Supay - El Viaje (2007)

 

Mais uma vez, apresentamos alguns dos melhores nomes do rock peruano, e desta vez, o segundo álbum do Supay, que personifica a nova onda do rock progressivo tipicamente latino-americano. Eles criaram uma fórmula perfeita que combina rock sinfônico, sonoridades andinas e nuances psicodélicas. É um álbum alegre, poderoso, original e até profundo, caracterizado por um forte ecletismo, demonstrando grande versatilidade de ritmos, texturas sonoras e ideias musicais, onde os metais são, sem dúvida, a alma do som, imbuindo a banda com uma forte sensibilidade andina. Enquanto isso, a guitarra elétrica e os teclados contribuem com passagens delirantes e lisérgicas. Estamos, sem dúvida, diante de uma obra de grande espírito, uma fusão precisa e admirável. Seriam eles os novos Wara? Carregariam a alma de Los Jaivas? Seriam os herdeiros do Contraluz? Não sei dizer. Tudo o que sei é que o álbum é fantástico e que todos precisam conhecer as maravilhas que estão sendo criadas nessas partes do mundo meridional. É por isso que... que melhor maneira de continuar divulgando os álbuns de Supay?

Artista: Supay
Álbum: El viaje
Ano: 2007
Gênero: Folk progressivo
Nacionalidade: Peru
Duração: 43:55

Fiquei muito impressionado na primeira vez que ouvi Supay; sinceramente, acho que eles são a banda de prog andino mais autêntica. Adoro Los Jaivas , mas eles são menos prog que Supay e mais próximos do folk e do folk-rock. Nunca tinha ouvido uma banda peruana criar uma fusão tão perfeita entre o prog psicodélico e a música andina, embora  Kharmina Burana, que é mais sinfônica, também seja muito boa.

Mais uma vez, estou deixando uma resenha de alguém que escreve melhor do que eu, estou me referindo ao nosso sempre presente e involuntário comentarista:

Outra excelente contribuição para o rock progressivo no cenário peruano é o segundo álbum do SUPAY, "El Viaje" (A Viagem). Lançado oficialmente no mercado fonográfico local no final de maio [de 2007], foi precedido por um EP de edição limitada com o mesmo nome, que continha cinco das dez faixas presentes neste CD completo. O trabalho do SUPAY se enquadra claramente nos parâmetros do rock progressivo sinfônico com influências psicodélicas, em conjunto com uma fusão de raízes folclóricas andinas. Seu álbum de estreia, "Confusión" (uma joia ainda a ser devidamente descoberta pelo público mais amplo do rock progressivo), apresentou uma fusão coesa de rock complexo e música andina; a principal tendência da jornada musical contida em "El Viaje" é aguçar as especificidades de cada uma dessas duas fontes, a fim de dar à sua união uma direção mais focada nos contrastes. Observe que a harmonização de ambos os elementos principais permanece bem-sucedida; ela é simplesmente abordada com um foco ligeiramente diferente. O resultado é igualmente excelente porque, em última análise, o SUPAY é um grupo com uma visão clara de suas explorações instrumentais – o conjunto sabe exatamente o que esperar, tanto nos momentos de improvisação quanto nas passagens mais distintamente líricas. Comparado ao seu álbum de estreia, há uma exaltação mais pronunciada na guitarra, intimamente ligada às influências de Blackmore e Jeff Beck, bem como de David Gilmour e Steve Hackett. Enquanto isso, os ventos andinos combinam uma inegável mistura de magia ancestral e o charme irreverente de Jethro Tull. O álbum começa com um belo prelúdio telúrico intitulado "Ancestro" (com cadência semelhante à abertura da lendária "Alturas de Machu Picchu", de Los Jaivas), que transita quase instantaneamente para "Alma", uma faixa melancólica que logo incorpora variações ligeiramente mais extrovertidas, sem, no entanto, perturbar a atmosfera geral. O guitarrista Luis Proaño aproveita ao máximo seu papel principal sem se tornar dominante. Até aqui, temos uma continuação do estilo estabelecido em "Confusión". É com "Supay" que o conjunto começa a revelar sua nova abordagem: os riffs pesados, dobrados pelas flautas de pã, e a versatilidade da seção rítmica emergem como um raio de luz por trás das montanhas, enquanto requintados ornamentos de teclado filtram-se com eficácia sob os sucessivos solos de guitarra e sopro. Mais tarde, com "Lejanía" e "Resurrección", temos mais exemplos dessa mesma estratégia, dando ainda mais espaço para improvisações e enfatizando ainda mais o poder inerente do conjunto. Essas duas faixas talvez contenham as contribuições mais notáveis ​​do tecladista Gustavo Valverde, dada a variedade de recursos sonoros que ele emprega nas orquestrações, harmonias e fraseado, em diálogo fluido com a guitarra solo e os instrumentos de sopro.Outros momentos específicos que gostaria de destacar são os trechos lúdicos de flauta quena flutuando sobre os riffs pesados ​​de guitarra no clímax prolongado de 'Lejanía' e as cores majestosas concentradas no tema épico de abertura de 'Resurrección'. SUPAY também sabe se entregar com sinceridade ao lirismo suave dos Andes, como em 'Karnavaloide', um exercício leve de carnaval andino em estilo world music, e também nos interlúdios 'Ñan Quiska' (uma reprise de 'Ancetro' com flautas de pã) e 'Guerrero', ambos solos do instrumentista de sopro Williams León. 'Avanzando II' é um interlúdio de blues-rock que gradualmente se torna mais ornamentado até chegar ao tema inicial de 'Avanzando', uma faixa do álbum "Confusión" — mais um prólogo do que uma sequência. O álbum termina com a faixa-título. 'El Viaje' possui duas seções distintas: uma abertura etérea com base de bossa nova, na qual a flauta e a flauta de pã flutuam de forma onírica, até que a seção final emerge — uma torrente de hard rock psicodélico, habilmente adornada com sons de sintetizador cósmicos, como algo sinistro nos aguardando no fim da estrada. Com 'El Viaje', o SUPAY consegue se restabelecer como uma força significativa na cena do rock progressivo. É um álbum muito sólido, apesar do cronograma de gravação inconsistente e do processo de produção fragmentado. De fato, o baixista Renzo Danuser não está mais na banda (com o veterano Felipe Asmat retornando como um substituto à altura), Gustavo Valverde saiu antes do lançamento do EP anterior, e a seção de metais se tornou uma entidade monolítica. Esperamos que o grupo tenha a sorte de capitalizar o impulso gerado pelo relançamento de seu álbum 'Confusión' pela Mylodon. A verdade é que sua proposta merece mais atenção do público amante do rock, seja ele progressivo ou não.Com "El Viaje" (A Viagem), o SUPAY se reafirmou como uma força significativa na cena do rock progressivo. É um álbum notavelmente sólido, apesar do cronograma de gravações inconsistente e do processo de produção fragmentado. O baixista Renzo Danuser não está mais na banda (com o veterano Felipe Asmat retornando e se mostrando um substituto à altura), Gustavo Valverde saiu antes do lançamento do EP anterior e a seção de metais praticamente desapareceu. Esperamos que o grupo se beneficie do impulso gerado pelo relançamento do álbum "Confusión" (Confusão) pela Mylodon. Sua música realmente merece mais atenção dos fãs de rock, sejam eles fãs de rock progressivo ou não.Com "El Viaje" (A Viagem), o SUPAY se reafirmou como uma força significativa na cena do rock progressivo. É um álbum notavelmente sólido, apesar do cronograma de gravações inconsistente e do processo de produção fragmentado. O baixista Renzo Danuser não está mais na banda (com o veterano Felipe Asmat retornando e se mostrando um substituto à altura), Gustavo Valverde saiu antes do lançamento do EP anterior e a seção de metais praticamente desapareceu. Esperamos que o grupo se beneficie do impulso gerado pelo relançamento do álbum "Confusión" (Confusão) pela Mylodon. Sua música realmente merece mais atenção dos fãs de rock, sejam eles fãs de rock progressivo ou não.

César Inca 

 

Aliás, o melhor é você ouvir, porque um som vale mais que mil palavras...

  

E aqui está a história da banda, para quem tiver interesse:

O Supay foi oficialmente formado em Lima, em outubro de 2000. O nome é uma palavra quéchua que simboliza a dualidade que governa a natureza, referindo-se a um deus malévolo que, com o tempo, tornou-se benevolente, tendo piedade de suas antigas vítimas e protegendo-as de ameaças ainda maiores. O grupo começou como um trio até abril de 2001, quando se consolidou como um quinteto. Em 2004, a banda gravou seu primeiro álbum, "Confusión", no qual os músicos exploraram o estilo nacional de seu gênero, expressando e fundindo suas experiências espirituais. O som do sexteto de Lima é caracterizado por um notável rock progressivo instrumental ao estilo dos anos 70, magistralmente infundido com elementos folclóricos andinos através da inclusão de instrumentos tradicionais como quenas, zampoñas e tarcas, entre outros. Seu espírito musical segue os passos de grupos como Jethro Tull, Los Jaivas, Pink Floyd e até mesmo de sua banda contemporânea dos anos 70, El Polen, ao mesmo tempo que exibe uma clara influência do Krautrock à la Agitation Free, o que lhes confere um toque psicodélico. Em julho de 2005, o Supay assinou com a Mylodon Records para o relançamento de "Confusión" e o lançamento de seu novo álbum, gravado em maio de 2005.

www.mylodonrecords.com 

 

Com este álbum, esses músicos peruanos se reafirmam como uma força significativa na cena do rock progressivo. "El viaje" é um álbum notavelmente sólido, apesar do cronograma de gravação inconsistente e do processo de produção fragmentado. Altamente recomendado. 

 

A banda peruana Supay está viva e bem, e, aliás, está prestes a lançar a versão final de seu segundo álbum completo. Enquanto isso, no início de março, a Supay lançou este EP intitulado "El Viaje" (A Viagem), que foi apresentado oficialmente em um show. Esta gravação contém cinco faixas, totalizando pouco menos de 25 minutos de excelente rock progressivo baseado em sons andinos, cujas nuances rock bebem fortemente da psicodelia old-school e do hard rock.
Como o guitarrista Luis Proaño me disse em uma conversa há seis meses, o fio condutor deste novo material é enfatizar a intensidade das passagens rock e a vibração das passagens andinas, a fim de explorar seu contraste mútuo. É como se a banda tivesse se dedicado a destacar e refinar as nuances de ambos os lados da moeda para dar ao conjunto um brilho renovado. Após o prelúdio terroso "Ancestro", uma bela e breve demonstração de sopros e cadências suaves de percussão, vem "Alma", uma peça que se encaixa perfeitamente na descrição dada no início deste parágrafo. O motivo introdutório blues e as expansões temáticas, impulsionadas em conjunto pela guitarra e pelo teclado, entrelaçam-se lindamente com as passagens folclóricas. 'Karnavaloide' oferece um momento de repouso com sua atmosfera serena e suave, muito no estilo da world music. 'Supay' é uma peça muito interessante em sua vibração explosiva, centrada nas influências do lado mais roqueiro do Jethro Tull e do Pink Floyd de 1973-1975: promete ser um dos destaques do próximo álbum, e o mesmo pode ser dito de 'El Viaje'. Esta faixa de encerramento começa com um motivo hipnótico de bossa nova, com os sopros conferindo uma cadência flutuante à peça. Quando a seção rock chega, a música cresce até um clímax soberbo. A intensidade deste final deixa uma impressão duradoura no ouvinte empático – a espera pelo segundo CD parecerá muito longa.

César Mendoza 

 

Cuidado com esse grupo...

 

Você pode ouvir o álbum na página do Bandcamp:
https://mylodonrecords.bandcamp.com/album/el-viaje

 

 

 

Lista de faixas:
1. Ancestor (1:37)
2. Soul (6:44)
3. Supay (6:11)
4. Karnavaloide (2:42)
5. Ñan Quiska (0:46)
6. Distance (7:42)
7. Resurrection (6:34)
8. Moving Forward II (2:32)
9. Warrior (2:24)
10. The Journey (6:40)

Formação:
- Luis Proaño / guitarra, quena
- Williams León / quena, zampoña, quenacho, outros instrumentos de sopro andinos, percussão
- Gustavo Valverde / teclados
- Neto Pérez / bateria
- Renzo Danuser / baixo
- Felipe Asmat / baixo

 

Supay - Confusión (2004)

 

Continuamos com o melhor que o Peru já produziu, pelo menos musicalmente falando. Apresento a vocês o maravilhoso álbum de estreia desta excepcional banda peruana que combina o espírito ancestral dos Andes com a inspiração lisérgica da melhor psicodelia, graças a arranjos diversos com teclados, instrumentos de sopro e uma guitarra muito versátil que, por vezes, emula o som do charango e, em outros momentos, entrega riffs poderosos. Se você ainda não os conhece, descobrirá uma banda notavelmente criativa, aventureira e sólida, que não tem medo de continuar abrindo portas para novas expressões da música progressiva (e observe que estou falando de "música" e não apenas de rock progressivo).

Artista: Supay
Álbum: Confusión
Ano: 2004
Gênero: Folk progressivo
Nacionalidade: Peru
Duração: 41:28

Estamos de volta com o folk, mas desta vez é um folk com rock progressivo. Supay , um grupo peruano que funde rock progressivo com influências musicais andinas, também é o nome de um ser mitológico das antigas civilizações Inca e Aymara, uma espécie de deus e demônio. O vento desempenha um papel fundamental neste álbum, representado pela flauta de pã (zampoña), a quena e a tarka, dando à mistura seu toque folclórico. O álbum é inteiramente instrumental, apresentando tanto passagens tranquilas onde os vários instrumentos andinos tocam melodias alegres em harmonia, quanto seções mais enérgicas com solos de guitarra e teclado.

Mas vamos ao comentário do nosso sempre presente e involuntário comentarista, que nos diz o seguinte sobre este álbum:

SUPAY é uma banda instrumental peruana muito interessante, cujo álbum de estreia, "Confusión", foi uma revelação na cena do rock progressivo com raízes andinas. Lançado originalmente em 2004 exclusivamente em vídeo, "Confusión" foi relançado dois anos depois (com capa diferente) pela gravadora chilena Mylodon. O álbum apresenta uma gama atraente de ideias melódicas traduzidas em uma mistura harmoniosa de rock progressivo e os sons característicos do folclore andino, com certas nuances "espaciais" facilmente discerníveis: algo como um híbrido de PINK FLOYD, JETHRO TULL, CAMEL, FOCUS, EL POLEN e LOS JAIVAS. Os instrumentos mais proeminentes são a guitarra solo e os instrumentos de sopro andinos: a primeira sustenta o componente hard rock do som do SUPAY, com suas alusões a BLACKMORE, SATRIANI e ao David GILMOUR mais incisivo, enquanto o segundo garante plenamente o vibrato andino. A dupla rítmica oferece um suporte firme para o desenvolvimento dessas ideias, em paralelo com seus floreios eficazes; enquanto isso, as texturas e os solos ocasionais de teclado preenchem os espaços de forma envolvente.
A cativante faixa de abertura, "Pueblo mío", serve como uma introdução perfeita ao universo musical do SUPAY, especialmente considerando que as três faixas seguintes formam o núcleo do álbum. "Pueblo mío" estabelece motivos bem definidos através de instrumentos de sopro andinos, abrindo caminho para o papel de destaque da guitarra e uma explosão de frenesi rock, enquanto os sopros mantêm o equilíbrio com o elemento fusion até o clímax final. "Avanzando" e "La Nueva" são as faixas mais longas do álbum, com quase nove minutos cada. Esse amplo espaço instrumental permite que a banda explore profundamente certas ideias musicais fundamentais e as delicie com jams bem articuladas. A primeira adota uma atitude decididamente exuberante, exibindo o que talvez seja a estrutura composicional mais ambiciosa do álbum: o tecladista Gustavo Valverde demonstra habilidade suficiente para criar os grooves estilizados que impulsionam a música. A segunda faixa, que começa com uma introdução nitidamente terrena apresentando três instrumentos de sopro (além dos dois instrumentos de sopro usuais, o guitarrista adiciona uma quena), tem um corpo principal com uma atmosfera mais meditativa, algo entre Pink Floyd e Focus — uma menção especial para o fraseado flutuante que Luis Proaño constantemente despeja nas seis cordas. Entre essas duas peças, a faixa-título combina a vibração graciosa das duas primeiras com o espírito lânguido da quarta: sinto que essa faixa merecia mais desenvolvimento do que os 3 minutos e meio que lhe foram concedidos. 'En el viento' e 'Imperio' são as faixas mais liricamente lúdicas do álbum, verdadeiras releituras andinas do legado do Jethro Tull, embora as características estilísticas particulares da banda sempre transpareçam com inegável clareza. Ambas as faixas exibem, como nenhuma outra no álbum, a proeza técnica do baixista Renzo Danuser e a fluidez rítmica do baterista Neto Pérez. 'Chicago Chico' (apelido do bairro de Surquillo, em Lima, base urbana da banda) encerra o álbum com um toque de jazz-rock dentro de uma sonoridade que já reconhecemos como típica.
Em suma, "Confusión" é um poderoso testemunho da fonte de criatividade que emerge quando o rock estende seu alcance para assimilar o folclore andino e se enriquecer através da interação com ele, criando assim uma oferta progressiva de altíssima qualidade musical. O SUPAY certamente merece atenção especial do público do rock progressivo.

César Inca

 

 

Este álbum merece mais de uma audição; é verdadeiramente diverso em termos de ritmos e melodias. Todas as faixas são, em geral, muito cativantes, alcançando uma mistura única, melódica e variada. Vale a pena ouvir, não apenas para fãs de rock progressivo, flautas ou música folclórica andina.

Quase sempre que ouço uma banda sul-americana de folk progressivo, acabo ficando parcialmente decepcionado, porque em vez de uma verdadeira fusão progressiva entre rock e sons andinos, acabo ouvindo algumas músicas folk diluídas com muito rock e muito pouco prog. Bem, pessoal, esse não é o caso do álbum de estreia do SUPAY, “Confusion”. A essência andina está presente em cada música e o componente progressivo é mais do que evidente. Na minha opinião, estamos falando da banda mais promissora para seguir os passos de LOS JAIVAS, desta vez do Peru, o coração e centro do Império Inca.
Mas, novamente, encontro um grande problema na categorização dessas bandas como folk rock. As pessoas esperam ouvir algo semelhante a Jethro Tull ou Strawbs, a ponto de eu já ter lido resenhas falando sobre a conexão com o Tull. Por favor, pessoal, se vocês esperam isso, provavelmente ficarão decepcionados. Não há semelhança alguma com a música celta ou pastoral britânica; esta é música étnica andina pura, radicalmente diferente, embora igualmente bela.
O álbum começa com “Pueblo Mio” (Minha Cidade), uma canção que desde o início nos apresenta uma atmosfera andina autêntica, com quenas (flauta pentafônica ancestral peruana) e zampoñas (flauta de pã peruana), além da percussão folclórica, executando uma melodia nativa magistralmente combinada com o violão e os teclados. O contraste mágico entre a melodia andina e as mudanças radicais revela que estamos diante de uma banda progressiva extremamente talentosa.
“Avanzando” (Avançando) inicia com outra clara introdução andina, com violão e quena, remetendo à música da serrania peruana, mas quase imediatamente os teclados transformam a atmosfera onírica em um solo sinfônico, seguido por outra passagem autóctone, desta vez mais rápida e alegre. As mudanças se sucedem, comprovando a versatilidade da banda. Segue-se um excelente solo de guitarra com um som que lembra vagamente o Metal, mas não é tudo: vocoders, trechos jazzísticos e mais música indígena, executada com piano e quena, sucedem-se em nove minutos de puro Rock Progressivo.
“Confusion” marca uma mudança radical; desta vez, começa com uma guitarra Rock clássica, mas SUPAY nunca se esquece das suas raízes e retorna repetidamente à música nativa, transitando do Andino ao Hard Rock com uma habilidade incrível que permite que a música flua perfeitamente, como se essa mistura fosse algo natural.
“La Nueva” (A Nova) começa com uma introdução extremamente bela de quena, à qual se junta uma segunda e, mais tarde, zampoñas com a percussão única que só se ouve em Cuzco ou Puno. Todos os instrumentos de sopro nativos iniciam uma seção contrapontística que conduz a uma seção melódica de piano e sopros de incrível beleza, enquanto uma guitarra rock solitária no estilo de Carlos Santana dá o suporte necessário à música, sem jamais perder o tom melancólico. Mais uma vez, diversas mudanças tornam esta faixa inesquecível.
É possível haver jazz andino? Bem, “En el Viento” (Ao Vento) responde a essa pergunta com um enfático sim, primeiro com uma espécie de jam bem estruturada e depois com uma clara base de rock, mas sempre com os sopros nos lembrando que estamos diante de uma banda folk.
“Imperio” (Império) é uma faixa muito mais pomposa, com guitarras fortes e potentes, teclados exuberantes que se transformam em uma música Metal e depois retornam às raízes indígenas, que desta vez vêm para ficar. Diversas variações sobre o mesmo tema reforçam a impressão de que o SUPAY domina o Rock, o Jazz e o Jazz Fusion com perfeição. Uma música muito interessante.
O álbum se encerra com “Chicago Chico” (Pequena Chicago), uma referência a um bairro de Lima que representa a fusão entre o povo das montanhas e a parte moderna do Peru. Da mesma forma, a música é uma mistura perfeita de sons nativos e Rock, descrevendo perfeitamente a natureza crioula dessa parte do país, enquanto recapitula as faixas anteriores.
Da última vez que avaliei um álbum peruano, para evitar chauvinismo, decidi dar apenas quatro estrelas, apesar de acreditar que ele poderia facilmente alcançar a nota máxima. Mas desta vez não serei injusto: “Confusion”, do SUPAY, merece no mínimo cinco estrelas, pois é a expressão essencial e perfeita do Rock Étnico Progressivo Andino no século XXI.

Ivan Melgar M.


Preciso dizer que recomendo este álbum e esta banda de todo o coração?

 

Resumindo, esta é uma coisa maravilhosa que você deveria saber se não quiser se sentir como se estivesse perdendo algo. E o pior é que você estará perdendo algo bom, muito bom mesmo.

 

Você pode ouvir aqui:
https://open.spotify.com/intl-es/artist/7GTQ3rwWoaVQB6E81NWGlT 

 

 

Lista de faixas:
1. Pueblo Mío (5:48)
2. Avanzando (8:52)
3. Confusión (3:36)
4. La Nueva (8:56
) 5. En el Viento (4:53)
6. Imperio (3:36)
7. Chicago Chico (5:47)

Formação:
- Luis Proaño / guitarra, quena
- Williams León / quena, zampoña, quenacho, outros instrumentos de sopro andinos, percussão
- Gustavo Valverde / teclados
- Neto Pérez / bateria
- Renzo Danuser / baixo
- Alex Valenzuela / quena, zampoña e outros instrumentos de sopro andinos

Angine De Poitrine - I (2024)

 

 E desta vez viajamos até o Canadá para apresentar uma banda que está causando sensação e que já foi mencionada em vários comentários no blog. O nome da banda por si só já avisa que você vai ter um ataque cardíaco ("Angine De Poitrine" é "Angina" em francês), e este álbum é um verdadeiro ataque de talento e complexidade. Seu álbum de estreia apresenta uma dupla vestida com figurinos bizarros, que lembram uma mistura de Carozo e Narizota com o Triângulo Esotérico de Gravity Falls, só que em preto e branco. Esses caras chegaram com tudo em 2024, e para quem acompanha o tempo, o álbum caiu como uma bomba. Saiba que esta banda não é para todos, e este álbum se encaixa perfeitamente na nossa categoria "ame ou odeie". É uma mistura de avant-prog com aquele tipo de math rock que te deixa de boca aberta, mas eles também adicionaram Frank Zappa, um toque de RIO (Rock In Opposition) e uma pitada de punk rock pesado, tudo entregue com uma produção do século XXI que soa nítida mesmo quando eles estão criando o caos absoluto. Estamos começando a semana com tudo, com um verdadeiro clássico do futuro... e cuidado, isso não é tudo! Então fiquem ligados...

Artista:  Angine De Poitrine
Álbum:  I
Ano:  2024
Gênero:  Math rock / Avant prog
Duração:  32:51
Referência:  Discogs
Nacionalidade:  França

Se existe alguma banda que me soe parecida com eles, é a banda argentina Defórmica , ou talvez a banda espanhola Jardín de la Croix , em menor grau, mas vamos combinar que o som deles não é muito comum. Antes de mais nada, vamos apresentá-los, e para isso vamos nos basear no que o Sr. Wikipédia nos diz:

Angine de Poitrine (algo como "angina no peito") é um duo de rock experimental de Saguenay, Quebec, formado em 2019. A dupla usa os pseudônimos Khn de Poitrine (guitarra, baixo e looping) e Klek de Poitrine (bateria) e, até hoje, permanece anônima.
Os integrantes tocam juntos desde a adolescência. Criaram o Angine de Poitrine em 2019, mas começaram a se apresentar regularmente em 2023. Seus figurinos e pseudônimos foram criados como uma brincadeira, assim como o nome da banda, Angine de Poitrine. Depois de serem informados de que não poderiam se apresentar no mesmo local por semanas consecutivas, eles fizeram um show usando seus figurinos. Conforme a banda evoluiu, os membros optaram por permanecer anônimos.
O Angine de Poitrine ganhou reconhecimento por meio de lançamentos digitais e apresentações em eventos por todo o Canadá. O álbum de estreia deles, "Vol. 1", foi lançado em 2024. Em fevereiro de 2026, a banda gravou uma apresentação ao vivo para a rádio KEXP, gravação que viralizou e aumentou ainda mais a popularidade da banda.
Um dos novos fãs é Dave Grohl, vocalista do Foo Fighters, que disse em entrevista ao podcast Logan Sounds Off: "Um amigo me mandou ontem e fiquei completamente impressionado. Não sei explicar, vocês precisam ver essas pessoas. Vocês vão ver a pilha de pedais que eles usam. E eles criam loops com cada um desses riffs." É totalmente insano!"
A banda combina rock experimental com math rock microtonal e performance artística, utilizando sistemas de afinação incomuns, polirritmias e outras técnicas. Em seus shows ao vivo, eles usam figurinos e máscaras de papel machê com narizes grandes (em alusão ao macaco-narigudo) e bolinhas pretas e brancas espalhadas.
Khn de Poitrine toca um instrumento híbrido de braço duplo, composto por uma guitarra e um baixo similar a uma Fender Stratocaster, com fiação separada e cada um com trastes microtonais adicionais. Foi construído à mão por um luthier em mais de 150 horas de trabalho conjunto. O instrumento inclui elementos fosforescentes devido ao campo de visão limitado através da máscara.
No duo, o performático, o musical, o composicional e a execução funcionam como um sistema indivisível e não canônico, resultando em uma sensação de estranhamento. 

Wikipédia 

 

Se você ainda não consegue imaginar como isso soa, não há alternativa a não ser ouvir, mas aqui vão algumas pistas: é como se uma orquestra de câmara tivesse enlouquecido depois de beber três litros de café e decidido destruir todos os seus instrumentos, mas com precisão cirúrgica. E embora pareça que tudo está prestes a desmoronar, eles sempre caem de pé. Não há um segundo de descanso aqui, principalmente porque temos uma seção rítmica labiríntica, e também porque há uma urgência em liberar tudo o que é possível no menor tempo possível, mas com uma aspereza refinada que te mantém na ponta da cadeira.

E embora seja uma tarefa impossível desde o início, há quem ainda tente capturar sua música com palavras, então vejamos o que eles têm a dizer... 

Angine de Poitrine: O Ruído do Futuro, ou Como Desafinar o Rock Até Que Seja Novo.
 Em um cenário musical onde quase tudo parece já ter sido dito, uma banda canadense decidiu expandir os limites — não de volume, nem de velocidade, mas do próprio sistema pelo qual entendemos 
a música. Eles se chamam Angine de Poitrine, vêm do Quebec e, desde 2019, vêm construindo uma obra que soa tão desconcertante quanto fascinante.
Isso não é exagero: ouvi-los pela primeira vez pode criar a sensação de que algo está "desafinado". E, no entanto, essa é justamente a chave. Por trás do projeto estão dois músicos que permanecem anônimos: Khn de Poitrine: guitarra e baixo microtonal, vocais, loops; e Klek de Poitrine: bateria, vocais.
Sua abordagem não se limita ao som. No palco, eles aparecem com máscaras grotescas e roupas de bolinhas, evitando qualquer gesto identificável. Não há carisma tradicional do rock nem diálogos falados entre as músicas; Tudo gira em torno da experiência. Desde seu surgimento, lançaram dois álbuns: Vol. 1 (2024) e Vol. II (2026).
E em tempo recorde, passaram da cena underground para festivais internacionais, com turnês pela Europa e Canadá. O fenômeno cresceu na velocidade da viralização, com vídeos ao vivo que são ao mesmo tempo desconcertantes e cativantes. A essência do som do Angine de Poitrine reside em seu instrumento principal: um híbrido de guitarra e baixo de braço duplo, feito à mão. Isso não é um detalhe técnico; é uma declaração estética.
O instrumento incorpora trastes extras (muito mais do que uma guitarra padrão) e sistemas de afinação não convencionais. Isso lhes permite tocar microtons — intervalos menores que os semitons do sistema ocidental tradicional. O resultado é uma música que parece se deslocar constantemente do centro, desafiando qualquer resolução esperada.
O que é música microtonal (e por que soa “estranha”)?
A música ocidental divide a oitava em 12 notas. É um acordo cultural que consideramos natural. A microtonalidade rompe com esse padrão e abre as portas para sistemas com muito mais divisões: 24, 31 ou até mesmo infinitas.
Não é algo novo. Compositores como Alois Hába e Harry Partch já haviam explorado esses territórios no século XX, enquanto tradições musicais como a indiana e a árabe os utilizam há séculos. A diferença é que Angine de Poitrine leva essa lógica para o universo do rock, um gênero historicamente ancorado em estruturas mais previsíveis.
Definir a música deles não é fácil, mas existem algumas coordenadas possíveis. Seu DNA combina a complexidade rítmica do math rock (um subgênero do rock experimental e progressivo derivado do pós-hardcore e do rock alternativo, caracterizado por sua alta complexidade técnica, ritmos assimétricos, compassos irregulares como 7/8 ou 11/8 e estruturas não convencionais), a experimentação do free jazz e a teatralidade do rock progressivo. Há ecos de King Crimson na tensão estrutural, o humor caótico de Frank Zappa e a lógica fragmentada do math rock moderno.
No entanto, reduzi-los a uma soma de influências seria injusto. Sua música funciona mais como um sistema próprio do que como um derivado. Os compassos irregulares (17/4, 28/4), os loops em tempo real e a ausência quase total de melodias reconhecíveis criam uma experiência mais próxima de um transe mecânico do que de uma canção tradicional.
Eles cantam? Sim. É compreensível? Não.
Os vocais em Angine de Poitrine não têm uma função narrativa. A música soa distorcida, fragmentada, quase como um mero instrumento. Não há linguagem clara nem letras identificáveis. A palavra perde seu significado semântico e se torna textura. É mais um gesto radical: em vez de comunicar, a voz desorienta.
Para compreender a dimensão de sua proposta, é útil contextualizá-la. O compositor Arnold Schoenberg revolucionou a música do século XX com o dodecafonismo, um sistema que reorganiza as 12 notas tradicionais para evitar a tonalidade. Mas Angine de Poitrine vai além: ela não reorganiza o sistema, ela o desmonta completamente.
Por outro lado, a música clássica indiana trabalha há séculos com microintervalos (os chamados shruti), mas com um objetivo diferente: a expressão emocional e espiritual através da melodia. A tradição indiana utiliza a microtonalidade como uma linguagem viva; Angine a utiliza como um experimento sonoro. O ouvido como um campo de batalha.
Ouvir Angine de Poitrine implica um pequeno ato de renúncia: deixar de buscar "o que é certo". Não há acordes familiares, nem resoluções confortáveis. O que se esconde por baixo é algo completamente diferente: repetição hipnótica, tensão constante e uma sensação de equilíbrio precário. E, no entanto, sob essa superfície caótica, há uma precisão cirúrgica.
Em tempos em que os algoritmos recompensam o reconhecível, Angine de Poitrine oferece música que exige, perturba e, em seus melhores momentos, transforma.
Talvez não seja uma banda para todos. Mas é um sinal de algo mais profundo: que mesmo na linguagem mais codificada — a do rock — ainda existem territórios a serem explorados. E que, às vezes, para encontrar algo novo, é preciso começar desafinando tudo.

Felipe Leibovich 

 
E como defini-los é impossível, vamos direto ao ponto e ouvir essa loucura absoluta, um álbum perfeito para o título do blog.

Um álbum ideal para quem está cansado de ouvir sempre a mesma coisa e precisa de uma música que lhe dê um impulso.

É também ideal para confirmar que, atualmente, o crescimento capilar mais interessante ocorre nas laterais, onde ninguém se atreve a olhar, e é por isso que sempre focamos na parte superior do cabelo. Portanto, convido você a testar sua paciência e seu senso de admiração ao mesmo tempo.

"I" é um álbum corajoso, conciso e brutalmente honesto. Não tenta agradar; tenta fazer você sentir algo, mesmo que seja apenas um leve palpitar. É o som de uma banda que não tem medo de nada, muito menos de partituras impossíveis, e com ele, damos início a mais uma semana no blog, repleta de surpresas, muita música e uma forte vontade de continuar agitando as coisas.

Você pode ouvir o álbum na página deles no Bandcamp:
https://anginedepoitrine.bandcamp.com/album/vol-1

Lista de faixas:
1. Sherpa (5:43)
2. Tohogd (4:04)
3. Tamebsz (7:56)
4. Ababa Hotel (6:25)
5. Sahardnieh (4:13)
6. L'Aberek (4:30)

Escalação:
- KHN de Poitrine / guitarras microtonais, vocais
- Klek de Poitrine / percussão, vocais

Art Of Noise Daft (1984)

 

Resenha: Com sua combinação de genialidade na produção, experimentalismo e habilidade de transformar praticamente qualquer coisa em uma música cativante.

O Art Of Noise era tão pretensioso quanto o nome sugere, mas muito mais divertido. Esta coletânea reúne todo o material essencial dos primeiros trabalhos do grupo, lançados pela sua gravadora original, a ZTT – não apenas o álbum completo "Who's Afraid Of The Art Of Noise?", mas também as melhores faixas do EP de estreia "Into Battle" e duas (excelentes) remixes em vinil de 12 polegadas do clássico "Moments In Love".

O sampler Fairlight era o instrumento preferido do grupo (na verdade, o Art Of Noise foi um dos primeiros grupos a chamar a atenção do público para o sampler) e o uso que faziam de "sons encontrados" é engenhoso e muitas vezes surpreendentemente dançante, particularmente nos sucessos "Close To The Edit" e "Moments In Love".

O fato de essa última faixa ter aparecido em inúmeras coletâneas do tipo "clima" é uma prova de sua beleza estonteante, mas é muito fácil esquecer o quão brilhantemente construída ela realmente é como música e como obra de arte.

Ouvir essa música junto com uma seleção de outros trabalhos do The Art Of Noise proporciona uma perspectiva totalmente nova e nos lembra que há uma sinistra atmosfera subjacente, com todo o tilintar de correntes de prisão e a insistente insistência de "agora! agora! agora!".

Essa combinação de beleza e crueldade é um truque comum do Art Of Noise, empregado com grande efeito em faixas como a atmosférica “Realisation” e as de temática militar “In The Army Now” e “A Time For Fear”. Até mesmo seu momento mais cativante, “Close To The Edit”, cita erroneamente o poema “Home Thoughts From Abroad”, de Robert Browning, de uma forma nitidamente perturbadora.

Mas para que ninguém pense que o Art Of Noise era só escuridão, é importante ressaltar que também há muita luz aqui – a alegre “Snapshot” (presente em versão estendida) e a maravilhosa e infinitamente criativa “Beatbox Diversion One” vão arrancar um sorriso de qualquer um e fazer qualquer um bater o pé.

Por outro lado, este material já tem quase 20 anos, e isso transparece. Não se pode esperar que o pop experimental de outrora ainda soe de vanguarda duas décadas depois. Mesmo assim, é difícil não se maravilhar com a imaginação que foi investida nesta música. Pode soar um pouco datada no século XXI, mas as batidas ainda funcionam, e quando você ouve “Daft”, sabe que está diante da verdadeira essência original.

Resenha: Nunca houve outro grupo como o Art of Noise, e todo o seu melhor trabalho está neste CD.

Inclui o primeiro álbum completo, com as versões originais e longas de “Close To The Edit” e “Beatbox”, além do raro EP “Into Battle”, e os remixes exuberantes de “Moments In Love”, lançados originalmente como single de 12 polegadas. Infelizmente, o grupo entrou rapidamente em estagnação artística a partir do segundo álbum (fazer um cover de “Peter Gunn” nunca iria revolucionar o mundo), repetindo seu som único com resultados cada vez menos impactantes.

Pior ainda foram as releituras techno de suas músicas nos anos 90, que não tinham nenhuma relação com o estilo original. Seu notável e inovador gênio é totalmente apresentado neste pacote indispensável.

Resenha: Este é um item essencial para os fãs de AoN da época do Zang Tumm Tumb... na verdade, é uma coletânea de três discos: Into Battle, Who's Afraid e o maxi-EP Moments In Love, que contém quatro versões da lendária faixa.

Acho extremamente conveniente ter todas essas faixas maravilhosas e atemporais em um único CD, mas tenho uma grande ressalva que me impede de dar cinco estrelas: por que a ausência da versão original de "Beat Box"? Como o álbum "Into Battle" não está mais disponível nos Estados Unidos, é bem difícil encontrar a versão original de "Beat Box", e ficamos apenas com a boba e prolixa "Diversion One", que está presente em praticamente todas as coletâneas da AoN que já vi.

Por sorte, tenho o "Into Battle" em vinil, mas teria sido ótimo ter este em formato digital. No geral, um item indispensável para o apreciador de boa música eletrônica e art rock. A intromissão do Art Of Noise... o estrondo e o clangor do Art Of Noise... Between Jest And Earnest... between love and war... between now and then... Hummm, junto com o AoN!

Art Of Noise Below The Waste (1989)

 

A julgar pelas poucas informações que consegui reunir sobre este álbum, ele não está exatamente ocupando nenhum dos primeiros lugares na lista de "Melhores do AON" de nenhum de seus admiradores, e não é difícil entender o porquê.

Se Who's Afraid? representou a banda nos dias de sua juventude rebelde, In Visible Silence os mostrou como jovens de vinte e poucos anos um pouco mais responsáveis, e In No Sense os apresentou como filósofos ultra-sérios e quase ridiculamente maduros da cultura avant-pop, então Below The Waste é a senilidade em ação. Contido, livre de excessos, fortemente influenciado tanto pela world music quanto pela crescente cena ambient, é a antítese por excelência de tudo o que foi Who's Afraid?.

Mas, caramba, eu gostei — a ponto de declará-lo meu segundo álbum favorito do AON. Se você procura inovação e revolução, procure em outro lugar; e, pensando bem, seria difícil imaginar o AON alcançando algo verdadeiramente revolucionário depois de abalar o mundo com seu álbum de estreia. Eles tentaram, com certeza, mas não foi nem de longe tão engraçado ou empolgante. Em Below The Waste, eles nem tentam.

Contudo, chamar este disco de uma sequência desiludida ou sem inspiração do exagerado In No Sense também não seria exatamente correto; esta não é uma sequência “obrigatória”, nem sinto qualquer falta de inspiração. O que sinto é uma sensação de “voltar ao normal”. De colagens desafiadoras, mas essencialmente sem sentido (tanto intelectual quanto emocionalmente), Dudley & Cia. retornam a um estilo mais básico de fazer música, onde cada composição, seja ela inovadora ou conservadora, deve servir a um propósito específico. E eles permanecem assim.

Não é um disco magnífico, mas é bem feito. O single foi "Yebo!", um hino techno com batidas africanas, no qual eles colaboraram com músicos africanos; pessoalmente, acho tão sólido quanto qualquer coisa que eles tenham feito antes. Dançante, cativante e – para nossos ouvidos europeus pouco civilizados – bastante engraçado. Quanto à sua espiritualidade, bem, deixo isso ao gosto de cada um; minha impressão é que os sons proto-techno do AON não diminuem em nada a essência africana, assim como as guitarras metálicas genéricas dos anos 80, usadas com moderação. Mais tarde, a world music retorna nos três minutos de "Chang Gang", que na verdade é mais techno do que étnica, mas ainda assim faz sentido.

O que torna difícil escrever sobre isso é que a maior parte é apenas "música ambiente", não necessariamente ambient, mas muito voltada para o prático, se é que me entende. "Yebo!" talvez seja a única faixa aqui que demonstra alguma ambição. Já "Catwalk" mescla um pouco de canto étnico com uma base instrumental – em sua maior parte – disco (baixo disco, guitarra funky, orquestração à la "Saturday Night Fever", todos os requisitos necessários), o que a torna totalmente dispensável; mas tem uma boa melodia. "Dan Dare" parece querer soar como um hino universal, mas nunca decola de verdade ou oferece ao ouvinte um clímax glorioso – em vez disso, funciona apenas como algo para relaxar confortavelmente em uma manhã ensolarada e tranquila, enquanto toma seu Martini na varanda da sua aconchegante casinha nos arredores de Honolulu, com as ondas quebrando suavemente na praia dourada e tudo mais… ah, desculpe, categoria errada aqui. Deixa pra lá.

Ainda não faço ideia do porquê de terem decidido fazer um cover do tema de James Bond – talvez o relativo sucesso de 'Dragnet' os tenha convencido de que valia a pena repetir a dose. Bem... em certo nível de percepção, não há nada de errado nisso. Eu gosto do tema de James Bond, e se for para arrasar numa trilha sonora que não seja de Bond, o Art of Noise certamente se qualifica como uma boa escolha para interpretar essa música.

Novamente, surge a questão da integridade artística: obviamente, não é preciso ser o The Art Of Noise para fazer um cover do tema de James Bond, especialmente quando se faz isso de forma tão superficial e quase mecânica, sem sequer um "posso dizer algo?" no meio do caminho. Mas lembre-se, já concordamos que esta banda não tem nada a ver com o Art Of Noise "clássico", não é? Que são apenas um grupo de bons artistas fazendo música intrincada e divertida, mas nada desafiadora? Certo? Como assim, não concordamos? Quanta atenção você está disposto a dedicar à leitura destas resenhas?

A única outra faixa que chamou a atenção foi "Island", uma instrumental New Age expansiva com muita orquestração suave e pianos que pareciam pertencer a algum drama sentimental e estiloso, no estilo de "Sintonia de Amor" ou qualquer equivalente desse filme de 1989. Aliás, todo o álbum soa como uma trilha sonora, e imagino que, se fosse uma trilha sonora de verdade, teria sido recebida com um pouco mais de entusiasmo. Mas sempre tratei trilhas sonoras com justiça (ou seja, sempre que me permiti resenhar uma), e esta pseudo-trilha sonora não deve ser exceção.

Em particular, gosto bastante de 'Island'. E posso até citar diretamente uma das principais razões pelas quais gosto de 'Island': sua atmosfera minimalista. Sim, é uma música ambiente sentimental, mas não tem nenhum daqueles sintetizadores "angelicais" estridentes que são a principal praga da música adulta contemporânea, e o tema principal de piano com um toque de jazz suave é tão fresco e tão bonito que não vejo por que eu não deveria me sentir esteticamente satisfeito com ele.

Por fim, se vamos defender a diversidade, não podemos esquecer a ameaça "brutal" de "Back To Back", com seus riffs metálicos ásperos e arranjos orquestrais pomposos. Também não é exatamente memorável, mas entre a etno-techno de "Chang Gang" e a faixa com influência caribenha "Spit", funciona muito bem. Assim como a valsa leve de "Robinson Crusoe" (!). Hehe. Resumindo, gostei deste disco. Aliás, não consigo imaginar como um álbum como este, com objetivos tão modestos, poderia soar melhor.

E foi uma maneira discreta, porém honesta, da banda se despedir – afinal, para onde se deve ir depois de chegar à fase da senilidade?