ROCK ART

 

“CA$INO” com Baby Keem no The Fillmore

 

Em uma noite quente do início de junho, Baby Keem passou por Filadélfia para uma de suas últimas apresentações nos EUA da turnê “CA$INO”. Apesar de ter emplacado grandes sucessos com “The Melodic Blue” em 2021, “CA$INO” não alcançou o mesmo êxito comercial, e embora eu inicialmente estivesse cético quanto à sua decisão de tocar em locais menores, foi uma escolha que se mostrou acertada desde o início.

O Fillmore estava praticamente lotado quando entrei, e a energia era palpável. O show começou com a versão instrumental de “No Security” e logo emendou com a faixa-título “CA$INO”. Foi difícil encontrar o Keem em meio ao mar de celulares à minha frente, mas finalmente consegui distinguir o pontinho vermelho no topo da estrutura de uma máquina caça-níqueis à direita do palco.

Depois de “CA$INO”, ele emendou com “STATS”, uma das favoritas dos fãs de sua mixtape de 2019, “DIE FOR MY BITCH”. Assim que a introdução começou, o local inteiro explodiu no primeiro verso, e Keem deixou rolar um pouco antes de entrar. A mudança de ritmo nessa música é incrível, e a plateia foi à loucura quando o drop finalmente chegou.

Ele voltou ao repertório e tocou algumas músicas do álbum “The Melodic Blue”. A primeira, “booman”, é uma canção de afirmação com uma ótima energia, e Keem mandou ver nos improvisos durante toda a apresentação. A próxima foi “vent”, outra música intensa para a roda punk. Kendrick Lamar faz uma participação especial não creditada no refrão, e a plateia vibrou com a presença do primo de Keem.

“Circus Circus Free$tyle” foi um dos pontos altos do novo álbum para mim, e Keem fez questão de incluir cada palavra. É reconfortante ver que, numa época em que os rappers frequentemente dependem demais da energia da plateia e não rimam de verdade, Baby Keem é um artista genuíno, que não tem medo de explorar seus limites.

No início, Keem continuou a se concentrar nos sucessos, incluindo seu hit de estreia, “ORANGE SODA”, e “trademark usa” para aproveitar o hype do Fillmore. Depois de mais algumas músicas, veio “HONEST”, uma das minhas canções mais ouvidas de todos os tempos. As harmonias ao vivo que ele adicionou a essa música não saíram da minha cabeça e, sem surpresa, foi uma das minhas favoritas do show.

"Family Ties" obviamente seria um espetáculo, mas nem eu esperava a explosão que se seguiu. Parecia que não havia uma pessoa sequer no local que não estivesse de pé, e as vozes se perdiam em todos os cantos. A sala inteira cantava palavra por palavra, o que tornou a experiência mágica.

Keem encerrou o álbum com as faixas finais de “The Melodic Blue” e “CA$INO”, “16” e “No Blame”, respectivamente. “16” é outra das minhas favoritas, uma música mais lenta e contemplativa que sintetiza muito bem os temas daquele álbum. 

Sinceramente, eu estava meio indiferente a "No Blame", mas aos poucos fui gostando. A batida não me impressiona, mas isso não significa que não tenha seus méritos. O tema é comovente, e Keem exibiu uma homenagem aos seus familiares falecidos no telão atrás dele. Funcionou bem como última música do show.

As luzes se acenderam e sair do Fillmore foi como tentar emergir de um formigueiro. Mas, apesar dos empurrões e das pessoas passando voando, percebi que um local menor é definitivamente a melhor opção para um artista de maior porte. Contanto que a infraestrutura suporte.

Turnê "Everyone's a Star!" da banda 5 Seconds of Summer no Mohegan Sun.

 

A banda 5 Seconds of Summer impressionou o Mohegan Sun em Uncasville, Connecticut, com a turnê "Everyone's a Star!". O grupo, que lançou hits como "She Looks So Perfect" e "Youngblood", subiu ao palco no dia 29 de maio. Após a turnê "The 5 Seconds of Summer Show Tour" em 2023, esta é a turnê mais criativa e extravagante da banda até o momento.

Ao percorrer a arena, os fãs vestiam camisetas antigas da banda e roupas com temática de estrelas. Não há nada como ver uma base de fãs se unindo para apoiar seus artistas favoritos. A criatividade da banda se reflete em seus fãs. Estrelas e roupas alternativas sempre foram um elemento básico no fandom do 5SOS.

O show começou com a energia eletrizante de “NOT OK” e “No. 1 Obsession”. Era possível sentir a empolgação da plateia da pista até a última fileira. As novas músicas, como “Telephone Busy” e “Boyband”, mantiveram a energia lá em cima a noite toda.

Para esta turnê, a banda criou uma persona fictícia inspirada na famosa boy band e em sua trajetória. Durante a era intitulada "The Breakup" (A Separação), cada membro teve seu momento de destaque, apresentando uma música de seus projetos solo. "Starting Line" de Luke Hemmings, "Don't Forget You Love Me" de Calum Hood, "Have You Found What You're Looking For" de Ashton Irwin e "Enough" de Michael Clifford proporcionaram momentos inéditos e memoráveis ​​à noite. Isso demonstrou a individualidade de cada membro em relação à sua música. Sem dúvida, todos são igualmente talentosos.

Uma novidade da 5SOS é a participação dos fãs. Durante a turnê, há dois momentos em que um fã é escolhido aleatoriamente para entregar um prêmio à banda, intitulado "Boyband do Ano". O fã ganha a oportunidade de subir ao palco e conhecer os integrantes. Esse é um momento crucial para a história do show. Eles também incluíram uma música surpresa escolhida pelos fãs. Isso proporciona a mesma emoção de uma música surpresa normal, mas dá aos fãs a chance de opinar sobre quais músicas eles querem que sua banda favorita cante.

Durante a apresentação final da noite, eles relembraram sua história tocando músicas como “Amnesia”, “English Love Affair” e “Jet Black Heart”. Ao homenagear essas canções e fases de sua carreira, eles conseguem conectar seus fãs de diferentes origens, sejam eles os novos admiradores dos álbuns recentes ou aqueles que os acompanham desde o início, em 2011.

A banda tem uma química inegável no palco. Cada membro traz uma energia divertida e fraternal para cada apresentação. As piadas e os esquetes que eles fazem no palco são realmente hilários e surgem naturalmente. É sempre evidente que são
amigos de longa data.

Paul Brett's Sage "Schizophrenia" (1972)

 Após uma série de concertos ininterruptos, gravações para rádio e aparições em prestigiados programas de televisão britânicos (The Old Grey Whistle Test, Top of the Pops da BBC1, etc.), a banda de Paul Brett ganhou fama 

entre os fãs de rock. No entanto, a intensa agenda de turnês e ensaios provou ser demais para o baixista Dick Duffall, que acabou deixando o Paul Brett's Sage . O líder da banda decidiu não procurar um substituto para seu antigo camarada; assim, quando o terceiro (e último) álbum, Schizophrenia, foi lançado, o Paul Brett's Sage tinha a seguinte formação: Paul - vocais, guitarras; Bob Voice - percussão, vocais; Stuart Cowell - guitarra elétrica. E para fornecer suporte polifônico, o maestro Brett convidou o músico de estúdio Rob Young (trompa e piano) e seu grande amigo Dave Lambert (ex- Fire , Strawbs ) para o estúdio. No geral, os músicos foram uma escolha esplêndida e tinham muito a oferecer ao ouvinte.
A intenção de Paul de oferecer uma visão introspectiva de "Custom Angel Man" foi claramente certeira: a música, melódica e empolgante, impressiona com suas passagens de guitarra em alta velocidade, demonstrando a destreza juvenil e o domínio absoluto da banda. Como de costume, também há uma obra pop de "Rodstuart": "Charlene", um legado do compositor de sucessos comerciais John Hutcheson, uma canção agradável e despretensiosa com todos os ingredientes para tocar nas rádios. Os ex-folcloristas consolidam sua nova imagem de roqueiros com a vibrante "Song of Life - Song of Death", repleta de refrões "la, la, la, la". Não é exatamente progressiva, mas cumpre o papel de animar a plateia. As experimentações rítmicas artísticas começam com a brilhantemente executada "Slow Down Ma!", tecida a partir de uma infinidade de nuances (com o excelente baterista Rod Coomis na bateria). Após o rock 'n' roll virtuoso e descomplicado de "Saviour of the World", surge o envolvente estudo instrumental "Limp Willie", no qual Brett e seus colegas satirizam de forma inventiva os cânones da música country americana, subvertendo-os completamente. O sabor folk permeia a peça acústica em várias partes "Tale of a Rainy Night", que introduz a história melodramática de "Take Me Back and I Will Love You", uma surpresa para a PBS . A versão acústica de "Autumn" cativa com sua fusão de melodia rural e sublime qualidade elegíaca, proporcionada pela flauta e o oboé de Rob Young. A comovente balada "Make It Over" em alguns momentos ecoa a brilhante "A Day in the Life" dos Beatles, embora seja interpretada de uma maneira completamente diferente, no estilo blues-rock (gostaria de destacar o acompanhamento de órgão de Dave Lambert).Para começar, temos a delicada instrumental "Bee", tipicamente ao estilo de Brett, e a "saborosa" faixa bônus "Dahlia", orquestrada de acordo com todas as regras do rock sinfônico leve.
Resumindo: uma conclusão bastante decente para a discografia relativamente curta do Sage, de Paul Brett . Algum tempo depois, o antigo líder da banda embarcaria em uma carreira solo, que continua com sucesso (com algumas interrupções) até hoje. Mas esse é um assunto para outra história.

MUISCA&SOM ☝

Happy The Man "Death's Crown" (1999)

 No final da década de 1990, a gravadora americana Cuneiform presenteou os fãs da banda Happy The Man com um verdadeiro presente real: gravações de 1974 a 1976, inéditas em formato de áudio. 

O núcleo do material é a suíte fantástica de 38 minutos "Death's Crown", considerada por muitos críticos de rock a obra mais ambiciosa do HTM . Essa obra de grande escala, composta pelo pianista Frank Wyatt em colaboração com o vocalista/guitarrista Dan Owen, que havia se juntado à banda, foi finalmente realizada no palco como um espetáculo de luzes e música, com o apoio de um grupo de dançarinos. Como a organização de um evento artístico dessa magnitude se mostrou uma tarefa complexa, as apresentações públicas desse espetáculo de rock foram limitadas a algumas poucas performances, após as quais a grandiosa epopeia desapareceu do repertório da banda por um longo período.
Antes de discutir o conteúdo, vale a pena mencionar a qualidade da gravação. Na contracapa do encarte do CD, a editora adverte abertamente: as fitas originais foram preparadas em condições bastante precárias e, para aproximar o som a um mínimo dos padrões modernos, foi realizada uma restauração extremamente complexa da fita master. O resultado é um tanto peculiar: a artificialidade do som estéreo é notável desde os primeiros compassos (os trechos vocais são reproduzidos no canal direito), mas você se acostuma rapidamente, pois as imperfeições na sonoridade são mais do que compensadas pelas estruturas composicionais inventivas. A história, inspirada em lendas medievais, é, por capricho da dupla de autores entrosados, transformada em uma obra-prima dramática e filosófica, dividida em onze capítulos. Os membros da banda fizeram um ótimo trabalho, combinando efeitos psicodélicos com elementos de prog sinfônico à la Genesis (os teclados de Keith Watkins evocam aspectos do estilo de Tony Banks ), um sutil entrelaçamento de instrumentos de sopro, um charmoso pastoralismo romântico e um toque etéreo, quase de conto de fadas. A melodia lírica, enraizada em diversos episódios, remete a outros ingleses notáveis, como o Camel (notavelmente, foi essa formação que recrutou o organista Watkins no final da década de 1970), mas, no geral, HTMEles se mantêm estritamente fiéis à sua fórmula original. A colorida fusão "New York Dream's Suite" é, sem dúvida, familiar para qualquer um que tenha ouvido o álbum de estreia dos nossos heróis. No entanto, aqui, ao contrário da versão posterior, puramente instrumental, ela se apresenta como uma canção completa. A faixa de encerramento, "Merlin of the High Places", é um belíssimo estudo "celta", repleto de passagens de flauta magicamente tocantes e os brilhos "sobrenaturais" do sintetizador Moog do maestro Watkins, as acrobacias de guitarra soberbas de Stanley Whitaker e as nuances precisas da seção rítmica (Rick Kennell no baixo, Mike Beck na percussão); um clássico natural da era "dourada" do prog.
Em resumo: apesar de suas falhas técnicas superficiais, "Death's Crown" pode ser considerado um dos impressionantes ápices da arte do rock sinfônico mundial. Recomendo fortemente a todos os fãs do gênero.

MUSICA&SOM ☝

Sean Lennon - "Into the Sun" (1998)

 

“Sean Lennon inteligentemente se posicionou entre o pop e o experimental, propondo uma ideia caleidoscópica como fizeram os multiculturais dos anos ‘90 Beastie Boys, Beck e Cibo Matto.” 

 Stephen Thomas

A estas alturas, segunda década dos anos 2000, já é possível identificar com clareza quais foram os grandes discos da última década do século passado, os anos 90. Depois dos anos 50, marco do nascimento do rock, dos explosivos e extrapolados ’60, dos psicodélicos e revoltados ’70 e dos criativos e inteligentes ’80, o que restaria à música pop nos ’90? Repetir-se? Não! Alguns artistas souberam recriar e até trazer coisas bem novas. "Broken" , do 9 Inch Nails, "Nevermind" , do Nirvana, ou "Loveless", do My Bloody Valentine, já elencados como Álbuns Fundamentais neste blog, são bons exemplos. “Moon Safari”, do Air, “Odelay”, do Beck, e “Big Calm”, do Morcheeba, provavelmente darão as caras por aqui ainda. Mas mesmo gostando mais de alguns destes, um que a mim marcou muito os anos 90 e com o qual me delicio a cada audição é “Into the Sun”, do cantor, compositor e multi-instrumentista Sean Lennon, o “filho do homem”.
“Into the Sun” é, simplesmente, apaixonante. De sonoridade sofisticada, experimental e com um toque artesanal, o CD de estreia deste abençoado ser – resultado da cruza de John Lennon com Yoko Ono – emenda uma pérola atrás da outra, numa explosão de criatividade e técnica. O referido ar “caseiro” não é à toa: exceto algumas participações, Sean compõe, produz, canta e toca todos os instrumentos. A delicada faixa-título – uma bossa-nova de rara beleza com direito à batida de violão a la João Gilberto – é a única em que divide o microfone, acompanhado de Miho Hatori, vocalista da banda Cibo Matto. A outra integrante deste grupo, a então namorada Yuka Honda, co-produtora e “musa inspiradora” da obra, dá sua contribuição com samples, programações e no vocal de “Two Fine Lovers”, um jazz-lounge funkeado ao mesmo tempo romântico e dançante, e de “Spaceship”, outra das melhores.
Uma peculiaridade que impressiona na música de Sean é a sua capacidade de inventar melodias de voz absolutamente belas. É o caso de “Home”, single do CD que rodava direto na MTV com o ótimo clipe de Spike Jonze. Por trás das guitarradas estilo Sonic Youth e da bateria possante do refrão, a melodia de voz é doce, linda, daquelas de cantar de olhos fechados pra saborear cada frase. Outra assim é “Bathtub”, um mescla de MPB com Beatles em que, novamente, Sean destila sua destreza com a palavra cantada, principalmente na parte final, onde se cruzam três melodias de voz apresentadas durante a faixa.
Eu sei, eu sei! É óbvio que a dúvida surgiria: afinal, a música Sean se parece com a de John? Como TUDO em música pop depois dos  The Beatles, sim; mas, surpreendentemente, menos do que seria normal pela consanguinidade. A voz, claro, lembra o timbre levemente infantil do beatle. Das músicas, “Wasted”, só ao piano e voz, e, principalmente, “Part One of the Cowboy Trilogy”, um country como os que John tinha incrível habilidade ao compor, remetem bastante. Mas fica por aí. No máximo, a parecença conceitual com álbuns do pai como “Plastic Ono Band” ou “Imagine” por conta da diversidade estilística – o que, convenhamos, não era uma característica só de sir. Lennon.
Outra marca de Sean é a composição no violão. Da ótima faixa de abertura, “Mystery Juice”, à balada “One Night”, passando pelas bossas – a já citada “Into the Sun” e “Breeze”, outra belíssima –, ele brande as cordas de nylon para extrair melodias muito pessoais e profundas. A mais intensa destas é, certamente, “Spaceship”, que começa só ao violão sobre ruídos eletrônicos e na qual vão se adicionando outros instrumentos e sons, até estourar em emoção no refrão, com guitarras distorcidas, bateria alta e a voz de Honda no backing. Ótima.
Mas a variedade musical de Sean não pára por aí. Depois de MPB, indie, country e balada, ele apresentaria ainda, se não melhor, a mais bem trabalhada música do álbum: “Photosynthesis”, um jazz-rock instrumental no melhor estilo Art Ensemble of Chicago. Puxado pelo baixo acústico, que mantém a base o tempo inteiro, tem samples, solos de flauta e de piano, até que, depois de um breve breque, a música volta com um impressionante solo de percussão latina e, emendando, um outro de trompete. Incrível! “Sean’s Theme”, mais um jazz, este mais piano-bar, fecha bem “Into the Sun”, que traz ainda “Queue”, um gostoso rock embaladinho que termina sob uma camada densa de guitarras, revelando, mais uma vez, a engenhosidade no trato com a melodia de voz.
Um “disco de cabeceira” para mim, que não canso de reouvir. Um baita disco de rock com a distinção de quem herdou o que de melhor seu pai tinha como gênio da música que foi: a sensibilidade artística.

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vídeo de "Home", Sean Lennon



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FAIXAS:
1. "Mystery Juice"
2. "Into the Sun"
3. "Home"
4. "Bathtub" (S. Lennon/Yuka Honda)
5. "One Night"
6. "Spaceship" (S. Lennon/Timo Ellis)
7. "Photosynthesis"
8. "Queue" (S. Lennon/Y. Honda)
9. "Two Fine Lovers"
10. "Part One of the Cowboy Trilogy"
11. "Wasted"
12. "Breeze"
13. "Sean's Theme"

Todas as músicas de autoria de Sean Lennon, exceto indicadas.
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Ouça:

Sean Lennon Into the Sun

Santigold - "Santogold" (2008)

 

"Apesar de ser o seu primeiro álbum, 

parecia que ela já tinha caído na terra 

como uma superestrela totalmente formada. 

Quero dizer, de onde é que ela veio? 

Como é que alguém pode abranger 

todos os elementos mais excitantes 

do eletrônico, do punk, da new-wave e do reggae 

de forma tão fácil? 

Estas melodias fantásticas, 

e ainda fazer com que pareça que 

mal pestanejou enquanto as compunha.

Ela parecia ser a personificação 

do termo música do futuro 

e a síntese do cool."

Mark Ronson,

produtor musical

A música pop do século XXI, cá entre nós, não é nada, assim, de entusiasmar, não é mesmo? Tirando quem pintou da metade para o final dos anos 90 e entrou no novo século ainda com qualidade, como Björk, Beck, Daft Punk, por exemplo; o pessoal dos anos 80 que tinha uma fórmula eficiente edificada a partir do punk e da ascensão dos sintetizadores, como Depeche Mode, Pet Shop Boys e New Order, que sobreviveram, persistiram e continuaram sendo relevantes; os consagrados, os símbolos, ícones do pop, Prince, Michael Jackson e Madonna, que, influentes e insubstituíveis, continuaram dando as cartas mesmo tempo depois de seus respectivos auges; e gênios, como David Bowie, que conseguiam se reinventar e ainda dar grande contribuição para uma cena pouco inspirada; os anos 2000, de um modo geral, não nos apresentavam nada de especial. De vez em quando até aparecia uma coisa boa, uma Amy Winehouse, por exemplo, mas foi só. E para piorar, mal nos deu o gostinho do seu talento e nos deixou cedo. De resto, muita bunda, muita repetição de fórmula, batidas eletrônicas sempre muito parecidas, muito autotune, rappers mal-encarados, mas nada de novo ou de original.

Mas de vez em quando, mesmo em meio a toda essa pobreza, o universo pop nos presenteia com alguma coisa que vale a pena. Às vezes alguém com talento, criatividade e boas influências nos surpreende e traz alguma coisa que, se não é nova, original, é, no mínimo, interessante. Santigold, multiartista norte-americana, nos apresentava ali, quase no final da primeira década do século XXI, algo um pouco mais que interessante. Seu álbum de estreia "Santogold" (2008) é uma preciosidade repleta de muito do melhor que a música negra pode oferecer. "Santogold" é rhythm'n blues, é soul, é rap, é funk, é raggae, é dub, é blues, é afro. É animado, é melancólico, é seco, é irreverente, é contagiante. Tem glamour, tem força, tem ousadia. Hip-hop, pós-punk, eletrônico, disco, rock, new-wave... Aquele tipo de disco que possui todos os atributos de uma grande obra pop!

"L.E.S. Artistes", a abertura e um dos singles do álbum, já é o cartão de visita mostrando que Santigold está disposta a frequentar todos os terrenos possíveis: inicialmente um pop minimalista bem compassado, marcado na batida, a primeira faixa, ganha força em guitarras no refrão para culminar num pop-rock poderoso. "You'll Find Away", a segunda, é uma típica new-wave elétrica e empolgante; o reggae eletrônico, repleto de elementos e nuances, "Shove It" baixa a rotação das duas anteriores com muito estilo, mas a eletrizante "Say Aha", com sua base agressiva de baixo. logo põe tudo pra cima de novo.

"Creator", o primeiro single do álbum é uma "loucura" maravilhosa! Uma percussão tribal, literalmente selvagem, grunhidos, efeitos eletrônicos alucinados, ecos, um vocal enlouquecido e, dentro de tudo isso, um refrão incrivelmente eficaz. 

"My Superman", outra das joias do disco, é construída sobre, nada mais nada menos, que um sampler de "Red Light", de Siuoxsie and The Banshees, adicionado à sensualidade da nova canção, toda a atmosfera sombria do gótico oitentista.

A propósito de darkismo, "Starstruck", embora mais encaixada na linguagem sonora atual, do hip-hop e afins, também remete ao som do pós-punk dos anos 80. Mas aí, mudando radicalmente, temos "Lights Out", um pop radiofônico saborosíssimo, e a irresistível "Unstoppable, um ragga eletrônico dançante, ao ritmo do qual é impossível ficar parado. Imparável!

A elegante "I'm a Lady" encaminha o final do disco que, por fim, encerra-se com "Anne", um synth-popp sofisticado que só confirma a riqueza da experiência vivida nos últimos 40 minutos. Um baita disco!

Detalhe para a capa. Mais um destaque: uma colagem "tosca" quase ao estilo punk, com a artista expelindo purpurina dourada pela boca.

Vomitando "glamour". 

Precisa dizer mais?

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FAIXAS:

1. L.E.S. Artistes 3:25
2. You'll Find A Way 3:01
3. Shove It 3:46
4. Say Aha 3:35
5. Creator 3:33
6. My Superman 3:01
7. Lights Out 3:13
8. Starstruck 3:55
9. Unstoppable 3:33
10. I'm A Lady 3:44
11. Anne 3:29

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Ouça:

Santigold - Santogold (2008)

Santana - "Abraxas" (1970)

 

“Não dá para tomar LSD e não encontrar sua voz, porque não há onde se esconder."

Carlos Santana

Uma recordação musical legal que eu tenho, ali quando começava a me interessar por música, lá pela metade dos anos 80, na explosão do rock nacional, é de, na antiga casa da minha avó, no bairro Cefer, em Porto Alegre, meu tio Jorge me apresentar ao "Abraxas" (1970) da banda Santana. Chamou a mim e a meu primo Lúcio Agacê para ouvir um cara que segundo ele era "um baita guitarrista". Pirralho, imaturo, achando que o RPM era a melhor coisa que já tinha ouvido,e provavelmente com uma expectativa de ouvir guitarras rascantes, riffs  e levadas ruidosas, não dei o devido valor àquele som. Ouvimos várias faixas, a maior parte eu torci o nariz na época, mas uma em especial me marcou: "Samba Pa Ti", uma balada instrumental swingada e sensual, num crescendo envolvente e com uma guitarra, até para um jovem incrédulo, inegavelmente espetacular. Mas valem destaques também para "Oye Como Va" e para o espetacular blues "Black Magic Woman/Gypsy Queen".
Hoje não há como não reconhecer que aquela guitarra técnica, cheia de embalo, de jazz, de latinidade, foi um marco para o rock mundial e fundamental para a expansão de músicos latinos nesse universo. Maná, Fito Paez, Caifanes e outros devem o fato de figurarem num cenário internacional de música pop/rock a Carlos Santana com a banda que leva seu sobrenome, e que, depois da apresentação marcante em Wodstock especialmente, praticamente abriu as portas para bandas de língua espanhola e ritmos ditos tropicais dentro do rock.


FAIXAS:

1. "Singing Winds, Crying Beasts" (Carabello) – 4:48
2. "Black Magic Woman/Gypsy Queen" (Green/Szabo) – 5:24
3. "Oye Como Va" (Puente) – 4:19
4. "Incident at Neshabur" (Gianquinto/Santana) – 5:02
5. "Se Acabó" (Areas) – 2:51
6. "Mother's Daughter" (Rolie) – 4:28
7. "Samba Pa Ti" (Santana) – 4:47
8. "Hope You're Feeling Better" (Rolie) – 4:07
9. "El Nicoya" (Areas) – 1:32

Miss Lava – Doom Machine

 

Após a entrevista com João Filipe, o vocalista e letrista da banda, fiquei com um elevado nível de expectativa para ouvir na totalidade Doom Machine, o último álbum dos Miss Lava, que foi lançado pela Small Stone Records.

Após um mais orelhudo e potente Sonic Debris, a banda de Lisboa consegue continuar a surpreender e a chegar a novos horizontes sonoros. Este trabalho é mais pesado, mais psicadélico e mais obscuro mas é também muito mais maduro e arriscado que os anteriores. Senti também que foi o álbum onde a banda se livrou mais de qualquer tipo de amarras e deixaram fluir as sinergias entre eles, além de que foi gravado ao vivo em estúdio, mostrando uma química e energia ainda maior. 

Além disso, é o álbum mais sólido e coeso da banda, existindo ainda uma linha sonora, tanto na voz como em todos os instrumentos, que é transversal a todo o disco, necessitando de ser escutado como um todo e não através de músicas soltas, de forma a garantir uma experiência mais gratificante e recompensadora para os fãs deste género.

“Brotherhood of Eternal Love” é uma das melhores faixas do álbum, numa fantástica viagem pelo stoner, rock, metal e psicadélico, conseguindo encapsular de forma notória toda a essência do álbum. “The Oracle” remete-nos para as paisagens desertas de Kyuss e “The Fall” mostra-nos que a banda continua, e bem, a investir em faixas longas e recheadas de estruturas não lineares, conseguindo a proeza de tudo soar perfeito e encaixado no sítio.

É realmente impressionante a forma como os Miss Lava conseguem ainda reinventar-se e oferecer novas sonoridades ao fim de tantos anos. É o álbum mais complexo da banda mas também o mais interessante e rico, onde muitas das músicas soam cada vez melhor ao fim de quatro ou cinco audições, havendo sempre detalhes e novos sons para descobrir.

Doom Machine é possivelmente o melhor trabalho da banda até a data e aquele que mais prazer me deu descobrir. A nível musical, o ano de 2021 não poderia ter começado melhor.

Conferência Inferno – Ata Saturna

 

Os Conferência Inferno são um trio oriundo do Porto, composto por Francisco Lima, Raul Mendiratta e José Miguel Silva. Depois de Bazar Esotérico, um EP de 2019, chega-nos este Ata Saturna pela mão da Lovers & Lollypops.

Aquilo que parece ser o início de um álbum dos Dead or Alive, rapidamente se transforma numa agradável viagem musical com elementos de dance, pop, pós-punk e electrónica, com um toque de Heróis do Mar. Sim, parece estranho, e até é, em certos momentos. Mas não invalida que não seja bom.

A variedade sonora é extensa e é um álbum que pede muita dança. A junção da voz encaixa de forma excelente e o facto de ser cantado em português dá ainda mais destaque à mesma. O poder lírico, que é uma constante em todo o álbum, dá o seu ar de Reininho, mas não em demasia. Apenas o suficiente para percebermos que, também aqui, a letra importa imenso.

Há também um pouco de New Order e de muitas outras bandas deste género, mas  Ata Saturna conseguem a proeza de soar a muita coisa diferente e manter-se original e fresco. As referências estão lá todas, mas conseguem dar o seu toque pessoal, que muitas vezes é o que faz a diferença.

“Sina” é um excelente single e que põe qualquer um a abanar o corpo, enquanto que “Radiação” explora uma vertente mais industrial e pujante. “Não Quero” leva-nos ao fundo de um lugar negro e sombrio, de onde queremos sair e ao mesmo tempo permanecer.

É um álbum recheado de experimentação e desbravamento sonoro. Cada faixa funciona por si só, não existindo uma linha sonora que seja repetitiva, dando aso a um disco mais amplo e diversificado.