● Ted Nugent: guitarras, vocais (faixa 4) e percussão
● Derek St. Holmes: vocais (faixas 2, 5, 8) e guitarra rítmica
● Meat Loaf: vocais (faixas 1, 3, 6, 7, 9)
● Rob Grange: baixo
● Cliff Davies: bateria e backing vocals
Com:
● Steve McRay: teclados
● Tom Werman: percussão
Lançado apenas um ano após seu triunfal disco de estréia, "Free-for-All" consolidou Ted Nugent como a força motriz do Rock de Detroit. Se o primeiro disco trouxe o épico "Stranglehold", este sucessor apostou na urgência e na diversidade vocal, tornando-se um dos pilares do Hard Rock dos anos 70.
O grande diferencial deste trabalho é a participação de Meat Loaf. Devido a desentendimentos temporários entre Nugent e o vocalista Derek St. Holmes, o futuro astro de "Bat Out of Hell" foi recrutado para gravar boa parte das faixas. O contraste é fascinante: enquanto St. Holmes traz o groove clássico e a alma em "Dog Eat Dog", Meat Loaf injeta uma dramaticidade quase operística em "Writing on the Wall" e na explosiva "Hammerdown". A faixa-título abre o disco com um dos riffs mais icônicos da década, servindo como um cartão de visitas para o caos controlado que se segue. A produção de Tom Werman é afiada, dando destaque ao timbre saturado da Gibson Byrdland de Nugent.
Embora a parceria com St. Holmes tenha sofrido fissuras na época, musicalmente a banda estava no auge de sua química. O baixo de Rob Grange e a bateria precisa de Cliff Davies garantem a sustentação necessária para que Nugent desfile seus solos frenéticos, o que faz de "Free-for-All", essencialmente, um disco de instinto e eletricidade.
Após a grandiosidade orquestral e as experimentações de estúdio em "Destroyer", o KISS sentiu a necessidade de retornar às suas raízes mais viscerais. Para "Rock and Roll Over", lançado ainda em 1976, a banda recrutou o produtor Eddie Kramer, famoso por seu trabalho com Jimi Hendrix e por ter capturado a energia bruta do grupo no álbum "Alive!". A intenção era clara: registrar o som de uma banda de Rock tocando junta em uma sala, sem os excessos de pós-produção que marcaram o lançamento anterior.
Para alcançar esse som orgânico e "seco", a banda alugou o Star Theatre em Nanuet, Nova Iorque. Eddie Kramer espalhou microfones pelo teatro vazio e até colocou o baterista Peter Criss para gravar em um banheiro, buscando uma acústica específica e potente. O resultado foi um álbum que transborda urgência e eletricidade, abandonando as baladas com piano e as orquestras em favor de riffs de guitarra diretos e uma seção rítmica que soa como um soco no estômago.
O repertório do álbum é um desfile de clássicos do Hard Rock setentista. Faixas como "Calling Dr. Love", composta por Gene Simmons, e "I Want You", de Paul Stanley, demonstram a confiança de uma banda no auge de seus poderes criativos. O disco também traz "Hard Luck Woman", uma canção com influências de Country e Folk que Paul Stanley originalmente escreveu pensando em Rod Stewart, mas que acabou ganhando uma interpretação icônica na voz rouca de Peter Criss, tornando-se outro grande sucesso comercial.
Visualmente, o álbum é acompanhado por uma das artes de capa mais famosas do Rock, criada por Michael Doret. O design gráfico circular, que apresenta os rostos estilizados dos quatro membros em um padrão geométrico, complementa perfeitamente a natureza cíclica e energética das canções. "Rock and Roll Over" consolidou o KISS como a maior força do Rock americano da época, provando que, mesmo após alcançarem o estrelato, eles ainda sabiam como entregar um Rock 'n Roll cru, divertido e sem firulas.
Este australiano é claramente apaixonado por algo que ama, e abraça de todo o coração um renascimento do som clássico a partir de uma perspectiva pessoal, única e apaixonada, resgatando sons familiares a todos nós, desde Pink Floyd, Yes, Genesis, Mike Oldfield e outras obras-primas progressivas de todos os tempos. Aqui está outro álbum quase desconhecido, mas altamente recomendado, e se você gosta de rock progressivo com a sonoridade de um filme de ficção científica de grande orçamento, prepare-se, porque "Monsters From The Id" é uma jornada alucinante em um álbum excelente. Aqui está uma resenha completa para que você saiba o que esperar... porque isso é cinema para os ouvidos, e o próprio título já dá uma pista: é uma referência ao clássico filme de ficção científica "Planeta Proibido". Uma verdadeira joia de álbum para adicionar à sua coleção de "tesouros modernos", e mais um que entra na nossa seção de joias desconhecidas que são altamente, altamente recomendadas!
Artista: Ben Craven Álbum: Monsters From The ID Ano: 2022 Gênero: Crossover Prog / Symphonic Prog Duração: 54:42 Referência: Discogs Nacionalidade: Austrália
Este australiano é um louco adorável: toca tudo, canta tudo, produz tudo e, além disso, cria capas de álbuns que parecem pôsteres de filmes dos anos 50. Neste álbum, Craven entrega um álbum conceitual que é basicamente uma carta de amor ao prog sinfônico dos anos 70, mas com qualidade de áudio do século XXI. O mais impressionante é que ele gravou tudo sozinho. Não é uma banda improvisando; é uma orquestra de um homem só. Há um festival de sintetizadores analógicos, mellotrons e texturas cinematográficas que fazem você se sentir como se estivesse atravessando uma galáxia desconhecida.
Obviamente, Craven não vende músicas individuais. Tudo tem um som orquestral, épico e analógico. O álbum é estruturado em torno de duas grandes peças épicas (ou suítes, se preferir) divididas em várias partes, o que força você a ouvi-lo do início ao fim se não quiser se perder. Numa era em que tudo é digital e abreviado para TikTok, para um louco sentar e compor suítes de 20 minutos com arranjos orquestrais é um ato de rebeldia. "Monsters From The Id" é um álbum ambicioso: quer ser grande, quer soar massivo, e consegue.
"Die This Way" é o início da primeira suíte. Começa com muita força, muita bateria orquestral e um refrão cativante. É o momento em que os temas principais são introduzidos, temas que reaparecerão ao longo de toda a jornada. "The Single" é a faixa mais "direta" (dentro do contexto do prog, claro), demonstrando que o cara sabe como escrever melodias cativantes; Não se trata apenas de virtuosismo pelo virtuosismo. Em seguida, vem "Amnis Fountain", e é aqui que o álbum se torna mais experimental e atmosférico. Há passagens instrumentais que são um deleite, onde Craven brilha com seu violão e teclados etéreos. Finalmente, "Guiding Light" é a faixa para um final épico. É a resolução de todo o drama sonoro que veio antes. Termina em grande estilo, com uma sensação de triunfo que te deixa com vontade de ouvir o álbum todo de novo.
E se você não acredita em mim, ouça alguma faixa do álbum...
Se você sente falta de produções ambiciosas, mas quer algo novo que não soe como uma "cópia barata", Ben Craven é o cara certo. É o álbum perfeito para ouvir com bons fones de ouvido, luzes apagadas e a mente pronta para viajar para outros planetas.
O que você acha desse estilo cinematográfico? Eu, particularmente, adoro...
: - Lado 1: 1. Die Before You Wake (19:32): - a. Sleeping Specter (2:19) - b. Ancient Majesty (1:31) - c. Die Before You Wake Part 1 (3:03) - d. Warming Glow (3:55) - e. Wicked Delights (2:40) - f. Die Before You Wake Part 2 (2:01) - g. Endless Night (4:03)
- Lado 2: 2. Amnis Flows Aeternum (19:11): - a. Amnis Flows Aeternum Part 1 (1:11) - b. Guiding Voice Part 1 (2:39) - c. Sound and Light (1:20) - d. Guiding Voice Part 2 (1:06) - e. Royal Rewards Part 1 (1:09) - f. Blessed Stream Part 1 (0:58) - g. Amnis Flows Aeternum Parte 2 (2:26) - h. Earthly Dues (2:47) - i. Amnis Flows Aeternum Parte 3 (3:04) - j. Blessed Stream Parte 2 (0:51) - k. Royal Rewards Parte 2 (1:02) - l. Guiding Voice Parte 3 (0:38)
- Faixas bônus: 3. Die Before You Wake (edição single) (4:57) 4. Wicked Delights (edição single) (2:40) 5. Guiding Voice (edição single) (3:31) 6. Amnis Flows Aeternum (edição single) (4:51)
Esta é uma daquelas joias escondidas incríveis que entra na nossa seção "Desconhecidos e Recomendados", uma banda italiana que, em seu único álbum completo, entregou uma obra fenomenal antes de desaparecer. Como diz um dos comentários que compartilhamos nesta publicação: "A história de um grupo de músicos talentosos que criaram música inovadora e empolgante, mas que nunca receberam o reconhecimento que mereciam na época. No entanto, neste caso específico, mesmo depois de cinco décadas, 'Melos' continua sendo um álbum impressionante e emocionante, e uma das joias escondidas do rock progressivo italiano." Mais um ótimo álbum para você descobrir, negligenciado pela indústria musical. E um álbum ideal para explorar neste fim de semana que está apenas começando.
Artista: Cervello Álbum: Melos Ano: 1973 Gênero: Rock Progressivo Italiano Duração: 35:41 Referência: Discogs Nacionalidade: Itália
Este é um daqueles álbuns que muitos ouvintes sentem-se compelidos a comentar, então vamos direto ao ponto com um comentário de um amigo daqui:
O grupo foi fundado em 1970 por Corrado Rustici, então com dezessete anos, que foi acompanhado por Antonio Spagnolo, Giulio D'Ambrosio, Renato Lori e Pino Prota. O grupo se concentrou em explorar novos sons, criando um conjunto sem teclado usando geradores de eco combinados com pedais de baixo para produzir um som de órgão semelhante a arcos distorcidos. Eles começaram a se apresentar ao vivo e, em junho de 1973, no terceiro Festival de Música de Vanguarda e Novas Tendências, realizado naquele ano em Nápoles, alcançaram considerável aclamação da crítica. Graças também ao apoio de Danilo Rustici, irmão de Corrado e guitarrista do Osanna, o Cervello assinou um contrato de gravação com a Dischi Ricordi e, no verão de 1973, gravou seu único álbum, Melos, em Milão, uma fusão de música sinfônica e rock progressivo. Trata-se de música progressiva, ampla em sua concepção, que bebe do rock, bem como de sua própria fonte criativa, com um toque "italiano". O resultado é algo complexo e autêntico, com arranjos refinados para violão, meticulosamente elaborados e com inúmeras variações e passagens — ou pelo menos é essa a impressão que dá em alguns momentos — além de seções experimentais. Uma parte considerável das composições consiste em passagens folk, acústicas e tranquilas, embora o som também possa transitar para uma sonoridade mais "rock", pontuada por passagens mais pesadas e ecléticas, e explosões mais agressivas. Os elementos rock atingem patamares composicionais altíssimos, com passagens frescas e envolventes. As flautas são dominantes na maioria das músicas, já que quatro membros da banda tocavam esse instrumento, e eles as utilizam, juntamente com saxofones, para substituir os teclados e o mellotron, populares no gênero progressivo. Lori e Prota deixaram o grupo antes da gravação do álbum e foram substituídos por Gianluigi Di Franco e Remigio Esposito. O álbum parece não ter momentos de calmaria; as constantes mudanças e a complexidade permanecem intensas do início ao fim, reforçando a sensação de frescor que evoca. Eles parecem movidos por um forte desejo de inovação. "Melos", na época de seu lançamento, foi muito subestimado, embora objetivamente, apesar da pouca idade dos músicos, estivesse muito à frente de seu tempo, inovador e nada convencional. A ausência de teclados, a aspereza da guitarra de Rustici, o saxofone e a flauta, e a complexidade geral tornavam difícil compará-lo com outras gravações do gênero. Um dos fundadores da banda foi Corrado Rustici, que relembra aqueles anos: "Gravei meu primeiro álbum (Melos) em 73 com a banda progressiva Cervello, um álbum hoje considerado um dos 20 melhores álbuns de prog italiano. Era um período de significativa turbulência cultural e social na Itália: era muito difícil encontrar um lugar para tocar. Ocasionalmente, grupos como Jethro Tull, Genesis, Gentle Giant e Van Der Graaf Generator vinham à Itália; esses músicos faziam coisas incríveis, e eu comecei a sentir a necessidade de me comparar a eles. Eu sabia desde cedo que era importante para mim sair da Itália. Formamos um grupo chamado Nova e decidimos nos mudar, com grande sacrifício, para a Inglaterra. Lá, tive a oportunidade de conhecer, tocar e aprender com grandes músicos americanos e britânicos. Todas as grandes jornadas que fiz serviram para seguir essa minha voz interior." O álbum não obteve grande sucesso comercial e o grupo se desfez em 1974. Mesmo assim, o grupo merece considerável reconhecimento por representar uma das expressões mais originais da cena do rock progressivo italiano menos conhecida (menos conhecida no sentido de não pertencer ao seleto grupo das bandas mais famosas). Corrado Rustici, após uma breve colaboração com o Osanna, continuou sua carreira com o Nova, enquanto também seguia carreira solo como músico e produtor. Gianluigi Di Franco iniciou uma carreira solo como compositor, colaborando com o percussionista Toni Esposito até o início da década de 1980.
E antes de continuarmos com a conversa, convido vocês a conhecerem um pouco sobre este álbum muito especial que recomendamos fortemente...
Como esperado, trazemos também as sábias palavras do nosso sempre presente e involuntário comentarista, que nos fala sobre este pequeno registro que agora estamos destacando.
Seguindo os passos de seus compatriotas do Osanna (e absorvendo indiretamente certas influências de King Crimson e Van Gogh), o grupo italiano Cervello deu uma contribuição muito interessante à cena do rock progressivo de seu país com "Melos", seu único álbum. As semelhanças com o Osanna são bastante palpáveis, como evidenciado pelas seguintes características: o uso envolvente de riffs e solos de guitarra, a mistura peculiar, porém eficaz, de heavy rock, jazz-rock e sensibilidade melódica, os arranjos lúdicos e constantes de flauta e saxofone, os contrastes marcantes entre as seções elétricas e acústicas e a voz de tenor nasal do vocalista principal. O som incorporado pelo conjunto soa um tanto rústico (similar ao de Jumbo e De De Lind), mas o resultado final dos arranjos e a demonstração de energia se destacam como duas qualidades essenciais para o mérito artístico de "Melos". Sem teclados, o saxofonista Giulio D'Ambrosio utiliza múltiplas camadas de saxofone (no estilo de David Jackson) para criar orquestrações de fundo em algumas passagens deliberadamente dramáticas. E, finalmente... para completar a ligação com Osanna, descobriu-se que o guitarrista de Cervello é o irmão mais novo do guitarrista de Osanna, Danilo Rustici. 'Canto del Capro' abre o álbum com um tenor misterioso, em claro-escuro e psicodélico, que somente após três minutos se estabelece em um envolvente motivo em 5/4 sustentado sobre uma base de hard rock. No entanto, sinto que o fade-out chega cedo demais, pois o jam final tinha potencial para mais. 'Trittico' vem a seguir, exibindo uma das seções mais complexas e multifacetadas do álbum. Esta peça incorpora perfeitamente o contraste entre o bucólico e o elétrico, que, como mencionado, é uma das dívidas artísticas mais notáveis de Cervello para com Osanna. 'Euterpe' enfatiza ainda mais o bucólico: a maneira como os arpejos coordenados da guitarra elétrica e acústica sustentam os floreios da flauta e do saxofone, e então o solo de guitarra, criam uma atmosfera de reflexão, embora de forma alguma de languidez. Esta peça irradia um poder genuíno do rock que se sobrepõe às suas texturas acústicas. 'Scinsicne (TRM)' é talvez a faixa mais sombria do álbum. Começa com uma introdução onírica, na qual linhas de flauta flutuam, ornamentos de guitarra em suas notas mais agudas e toques de vibrafone; segue-se uma seção vocal situada dentro dos parâmetros do prog rock pesado e incisivo típico da banda, antes de terminar com um epílogo instrumental dissonante, no qual o saxofone e a guitarra travam um duelo tão austero quanto cativante. Esta é a minha faixa favorita do álbum e, neste caso, também me ocorre que uma expansão mais detalhada das ideias musicais apresentadas em 'Scinsicne' teria permitido que fossem exploradas mais plenamente. Mais uma vez, o vibrafone entra em cena como um instrumento introdutório vital na faixa-título: a entrada da flauta e o andamento lento evocam as seções mais tranquilas de 'Euterpe'. As coisas então se intensificam ligeiramente, levando a um final épico que se baseia em uma abordagem um tanto monótona e teatral. 'Galassia' começa revisitando a atmosfera onírica de 'Trittico', embora seu tom bucólico esteja mais claramente relacionado a 'Euterpe' e 'Melos'. De qualquer forma, os interlúdios de guitarra elétrica e a emergência de uma seção pesada no final proporcionam uma conclusão explosiva. A faixa final é uma breve balada acústica. Em suma, "Melos" é uma joia escondida dentro da prolífica tradição do rock progressivo italiano dos anos 70: Cervello é uma adição altamente recomendada para colecionadores de música progressiva desta região, bem como para fãs do lado hard rock do gênero.
E, por fim, vamos ao último comentário. Aconselho você a se concentrar diretamente na música do álbum, pois essa é a coisa mais interessante nele, senão a única...
"Melos", da banda Cervello, é mais uma joia na coroa do rock progressivo italiano. Cervello é mais um daqueles cometas brilhantes, com sabor de massa e tomate, da história do rock progressivo italiano, que chegam, deixam uma bela faísca e depois desaparecem, para nunca mais voltar. Formada em 1970 em Nápoles, a banda era composta por quatro membros: Gianluigi Di Franco nos vocais principais, Corrado Rustici na guitarra, xilofone, flauta e vocais de apoio (irmão de Danilo Rustici, guitarrista do Osanna), Remigio Esposito na bateria, Giulio D'Ambrosio nos metais e Antonio Spagnolo no baixo e violão. A banda se inspirou principalmente no crescente movimento do rock progressivo britânico, que começava a causar um forte impacto na Itália, bem como no jazz. Eles nos deixaram, como testemunho de seu talento, um único álbum, sua estreia, "Melos", considerado uma joia da era de ouro do rock progressivo italiano (também conhecido como RPI). Note-se que esta banda não possui teclados, o que é bastante incomum para uma banda italiana de rock progressivo. Alerta de spoiler: eles não parecem se importar nem um pouco. O álbum foi gravado nos estúdios da RCA em Roma, em 1973, e lançado no mesmo ano; embora as fontes sobre as datas sejam imprecisas (como é comum com bandas da RPI), os membros da banda apontam para 23 de setembro como a data de lançamento. O produtor foi ninguém menos que Danilo Rustici, apoiando seu irmão mais novo, que tinha apenas 17 anos na época. O som criado por Cervello era uma mistura de sons mediterrâneos com jazz fusion, fortemente influenciado pelo rock progressivo britânico, especificamente o início do King Crimson, além de alguns traços de música clássica e hard rock. Tudo isso, combinado com letras derivadas da mitologia grega, tornou as faixas de "Melos" complexas e meticulosamente arranjadas, com forte ênfase em mudanças de andamento e seções instrumentais variadas. O álbum abre com a faixa introdutória, "Canto Del Capro", uma música quase hipnótica no estilo de uma jam session psicodélica, com letras faladas que soam aterradoras. Isso estabelece a atmosfera geral do álbum, que é bastante sombria. Em seguida, passamos para a segunda faixa, a obra-prima "Trittico", uma suíte em três partes. A primeira seção causa arrepios nos primeiros dois segundos com uma melodia inesquecível que não destoaria em nenhum álbum clássico do Genesis, completa com belos interlúdios de flauta. Então, precedida por um grito penetrante de Di Franco, a violenta segunda seção chega abruptamente, claramente influenciada por "Mirrors" do álbum 21st Century Schizoid Man, com explosões agressivas e sobrepostas de metais, juntamente com um impressionante solo de guitarra de Rustici (que lembra Fripp em sua melhor forma), e uma terceira seção melódica e melancólica que nos deixa em transe. Simplesmente uma das melhores obras que o rock progressivo italiano já nos deu, bravíssimo. "Euterpe" é uma peça bela, tranquila e bucólica, com uma combinação absolutamente imperdível de xilofone e flautas, e um solo de teclado magnífico. "Scinsicne (TRM)" é uma peça um tanto sombria, com uma introdução misteriosa e seções com forte influência do rock, apresentando um Rustici absolutamente virtuoso e devastador nas seis cordas, que lembra o melhor do Biglietto per l'inferno, e um curioso fade-out que poderia ter sido melhor executado. A faixa-título "Melos" é provavelmente a candidata a melhor do álbum, e isso é dizer muito, dada a qualidade consistentemente alta do material. Em seus cinco minutos, ela se revela épica, com belas flautas pastorais e coros incrivelmente bem executados no estilo "In the Court", além de uma seção de metais que deixaria a PFM com inveja. "Galassia" permanece em território de alta qualidade. Começa revisitando a atmosfera onírica da primeira seção de "Trittico", embora o tom bucólico esteja mais claramente relacionado a "Euterpe" e "Melos", e também apresente um mellotron não creditado. De qualquer forma, os interlúdios de guitarra elétrica e a chegada abrupta de uma seção com guitarra e metais tocando em uníssono em velocidade máxima servem para dar um final explosivo e roqueiro. Finalmente, temos uma breve coda acústica chamada "Affresco" que quase soa como uma canção infantil de algum conto de fadas perdido dos anos 70. Apesar da qualidade excepcional de "Melos", a banda passou completamente despercebida com este trabalho, nunca alcançando sequer um sucesso comercial mínimo na Itália ou no resto do mundo, o que provavelmente contribuiu para o fim do projeto. No entanto, a música de Cervello foi redescoberta pelos fãs de rock progressivo nas últimas décadas e recebeu o devido reconhecimento por sua originalidade e criatividade como uma das obras definitivas do rock progressivo italiano, equiparando-se aos grandes nomes. O álbum tornou-se um clássico cult e foi relançado diversas vezes em vinil e CD. Por isso, Corrado Rustici (que preserva o legado da banda; aqui está o Bandcamp deles) reuniu dois de seus antigos companheiros de banda, Antonio Spagnolo e Giulio D'Ambrosio, juntamente com o jovem Virginio Simonelli nos vocais, Sasà Priore nos teclados e David De Vito na bateria, para uma turnê em Tóquio, Japão, onde tocaram "Melos" na íntegra, além de algumas faixas de Osanna (seu irmão mais velho, Danilo, faleceu em 2021 vítima da COVID-19), resultando no excelente "Live in Tokyo" (2017), que vale muito a pena ouvir. Em suma: a história do Cervello é um verdadeiro déjà vu de inúmeras bandas italianas de rock progressivo: a história de um grupo de músicos talentosos que criaram música inovadora e empolgante, mas que nunca receberam o reconhecimento que mereciam na época. No entanto, neste caso específico, mesmo após 50 anos, "Melos" permanece um álbum impressionante e comovente, e uma das joias escondidas do rock progressivo italiano.
Espero que gostem. Como podem ver, esta música foi recomendada em todo o lado, e também espero que agradeçam ao LightbulbSun, que adora todos vocês, mesmo que não mereçam. Por agora, voltamos na segunda-feira com mais música neste espaço que apelidámos de "blog cabeçudo".
E começamos com o mais recente álbum da banda polonesa Amarok, um dos principais nomes do rock progressivo polonês. É basicamente o álbum perfeito para quando o mundo parece caótico, mas você ainda quer encontrar uma saída. É um álbum que transmite a sensação de um abraço em meio a uma tempestade de sintetizadores. Este é o sétimo álbum de estúdio da banda liderada por Michał Wojtas, um disco com 10 faixas que combina rock progressivo melódico, folk e elementos atmosféricos, com toques do som inconfundível do Riverside, mas com uma pitada de Radiohead nas texturas. O álbum começa com uma avalanche de riffs, te agarra pela garganta e não te solta. E se você é fã de David Gilmour, prepare os lenços, porque os solos de guitarra aqui vão te emocionar profundamente. A mensagem é cristalina: neste mundo de inteligência artificial e falsidades, tente não se esquecer de como ser humano.
Este álbum parece ser a consolidação definitiva e completa do Amarok como banda. Aqui temos um quarteto que soa mais coeso que as engrenagens de um submarino. É um álbum de art-rock/progressivo que não te sobrecarrega com tecnicismos desnecessários, mas sim te conquista com atmosfera e sentimento, como todo bom rock progressivo polonês.E sim, tem aquele DNA polonês (melancólico, profundo, um tanto sombrio como Riverside ), mas com uma injeção de esperança que faz jus ao título. Há momentos que soam como Mike Oldfield improvisando com o Pink Floyd , mas com um toque moderno e até mesmo nuances de trip-hop.
Com uma história que remonta a 1999, nos deparamos com um lançamento poderoso, imerso no rock progressivo melódico, da banda polonesa Amarok, apresentando seu sétimo álbum de estúdio, Hope. Se você já teve a oportunidade de explorar a discografia deles, perceberá claramente que são muito específicos e incisivos na entrega do som progressivo polonês; é uma cultura profundamente enraizada na banda. Ouviremos mais guitarras com riffs afiados, mas sem abandonar a performance excêntrica do grupo, uma característica presente desde álbuns tão apreciados como Hunt e Metanoia (altas adições a qualquer coleção). Hoje, podemos ver como a formação assume uma forma mais autêntica, juntamente com uma interpretação musical mais madura, tanto individual quanto instrumentalmente. Hope Is, que ótima faixa de abertura para um álbum! Esta primeira música assume uma pegada industrial com a poderosa distorção da guitarra e do baixo. A bateria e o sintetizador envolvem completamente você na tapeçaria sonora da banda. Os vocais, por outro lado, criam uma espécie de efeito hipnótico com letras faladas que quase te prendem em transe, e o solo de guitarra final inspira uma curva de emoções, adicionando ainda mais poder a um início já conciso. " Stay Human" gira em torno de uma melodia muito mais melancólica, guiada por um arpejo atmosférico, tudo combinado com os vocais que formam um refrão profundo e sombrio. Isso gradualmente muda, junto com a bateria, por caminhos cada vez mais eletrônicos, quase se tornando um som pós-psicodélico moderno. "Insomnia", por sua vez, oferece uma introdução e um solo deslumbrante junto com a orquestração de cordas, que é audivelmente e precisamente mixada. É verdadeiramente Amarok em sua forma mais pura. Podemos destacar a performance vocal nesta faixa, que realça lindamente a alta qualidade da música para o ouvinte. Com uma abordagem bem mais experimental, Trail surge, destacando a variação da banda na composição e reforçando o que a caracteriza: sons muito mais atuais, percussão, sintetizadores suaves e hipnóticos, um solo de guitarra com reverb profundo; tudo remete ao estilo trance (dá para dançar sem problemas e mergulhar ainda mais fundo em suas vibrações). O final impactante é notável, já que a banda não está acostumada a esse estilo, mas é preciso parabenizá-los pela forma como incorporam essa energia, guiada o tempo todo pelo baterista. Welcome nos transporta de volta ao som clássico dos anos 80 graças aos sintetizadores impulsionados pela vibração constante do baixo metálico, que ressoa com grande qualidade, juntamente com o ritmo envolvente da bateria e uma guitarra suave. Konrad assume o protagonismo nessas melodias, acompanhado pela voz cristalina de Marta ao fundo. Uma mudança completa de ritmo é apresentada por Queen, agora com Kornel no centro das atenções com uma voz assombrosa e um tanto macabra. Continuamos a ouvir como a banda experimenta com diferentes espectros sonoros e melódicos. O solo de violino é sensacional, conferindo à faixa uma integridade única; por vezes, lembra-me o Trip-Hop. Perfect Run nos leva de volta à excentricidade da música eletrônica, com uma seção rítmica poderosa amplificada pela exuberância dos teclados, tornando tudo muito impactante para a própria banda. A faixa sempre apresenta fundamentos misteriosos que nos conduzem a lugares desconhecidos dentro dessa jornada, sem uma escalada clara para aqueles que se aventuram nesse vasto território sonoro. "Don't Surrender" oferece uma melodia de pura calma. Note que esse tipo de musicalidade sombria está sempre presente, mas, nesse contexto, não perturba, e sim acalma. Michal é o protagonista, com seus vocais excelentes, acompanhados por um fraseado que torna toda a paisagem sonora muito mais atmosférica, em perfeita sintonia com a letra da música. O acompanhamento instrumental permanece sutil, porém poderoso; é uma mistura natural que eles entregam, até o final, onde o solo de guitarra não ultrapassa a dinâmica original das melodias. " Simple Pleasures" continua essa meditação atmosférica, oferecendo paisagens sonoras com toques sutis de guitarra, evitando exageros para manter uma constante sensação de calma guiada pelos vocais e pelo sintetizador em um notável controle. Os vocais, apresentados nesse cenário magnífico, são particularmente proeminentes. Seguindo o mesmo caminho, encontramos a faixa de encerramento do álbum, "Dolina", cantada no idioma nativo da banda. Este final de três minutos oferece um relaxamento constante, com vocais suaves que se misturam perfeitamente com o violino numa sensação de vazio. Ouvindo este álbum de quase uma hora e sua conclusão, podemos ver claramente que a banda mantém um fluxo envolvente, nos mantendo completamente imersos nesta obra notável. Acredito firmemente que este álbum é uma coleção magnífica de canções que nos fazem refletir sobre todos os seus aspectos. É um daqueles lançamentos para se ouvir em paz e tranquilidade, que impacta emocionalmente através da música e das letras, preenchendo a alma e provocando reflexão. É inegavelmente de altíssima qualidade, com um som verdadeiramente cativante, e representa um salto evolutivo para a banda, levando seus níveis de experimentação musical a territórios desconhecidos, que eles magistralmente mesclaram e deram vida nesta fusão de gêneros com quase uma hora de duração, culminando em um som de art rock melódico refinado.
A produção é impecável. Cada batida de bateria e cada linha de baixo parecem estar ali, ao seu lado. E os vocais de Marta Wojtas dão aquele toque etéreo que faz você se sentir flutuando. Então, convido você a começar a ouvir...
Este não é um álbum para ouvir ao fundo enquanto lava a louça. Se você curte rock progressivo com alma, que usa tecnologia, mas não esquece a guitarra vibrante, este álbum do Amarok é o seu novo refúgio.
Continuamos nossa exploração da história pouco conhecida do rock peruano. Desta vez, apresentamos uma banda icônica em um álbum de 2006, uma compilação de faixas inéditas gravadas entre 1967 e 1970. Inclui versões alternativas de músicas de seus dois álbuns oficiais e gravações feitas durante os ensaios da banda. Uma verdadeira joia para os apreciadores.
Artista: Laghonia
Álbum: Unglue Ano: 2006 Gênero: Rock Psicodélico Duração: 53:49 Nacionalidade: Peru
Formada no final da década de 1960, esta banda surgiu como uma lufada de ar fresco no Peru. Lançaram dois álbuns: o primeiro, intitulado "Glue", em 1968, e o segundo, "Etcétera", em 1970. Ambos os álbuns foram apresentados no blog Cabezón. Os principais membros do Laghonia formariam posteriormente o We All Together . Este álbum, "Unglue", é uma compilação de faixas inéditas em vinil após o lançamento de "Glue" e, como mencionado no título da postagem, situa-se entre os dois álbuns oficiais. Inclui versões instrumentais e alternativas do álbum "Glue", bem como algumas faixas inéditas. Todas as faixas foram originalmente gravadas em fitas cassete de ensaio caseiro, portanto a qualidade não é excelente, embora tenham sido masterizadas posteriormente nos estúdios MCA em Lima. No entanto, quem se interessar por esta gravação talvez não se importe muito. E nem todos ficaram muito satisfeitos com o resultado, como se pode ler em alguns comentários.
Sendo brutalmente honesto, acho que as faixas (ensaios, covers, instrumentais) compiladas em Unglue praticamente não acrescentam nada à obra musical de Laghonia; é apenas uma tentativa de capitalizar o recente interesse (especialmente estrangeiro) em bandas de rock peruanas mais antigas. Isso não significa diminuir a música de Laghonia de forma alguma, que — como mencionei em uma resenha anterior — deveria ser audição obrigatória para qualquer amante da música peruana que se preze. No entanto, o material aqui reunido não é sólido o suficiente para gerar qualquer interesse real, exceto talvez entre os completistas de psicodelia e acid rock. Suponho que a ideia por trás disso era fazer algo semelhante à Antologia dos Beatles (com todo o respeito) no sentido de apresentar versões iniciais das músicas e lançar luz sobre seu trabalho em estúdio, mas a má qualidade de som do material incluído e as condições em que foi gravado impedem uma apreciação adequada da banda em seu ambiente mais intimista, mesmo que demonstrem a proeza instrumental que caracteriza seus LPs. O interessante aqui talvez seja a versão estendida de "The Sandman", diferente da presente em Glue, e a outra novidade é a inclusão de "Chocolate Houses" e "Confusion in the Street", faixas inéditas da banda (esta última soa como uma jam session) cuja gravação horrível as torna quase indecifráveis; ironicamente, pode-se dizer que são precursoras locais involuntárias do lo-fi e do noise, à la Velvet Underground. Em resumo, Unglue é um álbum difícil de recomendar, exceto para aqueles que já conhecem bem a banda e querem ouvir TUDO o que eles gravaram. É mais do que dispensável e meramente um complemento para quem está fora desse nicho de mercado. Apenas para fãs incondicionais. Faixas recomendadas: The Sandman (versão longa), Bahia (versão rápida), Billy Morsa (ensaio).
LesterStone
Seja como for, este é um álbum histórico que não podemos ignorar se quisermos enfatizar a história do rock peruano em particular e a história do rock latino-americano em geral.
Lista de faixas: 1. Neighbor (ensaio - instrumental) 03:51 2. The sandman (ensaio) 03:56 3. Billy walrus (ensaio) 03:47 4. Trouble child (ensaio) 02:55 5. My love (versão acústica original) 04:44 6. And I saw her walking (ensaio) - Saul nos vocais 03:18 7. Glue (ensaio) 03:13 8. Glue (improvisação) 01:41 9. Bahia (ensaio - versão rápida) 04:10 10. Outro 00:04 11. World full of nuts (instrumental - versão final) 03:41 12. Chocolate houses (faixa bônus) 03:55 13. Confussion in the street (faixa bônus) 08:18
Formação: - Saul Cornejo / guitarra, vocal - Manuel Cornejo / bateria - Eddy Zaraus / baixo - David Levane / guitarra, vocal - Carlos Salom / teclados - Alex Abad / percussão, guitarra rítmica
Lançado originalmente em 2000, Riding with the King é, na verdade, um dos três álbuns com influência do blues que Eric Clapton concebeu e executou durante essa fase de sua carreira. Me and Mr. Johnson , de 2004 , era composto por canções escritas e gravadas originalmente pelo ícone do gênero, Robert Johnson, enquanto From the Cradle, lançado uma década antes, consistia em uma coleção de covers com influências mais diversas, no mesmo estilo.
Relançado em versão remixada, remasterizada e expandida para o seu 20º aniversário, o álbum em colaboração com BB King, da banda Slowhand, não é exatamente uma reedição luxuosa, mas a inclusão de duas faixas até então indisponíveis, gravadas durante as sessões originais, oferece a possibilidade de reconfigurar a sequência das faixas (pelo menos no CD), uma abordagem que altera consideravelmente a experiência de audição.
Com a faixa-título escrita pelo erudito John Hiatt, esta versão de "Riding with the King" carece em grande parte do tom irônico intrínseco à canção e, na verdade, é tão homogênea quanto boa parte da obra de estúdio de Clapton ao longo dos anos. Ainda assim, acertadamente coloca BB como ponto focal através de suas palavras faladas, e o veterano também assume o protagonismo vocal em uma comovente "Ten Long Years", onde as trocas de guitarra entre os dois protagonistas, assim como em "Worried Life Blues", demonstram genuína eloquência instrumental. Enquanto isso, as texturas acústicas que dominam a faixa e "Key to the Highway" contribuem imensamente para garantir que esta versão transcenda a familiaridade da própria canção.
Nos dois discos com sonoridade mais tradicional mencionados anteriormente, os membros da banda de Eric Clapton demonstraram uma tendência a tocar de forma excessivamente correta, o que acabou prejudicando seu próprio trabalho. Em contraste, aqui, músicos de renome, incluindo Jim Keltner e Joe Sample, se saem com muito mais estilo, apesar de dedicarem seus esforços a escolhas de repertório um tanto prosaicas, como "Hold On I'm Coming", de Isaac Hayes e David Porter, e "Come Rain Or Come Shine", de Johnny Mercer e Harold Arlen. A contribuição do guitarrista Doyle Bramhall II, colaborador de Clapton tanto em shows quanto em estúdio, equilibra essas escolhas de standards. "Marry You" e "I Wanna Be" atenuam o sabor predominantemente blues do álbum com uma sensibilidade rock and roll/pop, em sintonia com os trabalhos mais comerciais de Eric Clapton.
Para os puristas, no entanto, a substituição das faixas inéditas de blues “Rollin' and Tumblin'” e “Let Me Love You Baby” pode muito bem ter resultado em uma obra uniformemente autêntica; a primeira, com sua influência do dobro, poderia muito bem ter o dobro da duração, por exemplo, enquanto a aparente espontaneidade do momento na segunda pode muito bem ser o ponto alto desta versão expandida. As duas faixas principais certamente se alinham com outras duas excelentes composições, não por coincidência, ambas escritas por King com Jules Bihari: “Days Of Old” e “When My Heart Beats Like A Hammer” soam verdadeiras, fortes e claras, como uma expressão pessoal do coração através da voz e, principalmente, da guitarra do coautor e de Clapton. A expressão mais eloquente que surge ao longo desta uma hora de duração percorre esses instrumentos, e o elegância e a graça discretos que BB King demonstra aqui, clarificados pela engenharia de som do produtor original Simon Climie, elevam consideravelmente a própria performance de Eric.
Este último se destaca na estimada companhia de seu herói em outros momentos, corroborando ainda mais a impressão de que o arquétipo do herói da guitarra da Grã-Bretanha está no seu melhor quando desafiado, implícita ou explicitamente, por músicos superlativos como 'Blues Boy'. Esperamos que o homem outrora comparado a Deus se beneficie de uma mentoria igualmente instigante quando chegar a hora de iniciar um diálogo criativo como o que constitui Riding with the King .
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