Tarkus - Tarkus (1972)

 

Este pode ser o primeiro álbum de heavy metal em espanhol, e já mencionamos esta banda peruana/argentina, Tarkus (existe outro grupo brasileiro com o mesmo nome), em nossa resenha do álbum homônimo do Telegraph Avenue. Embora só o tenhamos conseguido recentemente, aqui está ele, uma raridade, junto com sua história e uma resenha do álbum. Apesar de se presumir que soe muito como ELP, na verdade tem mais influências de Black Sabbath, Deep Purple, Polifemo e Pappo's Blues, além de outras lendas do hard rock. Um álbum quase desconhecido que recomendo fortemente que você ouça.

Artista: Tarkus

Álbum: Tarkus
Ano: 1972
Gênero: Hard rock / Rock psicodélico
Duração: 32:24
Nacionalidade: Peru / Argentina

Lista de faixas:
1. El pirata
2. Martha ya está
3. Cambiemos ya
4. Tempestad
5. Tema para Lilus
6. Tranquila reflexión
7. Río tonto
8. Tiempo en el sol

Formação:
- Alex Nathanson / vocais, coro, violão
- Dario Gianella / guitarras, vocais, violão
- Guillermo Van Lacke / baixo
- Walo Carrillo / bateria
Participação especial:
Melissa Griffith / coro (Tiempo en el sol)

Vamos começar com um pouco de história.
No início de 1972, o grupo peruano de rock psicodélico Telegraph Avenue se separou. Nessa época, Walo, o baterista, recebeu a visita de dois amigos argentinos: Guillermo Van Lacke e Dario Gianella. Eles tentaram formar um trio, começaram a compor e fizeram alguns ensaios, até que finalmente Alex Nathanson (outro ex- membro do Telegraph Avenue ) se juntou a eles como vocalista, agora cantando em espanhol.

Assim, esses dois ex-membros do Telegraph Avenue, juntamente com dois músicos argentinos, começaram a tocar heavy rock em Lima. Eles se autodenominaram Tarkus , aparentemente como uma forma de se identificar com o trabalho do ELP , mas talvez para representar visualmente um som que era muito agressivo e poderoso para a época e o cenário musical daquele período. Seu álbum homônimo, que apresentamos hoje, foi gravado em apenas cinco semanas e apresenta faixas originais que se tornariam o primeiro LP de heavy rock da América do Sul. E é exatamente isso que encontramos nesta gravação: oito faixas impulsionadas por guitarras matadoras, vocais estridentes e uma base poderosa de baixo e bateria. Eles tinham um som pesado bastante original, influenciado por Deep Purple , Black Sabbath e Led Zeppelin , com toques da música de Polifemo , Almendra ou até mesmo Pappo's Blues .

A história da banda começa no verão de 1972. Walo Carrillo, então baterista do Telegraph Avenue, foi preso momentos antes de um show. Seus companheiros de banda tocaram em seu lugar com outro baterista, mas, após ser libertado da prisão alguns dias depois, teve a entrada negada. Meses antes, Walo havia conhecido Guillermo Van Lacke, um argentino, na Plaza San Martín. Eles já haviam gravado juntos no MAG Studios e acompanhado o Telegraph Avenue em alguns shows. Walo o convidou para formar um novo projeto, e ele se mostrou entusiasmado, prometendo viajar para a Argentina e voltar com um guitarrista. Na Argentina, Guillermo convenceu um jovem guitarrista chamado Darío Gianella a ir para o Peru. Depois de alguns dias, eles chegaram ao Peru com algumas músicas que haviam composto durante a viagem. Ao chegarem à casa de Walo, as primeiras bandas que ouviram foram Black Sabbath, Led Zeppelin e Almendra, que se tornariam as principais influências da banda. Eles convidaram Alex Nathanson para se juntar à banda e pediram que ele cantasse em estilo operístico, completando assim o grupo. O engenheiro de som Carlos Manuel Guerrero, ao saber que se tratava de uma banda sul-americana de alcance internacional, decidiu apoiá-los sem sequer ouvir falar do novo projeto, embarcando em uma viagem e retornando alguns meses depois, quando o Tarkus já havia gravado.
O primeiro álbum foi gravado pela gravadora MAG, para surpresa do dono do estúdio. O álbum foi lançado porque o contrato já havia sido assinado, e apenas algumas cópias do LP foram prensadas. Sua capa é inteiramente preta, semelhante às capas dos álbuns "Back in Black" do AC/DC ou "Black Album" do Metallica. A estreia oficial estava marcada para o cinema El Pacífico (embora a banda já tivesse se apresentado ao vivo sob o nome Telegraph, mas como Tarkus, em Chiclayo, Trujillo, Chimbote e em escolas como a Roosevelt em Miraflores). No entanto, pouco antes da estreia oficial, Darío deixou a banda, e o Tarkus nunca chegou a estrear oficialmente. A banda se desfez logo depois, durando apenas cerca de sete meses. No entanto, nesse curto período, o que eles conseguiram criar é talvez um dos testemunhos mais valiosos daquela época em que o rock incendiou os bairros de Jesús María, Lince, Pueblo Libre e Magdalena, em Lima, para depois desaparecer sem deixar rastro.
Reunião (2007):
Em 2007, a banda se reuniu após o desaparecimento de Darío Gianella. Christian Van Lacke assumiu a guitarra e Alex Nathanson tornou-se o baixista. Eles fizeram algumas aparições na TV e começaram a ensaiar, pois ainda tinham as letras para o que seria seu segundo álbum. Contudo, Alex Nathanson deixou o país para se dedicar à música, e Walo e Christian decidiram continuar e incluir parte desse material no álbum de estreia do Tlön, grupo formado por Walo Carrillo e Christian Van Lacke. Com essa banda, eles gravaram três álbuns, todos lançados na Alemanha.

Wikipedia:

O importante, além do interesse intrínseco do álbum, é que resgatamos esta obra notável do esquecimento e agora a estamos compartilhando com todos os nossos fãs dedicados. Vou encerrar com algumas excelentes resenhas do álbum, para que ele jamais se perca na escuridão do esquecimento.

O álbum que trago hoje é o primeiro álbum em espanhol que conheço que pode ser considerado 'heavy rock' ou heavy metal, e pode muito bem ser o primeiro álbum de heavy metal em espanhol, assim como o primeiro álbum do Black Sabbath é considerado o primeiro álbum de heavy metal já criado.
Mas além disso, o que não é pouca coisa, é também um registro da existência de um jovem talento como poucos, chamado Darío Gianella.
O Tarkus, que leva o nome do álbum da brilhante banda Emerson, Lake & Palmer, foi formado no Peru em 1971. Alex Nathanson e Walo Carillo, ambos peruanos, deixaram a Telegraph Avenue e uniram forças com dois argentinos: o baixista Guillermo Van Lacke, que eles já conheciam, e que retornou à Argentina para encontrar o guitarrista de 16 anos Darío Gianella, com a ideia de formar uma nova banda. O momento era perfeito. O guitarrista aceitou a proposta sem hesitar e partiu para viajar por diversos países antes de chegar ao Peru, sem a permissão de seus pais. Esse jovem assumiria a complexa tarefa de compor, buscando o som que desejavam alcançar: uma mistura de Black Sabbath, Led Zeppelin e a cena do rock argentino contemporâneo, que por sua vez carregava um toque de Deep Purple.
A essência da música foi composta durante aqueles 10 dias de viagem de volta ao Peru, levando consigo discos do Black Sabbath e do Pappo's Blues, um violão e uma pequena mala. Quando grandes músicos vivenciam essa inspiração divina, um violão em uma longa viagem de trem é tudo o que precisam para compor. Ao chegarem ao destino, as músicas estavam quase prontas.
Em 1972 (milagrosamente), lançaram seu único álbum, estabelecendo dois precedentes: o primeiro álbum considerado heavy metal em espanhol e a capa completamente preta, com o logotipo branco sendo a única outra cor. Em 1972, esse era um detalhe muito pesado, até mesmo malévolo, em uma época em que as cores vibrantes do rock progressivo psicodélico eram a norma, com exceção de alguns excêntricos de Birmingham que, um ano antes, haviam criado um gênero inteiramente novo. Como todo episódio histórico, deve ser visto e considerado de acordo com o contexto de sua criação. Portanto, as conquistas do Tarkus, assim como as do Black Sabbath em seus primórdios, são eventos inegáveis ​​de imenso valor. Mas, embora a contribuição do Sabbath seja sempre reconhecida, este álbum do Tarkus raramente é mencionado quando se discute os primórdios do heavy metal em espanhol.
Naquela época, o Peru vivia sob uma ditadura militar, e aqueles que ostentavam um visual roqueiro eram perseguidos — mais um ponto a destacar a coragem deles.
O resultado desse esforço conjunto é um excelente álbum, que mescla os sons do Black Sabbath e do Led Zeppelin de 1970 a 1972 com uma dose inconfundível de rock argentino de bandas como Almendra e Vox Dei. Gravado sob o efeito de LSD e maconha (o que se reflete claramente nas letras), destaca-se não apenas por ser um precursor, mas também por suas composições brilhantes e detalhes, apresentando um guitarrista jovem e incrivelmente inspirado, com técnica e dedilhado excepcionais, uma habilidade reservada apenas aos maiores músicos — e ele tinha apenas 16 anos.
Esse jovem é, sem dúvida, o ponto alto do álbum e quem confere ao álbum e à banda sua "personalidade macabra". Um jovem com um futuro promissor, ele assumiu a composição e as letras (com exceção de "Cambiemos Ya") em uma idade tão precoce, cativando o público com seus riffs, solos e emoção crua. Uma qualidade reservada aos verdadeiramente talentosos. Infelizmente, jamais saberemos o que esse diamante bruto poderia ter alcançado, com seu talento inato nutrido por dedicação e incansáveis ​​horas de prática, acordando às 6 da manhã todos os dias para praticar escalas e dedilhados. Essa natureza compulsiva se refletia no palco, já que ele não parava de se mover por um segundo sequer e continuava tocando mesmo depois do show terminar e os amplificadores serem desligados.
O álbum, mais próximo dos primeiros trabalhos do Sabbath do que de Paranoid, apresenta riffs e solos brutalmente distorcidos, pesados ​​até a medula, e um vocalista com um passado melódico inconfundível, mas que ajustava seus tons e modulações a pedido de Guillermo. De alguma forma, Guillermo previu que o estilo operístico e teatralmente exagerado era o que a banda precisava, especialmente para suas apresentações ao vivo, que eram magistrais porque a performance do vocalista tinha um impacto imediato no público.
De qualquer forma, Alex Nathanson impregnou a música com sua personalidade, criando uma criatura que mistura ficção e realidade, como tantos outros fariam depois, cantando em um falsete penetrante de notas agudas. Juntamente com os trechos de gritos e delírio, isso resulta em uma performance vocal muito interessante, embora às vezes possa soar um pouco forçada, um produto inerente à teatralidade, visto que não tiveram o tempo necessário para aprimorá-la completamente, já que gravaram o mais rápido possível. Quando o resto da banda contribui com seus vocais, soa realmente ótimo e funciona perfeitamente.
Assim, temos músicas como "El Pirata", que nos atinge imediatamente como um soco no estômago, um riff inconcebivelmente sombrio para a época (quase como o de "Hole in the Sky", mas duas vezes mais rápido e três anos antes). Começar o álbum dessa forma é uma declaração e tanto. Um de seus hinos mais memoráveis, com um trabalho de guitarra fora de série, vocais excelentes que gradualmente mergulham na loucura em direção ao final, e solos e riffs simplesmente impressionantes, considerando o quão à frente de seu tempo aquele adolescente estava.
Há também faixas mais melódicas, ou aquelas com um belo, porém sombrio, som de blues-rock. Considerando a história e a formação do Tarkus, esses estilos tinham que estar representados, sem mencionar que o fizeram esplendidamente. Martha ya esta (nunca descobriríamos quem era Martha) e Tranquila reflexión têm muito disso, especialmente a última, onde, claro, os riffs pesados ​​e insanos estão presentes, mas o cerne da faixa reside no lado jazz-blues, onde a versatilidade, a qualidade, o virtuosismo e a sensibilidade de Gianella são palpáveis ​​em cada nota, assim como nas extensas seções instrumentais onde ele realmente leva a guitarra ao limite.
Cambiemos ya, com letra de Alex e alguns dos riffs mais marcantes do álbum, mas com uma veia lisérgica principalmente atribuída a ele, é outro destaque. Aos 2:41, eles se transformam completamente em Black Sabbath e mergulham na mais profunda escuridão da incoerência, encerrando a faixa magnificamente. Tempestad ocupa um meio-termo difícil de categorizar e impossível de ignorar. Partindo de uma melodia vibrante para ritmos lentos e hipnóticos, impecáveis ​​e inquietantes, a música ainda hoje, quase 40 anos depois, consegue esse efeito avassalador, com uma atmosfera densa e não totalmente compreensível, graças ao excelente trabalho de guitarra, como em todo o álbum. Os arranjos clássicos são palpáveis; Darío os respeitava e admirava. "
Tema para Lilus" começa com um riff incrivelmente subversivo, alarmante e sombrio, que se desenrola como uma dança macabra que, se hoje nos prende à cadeira e nos faz ouvir atentamente, em 1972 nos faria borrar as calças. Mais uma vez, o trabalho de Gianella é verdadeiramente notável. Lilus era um gato de rua, visto durante uma viagem de ácido. "Río Tonto" seria uma das faixas mais representativas de todo o álbum, refletindo todas as suas influências e personalidades. Começando de forma fúnebre, mas se desenrolando com facilidade, graça e psicodelia, sem jamais abandonar aquela aura sombria que, mesmo nos momentos mais "felizes", interrompe com sua melancolia personificada em linhas de guitarra que intimidam com sua presença e precisão.
A faixa de encerramento, "Tiempo en el sol" (Tempo ao Sol), possui uma certa poesia sob sua simplicidade. Seus compassos de notável e sutil beleza oferecem um vislumbre do lado íntimo de Gianella, assim como sua voz, já que é a única faixa em que ele canta, e o faz lindamente, com facilidade e nonchalance.
Tudo também chegaria ao fim em 1972, quando os chamados "Filhos de Deus", uma seita religiosa nos EUA, convenceram Gianella a se juntar a eles. Como Van Lacke menciona em entrevistas: "Darío veio naquela noite e me disse: 'Estou te deixando o violão, não vou mais tocar', e esse foi o fim do Tarkus." Eles tentaram encontrar um substituto, mas o brilhante guitarrista provou ser insubstituível e inconvencível. O sonho havia acabado.
Assim, chegamos à conclusão de uma obra que é ao mesmo tempo brilhante e sombria, criada por quatro grandes músicos com uma visão incrível para o futuro. Marcou o primeiro passo no heavy metal em língua espanhola, tanto cantado quanto composto, e está envolto em muitas histórias. Sua existência é um documento inestimável, cobiçado por colecionadores hoje em dia, e para mim, um registro da vida de um jovem guitarrista, compositor e letrista que, devido às circunstâncias da vida, revelou apenas uma pequena parte de seu imenso talento, que será impossível de mensurar completamente.

Fer

Fotos de Dario Gianella e Guillermo Van Lacke, tiradas durante a viagem da Argentina ao Peru, em 1972:

E agora, um comentário fascinante onde podemos mergulhar nos aspectos mais ocultos da rica história do grupo, envolvendo gravadoras, seitas religiosas e o fantasma da Telegraph Avenue pairando no ar...

Este é o livro publicado recentemente pela "Revuelta Editores" e escrito por Carlos Torres Rotondo. Uma obra essencial e histórica que retrata o fenômeno do rock no Peru entre as décadas de 1950 e 1970.
Excelente pesquisa e muito bem escrito, na minha opinião. Esta é a seção dedicada a Tarkus. Adicionei fotos inéditas, recortes de imprensa e alguns vídeos que não constam na edição impressa.
Em um certo sábado escaldante no final de abril de 1972, o heavy rock explodiu no Peru. O estádio Chiclayo estava lotado com mais de duas mil pessoas aguardando o show da Telegraph Avenue, a banda peruana que no ano anterior havia lançado seu primeiro disco de vinil, um sucesso de vendas que superou qualquer outro disco de rock nacional até então. Ao cair da noite, após algumas apresentações sem brilho, o locutor anunciou a banda principal. A entrada dos músicos deixou perplexos os membros da plateia que os conheciam de shows anteriores. Alex Nathanson continuava nos vocais principais, mas não tocava mais baixo como fazia no Telegraph. Até seu figurino era diferente: usava um poncho vermelho e seu cabelo comprido estava repartido ao meio, como o do resto da banda, um estilo inédito até mesmo em Lima, onde todos os hippies locais usavam o cabelo repartido de lado. E o resto da banda era completamente diferente. O fã mais dedicado talvez reconhecesse Walo Carrillo, também do Telegraph, sentado atrás da bateria, tocando com toda a força, mas as semelhanças paravam por aí. Os outros músicos eram completos desconhecidos. Eram os argentinos Guillermo Van Lacke no baixo e Darío Gianella na guitarra. Quando começaram a tocar, o Chiclayo deixou a Terra e viajou para Marte. A música era um hard rock sombrio e incomum; a expressividade do vocalista e as letras poéticas eram quase operísticas. Embora seu som fosse uma mistura de Black Sabbath, Led Zeppelin e toques de Almendra, ele até mesmo prenunciava a nova onda britânica de heavy metal do final dos anos setenta. Havia também muita teatralidade: o público ficou sem palavras quando Nathanson, andando como um corcunda com uma lamparina de querosene na mão, cantou em seu falsete afeminado aquela história à la Salgari chamada "O Pirata". As músicas eram originais e em espanhol, e as letras tão metafóricas e alucinatórias que muitos lamentaram não ter ácido debaixo da língua naquele momento. E Darío Gianella, com apenas dezessete anos, se contorcia no chão como Angus Young do AC/DC, mas sem o uniforme; esse fanático por Jimmy Page não precisava dele porque já vivia em sua própria alucinação, e isso era visível para qualquer um que ouvisse sua música de outra dimensão. Obviamente, eles não eram a Telegraph Avenue, mas estavam se apropriando do nome.
A verdadeira história do Tarkus começa com eventos que ocorreram alguns meses antes. No verão de 1972, a Telegraph Avenue estava no auge. Seu primeiro LP havia alcançado uma execução sem precedentes nas rádios. Eles tinham shows marcados toda semana no Galaxy, e Walo, cumprindo seu papel de empresário, atendia ligações de todo o país. Mas, como diz a música, tudo tem um fim, nada dura para sempre.
Numa manhã de verão, Walo dirigiu seu Volkswagen até o boliche em Miraflores, onde alguns caras apelidados de "Os Franceses" estavam vendendo baseados por dez soles cada. Ele os encontrou, mas um minuto depois a polícia os pegou traficando um baseado colombiano com uma concentração de THC maior do que a da maconha comum de Piura.
Os transeuntes o viram com os traficantes enquanto os policiais os empurravam violentamente para dentro da viatura. Assim que pôde, Walo ligou para Chachi Luján: a Telegraph Avenue estava ensaiando naquela tarde, e os caras precisavam dar um jeito de tirá-lo da cadeia. Assim que Chachi chegou à sede da banda — localizada na Jirón Paruro — em vez de interceder pelo amigo, declarou que Walo sofreria o mesmo destino de Jerry Lam Cam — o ex-baixista — que havia desaparecido repentinamente, causando grandes prejuízos ao grupo e obrigando-os a cancelar todos os shows agendados. Se Walo estava na cadeia, era porque havia sido pego em flagrante, então não havia nada que pudesse ser feito para ajudá-lo; a única opção era encontrar outro baterista. Apesar da desaprovação de Álex Nathanson, eles ligaram para Osito Barreda. Contudo, Walo não sofreu o mesmo destino de Jerry Lam, pois foi libertado da prisão após quatro dias graças a uma conexão convenientemente obtida. Quando Walo chegou à sala de ensaio, o encontraram como um fantasma. Sua situação na banda havia se tornado
completamente incerta. Não sei se eles chegaram a fazer um show de despedida durante essa primeira fase. Eles já estavam mortalmente feridos, e o fim do Telegraph Avenue foi instantâneo.
Woody Allen diz que a vida não imita a arte, mas sim a televisão ruim, e neste caso, é verdade. Só um roteirista péssimo poderia conceber uma bagunça tão implausível, mas o fato é que realmente aconteceu, e graças a uma série de felizes coincidências, Tarkus nasceu, e um momento de toda essa loucura pôde ser registrado. Meses antes, Walo tinha visto um hippie desorientado na Plaza San Martín que parecia estrangeiro.
Ele o abordou e descobriu que era argentino, chamava-se Guillermo Van Lacke e que, em seu país, tocava em uma banda de rock chamada La Banda del Oeste (A Banda do Oeste). Van Lacke o acompanhou a shows do Telegraph e até mesmo aos estúdios da MAG. Tendo vivenciado a cena musical peruana em primeira mão, Guillermo ficou entusiasmado e propôs um projeto conjunto. Como precisava retornar à sua terra natal em poucos dias, prometeu encontrar um guitarrista e voltar imediatamente. Em Buenos Aires, Van Lacke frequentava um porão na Avenida Hipólito Yrigoyen. Era um espaço à prova de som que os músicos usavam como
sala de ensaio, ponto de encontro e uma espécie de nave espacial para viagens ao espaço interior. Lá, ele conheceu um jovem chamado Darío Gianella. Darío era filho de um oficial de alta patente da Marinha Argentina, mas sua personalidade era a de um místico que expressava suas iluminações através do violão. Pouco antes, ele havia deixado o Final, sua banda da adolescência, e estava procurando um novo grupo de músicos com quem dar vida às suas ideias.
Com seu charme cativante, Van Lacke convenceu o jovem prodígio a fugir de casa e ir para o Peru, uma terra que ele descreveu como repleta de groupies lindas e oportunidades para aventuras no rock and roll. Eles levaram algumas mudas de roupa, um poncho vermelho que mais tarde emprestariam a Alex Nathanson para shows, e vários discos do Black Sabbath, Deep Purple, Led Zeppelin, Pappo's Blues e Almendra. Pouco antes de partirem, enviaram uma carta a Walo dizendo que chegariam em breve ao Peru. Levaram dez dias — viajando de trem e depois pegando carona em vários trechos — para chegar a Lima. Durante esse tempo, compuseram a maior parte das músicas do álbum e escreveram uma série de poesias surrealistas.
Depois de ser expulso da Telegraph Avenue, Walo voltou para casa. Sua mãe lhe entregou uma carta que havia chegado naquele mesmo dia. Foi Guillermo Van Lacke quem lhe avisou que estava prestes a partir para Lima e que seria acompanhado por Darío Gianella, um rapaz de dezesseis anos que ele descreveu, com aquela capacidade inata para o exagero que os argentinos possuem, como um gênio da guitarra. Chegaram três dias depois. Usavam sandálias de couro, calças jeans importadas e camisas polo psicodélicas justas. Tinham o cabelo repartido ao meio e usavam colares de contas. "Esses caras têm estilo mesmo", pensou Walo. Ele precisava fazer um acordo com o pai. Graças à mente aberta que sua profissão de psiquiatra lhe proporcionava, Don Abel Carrillo permitiu que Van Lacke e Gianella ficassem em seu apartamento, localizado no número 1125 da Avenida Sucre, no bairro de Pueblo Libre. Além disso, conseguiu para eles um beliche. Com o passar do tempo e o crescimento da amizade, decoraram o quarto com cortinas árabes, colchões e velas coloridas.
Ao abrirem suas malas antigas, os argentinos encontraram os dois primeiros álbuns do Black Sabbath e do Led Zeppelin. “Você tem um toca-discos?”, perguntaram a Walo, que ficou impressionado com a música, convencido de que aquela era a música do futuro. Naquela mesma noite, fizeram sua primeira jam session com violões e um cajón. Assim nasceu o Tarkus, da forma mais espontânea possível. Apesar da adição posterior de um vocalista, eles sempre executaram a parte instrumental como um trio, no estilo de bandas como The Who, Cream, Cactus, Led Zeppelin ou Black Sabbath. Desde o primeiro ensaio, Carrillo, Van Lacke e Gianella perceberam que havia química entre eles. As letras eram de Gianella, mas ele não gostava de cantar e tocar ao mesmo tempo. Aos poucos, ex-músicos da Telegraph Avenue, como Álex Nathanson e Chachi Luján, começaram a se juntar aos ensaios. Darío Gianella ligou para Alex Nathanson e pediu que ele cantasse ópera, algo que Alex nunca tinha feito antes, mas deu certo. Ele aceitou imediatamente.
Seguindo as recomendações de Gianella, Alex adotou um estilo vocal mais exagerado e teatral do que o que usava anteriormente. O grupo estava completo. A última jogada de sorte aconteceu quando o engenheiro de som Carlos Manuel Guerrero soube do fim do Telegraph e ligou para Walo. O baterista contou que tinha um projeto bastante avançado com Alex e dois argentinos, e que não era puramente musical, mas também incluía uma produção teatral. O empresário ficou entusiasmado com um grupo sul-americano de alcance internacional e disse a Walo que ele era quem mais lhe havia rendido dinheiro graças ao primeiro álbum do Telegraph e que os apoiaria em qualquer projeto que empreendessem. Deu-lhe um contrato verbal, um local para ensaiar e tempo de estúdio sem nunca ter ouvido a banda tocar. Pouco depois, Guerrero viajou para os Estados Unidos. Ele só retornaria alguns meses depois, quando o destino já estava traçado.
Durante esse breve período, os Tarkus vivenciaram a rotina mágica e arriscada da criação artística. Como precisavam compor e gravar quase simultaneamente, compraram uma grande quantidade de maconha para ter uma reserva de inspiração. Guillermo Van Lacke levantava-se de seu beliche às seis da manhã e imediatamente começava exercícios com os dedos, memorizando as músicas, arranjando-as e superando rapidamente suas limitações com pura determinação. Às oito da manhã, Guillermo, Darío e Walo desciam para tomar café da manhã.
Então, eles desciam até a garagem do prédio, entravam no Volkswagen e seguiam para a Avenida 2 de Mayo, onde ficava a fábrica e o estúdio da MAG. Entravam por um corredor repleto de caixas e plástico. Os funcionários os encaravam, mas eles não paravam até chegarem ao depósito nos fundos. Lá, ligavam seus instrumentos e começavam a compor e ensaiar até duas ou três da tarde. Se tivessem sorte, conseguiam usar o estúdio e, acompanhados por Carlos Guerrero Bueno — do We All Together — nos controles, gravavam as músicas que haviam ensaiado naquela manhã. Em algumas tardes, a sorte não era a mesma.
O gerente dizia: "Com licença, Los Morochucos estão programados para tocar hoje." Ou: "Que pena, pessoal, é a vez do Lucho Macedo." Depois, cada um seguia seu caminho, vagando sem rumo, fazendo longas caminhadas por uma cidade que mudava cada vez mais rápido. Walo e Van Lacke começaram a sair juntos, em pares com suas namoradas. Nathanson seguiu seu próprio caminho com sua turma do bairro Mariátegui, um grupo lendário de amigos cujo espírito natural e espontaneidade os destacavam como figuras excêntricas como Oso Torres, Valladares, o cara da esquina, os irmãos Allison, a turma do El Álamo, Pacho Mejía (pouco antes de sair do Black Sugar) e outros profissionais do ritmo. Darío era muito quieto e geralmente se trancava na sala comum, colocava seus discos para tocar, fumava maconha, às vezes tomava LSD e escrevia novas letras. Foi Walo quem deu nome ao grupo.
Tarkus é um espírito encontrado no fundo da nossa alma que nos protege quando estamos perdidos em uma jornada. Apesar do isolamento de Darío, que praticamente só saía para comprar pão, o relacionamento entre os quatro se fortaleceu. Quase imediatamente, surgiu a oportunidade de estrear. O comitê da turma de 1972 da Roosevelt High School organizou uma festa na escola para arrecadar fundos. Ignorando a briga com o Telegraph, eles ligaram para o empresário, Carrillo, para organizar um show.
Sem hesitar, ele disse que estariam lá. Trouxe Tarkus sem dizer uma palavra, e diante de uma plateia composta por 80% de americanos, eles impressionaram a todos. No Peru, uma banda no estilo Black Sabbath tocando suas próprias músicas em espanhol! Depois veio o show em Chiclayo, seguido por Chimbote e Trujillo, onde se apresentaram novamente sob um nome falso e causaram uma impressão duradoura. Precisaram voltar correndo para o estúdio. Terminaram as oito faixas que compunham seu primeiro LP e imediatamente começaram a trabalhar em mais músicas, gravando duas delas; haviam ensaiado mais algumas, mas essas duas gravações se
perderam para sempre quando a gravadora decidiu regravar por cima das fitas existentes.

As gravações ocorreram entre 3 de abril e 16 de maio de 1972. Os músicos tiveram total liberdade criativa. Tanta liberdade que o dono da MAG Records só ouviu o trabalho deles quando voltou de viagem e as primeiras cópias já estavam sendo prensadas. Aconteceu numa tarde, enquanto o Tarkus estava no estúdio gravando seu segundo álbum. No meio de uma música, eles ouviram uma comoção na cabine de som. Pararam de tocar e subiram para ver o que estava acontecendo. Ouviram a voz estrondosa do engenheiro de som Carlos Manuel Guerrero: "Que barulho é esse?!"
O chefe da MAG ficou vermelho de raiva, fervendo de fúria. E quando Walo entrou, os insultos começaram a surgir: "Ei, Carrillo, isso não soa como Telegraph Avenue. Vocês não eram uma banda latina? Ninguém vai ouvir isso. Não vou investir em vocês se continuarem fazendo esse tipo de música."
No entanto, eles estavam presos a um contrato, então o álbum foi lançado. A capa era completamente preta, como a do álbum Back in Black do AC/DC ou a do álbum homônimo do Metallica anos depois. Apesar das divergências com o engenheiro de som Guerrero, os caras perseveraram. Eles podiam distribuir o álbum de forma independente; tudo dependia dos shows. O boca a boca já havia gerado certo burburinho na cena rock de Lima,
mesmo que quase ninguém os tivesse ouvido. Sua estreia oficial foi, portanto, meticulosamente planejada. Seria no cinema El Pacífico, o mais importante da época.
Um dia, Walo deu carona a um hippie na Via Expresa. Eles conversaram enquanto ele colocava uma cápsula no som do carro. O estranho exalava paz. Walo o convidou para um apartamento em San Isidro, onde estava hospedado com amigos. Todos eram americanos e tinham uma geladeira abastecida. Eram acólitos da seita conhecida como Filhos de Deus, que anos depois se tornaria infame nos registros policiais por acusações de suposta pedofilia. No dia seguinte, o baterista os apresentou aos outros membros do Tarkus. Darío começou a passar tempo com eles, mas continuava naturalmente tímido perto dos outros músicos da banda.
Em setembro, pouco antes da primeira apresentação oficial da banda no cinema El Pacífico, o Tarkus foi convidado para o famoso festival de rock realizado na Plaza de Acho. Antes do início das apresentações, Darío abordou os três músicos e anunciou que tinha algo muito sério para lhes contar. Ele havia encontrado Jesus Cristo e precisava abandonar a banda e aquele estilo de vida. Ele iria se juntar aos Filhos de Deus. Não tocaria na estreia porque isso ia contra o caminho que havia escolhido na vida, o caminho de Nosso Senhor. Ele não acreditava mais naquela música regada a drogas e não podia ir contra seus princípios. A notícia os atingiu como um soco no estômago, mas Darío permaneceu inflexível. Não havia nada a fazer. Estavam num beco sem saída.
O Tarkus nunca estreou oficialmente. O LP foi um fracasso comercial; na verdade, ele nunca existiu comercialmente. E esse disco é talvez um dos testemunhos mais valiosos que restaram daquela época, nos anos sessenta e setenta, quando a música incendiou os bairros de Jesús María, Lince, Pueblo Libre e Magdalena, para depois desaparecer sem deixar rastro, como aconteceu com o único álbum do Tarkus, aquela obra-prima anômala que, como esta história mostrou, é muito mais do que um interlúdio brilhante entre os dois LPs da Telegraph Avenue.
O Tarkus deixou de existir, mas a vida continuou. Bastante assustado com o desaparecimento de Darío, seu pai viajou ao Peru para procurá-lo. Lá, encontrou Guillermo Van Lacke, que o guiou até o apartamento em San Isidro onde o guitarrista morava na comunidade Los Niños de Dios. Como um bom militar, arrastou-o para fora à força, argumentando às autoridades de imigração que seu filho ainda era menor de idade (ele tinha acabado de completar dezessete anos), colocou-o em uma camisa de força e o embarcou em um avião das forças armadas. Ao chegar em Buenos Aires, o psiquiatra diagnosticou seu caso como delírio místico. Quando completou dezoito anos e pôde deixar a clínica, Darío retornou aos Filhos de Deus.
Tornou-se um de seus principais ativistas e, durante um ritual da seita, recebeu o nome de Manases. Reencontrou Alex Nathanson em 1975. Juntos, fizeram algumas gravações com os Filhos de Deus, incluindo um LP. Sabe-se que ele viveu por anos em Seattle e atualmente se dedica à vida espiritual em Madri. Sua história imediatamente evoca os espíritos de Syd Barrett ou Roky Erickson.
Em 2007, o Tarkus se reuniu. Após a morte de Darío Gianella, a posição de guitarrista foi preenchida por Christian Van Lacke, filho de Guillermo e guardião do espírito original da banda. Além de cantar, Alex Nathanson assumiu o baixo. Durante os ensaios para o retorno do Tarkus, e com a redescoberta de antigas memórias, as músicas que fariam parte do segundo álbum ressurgiram — aquele que nunca foi finalizado devido à raiva do engenheiro de som Guerrero.
Eles não tinham as gravações daquela época, mas tinham as músicas, e começaram a ensaiar. Foi uma empreitada estranha, comparável no mundo do rock ao processo que deu origem a álbuns como A Saucerful of Secrets — onde o Pink Floyd continuou sem Syd Barrett, mas expandiu seu som — ou Smile — o álbum com o qual Brian Wilson mais tarde finalizou o LP perdido dos Beach Boys. Alex voltou para a Califórnia para continuar fazendo música, mas Walo e Christian decidiram continuar o projeto até que se tornasse tangível e audível. Todo esse material foi incluído no álbum de estreia do Tlön, um grupo que dá continuidade à linhagem do Tarkus e que atualmente é formado por Walo Carrillo, Christian Van Lacke e Marcos Coifman.

Christian Van Lacke.

Você pode ouvir o álbum completo no vídeo etambém comprá-lo na página dele no Bandcamp .

Zaedyus - Stories From The End Of The World (2017)

 

Outra joia escondida que recomendamos no blog. É como ouvir Ayreon enquanto toma mate e come biscoitos. Mitos e lendas ancestrais da Argentina são contextualizados e recriados em um álbum de folk metal progressivo de alta voltagem. Ale Burkman apresenta seu trabalho mais recente como líder, baterista e principal compositor da banda/projeto Zaedyus. Ele combina sons indígenas com outros mais modernos, mesclando as raízes da música folclórica argentina com sons que vão desde a época colonial até melodias pré-colombianas ancestrais dos povos nativos da América do Sul. Apresentamos o trabalho mais recente do Zaedyus.

Artista: Zaedyus
Álbum: Stories From The End Of The World
Ano: 2017
Gênero: Folk Metal Progressivo / Power Metal
Duração: 40:36
Nacionalidade: Argentina

Já apresentamos o Zaedyus , e eles estão de volta com material novo. Para quem ainda não os conhece, trata-se de uma banda argentina de folk metal progressivo, liderada pelo compositor e baterista Ale Brukman. Sua música funde a bateria com bumbo duplo e guitarras distorcidas típicas do metal com os sons de instrumentos folclóricos argentinos, como a quena, o charango, o bandoneon e o bombo legüero. Cantadas em inglês e espanhol, suas letras narram mitos e lendas da literatura gaúcha, onde personagens míticos são interpretados por diversos cantores que participam das canções. Após os EPs "Santos Vega" e "Patagonia", a banda lançou um novo álbum que certamente vai fazer você bater cabeça. O álbum de estreia da banda se chama "Stories From The End Of The World" e foi lançado recentemente por uma gravadora independente.

O pichi (Zaedyus pichiy), também chamado de piche ou quirquincho, é uma espécie de mamífero cingulado da família Dasypodidae que habita o sul da Argentina e do Chile, na região da Patagônia até o Estreito de Magalhães.

Wikipédia

A banda busca trilhar seu próprio caminho e expandir-se dentro do universo do metal progressivo, visando não apenas incorporar elementos da música folclórica, mas também integrá-los perfeitamente em suas canções, resultando em um som verdadeiramente agradável. Eles são mais um grupo em busca de sua sonoridade única através dessa fusão, compreendendo que a verdadeira originalidade reside não apenas no som em si, mas também nas ideias e sentimentos que impulsionam a criação musical, cada um com sua própria marca distinta. Premiados pelo INAMU (Instituto Nacional de Música) e selecionados pela DGMBA (Direção Geral de Música de Buenos Aires) e pelo Canal de la Ciudad (Canal da Cidade) entre 400 projetos para participar do programa de TV "Estudio Urbano" (Estúdio Urbano), eles também se apresentaram naquele mesmo ano no festival FAUNA 2015 no KONEX, rompendo barreiras estilísticas e levando o metal a esse local pela primeira vez. E agora, com o segundo lugar na categoria Rock & Heavy do "Produktion & Song Contest" da empresa alemã HOFA, o Zaedyus continua sua ascensão constante, adicionando conquistas à sua trajetória já impressionante.

Permitam-me resumir brevemente a história da banda antes de me concentrar no álbum. Zaedyus é uma banda de metal progressivo de Buenos Aires, Argentina, liderada pelo compositor e baterista Ale Brukman. As origens do Zaedyus remontam a 2005, quando Ale Brukman começou a compor músicas com a ideia de lançar um álbum conceitual sobre a Patagônia. Após anos de trabalho na composição e produção, a banda lançou seu primeiro EP, "Patagonia", em 2011.
Em 2013, o Zaedyus lançou "Santos Vega", seu segundo álbum (baseado no poema homônimo do escritor Rafael Obligado), um álbum conceitual que recebeu muitos elogios da imprensa musical local e de países como Espanha, Brasil, País Basco e Estados Unidos, entre outros.
Em 2014, o Zaedyus retornou aos palcos para uma série de shows em Buenos Aires. A banda também se apresentou em importantes festivais como "Legendary Tales" e "La Plata Prog Fest".

"Stories From The End Of The World" é o terceiro álbum da banda e seu primeiro lançamento completo. O título do álbum possui um significado ambíguo, referindo-se, por um lado, ao conceito pré-colombiano de uma Terra plana, onde o horizonte é um abismo, e, por outro, ao "farol no fim do mundo" localizado na província da Terra do Fogo, o território mais austral antes da Antártida.
Entre os temas abordados estão: fogos-fátuos, o trem fantasma da Alemanha, "Martín Fierro", "Don Segundo Sombra", a Conquista do Deserto e evocações de lugares na Argentina como Piedra del Águila, o Rio Limay, a região de Los Alerces, etc.
Instrumentalmente, o grupo soa impecável. As faixas são extremamente interessantes, perfeitamente arranjadas, altamente harmoniosas e livres de quaisquer preconceitos estilísticos, com arranjos fascinantes. A banda reúne excelentes músicos de Buenos Aires, grandes talentos focados tanto no metal progressivo quanto na música folclórica argentina, alcançando um resultado impressionante. Você pode curtir o vídeo e ouvir o álbum, que pode ser adquirido e ouvido em streaming na página deles no Bandcamp .
Mr. Brukman reuniu músicos talentosos para criar um álbum de power/folk metal instrumentalmente complexo. Os vocais são predominantemente femininos e o álbum é repleto de energia, velocidade, influências folk e, acima de tudo, melodias e composições elaboradas. É tudo o que se espera de uma banda como a que deu origem a "Santos Vega" (desculpe, mas ainda não ouvi "Patagonia"). 

Após a introdução "Duelo de facones" (Duelo de Facas), que começa em um estilo folk puro com bumbo, piano e teclados misteriosos, a intensidade aumenta para dar lugar a "The Lamp Of Mandinga", levando-nos a um clímax que só se dissipa no final do álbum. O violino introdutório e os elementos folk se misturam perfeitamente com o power metal que a banda desenvolve. Em seguida, vem "Arriving To Eagle's Stone", que novamente começa com bumbo, dando lugar a riffs de metal acompanhados por toda a banda, mas especialmente pelo violino, que sempre parece ser um dos elementos definidores da banda, juntamente com a bateria intrincada. É repleta de atmosfera, momentos reflexivos e acústicos e, em cinco minutos, é uma faixa cativante e melódica que é, acima de tudo, muito variada e divertida. Em seguida, vem "The Promise Of Neverland", começando novamente com pianos que dão lugar a riffs de guitarra, com toda a banda participando. É uma faixa épica, agradavelmente rica em arranjos interessantes e com uma atmosfera alegre e celta. Mas, à medida que se desenvolve, dá lugar ao hard rock da faixa intitulada "Chasing The Dreams". A partir daí, tudo começa a se encaixar e nos deparamos com uma mistura homogênea de puro power metal com nuances folk espetaculares, ainda mais evidentes em "Train To Germany", que, com mais de 7 minutos, é a faixa mais longa do álbum. A música percorre diversas atmosferas meticulosamente construídas, saltando de uma para outra como se fossem várias faixas combinadas, mas unidas pelo mesmo refrão, com constantes referências ao folclore, desde os instrumentos até a mistura de inglês e espanhol, os vocais masculinos e femininos, e com mudanças rítmicas bem distintas, passando de momentos acústicos para outros que lembram o Symphony X.Melodias excelentes e variações de andamento criam uma ótima faixa no estilo power metal, mas com muitas nuances. Em seguida, vem "(Tecka) The Door To... The Alerces Shire", mais atmosférica, 100% folk soul com a potência do metal bem combinada e alternada. Destaco esta faixa como aquela em que a banda alcança, na minha opinião, um som mais convincente do que na maioria das músicas, não porque as outras sejam ruins, de forma alguma, mas é aqui que o folk e o power metal se conectam e se fundem da melhor e mais equilibrada maneira. Uma faixa belíssima que eu talvez considerasse um princípio orientador para a banda em sua busca por um som totalmente original e único, porque aqui eles o alcançam. E esse contraste fica evidente quando a última faixa, "The Devil's Witch Mistress And The Skinless Dwarf", começa, onde o power metal domina. Se você comparar a penúltima faixa com a última, pode-se dizer que, quando se concentram exclusivamente no power metal, eles criam músicas que poderiam ser produzidas por qualquer uma das milhares de bandas ao redor do mundo. Mas quando conseguem fundir os dois estilos em partes iguais (como na penúltima faixa), alcançam um som único e pessoal.

A seção rítmica fornece a estrutura para os demais instrumentos, permitindo que cada um contribua. Isso inclui não apenas a guitarra e os teclados, mas também os violões, flautas, bandoneons, charangos, vocais e violinos, todos desempenhando um papel fundamental na apresentação de uma obra onde a sinergia é primordial. Não há músicos individuais tentando se sobressair aos outros, e essa é uma enorme vantagem. O excelente trabalho de encaixe dos elementos de cada instrumento em determinadas passagens é notável. O ritmo é muito bem executado e perfeitamente adequado à peça, funcionando quase como uma ópera, onde diferentes músicos interpretam diferentes personagens. Devo dizer que, estilisticamente, as seções mais próximas do power metal são as que menos me agradam, e obviamente são as mais previsíveis, mas nunca durarão muito porque sempre haverá algum elemento disruptivo, seja o uso de instrumentos não tradicionais, a inclusão de melodias folclóricas ou arranjos não convencionais.

No geral, um ótimo álbum, mas acima de tudo, promissor, de uma banda muito interessante. Se no próximo álbum eles conseguirem encontrar uma direção mais clara, algo menos focado em power metal (que eles tocam muito bem, mas que carece de personalidade) e algo mais experimental com sons indígenas (ou qualquer outra experimentação que queiram tentar), ótimo. Mas se a intenção for tocar metal progressivo com instrumentos folclóricos argentinos, acho que estarão justamente perdendo o ponto principal de seguir nessa direção e se concentrando no tipo de música que planejam fazer. Eles têm o talento, todos os ingredientes estão lá; só precisam combinar os bons elementos que a banda traz, e estaremos desfrutando de uma banda que consegue liberar todo o seu potencial, o que certamente têm.
O Zaedyus está de volta, agora com seu primeiro álbum completo, e não decepcionou. Pelo contrário, eles voltaram a fazer o que fazem de melhor: puro folk power metal. Eles sabem o que estão fazendo e fazem isso brilhantemente bem. Embora alguns possam ouvir sons que lembram outras bandas, com apenas ocasionalmente alcançando um som verdadeiramente único, o álbum é inegavelmente de alta qualidade, sem uma única faixa destoante. Resta apenas apreciá-lo!

Amigos dos Deuses do Metal, Zaedyus e sua força motriz, Ale Brukman, fizeram isso de novo, lançando um álbum que agrada a um público diversificado, com composições de alta qualidade e uma formação fantástica de artistas. Parabéns, Ale!
Para quem não conhece, Zaedyus é uma banda argentina que existe desde 2005, tendo lançado seu primeiro álbum, Patagonia, em 2011, que foi remasterizado em 2016. Em 2013, Zaedyus lançou Santos Vega, seu segundo álbum, baseado no poema homônimo do escritor Rafael Obligado. Este álbum conceitual recebeu muitos elogios da imprensa musical local e de países como Espanha, Brasil e Estados Unidos. E recentemente, em 31 de julho, tivemos a oportunidade de curtir Stories From The End Of The World de forma independente.
De forma geral, podemos definir sua música como Metal Progressivo, mas elementos distintivos incluem raízes da música folclórica argentina, combinando sons que vão desde a época colonial até antigas melodias pré-colombianas dos povos nativos da América do Sul. Mas não se preocupe, esses elementos não são intrusivos nem dominantes; o que prevalece é o Metal moldado em faixas complexas, porém nada rebuscadas. Você pode conferir em www.zaedyus.bancamp.com e nas principais plataformas digitais como iTunes, Google Play, Spotify, Deezer, Apple Music e outras.
O título do álbum, Stories From The End Of The World (Histórias do Fim do Mundo), possui uma explicação interessante, referindo-se, por um lado, à concepção pré-colombiana de uma Terra plana, onde o horizonte é um abismo, e, por outro, ao "farol no fim do mundo", localizado na província da Terra do Fogo, o território mais austral antes da Antártida. Em relação aos temas líricos, encontramos referências ao lado sombrio da paisagem, ao trem fantasma da Alemanha, a "Martín Fierro", a "Don Segundo Sombra", à Conquista do Deserto e evocações de lugares na Argentina como Piedra del Águila, o Rio Limay, a região de Los Alerces, etc., tudo apresentado com uma arte gráfica impressionante.
Francamente, essas nove canções e pouco mais de 38 minutos deixam um gosto agradável na boca e, na mente, a satisfação de ter dedicado tempo e esforço a algo que vale a pena, algo diferente do habitual. Fiquei surpreso com a voz doce de Marcela Rotela, tanto em espanhol quanto em inglês; colocá-la à frente do microfone foi uma escolha brilhante, sem prejudicar o restante do trabalho instrumental, que é, no mínimo, bem equilibrado. Ale fez um ótimo trabalho em seu estúdio de gravação em Babaita, sendo responsável pela produção, gravação, mixagem e masterização.
Após a instrumental “Duelo De Facones”, que serve como introdução mesclando sons experimentais e clássicos, vem “The Lamp Of Mandinga”, com um toque folk nos segundos iniciais, seguido por uma base sólida de riffs e mudanças de ritmo que a destacam. “Arriving To Eagle's Stone” é mais pesada, um campo de batalha entre o classicismo melódico e a experimentação. “The Promise Of Neverland” entrega uma faixa épica, cativante e eficaz. E para destacar a diversidade, temos a sempre evolutiva “Chasing The Dreams”, que transita do rock animado para o prog melódico.
“Train To Alemanía”, com mais de sete minutos, é um vai e vem de ritmos e melodias, incrivelmente diverso, uma característica compartilhada por outras faixas como “(Tecka) The Door To… The Alerces Shire”. E para quebrar a atmosfera geral, a poderosa “The Devil's Witch Mistress And The Skinless Dwarf” chega como uma lufada de ar fresco, encerrando este excelente álbum com a instrumental “At Saint Julian's Bay”.
Stories From The End Of The World é um ótimo álbum de Metal Progressivo, repleto de emoção e ideal para ser ouvido com todos os cinco sentidos. Em resumo, altamente recomendado, portanto, minha avaliação média para este estilo é de 8,5 de 10. Uma saudação metálica a todos.

Em resumo

, um trabalho excelente, especialmente para os fãs de power metal, que coloca a banda firmemente em evidência, destacando mais uma vez o movimento constante na cena underground argentina. Mesmo que as condições objetivas não sejam as ideais, algo nasceu, está se movendo, está crescendo e se tornando cada vez mais proeminente. E o Zaedyus está aqui para provar isso.

 

Você pode ouvir o álbum na página dele no Bandcamp:
https://zaedyus.bandcamp.com/album/stories-from-the-end-of-the-world 

Lista de faixas:
1. Duelo de facones
2. The Lamp of Mandinga
3. Arriving to Eagle's Stone
4. The Promise of Neverland
5. Chasing the Dreams
6. Train to Alemanía
7. (Tecka) The Door to... The Alerces Shire
8. The Devil's Witch Mistress and the Skinless Dwarf

Formação:
- Ale Brukman / Bateria, percussão, vocais, violões e teclados
- Marcela Rotela / Vocal principal e backing vocals
- Román Peusner / Violino e flauta sopranino
- Sebastián Aldea / Charango e violão clássico
- Leandro Tactac / Guitarras elétrica, clássica e acústica
- Luis Monrocle / Teclados
- Leopoldo Oneto / Baixo elétrico e fretless
Participação especial:
Cas Ti / Vocais e backing vocals (Faixa 6)

Partenon - Mare Tenebris (2005)

 

Já falamos sobre as maravilhas da cena venezuelana, e aqui está mais um exemplo: este trabalho é um ótimo álbum de rock progressivo no estilo dos anos 70 da cena latino-americana (muitas vezes esquecida), uma joia que resgatamos das sombras do esquecimento. É mais uma das muitas obras imensamente agradáveis ​​e desconhecidas, fortemente influenciada por ELP, com passagens que lembram o som do Reino Unido. "Mare Tenebris" é um manifesto de genialidade enraizado no rock progressivo clássico. Junto com muitos músicos da banda espanhola de folk-prog Amarok, eles criaram um excelente álbum sinfônico com influências de jazz-rock, space-rock e prog clássico. Os teclados se destacam, acompanhados por um trabalho de guitarra de bom gosto, linhas de baixo e bateria competentes e, claro, excelentes vocais femininos, theremin e oboé. Outra joia desconhecida que recomendamos no blog!

Artista: Parthenon

Álbum: Mare Tenebris
Ano: 2005
Gênero: Rock sinfônico
Duração: 67:05
Nacionalidade: Venezuela

Prestem atenção, cabeçudos, a este trecho, que pode passar despercebido por alguns inicialmente, pois estou copiando as palavras com que encerro esta postagem:

Em resumo, este é um ótimo álbum que, embora não seja inovador, é uma excelente obra que agradará a muitos ouvintes exigentes. Se você aprecia o trabalho de teclado à la Emerson, se gosta dos sons sinfônicos progressivos da década de 1970, ouça-o do início ao fim, pois tenho certeza de que ficará impressionado.

Então, prestem atenção em "Mare Tenebris", de um grupo venezuelano desconhecido chamado Parthenon , porque aqui no blog já demos vários exemplos de álbuns incríveis que foram e estão sendo feitos em todo o mundo, mesmo que ninguém os conheça, mas estamos aqui para divulgá-los.
Aproveitem!

Parthenon é uma banda venezuelana fundada em 1979 pelo baterista Juan Carlos Ballesta e pelo tecladista Robert Santamaría. Após alguns anos, o tecladista Victor Fiol deixou a banda para se juntar à renomada banda venezuelana Témpano , e o Parthenon logo se desfez. Robert se mudou para a Espanha e entrou para a banda Amarok (aliás, um músico folk muito interessante que deveríamos apresentar no blog). Então, no início dos anos 90, os dois amigos de escola se reencontraram e reformaram o Parthenon . Juntamente com um vocalista, um baixista e músicos convidados, eles gravaram novas versões de suas primeiras canções, resultando neste CD que apresentamos agora — mais uma joia perdida da música latino-americana resgatada do esquecimento.

O PARTHENON foi fundado em Caracas, Venezuela, no início de 1979, por Juan Carlos BALLESTA (bateria) e Robert SANTAMARÍA (teclados), então colegas de escola. Em junho de 1979, após completar a formação com outros músicos da escola, fizeram sua primeira apresentação na Escola Champagnat. Nos meses seguintes, após diversas mudanças de integrantes, a banda era composta por Víctor FIOL (baixo, guitarra e vocal), Nicolas LABROPOULOS (guitarra solo), Laureano RANGEL (bateria) e Robert SANTAMARÍA (teclados). Essa formação fez apenas uma apresentação, em meados de 1980, na Universidade Simón Bolívar, em Caracas. Finalmente, o grupo se tornou um trio com a saída de Nicolas LABROPOULOS. Após um concerto na Universidade Central da Venezuela (Caracas) no início de 1981, e após a saída de Víctor Fiol para o grupo Témpano, Laureano Rangel e Robert Santamaría tentaram, sem sucesso, reformar o grupo, que foi definitivamente dissolvido no final do mesmo ano (1).
23 anos depois, o Parthenon reagrupou-se com novos membros (Robert Santamaría nos teclados e percussão, Juan Carlos Ballesta na bateria, Marta Segura nos vocais, Alán Chehab no baixo fretless e Pere Vilardell na guitarra elétrica) e lançou o álbum "Mare Tenebris".

Manticornio

Este projeto nunca conseguiu gravar um álbum completo em sua fase inicial, até 2005, quando lançaram este incrível CD. Nele, os dois fundadores do grupo ressuscitaram o legado da banda com o apoio de alguns colegas do Amarok e após convidarem jovens músicos venezuelanos para se juntarem a eles nessa aventura. As oito faixas soam tão impressionantes quanto a própria banda. O trabalho nos teclados é excelente, evocando os grandes tempos do Hammond e do Moog de Keith Emerson (e, às vezes, do UK ), sons maravilhosos diretamente dos anos setenta, complementados por piano e Mellotron. Também podemos apreciar um trabalho de guitarra fluido e sensível, frequentemente em ótima interação com os teclados. A música tem claras influências de ELP , mas os vocais femininos, felizmente cantados em espanhol, dão ao Parthenon uma dimensão extra e um sabor especial.

As composições oferecem pausas musicais cativantes e surpresas. As oito faixas principais deste CD de 66 minutos totalizam 48 minutos. Três delas — "Utopia", "Mother Nature" e "Conversations" — foram escritas em 1980, mas foram rearranjadas, retrabalhadas e regravadas especificamente para esta versão. As outras cinco são composições inéditas. Os sons sinfônicos da década de 1970, com a forte predominância de cores clássicas na paleta do teclado, são um elemento recorrente em todo o álbum, mas são especialmente proeminentes em cada uma destas três canções: "Utopia", "Mother Nature" e "Lights and Colors". As faixas mais longas — "Mare Tenebris", a suíte em três partes "Bridges Destroyed" e "Conversations" — são instrumentais. Entre as três faixas bônus, encontram-se duas canções de estúdio de 1980-1981 que soam um pouco datadas e uma faixa ao vivo que se compara a uma gravação pirata de baixa qualidade, mas que contém alguns trechos psicodélicos agradavelmente inspirados. Marta Segura possui uma voz bastante original e expressiva, mas grande parte do material permanece puramente instrumental. As quatro composições de destaque do álbum são: "Conversations" (caracterizada por sua intensidade, repleta de arranjos sinfônicos, mas onde na seção intermediária a banda inesperadamente se aventura pelos territórios do space rock) e a épica "Bridges Destroyed", com seus mais de 18 minutos divididos em três temas, é um verdadeiro banquete para os ouvidos mais vanguardistas. Cada uma das três partes da suíte parece uma suíte em si, com música em constante mudança e transições elegantes do art rock para a música clássica e o jazz fusion, com poucas sugestões de ELP ou qualquer outro grupo. Dentro dessa atmosfera majestosa que permeia todo o álbum, a qual a banda aprimora ao longo do disco, mas que nesta faixa atinge um nível superlativo, pois a instrumentação é enriquecida com a presença do oboé e o uso ocasional de texturas com influência do jazz, sua duração não é sentida, já que há tantas melodias e atmosferas para serem apreciadas que o tempo passa despercebido. A adição de motivos árabes em algumas passagens proporciona variação suficiente para evitar o excesso de padrões equivalentes e torna tudo ainda mais especial. Divertido do começo ao fim.

A banda possui um senso único de melodia e energia, evidente neste álbum repleto de potência sonora e riqueza musical que os fãs de rock progressivo do mundo todo não podem perder. Ele demonstra sua inventividade e musicalidade, uma espécie de vingança por sua incursão inicial no mundo do rock no final da década de 1970, que foi breve e deixou seu legado incompleto. Agora que os músicos cumpriram sua parte, é hora de compartilharmos (e apreciarmos) essa obra.

Embora grande parte da música aqui apresentada seja uma vitrine das conquistas do tecladista no campo da "imitação" de Keith Emerson, e embora seja verdade que, ao longo da primeira parte do álbum, o quinteto soe como um trio clássico liderado pelo teclado, devemos também dizer que, felizmente, graças à incorporação de belos interlúdios de piano clássico, solos encantadores, interação e equilíbrio entre todos os instrumentos, a adição do theremin e a ótima voz feminina cantando em espanhol, a soma de todos esses elementos estabelece uma linha no restante do material que apresenta o Parthenon sob uma luz muito mais favorável, mostrando-os como um grupo de músicos altamente habilidosos e, mais importante, bastante independentes em seu som, além das influências claras, já que, embora a influência do ELP continue a se revelar, ela ocorre apenas episodicamente, e não como uma constante.

O Parthenon alcançou um grande retorno com o lançamento deste álbum, "Mare Tenebris": um quarto de século depois de Santamaria e Ballesta fundarem este projeto em sua Venezuela natal, o grupo finalmente gravou um testemunho oficial de seu talento artístico para criar ideias musicais de alto nível e executá-las com habilidade e finesse excepcionais. As influências de Yes, ELP e UK são evidentes, mas nada disso diminui a qualidade original que o material oferece.
Para este renascimento, o grupo contou com a participação especial da vocalista Marta Segura, colega de banda de Santamaria no Amarok, que traz a energia do rock às três faixas vocais — "Utopia", "Madre Natura" e "Luces y Colores" — com sua classe habitual. As duas primeiras mostram o poder expressivo do grupo de forma mais concentrada, enquanto a última contém algumas variações muito interessantes na seção instrumental que preenche o último minuto e meio. Mas se buscamos a maior dose de ambição musical, devemos prestar atenção especial às faixas instrumentais (que, aliás, considero os pontos altos do álbum), que estabelecem expansões melódicas engenhosas através de inúmeras variações de motivos e atmosferas. 'Mare Tenebris' abre o álbum com um esplendor de tirar o fôlego, o mesmo esplendor que é desenvolvido a níveis hiperbólicos na suíte tripartida 'Puentes Destruidos' (Pontes Destroçadas). Santamaria introduz habilmente toques de jazz-rock em meio a tanta grandeza sinfônica em vários pontos da segunda seção de 'Puentes'; a passagem final, baseada em um delicado dueto de piano e oboé, é verdadeiramente bela. A faceta mais perturbadora e avassaladora de Parthenon se materializa em 'Conversations Between Various Creatures of Hell', que emprega repetidamente atmosferas sombrias e melancólicas para explorar a aura sinistra tão explicitamente evocada pelo título, bem como outras paisagens sonoras inspiradas em motivos arabescos.
O álbum contém três faixas bônus de gravações antigas de apresentações ao vivo e ensaios da banda: embora a qualidade do áudio seja ruim, a falta de clareza não obscurece a energia genuína que o Parthenon demonstrou desde seus primórdios. Assim, em "Mare Tenebris", temos uma vindicação e uma redescoberta de música progressiva de alta qualidade. O Parthenon ressurge por algumas horas para testemunhar sua fascinante visão musical, uma visão que até então estava perdida nos recônditos do rock venezuelano. O pessoal da Luna Negra e da Musea merece nossos sinceros agradecimentos por viabilizar este excelente renascimento.

César Inca

A maior parte da música criada pela banda é instrumental, e sua principal ambição é criar texturas dramáticas e atmosferas cativantes através do desenvolvimento e expansão dos temas principais. As três músicas com vocais, por outro lado, focam especialmente no lado mais roqueiro da banda: Marta Segura não deixa que sua voz seja ofuscada pelos solos de órgão e guitarra, o que diz muito sobre sua versatilidade. Em comparação, os vocais da vocalista original da banda (que também era a baixista original) soam bem menos consistentes. Este trabalho demonstrou o quão bem o Parthenon se apresenta (ou melhor, se apresentava, pois não os ouvia desde o lançamento do álbum), dando a cada uma de suas faixas uma energia genuína, equilibrando suas habilidades de performance com a riqueza de suas composições. Apesar de tudo, acho que as faixas instrumentais são onde o Parthenon realmente brilha.

O repertório renovado termina com "Conversations Between Various Creatures of Hell", uma peça um tanto pesada que segue o padrão do ELP de expansão constante com uma pompa sinistra. Um ótimo final para um repertório excelente. Bem, o verdadeiro final vem com as três faixas bônus, mas se você conseguir colocá-las em perspectiva, perceberá que o próprio álbum é composto pelas novas gravações, com as faixas bônus servindo apenas como testemunhos. Eu nem as ouço porque elas diminuem o nível já elevado do álbum inteiro e talvez pudessem ter sido omitidas, mas enfim, se estão lá, devem ser consideradas apenas como testemunhos dos primeiros tempos da banda.

Em resumo, este é um ótimo álbum que, embora não seja inovador, é uma excelente obra que agradará a muitos ouvintes exigentes. Se você aprecia o trabalho de teclado à la Emerson, se gosta dos sons sinfônicos progressivos da década de 1970, ouça-o do início ao fim, pois tenho certeza de que ficará impressionado.

Você pode ouvir o álbum na página deles no Bandcamp:
https://robsant.bandcamp.com/album/mare-tenebris

Lista de faixas:
1. Mare Tenebris
2. Utopia
3. Mother Nature
4 - 6. Destroyed Bridges
7. Lights and Colors
8. Conversations Between Various Creatures of Hell
9. Utopia (Faixa bônus)
10. Mother Nature (Faixa bônus)
11. Conversations Between Various Creatures of Hell (Faixa bônus)

Formação:
- Robert Santamaria / teclados, percussão
- Juan Carlos Ballesta / bateria
- Marta Segura / voz
- Alan Chehab / baixo Fretless
- Pere Vilardell / guitarra
Músicos convidados:
Victor Estrada / Theremin
Kerstin Kokocinsky / oboé
Victor Fiol / baixo, voz
Nicolas Labropoulos / guitarra
Laureano Rangel / bateria
Robert Santamaria / teclados

Peter Gabriel - Taking The Pulse (2025)

 

É sexta-feira e nós sempre tentamos trazer algo especial para vocês curtirem durante o fim de semana, e agora o Mágico Alberto aparece e nos traz esta gravação ao vivo do adorado Pedrito. E eu me refiro ao que ele mesmo nos conta: "Em fevereiro de 2010, Peter Gabriel lançou o álbum 'Scratch My Back', uma seleção de interpretações orquestrais de algumas de suas canções favoritas de outros compositores. Originalmente concebido como uma troca de canções — uma troca entre Peter e os artistas que ele escolheu para interpretar — a parte de Peter foi lançada primeiro. A segunda parte, com artistas interpretando as canções de Peter, 'And I'll Scratch Yours', chegou em 2013. Na primavera de 2010, Peter iniciou a turnê 'New Blood', com shows selecionados na Europa e na América do Norte para promover o álbum. A turnê continuou no outono do mesmo ano e incluiu um concerto na Arena di Verona, um anfiteatro romano do século I em Verona, Itália. Para a apresentação, Peter foi acompanhado pelo orquestrador e diretor musical John Metcalfe, pelo maestro Ben Foster, pela spalla Louisa Fuller e pelo pianista Tom Cawley, juntamente com as vocalistas Melanie Gabriel e Ana Brun e a New Blood Orchestra." O concerto, realizado em 26 de setembro de 2010, foi gravado por Anna Gabriel, e o material filmado serve de base para o filme "Taking The Pulse".

Artista:  Peter Gabriel
Álbum:  Taking The Pulse
Ano:  2025
Gênero:  Art Rock
Referência: Discogs
Nacionalidade:  Inglaterra

E continuo com o comentário deixado pelo Mágico Alberto, que explica um pouco sobre o que estamos apresentando agora (esclareço que se trata apenas do áudio e não do vídeo completo):

"Pedi à minha filha Anna que filmasse o concerto que planejávamos dar com uma orquestra na Arena de Verona, um local extraordinário para se apresentar. Embora eu estivesse me recuperando de um resfriado e não conseguisse alcançar a nota desejada, Anna fez um trabalho maravilhoso ao lado de seu colaborador Andrew Gaston e de uma ótima equipe, capturando uma noite muito especial."

"Taking The Pulse" registra a segunda parte do concerto, que incluiu arranjos orquestrais das próprias canções de Peter. Na época, essas canções eram completamente novas para o público, mas mais tarde lançaram as bases para o álbum "New Blood".

Quando conversei com meu pai sobre a possibilidade de filmar um de seus concertos, aceitei imediatamente a oportunidade de filmar no anfiteatro romano de Verona, na Itália. O público italiano sempre foi incrivelmente entusiasmado e completamente devotado tanto ao artista quanto à câmera. Fiz este filme com meu amigo Andrew Gaston, que colaborou comigo durante todo o processo. Sempre gosto de filmar meu pai, pois conheço seu repertório e suas apresentações intimamente, o que me permite capturar um lado mais pessoal dele. Eu também queria filmar a orquestra de uma forma empolgante e, junto com a edição de Andrew, acho que conseguimos capturar a energia de toda a apresentação. Estou muito ansiosa para compartilhar este filme. – Anna Gabriel

Taking The Pulse: Um filme-concerto impressionante com um dos artistas mais visionários e influentes da música, interpretando canções de seu álbum "New Blood", lançado em Blu-ray pela Mercury Studios em 10 de outubro de 2025.

Uma descrição muito generosa do que é um espetáculo: diferente, acolhedor, fantástico dentro da imensa carreira musical de Gabriel. Uma joia!

Mágico Alberto

O áudio é cristalino, uma gravação de altíssima qualidade. Não inclui extras, apenas o concerto. Este lançamento foi feito em 2014, mas permaneceu arquivado até agora. 

É ótimo ter material desta qualidade, mesmo que não haja nada de revolucionário aqui, mas a qualidade é o que importa. Então, agradeça ao Mágico e aproveite o fim de semana.

Lista de faixas do site oficial
: 1. Rhythm Of The Heat
2. San Jacinto
3. Digging In The Dirt
4. The Drop
5. Signal To Noise
6. Downside Up
7. Darkness
8. Mercy Street
9. Blood Of Eden
10. Washing of the Water
11. Intruder
12. Red Rain
13. Solsbury Hill
14. In Your Eyes
15. Don't Give Up
16. The Nest That Sailed The Sky

Formação:
- Peter Gabriel / vocais
- Melanie Gabriel / vocais de apoio
- Ane Brun / vocais de apoio
- Tom Cawley / piano
- Joby Burgess / percussão