadiano e recebeu o prémio Stompin 'Tom - East Coast Music Awards, em 2008. Apresentaram-se no Codroy Valley Strawberry Festival com Gord Tracey, em 1991. Mais informação sobre esta banda canadiana, já se encontra inserida neste blog.

Faixas/Tracklist:

A1 - Good Thing Going

A2 - Heart of Stone

A3 - Shindig

A4 - Sea of Love

A5 - Round 'n' Round

A6 - Sea Cruise

B1 - Maybellene

B2 - Drowsey

B3 - Rock 'n' Roll Music

B4 - Off the Hook

B5 - Peace Pipe

B6 - Oh Carol

Formação/Line Up:

Vocalista – Winston Blackmore

Guitarra Solo – Lewis Skinner

Guitarra Baixo – Bob Battiste

Bateria – Joe Boulos

Guitarra Ritmo – Jim Crewe

Seefeel - Sol.Hz (2026)

Sol.Hz (2026)

Seefeel

Apesar de desejar que a Seefeel tivesse explorado ainda mais a sonoridade sombria e dissociativa dos últimos EPs, este álbum ainda mostra Mark Clifford e sua banda em plena forma, distribuindo batidas cuidadosamente elaboradas sobre uma base de graves envolventes em uma exibição assombrosa de harmonias. Cada som parece ter sido obsessivamente selecionado e buscado, entrelaçado em uma composição que avança sem perder sua identidade única.

As faixas com uma pegada mais tradicional (especialmente "Behind the Seen" e "Falling First"), construídas sobre sintetizadores e arranjos vocais sublimes, proporcionam uma experiência completa e gratificante. Mas para os fãs da engenharia de som mais sutil que a Seefeel demonstrou ao longo de décadas de existência (uma façanha notável), "Sol_Hz" será um verdadeiro deleite.
No geral, não poderia estar mais satisfeito.

Destaques: "Brazen Haze", "AM Flares", "Falling First".

Kacey Musgraves - Middle of Nowhere (2026)

Middle of Nowhere (2026)

Kacey Musgraves

Embora Golden Hour tenha rendido a Kacey Musgraves aclamação da crítica, sucesso comercial e participações especiais constantes, foi apenas o terceiro e mais ricamente produzido de uma série de álbuns de country pop quase impecáveis. O que se seguiu foram dois álbuns que, embora eu argumente que sejam subestimados e pouco reconhecidos, mudaram sua composição de uma forma que faz Golden Hour parecer apenas um golpe de sorte. Felizmente, temos 13 músicas que provam que não foi o caso.

A marca registrada da música de Kacey, para mim, é a sua naturalidade. Não naturalidade na criação, obviamente – são canções pop finamente elaboradas, que não surgem prontas do nada – mas naturalidade no prazer de ouvi-las. Você provavelmente conseguiria pegar um violão e tocar junto com qualquer uma dessas músicas na primeira ouvida; você consegue perceber exatamente para onde a melodia está indo, mas a maneira como ela chega lá é encantadora. Acho que essa mistura de familiaridade e novidade é a chave para o que torna a boa música pop tão contagiante, e apesar de todos os pontos fortes de Star Crossed e Deeper Well, faltou isso neles.

Mas, além disso, faltava a marca registrada do som de Kacey: o groove. A atitude relaxada e chapada. Star Crossed apostou em um conceito complexo e experimental, Deeper Well buscou algo um pouco mais etéreo e psicodélico, mas ao retornar decisivamente ao universo dos hits country pop, ela também resgata aquele núcleo rítmico. Todas essas músicas soam inconfundivelmente como canções de Kacey Musgraves. Mesmo com Miranda Lambert, ela consegue se destacar, e Lambert tem um som característico que domina tudo o que toca – embora o dela seja obviamente mais centrado no álcool do que na maconha.

Se você só conhece Kacey Musgraves por Golden Hour, ouça primeiro Same Trailer Different Park e Pageant Material. Eles representam algumas das melhores músicas country do século XXI e a consolidam como uma das maiores de todos os tempos. Depois, dê uma chance a este álbum e aprecie o fato de que, mesmo uma década depois, ela ainda está com tudo e longe de estar sem ideias.

tsubi club - Trinket (2026)

Trinket (2026)

tsubi club

Trinket, do Tsubi Club, é o som de finalmente reunir a coragem para acreditar em si mesmo e se jogar de cabeça.

Acho que parte do que torna o cenário hyperpop dos últimos anos tão magnético é que a comunidade é composta, em grande parte, por jovens adultos que cresceram como crianças criativas, socialmente ansiosas e viciadas em tecnologia. Isso tem um poderoso efeito emocional na música e na cultura ao seu redor, criando uma conexão instantânea entre o músico e o ouvinte, ainda mais forte pela ideia de que, pela própria natureza dessa existência, muitas vezes parece que ninguém mais consegue se identificar.

Para esse tipo de pessoa, a vida muitas vezes parece uma luta constante para reunir coragem para fazer algo normal. Seja conversar com um estranho, entrar para um clube, mudar de casa, postar algo nas redes sociais ou lançar o primeiro álbum. Pode ser um exercício mental exaustivo, especialmente depois de lidar com isso uma vez e torcer para que a ansiedade não volte a aparecer. Em Trinket , o Tsubi Club transforma esse processo em um jogo. O álbum serve como um lembrete de como pode ser, ao mesmo tempo, divertido e angustiante se forçar a explorar novos horizontes.

A faixa Lil Qoo , que está rapidamente se tornando uma das minhas músicas favoritas do ano, resume tudo isso perfeitamente: Vamos pintar um quadro, apontar a perspectiva / Colocar em prática, vamos ser ecléticos / Escolher a cor, o valor, a textura / Fazer com que signifique algo, o que está refletindo? Peça por peça, Soren constrói sua arte do zero, conversando consigo mesmo durante o processo, garantindo que tudo se encaixe. É meticuloso, mas também energizado e empolgante – especialmente considerando esses vocais percussivos e stacato únicos e eletrizantes. O resto da música faz tudo o que pode para acompanhar essa energia, jogando tudo na parede em verdadeiro estilo hyperpop. Uma das razões pelas quais essa música e esse álbum parecem tão especiais é que os samples são escolhidos a dedo para inspirar e motivar. Sejam os aplausos da multidão, os apitos de esportes e os tambores de banda marcial, ou, claro, os icônicos gritos de incentivo de Phil, do Hércules da Disney , uma figura fantástica de pai/treinador de um filme fantástico. No hyperpop, o artista sempre caminha na tênue linha entre ruído e melodia para criar músicas que soam caóticas e inovadoras, mas ainda assim dançantes. Outro motivo pelo qual Lil Qoo e este álbum em geral funcionam tão bem é que Soren caminha exatamente nessa linha e a explora com maestria. Nas minhas primeiras audições deste álbum, lembro-me de pensar que não conseguia acreditar em como a melodia se destacava, considerando a quantidade de ruídos e samples na mixagem. Muitas dessas músicas são extremamente complexas, principalmente na primeira audição, mas isso nunca compromete a diversão e a experiência sensorial.

Esses temas sonoros e líricos continuam no conjunto de faixas fantásticas, coesas e, ao mesmo tempo, únicas de Trinket . A dupla de abertura , Reclusive Wizard Leaves Tower e You Not Serious, Aren't You?, é bastante autoexplicativa e captura perfeitamente as emoções características de um estado mental de ansiedade social — assim como ( ╥﹏╥ ), que descreve a sensação de estar perdendo a vida, já que é preciso muito esforço para realizar as rotinas mais básicas. Burnmaterial incorpora outro processo de pensamento central para a experiência da insegurança, quando Soren decide que, apesar de suas ansiedades, prefere se queimar a continuar confinado. O grito triunfante nessa música evoca perfeitamente a sensação de enfrentar seus medos com o que parece ser um abandono imprudente, combinado com a insanidade que pode acompanhar qualquer nível de confiança (como em Spoiled Little Brat , do Underscores ). O álbum termina em grande estilo também. Fallout é uma cópia fiel da estrutura dó-ré-mi-fá-sol-lá-si-dó de Porter Robinson , deslizando alegremente pelos seus ouvidos numa celebração da proeza do artista. Bbbackboard e Recap criam um impacto emocional duplo para introduzir a fantástica faixa de encerramento: Landslide é algo completamente diferente. A música mais otimista do álbum, esta faixa mostra Soren celebrando o que acabou de criar. Em contraste com o resto do álbum, repleto de apreensão, Landslide é tão claramente triunfante que quase me faz chorar – soa como o som de alguém certo de que está fazendo as coisas certas pela primeira vez na vida, e a calorosa euforia que vem com a entrega a esse sentimento. Terminar com Landslide cristaliza a tese de Trinket, que até então parecia um tanto incerta. Ao longo da criação deste álbum, Soren lutou contra a insegurança, a dúvida e a ansiedade, e somente com a força de vontade, impulsionado por um apito e uma gota de gasolina, conseguiu derrubar essas barreiras com sua determinação inabalável, até que nada restasse além do orgulho e da vontade de seguir em frente. É uma alegria imensa ver um artista atingir sua plena forma dessa maneira. O álbum termina com uma mensagem não apenas para si mesmo, mas para qualquer pessoa nesta comunidade que possa ter dúvidas semelhantes: se você quer bater na bola mais longe, bata com mais força, bata com mais força!

Scimitar - Scimitarium II (2026)

Scimitarium II (2026)

Scimitar

Cimitarra (substantivo): um sabre com lâmina curva e fio convexo, usado principalmente por árabes, turcos e guardas vermelhos. A cimitarra passou por uma série de melhorias ao longo dos anos, culminando no modelo mais recente ( Scimitarium II ), mas permanece composta por três componentes fundamentais:

LÂMINA: A lâmina da
cimitarra consiste em riffs de damasco temperado e em camadas. Os primeiros protótipos da arma — chamados de Scimitarium I — utilizavam riffs com foco melódico, muitas vezes assumindo o papel da "voz cantada", enquanto a voz de Shaam A fornecia principalmente um suporte textural único e suave. Os papéis da voz e da guitarra foram amplamente invertidos nos modelos atualizados do Scimitarium II : a performance da guitarra é agressiva, mais rápida e com foco mais textural, percorrendo mudanças de acordes complexas, bases harmônicas e solos intensos, além de fornecer ganchos e contramelodias. Em contrapartida, a performance vocal de Shaam é mais focada tonalmente nesta versão de Scimitar do que antes. O resultado é duplo: riffs e melodias giram em torno de estruturas de acordes como areia levantada por rajadas de vento, atingindo o ouvinte com performances ásperas e detalhes composicionais (“Lunacy Jewels”). Em outros momentos, são lâminas (curvas), cortando as músicas com melodias afiadas e precisas, revestidas de um veneno brilhante por Shaam A, cuja voz delineia a imagem residual do arco de cada golpe como miragens cintilantes suspensas no ar (“Magnetic Venom”).

CABO:
O design do cabo de Scimitar é indiscutivelmente tão importante quanto o da própria lâmina, frequentemente apresentando uma leve curvatura oposta à da lâmina para melhorar o manuseio geral da arma. Os modelos mais recentes do cabo de Scimitarium II utilizam uma percussão particularmente agressiva para combinar com a curva acentuada da lâmina. Tal design permite golpes mais poderosos por parte do portador: os riffs são impulsionados pelo uso liberal de blast beats e bumbo duplo — em oposição à bateria agitada, porém relativamente menos vigorosa, dos protótipos da Scimitarium I — mantendo ainda o equilíbrio rítmico para cada golpe. O pomo é fixado à extremidade da arma, proporcionando um contrapeso adicional na forma de graves retumbantes, que preenchem o espectro sonoro, delineando harmonias particularmente importantes e fornecendo sua própria contramelodia. O design atualizado do cabo da Scimita permite que a arma ofereça mais potência do que nunca, preservando sua característica melódica inconfundível.

BAINHA:
Embora tecnicamente não faça parte da arma em si, uma bainha bem feita prolongará a vida útil de qualquer Scimita . Scimitarium IIOs projetos incluem um design de bainha personalizado, visando proporcionar a atmosfera ideal para a arma, melhorando, em última análise, a rejogabilidade. O que torna a atmosfera proporcionada pelas bainhas da Scimitarium II tão única reside no método de entrega: performance e composição. A performance da Scimita é muito mais intensa desta vez, inclinando-se mais para o aspecto inspirado no black metal da arma, em oposição à concepção predominantemente heavy metal dos protótipos da Scimitarium I. De particular importância é a interpretação vocal sempre peculiar de Shaam A. Embora mais focada no timbre do que nos protótipos da Scimitarium I , a voz de Shaam mantém uma qualidade fantasmagórica, ainda proporcionando momentos de pintura vocal textural. Às vezes, ela geme e lamenta como um espectro aprisionado — etéreo e ameaçador — como se as performances de seus companheiros de banda fossem menos música e mais uma sessão espírita, evocando sons que emanam de Shaam, mas não dela.

Em termos de composição, o ritmo e a estrutura magistrais se encaixam perfeitamente na Scimita . A faixa de abertura “Scimitarium II” destaca a ponta da lâmina, suavizando a forma do design antes de explodir em três faixas de performances poderosas, exibindo o fio de aço mais afiado. Finalmente, a penúltima faixa, que dá início à épica “Mobula Mobular”, com treze minutos de duração, afia a lâmina, focando-se em performances mais suaves e dinâmicas, e a segunda em composições e ritmos mais lentos, elegantes e prolongados. Terminar dessa forma permite ao usuário recuperar o equilíbrio mais facilmente entre os golpes, possibilitando maior resistência e consistência durante combates mais longos.

CONCLUSÃO:
À primeira vista, os protótipos da Scimitarium I podem parecer semelhantes ao design atualizado dos modelos mais recentes da Scimitarium II . Na realidade, uma série de diferenças sutis e inteligentes resultam em uma versão mais otimizada do design geral da Scimitar . Alguns usuários podem preferir a versão ligeiramente mais pesada da Scimitarium I , achando que o peso melódico compensa a lâmina relativamente menos impactante dos riffs, enquanto outros acharão a arquitetura violenta das atualizações da Scimitarium II mais do seu agrado. Cada versão da Scimita tem suas próprias vantagens, e ambas são mais do que capazes de cortar com precisão qualquer coisa que seu usuário deseje. O que eu acho mais empolgante na trajetória da Scimita , no entanto, é a intenção aparentemente metódica por trás de cada iteração. As diferenças de design entre os modelos da Scimitarium II e os primeiros protótipos da Scimitarium I se espelham, cada um focando em diferentes aspectos da Scimita.mantendo, ao mesmo tempo, o formato instantaneamente reconhecível. Os projetos da 'Scimitarium III' têm a oportunidade de integrar completamente o foco de cada iteração da Scimitar até o momento em seu design, resultando em uma bela síntese sonora e na versão mais letal já produzida daquela que é uma das melhores armas já fabricadas.

ROCK ART

 

Quilapayun - Basta (1969)

 O grupo chileno Quilapayún formou-se em 1965, compondo letras inspiradas em questões sociais do país e combinando-as com arranjos musicais autóctones. Em 1966, a banda conquistou o primeiro lugar no Festival de Festivales, lançando seu primeiro álbum no mesmo ano. O cantor e compositor folclórico Victor Jara auxiliou a banda na promoção de sua música e na produção do álbum Canciones Folkloricas de America. Como embaixador da Nova Canção Chilena, o Quilapayún realizou sua primeira turnê europeia em 1968. Devido às mudanças políticas e sociais no Chile no início da década de 1970, o grupo viveu em outros países por mais de uma década.

Basta (Chega!/Das genügt!) é um álbum lançado por Quilapayún em 1969. Reúne uma coleção eclética e diversificada de canções populares/folclóricas e hinos de diferentes partes do mundo: da América Latina, da antiga URSS e da Itália. Este álbum inclui "La muralla"/O muro - uma das canções folclóricas mais populares da América Latina - baseada no texto de um poema do poeta cubano Nicolás Guillén.

Os arranjos vocais são meticulosos na maioria das canções e atingem seu ápice nas gravações de "Bella Ciao", "Por montañas y praderas" e "Patrón". Este álbum – assim como X Vietnam – exemplifica uma das características mais inovadoras e distintivas da Nova Canção Chilena: seu internacionalismo.



A declaração a seguir foi feita por Quilapayun e constava nas notas do encarte do álbum original Basta, lançado em 1969 , e na reedição do álbum na Itália, em 1974. (Portanto, não está presente nesta edição). Esta declaração, contudo, pode não constar nas reedições em CD mais recentes desta gravação.

A importância do papel que a arte desempenha para os movimentos revolucionários do nosso povo foi abordada pela primeira vez em nosso país por uma carta histórica – que serve de introdução a esta gravação – assinada pelo primeiro líder da causa proletária no Chile, Luis Emilio Recabarren.

Desde a sua criação, o nosso grupo definiu o seu trabalho como comprometido com os interesses do proletariado e não ocultou, nem jamais ocultará, os seus objetivos políticos. Isto nasce da necessidade de permanecermos sempre fiéis à verdade nascente que impulsiona e mobiliza o nosso povo rumo à hora da sua autêntica realização histórica.

Todos os artistas que têm a oportunidade de dedicar seu trabalho à causa revolucionária devem fazê-lo, cumprindo assim não só sua responsabilidade para com a classe trabalhadora, mas também para com a própria arte. Em uma era de exploração e miséria, de subjugação, de guerras cruéis e injustas, de egoísmo desenfreado e de repressão que viola a vontade do povo, que busca se libertar do imperialismo e do capitalismo, os artistas que se mantêm neutros e se beneficiam de sua posição privilegiada na sociedade – que, de mil maneiras, visa suborná-los e aliená-los – traem a própria essência da arte.

Uma essência que anseia por libertar, educar e elevar a humanidade.

A sociedade burguesa quer que a arte seja mais um fator que contribui para a alienação social; nós, artistas, devemos transformá-la em uma arma revolucionária, até que a contradição existente entre arte e sociedade seja finalmente superada.

Essa superação se chama revolução, e seu motor e agente fundamental é a classe trabalhadora. Nosso grupo, fiel aos ideais de Luis Emilio Recabarren, vê seu trabalho como uma continuação do que já foi alcançado por muitos outros artistas populares/folclóricos. Este lado das trincheiras foi ocupado por artistas cujos nomes estão para sempre ligados à luta revolucionária do nosso povo; o primeiro Luis Emilio Recabarren, os mais recentes: Violeta Parra e Pablo Neruda. O exemplo que nos deram é a luz que nos guia.

Lista de faixas:

1. “A la mina no voy” (Não volto à mina) (Folclore colombiano)
2. “La muralla” (O muro) (Nicolás Guillén - Quilapayún)
3. “La gaviota” (A gaivota) (Julio Huasi – Eduardo Carrasco)
4. “Bella ciao” (Folclore italiano - Hino dos Partisans italianos)
5. “Coplas de Baguala”/Canções Copla de Baguala (Folclore argentino)
6. ”Cueca de Balmaceda” (Dança Cueca para Balmaceda) (Popular)
7. ”Por montañas y praderas (Sobre montanhas e pradarias) (Hino do Exército Vermelho Soviético)
8. ”La carta” (A carta) (Violeta Parra)
9. ”Carabina 30-30" (da Revolução Mexicana)
10. ”Porqué los pobres no tienen...” (Porque os pobres não têm...) (Violeta Parra)
11. ”Patrón” (Senhorio)(Aníbal Sampayo - povo uruguaio)
12. ”Basta ya” (Das genügt!) (Atahualpa Yupanqui)

Pessoal

* Eduardo Carrasco
* Carlos Quezada
* Willy Oddó
* Patricio Castillo
* Hernán Gómez
* Rodolfo Parada

MUSICA&SOM ☝